I人聲到處是何似—歌唱的心理層面(節錄)
十三、美聲歌唱技巧(Bel Canto)
西方美聲唱法(bel canto) 的歷史大約一百五十多年，目前已成為全世界古典音樂界歌劇藝術歌曲舞台上主要的發聲演唱方式，它的聲樂學習技巧可以提供給任何運用身體機轉歌唱的人一個良好的參考，在擴大聲樂基礎之後可以應用在不同形式的歌唱技巧上，當然包括音樂劇、合唱團或其他流行唱法。事實上在十八至十九世紀的歐洲並沒有所謂的「美聲歌唱技巧」一詞，當代也沒有對如此的唱法有所歸納，具Pleasants 所述最早出現的線索來自《牛津英語辭典》(The Oxford English Dictionary) 於1908 年的定義（但事實上可能更早，沒有辦法確定），它引用了《紐約每日紀事報》(New York Daily Chronicle) 其中一篇報導說明：「⋯⋯大家不喜歡華格納，於是傾向義大利美聲唱法。」十九世紀的華格納風潮席捲歐洲，很多樂評家開始認為華格納歌手唱得並不優美，另一方面華格納主義者則認為僅僅優美是不夠力量的，宏大寬廣的聲音才能震撼人心；所以可能的推論則是美聲唱法比較是非華格納派的。但是還是得回到歐洲歌唱表演的源頭—場地的設計，聲樂藝術在十七、十八世紀開始盛行，在當時劇院場館規劃即為「抒情劇院」(lyric theater)，很多的歷史學家以此稱之為「美好的歌唱年代」(the age of bel canto)(Pleasants, p19-21)。美聲唱法不是突然出現的一個樂派師門，而是經年累月所產生的一種歌唱習慣，是比較親民的歌唱形式且是大眾聽覺可以接受與可受訓練的發聲歌唱法。現今所有的歌謠本來源於自然田野與當地風俗民情，而歌者基於在地文化衍生了應有的歌詞與發音，正確道地的發音才能表現出該民族的歌曲特性，美聲教學是一個輔佐歌唱方法的技術，讓歌者無論詮釋任何歌曲皆可以在一定的根基下，適切舒適且自然地表達。東方人學習西方美聲法需克服原母語的影響，以下為美聲唱法的特性，一一說明。
（一）腔調
美聲唱法追求音色圓潤而明亮，所以在聲音上有很多的要求，如：呼吸的方式、統一的喉型、相同的音色等。這也是美聲學派的大師們所強調「母音的純正」。例如：西方人認為美聲上純正的母音[a]，應該是口型保持[a] 的形狀，口腔的部分要帶點[o] 或[u] 的外型成分，加上氣息的支持。但美聲唱法的語言和我們目前國語發音有很大的差異。母音是歌者的靈魂之聲，母音、舌頭、下巴及嘴唇牽動著共鳴點的空間。義大利的美聲學派認為，優美的歌唱是建立在義大利文的五個單母音[a, e, i, o, u] 上，而這五個母音中的[a]、[o] 和[u] 屬於寬母音，[e]和[i] 屬於窄母音。一般來說，[e] 和[i] 容易唱得太扁太窄，著力點會過於集中在舌尖部分，[a]、[o] 和[u] 則比較偏向舌頭後半部。在歌唱時各種母音的變換，就會連動聲音的位置，為避免忽前忽後的狀況出現，破壞了音色的連貫性，因此建議口腔內舌尖的位置、發聲的著力點可稍作改變，將舌尖輕觸下門牙之下牙齦線上放鬆不捲縮，舌頭整體位置稍稍往前方移，然後保持好這樣的狀態，如此可讓母音的替換更為方便，更可以保持音色的統一，達到美聲的音響效果。讀者可以唱[a] 來做不同的聲響測試，一個是舌尖放在下牙齦的[a]，一個是舌頭往後縮放在中間的[a]，仔細辨聽，母音的音色也隨之轉換不同了。
