左撇子女孩創作之路

1. 電影想法Q&A

Q9. 與過往一樣，這部片也採獨立製作。獨立製作有什麼樣的優勢？
　　為了呈現《左撇子女孩》最真實的質地，這部片全程都用非常精簡的劇組拍攝，因為我們所有場景都是在真實地點取景。由於拍攝地點多為狹窄的公寓、巷弄，以及正在營業的夜市攤位，所以小組作業的模式能讓我們保持低調、提高機動性，並盡可能地保留那裡原本的節奏與能量。
　　我花了一些時間挑選那些能夠親自動手的主創人員，因為獨立製作的拍攝作業方式，需要每個人都願意跨出自己的頭銜與職稱，去實際互助並解決問題。我們將劇組人數控制在了二十人左右，每一個部門的人員都非常有責任心、主動認真，他們共同努力，確保整體品質、調性和節奏不偏離初衷。
　　記得第一天在夜市開始拍攝時，劇組設好麵攤就照慣例圍在對面stand by。然而，不到五分鐘，路過的客人全都停下腳步，聚集在攤位前不願離開，因為一群黑衣人聚集在一起，很快就讓大家看出來我們正在拍電影。那天的拍攝不太順利，毛片也完全不能用。從那天起，我就要求劇組成員避免穿著全黑的T恤到現場，要穿得像真正在逛夜市的人，隱身在人潮之中，不要影響夜市的正常運作。在夜市的現場實際拍攝時，劇組包含我自己最多只能有六個人。我刻意讓現場團隊維持在最小規模與高度機動，真正地融入環境，捕捉最真實的狀態。我的目標是觀察而非介入，讓情感自然浮現，這正是獨立製作最大的優勢；以最靈活、隱蔽的方式工作，更貼近片中角色與場景，而不被龐大繁複的製作流程所束縛。拍到後來，我們真的完全融入夜市環境，竟然有客人以為我們的麵攤正在營業，向蔡淑臻（飾演淑芬）點了一碗麵。

Q10. 拍攝電影的過程中，有發生什麼特別印象深刻的事嗎？
　　我仍然清晰地記得其中兩場戲。第一場是第一次演戲的馬士媛（飾演宜安），當時她要在浴室裡完成一場情緒非常激烈的哭戲。我原本很擔心她會不會因為太緊張而無法充分表現出情緒，沒想到她照著指示，一次就哭，展現了極大的情緒渲染力。當我喊了「卡」之後，她卻立刻轉過頭來跟我說：「導演，我想再試一個不一樣的哭法。」那一瞬間我真的被震撼到了。她彷彿天生就具備了當演員的特殊天賦，不僅能夠準確地完成指令，更能深入角色，探索更深層次的細膩情感。當時我的心裡非常篤定，我真的挖到一塊寶了。
　　另一場讓我印象特別深刻的，是最後一幕，在宴會廳上演母女對峙的戲。那天全場的臨演都是我媽媽召集來的婆婆媽媽們，原本只是來「幫忙坐滿場面」的；結果隨著演員們的表演不斷推進，現場竟然一片聲淚俱下，連那些臨演的婆婆媽媽們，也忍不住哭得唏哩嘩啦。整個場景就像瞬間變成了一場即興的實驗劇場，戲裡戲外的情感完全交融，真實與表演之間的界線徹底消失。

2. 提案籌拍Q&A

Q1. 這部電影的籌拍歷經了三個階段：初步發想階段、劇本初步完成階段、即將開拍的前製階段，在這三個階段中，您也特地各拍了一支「預告片」。身為導演，這三個階段要思考哪些事情？
2001年，我和Sean Baker剛開始共同創作。那時候的我們什麼都沒有，沒有資金、沒有團隊，只有一台Canon單眼底片相機還有對電影滿腔的熱情。我們回到了台灣我爸媽住的老家，在中和那久違又熟悉的街頭、家中陽台上、餐桌旁，甚至附近的檳榔攤之間，用鏡頭捕捉著屬於台灣的生活痕跡，去拼湊、去想像這個剛開始醞釀的故事會是什麼模樣。我們拍下媽媽在廚房忙碌的背影、外公皺眉的表情、小女孩低頭吃飯卻偷偷望向電視的眼神。這些畫面沒有對白，沒有明確的情節，但它們卻飽含著我記憶中的氣味與情感，在鏡頭裡凝結成了有形的存在。我們把這些照片掃描下來一張一張地串聯起來，剪輯成一支日記式的短片。這就是我們的第一支「預告片」，它幾乎沒有任何技術，卻是我們初次試探著把《左撇子女孩》的靈魂從內心投向現實。這支宛如預言的短片，不是為了打動誰，而是為了確認內心深處那個故事能夠被實現。

