圖像語言的秘密：圖像的意義是如何產生的？

導讀

觸動感官與心靈的圖像語言

大一那年修英語語言學，老師是位穿著像英國紳士的神父，有一堂課，不記得什麼原因，可能是接近聖誕節期吧！他拿了許多西方名畫的幻燈片放給大家看，沒有多做解說。只記得在那間關了燈的教室裡，一幅幅色彩斑斕的圖畫接連出現，我深受吸引，彷彿感覺有一股力量在畫裡面召喚著我。

於是，我開始接觸藝術史，尤其是繪畫，漸漸學會欣賞主題與氣氛以外的抽象元素，包括線條、形狀、色彩⋯⋯和畫面布局，從中得到極大的興味。我發現越是耐看的作品，內容與形式的結合越是緊密，即使一看再看，依然找得到新鮮的感受。等到自己當了老師，除了藝術史的教材外，我積極尋找容易理解的圖像理論，就在這時看到了《圖像語言的秘密》當中「小紅帽」的圖例，如獲至寶；同時，我也在兒童圖畫書中發現各種圖像敘事的手法，兩相比對之下，更能解讀畫中訊息，學生和我都深受其益。

圖畫裡的抽象元素，就是圖畫賴以表情達意的語言，又稱為圖像語言，是視覺藝術不可或缺的形式。長久以來，東西方都有藝術家意識到圖像語言的重要，更有藝術家寫下心得，供後代參考，但是對大多數觀眾而言，圖像語言始終是個秘密，不容易參透。二十世紀，隨著抽象藝術和視覺心理學的發展，討論圖像語言的論述愈來愈多，其中有純粹藝術及心理學理論，也有清楚歸納出的抽象元素及其原理，供設計系學生學習運用。

即便如此，多數畫家和插畫家仍憑直覺、經驗和技巧創作，並不接觸這些理論，而莫莉・班也是在畫插畫多年後，才潛心研究圖像語言，她利用剪紙做實驗，經過不斷嘗試，歸納出十種圖畫原理（之後擴充為十二種），對她的創作大有幫助。這些原理淺顯易懂，跟人類的本能與直覺有密切關係，因此連孩子都能透過示範的圖例一步一步了解圖像語言的功能，大大增進他們的視覺素養。至於喜愛藝術、從事創作或是研究藝術的成人，也必定能從中得到新的眼光。

我初次接觸的《圖像語言的秘密》是最早的版本，由Bulfinch/Little Brown 於1991年出版，完整的書名是 ”Picture This: Perception & Composition”， 2003年，毛毛蟲兒童哲學基金會出中文版《圖畫・話圖：知覺與構圖》，由楊茂秀老師翻譯。其實，2000年SeaStar Books曾將英文版改版重出，書名更動為”Picture This: How Pictures Work”，開本由橫長形改為較大的豎直形，並把左頁文、右頁圖的配置改為圖上文下，比例上圖大字小，版面顯得頭重腳輕，加上合併四頁的內容為兩頁，前後兩圖並列在一個跨頁上，破壞了翻頁間預測的趣味，為此毛毛蟲基金會特別徵求作者同意，依據舊的版本翻譯出版。

2016年，Chronicle Books 再次改版重出，作為二十五週年紀念版，就是大家手上的這個版本，書名沿用第二版的 ”Picture This: How Pictures Work”。新的開本接近正方形，改平裝為精裝，版面重新設計，保留初版一頁文、一頁圖的優點，圖片大小也和初版相仿，不過四周留框，以淺灰色鋪底。文字版面也鋪灰底，排版錯落有致，字體和字型都有變化，以突顯作者歸納的圖畫原理，以及解說的重點，方便讀者查閱。此外，印刷的紙張不反光，閱讀起來更覺舒適。

除了開本與版面的改變外，作者莫莉・班也為新版增訂內容，過去她以「小紅帽」為例，整理成十種圖畫原理，包括形狀、位置、色彩、對比、比例等等，現在增補了規律／不規律，及動感兩種原理。此外，在新增的〈從構思到執行〉單元，她把自己的圖畫書《菲菲生氣了——非常非常的生氣》裡的四張圖拿來做例子，說明圖畫怎麼表達不同情緒。《菲菲生氣了》於1999年出版，是作者深入研究圖畫原理之後創作的，因此每個畫面的構成都經過縝密思考。之後，她又拿自己1983年作品《黎明》裡的一張圖為例，說明理解圖畫原理之前，畫家本身的直覺也能幫助她布局，表達故事的情境，只是當時並不知其所以然。

莫莉・班在書裡反覆說明圖畫的抽象元素與人類直覺反應間的關係，的確，我們對於形狀、色彩、線條等等的感受，大都來自真實的感官經驗和對形象的聯想。莫莉・班更提醒我們，其實這些元素也反映出生存本身的渴望與失落、滿足與憂慮、喜悅與恐懼⋯⋯。換句話說，圖畫裡的抽象元素一面勾起感官的直覺反應，一面也觸動人類情感與靈性中無法名狀的感受。如此想來，當年召喚我的，大概就是圖畫裡的這一股力量！