（二）伴奏形式
義大利藝術歌曲的創作和發展淵源久遠。義大利有傳統的歌唱歷史，悠久而精良的教學系統，自中世紀〈敘事歌曲〉(Canzone Narrativa)、〈史詩詠唱〉(Epico-lirica) 的流傳，到十五、十六世紀的〈牧歌〉(Madrigale)、〈敘事曲〉(Ballata)、〈鄉村歌曲〉(Frottola)、〈詩樂曲〉(Strambotto)、〈歌曲〉(Canzone)。十八世紀時擁有成果更豐碩的聲樂作品，其中還包含有歌劇的〈宣敘調〉(Recitative) 和〈詠嘆調〉(Aria)。隨著歲月一個世紀又一個世紀不斷地推移，人們對於聲樂藝術的要求與欣賞水準也越來越高，使聲樂技巧不斷向前推進。因此獨唱曲開始有了伴奏樂器，擺脫單調、枯燥與乏味的單旋律束縛，使聲樂藝術在器樂的伴奏下，更能表達深刻又細膩的思想情感。在器樂的伴奏上也由簡易的器樂伴奏發展到有小型樂團的伴奏，隨著欣賞人口的增多與音樂廳的擴建，樂團式的歌劇演出使聲樂和器樂的配合達到更密切相接的結果。聲樂也因此到達了超高技巧的程度，加上器樂改良技術不斷進步，為日後的歌劇發展和繁榮奠定了音色恢弘的效果。
（三）呼吸
十七、十八世紀的西方聲樂教材中非常強調氣息的支撐與運用。歌者在演唱時必須時時刻刻地留意自己的呼吸與氣息，才能達到美聲的境界。有正確的呼吸與氣息支撐是美聲唱法的第一步。所謂正確的呼吸，就是用最原始自然的方法來吸氣與吐氣，（基本的呼吸方式可以平躺／靜坐／站立來體驗，歌唱是把呼吸方式在表演動作上做得更明顯），通常也稱為腹式呼吸或胸腹式呼吸。如同自然歌唱的呼吸法一般，利用胸、腹、橫膈膜聯合加上全身筋肉之協調合作的一種呼吸方式。吸氣時，胸腔下半部（第六根肋骨以下）保持自然擴張，此時橫膈膜自動往下提供胸腔更多吸氣空間，腰部四周膨脹，腹部也是保持有彈力的膨脹。而呼氣（吐氣）時需要利用氣息的力量稍稍頂住腹部肌肉，使腹肌逐漸往內收縮，不可消氣吐氣太快，這樣會突然失去支撐的力量(support) 導致樂句虛空聽不清楚。氣息吸得深，聲音呈現才能自然，也才能達到聲情並茂的良好演唱狀態。呼吸太淺，聲音氣息就會比較集中在上胸的部分；另外以生理學觀點來看，此時的喉頭位置上升，就會偏向喉音。氣息與喉頭位置之間的關係是極為維妙而又互為因果：喉頭位置太過上升，氣息會較淺，會呈現出較為亮而尖銳的音色；反之，喉頭位置過分下降，氣息會較深，會呈現出較為暗而空的音色。十七世紀的美聲唱法在呼吸上，強調「歌唱時要保持吐氣的狀態」，在吐氣時（即歌唱時）兩肋及腰部四周則要保持住吸滿氣息的張力狀態以應變支撐音色，喉頭也要能保持在容易吸氣的適中位置，這是美聲唱法的首要。讀者可以平日在練唱前做呼吸練習，吸氣的時候深吸一口氣感覺氣流如同清涼水流進入呼吸道—肺部—腹部，想像再往下延伸到無盡的地下直到氣息自然消逝；吐氣的時候緩緩吐出，務必控制吐氣速度，腹部略略施力增強裡外的氣壓抗衡力點，直到氣息自然消逝。
（四）音調色澤
美聲唱法有別於其他歌唱發聲法，最主要的特徵在於它所呈現的音質：美聲唱法的音質豐滿、明亮，帶金屬色彩，具有穿透力，聽起來鬆弛卻又圓潤。這樣的音質含有較多的高泛音，呈現出明亮的音色，同時又飽含良好的共鳴，音色非常明亮光輝；隨歌詞變化給人時而燦爛華麗，時而柔和內蘊的光澤，無論如何都是保持明亮音色。良好的音色是需要在許多條件相互配合下努力練習才有的完美呈現。每位歌者要找出自己的音色特色，並搭配適合自己的曲目，由適當的曲目把自身音色以美聲唱法發揮到最大值。