2003年執導《外賣》（Take Out, 2004），這部作品讓我們經歷了第一次完整的創作洗禮與磨合，我們的默契更加深厚。我們在2010年，帶著更堅定的信念回到台灣。這次我們不再只憑直覺行動，而是正式進入田調、尋找角色、打磨劇本的過程。最具台灣地方特色的夜市於是自然而然地融入了我們的故事。它不只是背景設定，更是一個充滿在地聲音、色彩、味道與人情的角色，是濃縮台灣節奏與性格的空間。當然我們也很清楚，要讓這部電影真正成立，不能只是個人的記憶堆砌，必須是有共鳴、生活的，保持對人性的好奇，是一個觀眾能夠走進去的世界。於是我們走遍了台北市與新北市的大大小小夜市，試圖尋找我們心中的那個左撇子女孩，期望能在某個不經意的角落，遇見她的身影。最後我們在通化夜市遇到一位五歲的小女孩，她正在麵攤旁陪著媽媽做生意，眼神裡有著某種超越年紀的沉穩與懂事。她不需要演，她本身就是故事裡的那個小女孩，我們以她為主角拍了第二支預告片。畫面裡，她穿梭在巷弄與燈火通明的夜市之中，帶著一種自由而安靜的力量。我們帶著這支短片參加台灣金馬創投，也入選了美國Film Independent的Fast Track（快速配對計畫）。這些畫面讓我們得以向世界說明：這不只是我們想說的故事，而是生命狀態的本真，是一段值得被看見的渴望。

第三支預告短片，是在電影進行前製時拍攝的。我帶著我六歲的女兒在通化夜市勘景，那天的她走在喧鬧的夜市中，我看著她，彷彿再次看見了那個曾經只存在於我想像中的小女孩。那一瞬間有種說不出的感受，好似記憶與現實突然重疊，作為創作者和母親的雙重身分，在那個傍晚奇妙地融為一體。我想捕捉這個特殊的時刻，我側拍了她走路、轉頭、張望的各種表情，將這些影像配上K-pop節奏剪輯成一支提案短片。這不是傳統的預告，而是一段關於氣味與節奏的視覺筆記。我想讓投資人感受，這部電影的魅力不只是情節，而是一種氛圍；那種霓虹映在濕漉漉地面上的光輝、小女孩在人潮中奔走時的孤獨與倔強、那些無法用語言清晰描繪卻能直覺感知的情緒與空氣。

這三支短片，其實就像三個不同階段的自我對話。
第一支，是走入記憶深處的私密小徑，只有我聽得見自己的腳步聲。
第二支，是走入城市的喧鬧裡，嘗試用影像與世界對話。
第三支，則是走回記憶與現實交會之地，用創作者與母親的雙重視角，重構一個女孩的成長故事。

作為導演，這三支短片，更是一連串不斷自我提問的過程：「我為什麼要拍這部電影？」。這些短片並非行銷策略，也不是募資工具，而是一次次整理、和解、重申創作初心的方式。這個故事真正的出發點從來不是為了迎合市場、追趕潮流，而是將某個曾經不被允許發聲的地方敞開，讓那個埋藏的左撇子女孩終於得以走出。她仍然習慣用左手拿刀，那個從小被責備、被糾正的動作從未改變過，只是這一次她不再迴避，也不再壓抑。她帶著那份與眾不同，直直地走向光亮，毫無畏懼，也不再為此感到羞恥。