文／宋珮（藝術工作者）

前言

過去，我很以童書作家和插畫家的身分自得。有一天，我正在家裡速寫身邊的東西，有一位老朋友里翁（Leon Shiman）來看我。里翁建議我不要只畫單一的東西，要把不同的東西組合在一起畫。可是我愈是努力畫出整體的面貌，愈是不知道如何是好。當我們看著我的畫，一起討論的時候，里翁說：「其實你並不懂得圖畫的原理，對不對？」

沒錯，我不懂。我不懂圖畫的結構，我甚至不懂「圖畫結構」是什麼意思。那麼，我可以學嗎？

於是我去跟一位藝術家莎娃・摩根（Sava Morgan）學畫，她在紐約教學多年。我開始閱讀藝術和藝術心理學的書。我去美術館和畫廊觀賞圖畫，並且試著弄清楚我對它們的感覺，同時也去了解那些畫到底想表達什麼。然後，我決定跟女兒三年級那一班的小朋友一起畫圖，期望能夠透過教導來學習，畢竟教學相長是不變的道理。

和小朋友一起畫畫的時候，我發現我想要畫一些能夠清楚表達情緒的圖畫，同時又希望畫面很單純。我決定為〈小紅帽〉作插圖，因為這是每個人都熟悉的故事，而且我知道只要用幾個銳角三角形就可以讓大野狼現身。我採用四種顏色的色紙，紅、黑、淡紫和白色，剪出簡單的形狀。當孩子們告訴我怎麼可以讓一幅畫看起來更恐怖，或者是更舒服的時候，我們發現其實我們早就知道，圖畫和感覺之間有一些關聯，只是還沒有為它們定義而已。

對三年級的小朋友而言，這樣的課程並不是特別有用，因為他們覺得剪色紙太像幼兒園的孩子做的事，而他們已經三年級了！他們比較想知道怎麼把東西畫得像真的一樣。可是我知道我找到了可以繼續發展的課題，於是我把剪刀和色紙帶回家，繼續的裁剪、排列、觀看和思考。我開始看清楚圖畫上的一些元素會影響我們的感覺。

很快的，我想要看看我發現的原理，是不是可以讓其他人用在圖畫上。顯然比較小的兒童懂得這些原理，但他們對於怎麼把抽象的幾何形和情緒表達結合在一起，沒有多大興趣，因此我轉而去教八年級和九年級的學生，然後教成人。他們的作品讓我相信，任何人都可以運用幾種明確的圖畫原理，做出非常有力的視覺表述，也就是在畫面上藉著形狀建構出情緒感受。

我把我的心得寫下來，寄給美國藝術心理學的權威魯道夫・安海姆（Rudolf Arnheim），因為他寫的書給我最多幫助。我很快收到他非常客氣的回信，說他喜歡我的書，還說他有一些建議，介不介意讓他寫在紙上空白的地方。介意？怎麼可能，我請求他一定要寫，儘量寫。他把我的手稿寄回來，幾乎每一頁上面都有他的手跡，每一句都深具見地，給我啟發，於是我把這些都加到我的書裡面。

到此，我感覺我找到了一些非常基本的原理，不過我還不確切知道那是什麼，所以當我把增訂版的手稿寄給安海姆的時候，我請教他是否可以告訴我，我到底做了什麼。他的回信是這樣的：

你的書最特別、最突出的地方是不以幾何原理來運用幾何形，如果是那樣，就沒有什麼新意了；你也不是以心理學教科書裡的純感覺來討論，而是把幾何形當作充滿活力的表達方式。你談到戲劇性的視覺力量如何發揮作用，如何用大小、方向、對比展現出自然的運作和人類的行為，因此你的故事在每一個頁面上都顯得生動無比。你把所有的形狀都變得像木偶或是原始木雕一樣有力量，你沒有捨棄它們的抽象性，反而是開發它們原本具有的力量⋯⋯你把這個童話故事可愛美好的成分拿掉，把它簡化到最根本的感覺；你也把童稚的部分去除，保留並且強化從視覺感官去感知的人類基本活動。你拿掉可愛的部分，留下了〈小紅帽〉裡鮮明的、讓人激動的成分，幫助我們用直接、純粹的視覺去感受和經驗。

這封信讓我很興奮，即使我並不完全明白裡面的意思，它確確實實肯定了我感受到的一切；我了解了一些關乎情緒和觀看圖畫之間的基本關聯。從那以後，我一直反覆思考安海姆給我的答案，也一直在思索當我看到這些原則浮現，還有這本書逐漸成形的時候，到底有什麼感想。對我而言，這本書探索了一個問題，也是唯一的問題：

一幅畫的構成，
或是任何一種視覺藝術的結構，
是如何影響我們的情緒反應？