（五）音量
十七世紀的音樂廳如前所述，是1,000 席到1,400 席之間的抒情劇院，在講求藝術歌曲的精緻與鋼琴線條的時代，音量大小不是美聲時代所要求的唯一，當時的創作較著重於優美的旋律線條，對音量追求的是樂句中的強烈對比性與色彩渲染能力，然而音量不是欣賞的絕對理由。到了十八世紀的聲樂表現，也不強調音量宏大，反而追求表現更複雜精緻的花腔技巧與繁飾的旋律；而當時對於聲音的要求，則要求靈巧且具彈性，因此對歌者在技巧上講究演唱快速樂句及各種裝飾音。美聲樂派訓練音量的變化，是由單音開始練習：首先練習在單音上做漸強與漸弱的聲量變化，不是靠喉嚨的使勁推動或是放鬆來調節，而是利用氣息來作音量上的變化。喉型和口腔基本上保持原狀，不隨意變動，利用呼吸來調整音量的大小，切莫以喉部肌肉的力量去推。在演唱時必須注意音樂的風格、樂句的旋律線和樂曲的氛圍，所以有一些適度的語氣和音量上的變化還是必要的。十七、十八世紀的美聲學派，反對一味追求音量而忽略了音質的優劣，認為良好的音質就是良好發聲的反映，如果聲帶健康並與氣息配合得當，共鳴位置正確肌肉不緊繃，不但音質會改善，音量也自然會增大。不過現今的音樂廳都有上千人的座位，所以小音量的歌手在大廳堂裡的聲響效果可能是有限的，在意音量的同時應該更重視音質。
（六）共鳴
美聲唱法對於共鳴的要求，屬於一種整體共鳴的技巧。所謂的整體共鳴是建立在頭腔共鳴、口腔共鳴與胸腔共鳴三位一體共鳴的基礎上。利用人體這個大共鳴腔，將人的三個聲區統一起來，達到音色相同、音質一致的情況，繼而形成具穿透力的音量。共鳴腔不在於大小，而在於如何使一個共鳴體能夠產生正確的共鳴（當然如果共鳴體大又唱得好，那就是相得益彰，如虎添翼）。人類藉著意識操縱的器官—咽腔、喉腔，來作共鳴腔空間的找尋，通常個別課間老師常以「打哈欠的狀態」舉例來找共鳴的感覺，確實最為理想也容易讓學生理解：上下顎自然張開，避免下顎往前伸，喉頭位置固定，才能發出響亮而圓潤的聲音。美聲唱法中以關閉(closed) 唱法為盛行（也有人以「覆蓋式唱法」來說明），為的是要統一聲區，消除中聲區到頭聲區的破裂音（換聲點），若無以關閉唱法來唱，則高音會變扁又直白，形成一種像是喊叫的感覺。關閉唱法對於男聲的高音較為困難，而女聲音域較高，中聲區與高聲區已經處於混合共鳴的狀態下，所以對女聲來說這種唱法比較容易。這樣的練習不是把喉頭緊閉，而是要提高軟口蓋，在全身筋肉控制氣息與力度下，將聲音改變成較暗的音色，讓聲音很流暢地進入頭聲區。讀者可以試著唱高音La(A4 )，然後再改發成Nng[ŋ] 的音（類似humming 的概念），此時就會體驗到關閉唱法了。找到共鳴點後持續練習直到肌肉已熟悉共鳴位置。關閉唱法是男高音解決高音的關鍵，也是男高音發聲技術中解決高音時最巧妙而又最難掌握的技巧，共鳴感覺也是聲樂教學中最難教的其中一部分，唯再三苦練方能體會。
（七）音域