Q3. 您曾經提到過，自己深受「逗馬宣言」（Dogme 95）的影響，能否談談關於這方面的理念？您如何將這些理念運用到電影的實際製作上？
　　「逗馬宣言」（Dogme 95）對我產生的影響非常深。這個運動最初由拉斯．馮．提爾（Lars Von Trier）和湯瑪斯．凡提柏格（Thomas Vinterberg）在1995年提出，他們寫下了「純潔誓言」（Vow of Chastity），希望電影工作者放下華麗的包裝，回到最原始、最誠實的敘事。誓言中包含幾個關鍵原則：必須實景拍攝且不得搭建場景、現場光源必須自然不得額外打燈、聲音和影像要同步不能事後配樂、攝影機必須手持跟著角色行動、故事必須發生在當下、避免類型和特效……這些條款聽起來嚴苛，但其實把電影從繁複的技術和商業壓力中解放出來，專注於人物和故事。
　　在紐約獨立創作，籌備資金困難，而這些理念給予我們莫大的鼓舞。電影不需要龐大的資金或昂貴的設備，只要敢於簡化形式，誠實地面對現實世界，就能創造能量。這也是為什麼我們的第一部長片《外賣》，會刻意採取接近紀錄片的手法。很多電影以紐約為背景，但太多好萊塢視角，和我們實際生活的市井氣味有著相當距離。我們想捕捉的是最真實的紐約，所以選擇走進外賣員的生活。大量的田野調查、觀察和訪談、以半紀錄片的方式拍攝、手持攝影機跟隨角色穿梭在街頭、盡量使用現場光源和真實環境等等，都是在實踐Dogme 95的精神；電影應該發生在「當下」，而不是被束縛在特定的類型框架中。
如今拍攝《左撇子女孩》時，我依然堅守這個信念。我們用實際的夜市做場景，不封街、不搭景，而是小劇組融入其中捕捉現場寫實的動能；演員也必須深入角色的日常，帶著他們自己的生命經驗進入角色。我刻意保留現場的偶然性與即興感，這樣的電影才能真正呼吸、能被現實影響，讓體驗自然地展開。
　　Dogme 95不只是形式上的規範，電影最終要回到人與環境的真實狀態。這份理念塑造了我對電影的態度，也讓我相信低成本的創作同樣能觸動人心。

4. 攝影分鏡Q&A

Q4. 在「夜市」這樣的空間中，如何勘景、如何規劃拍攝動線、如何思考場面調度？
　　在夜市這樣的場域拍攝，從勘景到動線規劃，再到場面調度，其實不在於掌控，而是在於順應變化。這裡的每一分混亂與不確定，反而是一種溫度。夜市表面看似混亂，但其實有自己的秩序；攤販的排列、人潮的流動、光線的層次、甚至垃圾車經過的時間，都有著固定的節奏。我每次回去勘景，不只是看地點，而是花時間觀察，哪個轉角最容易造成擁塞？哪個攤位的燈光特別美？哪條巷子人潮稍微稀疏，可以讓演員多一點活動空間？這些細節都比場景的外觀更重要，因為它們決定了畫面的呼吸感。
　　其次是拍攝動線。我們必須把自己嵌入夜市原有的流動裡，這就意味著不能強行改變環境，而是要利用環境。人潮往來本來就是夜市的一部分，所以我們乾脆就讓觀眾看到夜市真實的人潮、煙霧、濕氣、油煙味，這些都是我們天然的「場記」。所以攝影機的動線，並不是先規劃好再要求環境配合，而是讓攝影師用身體去感受人流的推擠與節奏，捕捉角色在其中的孤立或親密。
　　最後是場面調度。我把夜市當作一個「活的角色」，它用自己的節奏與演員互動。比如母親在攤位旁邊吵架，後方卻是妹妹偷偷觀察的眼神，這些層次不是靠額外安排，而是利用夜市的「分層感」自然呈現；前景是交易，中景是人潮，背景是霓虹與煙霧。我的調度，就是把演員安置在這些層層流動之間，讓他們成為夜市的本體。所以，夜市的不可預測性反而成了我們最大的力量，它不會為任何劇組停下腳步，但只要我們夠專注、夠靈活，那些偶然闖入鏡頭的瞬間，會比設計好的戲更有生命力。

5. 剪輯音效Q&A

Q2. 這是Sean Baker第一次處理台灣題材，當中的文化及語言，對Sean Baker來說相對陌生，他如何用自己的方式與視角詮釋這個異文化題材？
　　雖然Sean聽不懂中文，但他是一位經驗豐富的剪輯師，對表演和情緒有極高的敏銳度。在看毛片時，他總是能從眾多可能性中，精準挑選出最到位、最真誠的Take。即使沒有語言的輔助，他依然能透過演員的眼神、肢體及細微的情緒轉折，捕捉到角色最動人的剪輯瞬間。這讓他在處理台灣題材時，保持了一種第四人稱般新鮮與純粹的觀點。其實早在多年前，我就和他一起去過台灣的夜市勘景，對於台北的氛圍和生活，他有著初步的理解；Sean並非全然的局外人，卻也保有一種略帶距離的觀察，這種陌生的視角與我們在地的熟悉感交織在一起，激盪出一種奇妙的化學反應。他用外國人的眼睛重新凝視台灣的故事，再以自己的獨特方式讓那些我以為熟悉的事物，也彷彿煥發著全新的光彩。