義大利歌唱的發展在音域上也不斷地擴充，對人聲的分工逐漸邁向深入精緻的階段，根據人聲的音域，將男聲分為高音、中音、低音等等；女聲分為高音、中音、低音等。再根據人聲音色的特質，將男聲分為抒情的和戲劇的；女生則分為花腔的、抒情的及戲劇的。這樣的分類，讓男女聲的高、中、低音等各具特點的音色，得以充分發揮，讓歌唱者們的發展前途更為寬廣。歌者找到自己的音域並不難，最重要的是，如何在適合音域中發揮最好的音色、在最舒適的音高範圍唱出最漂亮的音符，才是最重要的。
從嬰兒到兒童時期就自然會張口嘴巴咿咿呀呀歌唱，歌唱是人類的本能，而唱歌也確實對心理發展具有正面幫助。身為歌者，了解唱歌的好處實在一言難盡，可以的話人人都應該要有唱歌的體驗，比如在合唱團、社區歌唱班等，讓自己有幾首好歌曲帶在身上可以偶爾發揮，以下是唱歌的其中一些好處，更多的優點只有自己親身開口唱方能體驗。
1. 呼吸中體會快樂氧氣：唱歌需要深呼吸，氣息吐納有助於提高肺部和呼吸系統的循環代謝，更有助於提高身體的氧氣供應並進而提升血液中的一氧化氮。
2. 強化語言發音：唱歌可以一再練習發音咬字，學習多國語言歌詞不僅能體會他國文學之美，更可以訓練唇齒舌口語表達的清晰能力。
3. 增加自信：面對群眾歌唱需要不斷練習姿態、詮釋等諸多技巧，還要克服內心站上舞台的焦慮與面對觀眾的勇氣。久而久之能夠增加個人自信與成熟魅力，舉手投足間都是時間的歷練，自己也感到成就感與對生命的滿足。
歌唱是一種獨特的藝術其結合了所有身體器官的活動（包括大腦），聲樂老師必須找到以科學為基礎的機能加以清晰明瞭的教學方式，驗證示範給學生思考歌唱的本質。每一位學生都有自己的生活背景與感知體驗，聲樂教育以每一位學生聲音的獨特性為基礎，有道是「因材施教」，彈性靈活運用適性教學方法，讓不同領域唱歌的人對歌唱產生信心與成就，就是聲樂教育的最終目的。
十三、美聲歌唱技巧(Bel Canto)
西方美聲唱法(bel canto) 的歷史大約一百五十多年，目前已成為全世界古典音樂界歌劇藝術歌曲舞台上主要的發聲演唱方式，它的聲樂學習技巧可以提供給任何運用身體機轉歌唱的人一個良好的參考，在擴大聲樂基礎之後可以應用在不同形式的歌唱技巧上，當然包括音樂劇、合唱團或其他流行唱法。事實上在十八至十九世紀的歐洲並沒有所謂的「美聲歌唱技巧」一詞，當代也沒有對如此的唱法有所歸納，具Pleasants 所述最早出現的線索來自《牛津英語辭典》(The Oxford English Dictionary) 於1908 年的定義（但事實上可能更早，沒有辦法確定），它引用了《紐約每日紀事報》(New York Daily Chronicle) 其中一篇報導說明：「⋯⋯大家不喜歡華格納，於是傾向義大利美聲唱法。」十九世紀的華格納風潮席捲歐洲，很多樂評家開始認為華格納歌手唱得並不優美，另一方面華格納主義者則認為僅僅優美是不夠力量的，宏大寬廣的聲音才能震撼人心；所以可能的推論則是美聲唱法比較是非華格納派的。但是還是得回到歐洲歌唱表演的源頭—場地的設計，聲樂藝術在十七、十八世紀開始盛行，在當時劇院場館規劃即為「抒情劇院」(lyric theater)，很多的歷史學家以此稱之為「美好的歌唱年代」(the age of bel canto)(Pleasants, p19-21)。美聲唱法不是突然出現的一個樂派師門，而是經年累月所產生的一種歌唱習慣，是比較親民的歌唱形式且是大眾聽覺可以接受與可受訓練的發聲歌唱法。現今所有的歌謠本來源於自然田野與當地風俗民情，而歌者基於在地文化衍生了應有的歌詞與發音，正確道地的發音才能表現出該民族的歌曲特性，美聲教學是一個輔佐歌唱方法的技術，讓歌者無論詮釋任何歌曲皆可以在一定的根基下，適切舒適且自然地表達。東方人學習西方美聲法需克服原母語的影響，以下為美聲唱法的特性，一一說明。
（一）腔調
美聲唱法追求音色圓潤而明亮，所以在聲音上有很多的要求，如：呼吸的方式、統一的喉型、相同的音色等。這也是美聲學派的大師們所強調「母音的純正」。例如：西方人認為美聲上純正的母音[a]，應該是口型保持[a] 的形狀，口腔的部分要帶點[o] 或[u] 的外型成分，加上氣息的支持。但美聲唱法的語言和我們目前國語發音有很大的差異。母音是歌者的靈魂之聲，母音、舌頭、下巴及嘴唇牽動著共鳴點的空間。義大利的美聲學派認為，優美的歌唱是建立在義大利文的五個單母音[a, e, i, o, u] 上，而這五個母音中的[a]、[o] 和[u] 屬於寬母音，[e]和[i] 屬於窄母音。一般來說，[e] 和[i] 容易唱得太扁太窄，著力點會過於集中在舌尖部分，[a]、[o] 和[u] 則比較偏向舌頭後半部。在歌唱時各種母音的變換，就會連動聲音的位置，為避免忽前忽後的狀況出現，破壞了音色的連貫性，因此建議口腔內舌尖的位置、發聲的著力點可稍作改變，將舌尖輕觸下門牙之下牙齦線上放鬆不捲縮，舌頭整體位置稍稍往前方移，然後保持好這樣的狀態，如此可讓母音的替換更為方便，更可以保持音色的統一，達到美聲的音響效果。讀者可以唱[a] 來做不同的聲響測試，一個是舌尖放在下牙齦的[a]，一個是舌頭往後縮放在中間的[a]，仔細辨聽，母音的音色也隨之轉換不同了。
（二）伴奏形式
義大利藝術歌曲的創作和發展淵源久遠。義大利有傳統的歌唱歷史，悠久而精良的教學系統，自中世紀〈敘事歌曲〉(Canzone Narrativa)、〈史詩詠唱〉(Epico-lirica) 的流傳，到十五、十六世紀的〈牧歌〉(Madrigale)、〈敘事曲〉(Ballata)、〈鄉村歌曲〉(Frottola)、〈詩樂曲〉(Strambotto)、〈歌曲〉(Canzone)。十八世紀時擁有成果更豐碩的聲樂作品，其中還包含有歌劇的〈宣敘調〉(Recitative) 和〈詠嘆調〉(Aria)。隨著歲月一個世紀又一個世紀不斷地推移，人們對於聲樂藝術的要求與欣賞水準也越來越高，使聲樂技巧不斷向前推進。因此獨唱曲開始有了伴奏樂器，擺脫單調、枯燥與乏味的單旋律束縛，使聲樂藝術在器樂的伴奏下，更能表達深刻又細膩的思想情感。在器樂的伴奏上也由簡易的器樂伴奏發展到有小型樂團的伴奏，隨著欣賞人口的增多與音樂廳的擴建，樂團式的歌劇演出使聲樂和器樂的配合達到更密切相接的結果。聲樂也因此到達了超高技巧的程度，加上器樂改良技術不斷進步，為日後的歌劇發展和繁榮奠定了音色恢弘的效果。
（三）呼吸
十七、十八世紀的西方聲樂教材中非常強調氣息的支撐與運用。歌者在演唱時必須時時刻刻地留意自己的呼吸與氣息，才能達到美聲的境界。有正確的呼吸與氣息支撐是美聲唱法的第一步。所謂正確的呼吸，就是用最原始自然的方法來吸氣與吐氣，（基本的呼吸方式可以平躺／靜坐／站立來體驗，歌唱是把呼吸方式在表演動作上做得更明顯），通常也稱為腹式呼吸或胸腹式呼吸。如同自然歌唱的呼吸法一般，利用胸、腹、橫膈膜聯合加上全身筋肉之協調合作的一種呼吸方式。吸氣時，胸腔下半部（第六根肋骨以下）保持自然擴張，此時橫膈膜自動往下提供胸腔更多吸氣空間，腰部四周膨脹，腹部也是保持有彈力的膨脹。而呼氣（吐氣）時需要利用氣息的力量稍稍頂住腹部肌肉，使腹肌逐漸往內收縮，不可消氣吐氣太快，這樣會突然失去支撐的力量(support) 導致樂句虛空聽不清楚。氣息吸得深，聲音呈現才能自然，也才能達到聲情並茂的良好演唱狀態。呼吸太淺，聲音氣息就會比較集中在上胸的部分；另外以生理學觀點來看，此時的喉頭位置上升，就會偏向喉音。氣息與喉頭位置之間的關係是極為維妙而又互為因果：喉頭位置太過上升，氣息會較淺，會呈現出較為亮而尖銳的音色；反之，喉頭位置過分下降，氣息會較深，會呈現出較為暗而空的音色。十七世紀的美聲唱法在呼吸上，強調「歌唱時要保持吐氣的狀態」，在吐氣時（即歌唱時）兩肋及腰部四周則要保持住吸滿氣息的張力狀態以應變支撐音色，喉頭也要能保持在容易吸氣的適中位置，這是美聲唱法的首要。讀者可以平日在練唱前做呼吸練習，吸氣的時候深吸一口氣感覺氣流如同清涼水流進入呼吸道—肺部—腹部，想像再往下延伸到無盡的地下直到氣息自然消逝；吐氣的時候緩緩吐出，務必控制吐氣速度，腹部略略施力增強裡外的氣壓抗衡力點，直到氣息自然消逝。
（四）音調色澤
美聲唱法有別於其他歌唱發聲法，最主要的特徵在於它所呈現的音質：美聲唱法的音質豐滿、明亮，帶金屬色彩，具有穿透力，聽起來鬆弛卻又圓潤。這樣的音質含有較多的高泛音，呈現出明亮的音色，同時又飽含良好的共鳴，音色非常明亮光輝；隨歌詞變化給人時而燦爛華麗，時而柔和內蘊的光澤，無論如何都是保持明亮音色。良好的音色是需要在許多條件相互配合下努力練習才有的完美呈現。每位歌者要找出自己的音色特色，並搭配適合自己的曲目，由適當的曲目把自身音色以美聲唱法發揮到最大值。
（五）音量
十七世紀的音樂廳如前所述，是1,000 席到1,400 席之間的抒情劇院，在講求藝術歌曲的精緻與鋼琴線條的時代，音量大小不是美聲時代所要求的唯一，當時的創作較著重於優美的旋律線條，對音量追求的是樂句中的強烈對比性與色彩渲染能力，然而音量不是欣賞的絕對理由。到了十八世紀的聲樂表現，也不強調音量宏大，反而追求表現更複雜精緻的花腔技巧與繁飾的旋律；而當時對於聲音的要求，則要求靈巧且具彈性，因此對歌者在技巧上講究演唱快速樂句及各種裝飾音。美聲樂派訓練音量的變化，是由單音開始練習：首先練習在單音上做漸強與漸弱的聲量變化，不是靠喉嚨的使勁推動或是放鬆來調節，而是利用氣息來作音量上的變化。喉型和口腔基本上保持原狀，不隨意變動，利用呼吸來調整音量的大小，切莫以喉部肌肉的力量去推。在演唱時必須注意音樂的風格、樂句的旋律線和樂曲的氛圍，所以有一些適度的語氣和音量上的變化還是必要的。十七、十八世紀的美聲學派，反對一味追求音量而忽略了音質的優劣，認為良好的音質就是良好發聲的反映，如果聲帶健康並與氣息配合得當，共鳴位置正確肌肉不緊繃，不但音質會改善，音量也自然會增大。不過現今的音樂廳都有上千人的座位，所以小音量的歌手在大廳堂裡的聲響效果可能是有限的，在意音量的同時應該更重視音質。
（六）共鳴
美聲唱法對於共鳴的要求，屬於一種整體共鳴的技巧。所謂的整體共鳴是建立在頭腔共鳴、口腔共鳴與胸腔共鳴三位一體共鳴的基礎上。利用人體這個大共鳴腔，將人的三個聲區統一起來，達到音色相同、音質一致的情況，繼而形成具穿透力的音量。共鳴腔不在於大小，而在於如何使一個共鳴體能夠產生正確的共鳴（當然如果共鳴體大又唱得好，那就是相得益彰，如虎添翼）。人類藉著意識操縱的器官—咽腔、喉腔，來作共鳴腔空間的找尋，通常個別課間老師常以「打哈欠的狀態」舉例來找共鳴的感覺，確實最為理想也容易讓學生理解：上下顎自然張開，避免下顎往前伸，喉頭位置固定，才能發出響亮而圓潤的聲音。美聲唱法中以關閉(closed) 唱法為盛行（也有人以「覆蓋式唱法」來說明），為的是要統一聲區，消除中聲區到頭聲區的破裂音（換聲點），若無以關閉唱法來唱，則高音會變扁又直白，形成一種像是喊叫的感覺。關閉唱法對於男聲的高音較為困難，而女聲音域較高，中聲區與高聲區已經處於混合共鳴的狀態下，所以對女聲來說這種唱法比較容易。這樣的練習不是把喉頭緊閉，而是要提高軟口蓋，在全身筋肉控制氣息與力度下，將聲音改變成較暗的音色，讓聲音很流暢地進入頭聲區。讀者可以試著唱高音La(A4 )，然後再改發成Nng[ŋ] 的音（類似humming 的概念），此時就會體驗到關閉唱法了。找到共鳴點後持續練習直到肌肉已熟悉共鳴位置。關閉唱法是男高音解決高音的關鍵，也是男高音發聲技術中解決高音時最巧妙而又最難掌握的技巧，共鳴感覺也是聲樂教學中最難教的其中一部分，唯再三苦練方能體會。
（七）音域
義大利歌唱的發展在音域上也不斷地擴充，對人聲的分工逐漸邁向深入精緻的階段，根據人聲的音域，將男聲分為高音、中音、低音等等；女聲分為高音、中音、低音等。再根據人聲音色的特質，將男聲分為抒情的和戲劇的；女生則分為花腔的、抒情的及戲劇的。這樣的分類，讓男女聲的高、中、低音等各具特點的音色，得以充分發揮，讓歌唱者們的發展前途更為寬廣。歌者找到自己的音域並不難，最重要的是，如何在適合音域中發揮最好的音色、在最舒適的音高範圍唱出最漂亮的音符，才是最重要的。
從嬰兒到兒童時期就自然會張口嘴巴咿咿呀呀歌唱，歌唱是人類的本能，而唱歌也確實對心理發展具有正面幫助。身為歌者，了解唱歌的好處實在一言難盡，可以的話人人都應該要有唱歌的體驗，比如在合唱團、社區歌唱班等，讓自己有幾首好歌曲帶在身上可以偶爾發揮，以下是唱歌的其中一些好處，更多的優點只有自己親身開口唱方能體驗。
1. 呼吸中體會快樂氧氣：唱歌需要深呼吸，氣息吐納有助於提高肺部和呼吸系統的循環代謝，更有助於提高身體的氧氣供應並進而提升血液中的一氧化氮。
2. 強化語言發音：唱歌可以一再練習發音咬字，學習多國語言歌詞不僅能體會他國文學之美，更可以訓練唇齒舌口語表達的清晰能力。
3. 增加自信：面對群眾歌唱需要不斷練習姿態、詮釋等諸多技巧，還要克服內心站上舞台的焦慮與面對觀眾的勇氣。久而久之能夠增加個人自信與成熟魅力，舉手投足間都是時間的歷練，自己也感到成就感與對生命的滿足。
歌唱是一種獨特的藝術其結合了所有身體器官的活動（包括大腦），聲樂老師必須找到以科學為基礎的機能加以清晰明瞭的教學方式，驗證示範給學生思考歌唱的本質。每一位學生都有自己的生活背景與感知體驗，聲樂教育以每一位學生聲音的獨特性為基礎，有道是「因材施教」，彈性靈活運用適性教學方法，讓不同領域唱歌的人對歌唱產生信心與成就，就是聲樂教育的最終目的。
