〈自序〉

2014年，我從畫室教學示範裡精選百餘件水彩作品，重出水彩江湖舉辦個展「形趣之境」，並發行同名畫集。除了收錄全部展出作品之外，也節錄了我在社群媒體發表有關繪畫教學與創作的心得短文。十年前這場展覽與畫集，可說是在畫室的講桌上，一張張、一句句積累出來的，初試啼聲的簡忠威水彩藝術。

2018年我再次舉辦水彩個展「意境」，比照四年前的模式，除了收錄2014～2018四年間的作品和文章之外，並在每個篇章之後，增加一組過程示範圖說講解，讓傳統畫冊更添多元學習與收藏價值。畫展與書名取《意境》，是為了和「形趣之境」產生連結，另一方面，也隱喻著從形象到意象的境界追求。《意境》的作品，自認為以五十歲的水彩畫家在個人藝術風格成熟的普遍認知標準上，算是達標了。

2021年全球疫情蔓延，畫室課程被迫長時間停課，我有了更多時間與精力去整理我的教學筆記，例如本書附錄專文探討〈焦點能量分析〉。停課前的畫室示範，和前些年在世界各地的寫生，那些還差最後臨門一腳的未完成作品，也陸續收官落款，例如第十六屆國際ARC寫實繪畫大賽中獲獎的《羅浮宮外的寫生》、《點亮自己的燈》。同時也開始創作四開以上的室內創作，包括在美國肖像協會PSoA舉辦的第二十五屆世界肖像大賽獲第一榮譽獎的作品，人生首次的水彩自畫像《孤寂的自畫像》（A Lonely Man's Self-Portrait）。

2023年11月，我結束了長達二十年的畫室水彩教學生涯，從此得到完全的創作自由，不再煩惱下週要給學生畫些什麼，而開始挑戰大尺幅的水彩創作，《黃土高坡上的布達拉宮》成為我在三十歲研究所畢業以來，第一件全開的水彩畫。

雖然，我現在逢人就說：從畫室退休，是我這輩子做的最正確的決定。但我深知，我的水彩畫無論就題材或風格來看，之所以有著如此多樣的面貌，該是得益於多年來在畫室求新求變的教學實踐，它讓我對題材不挑食、將風格當遊戲。

2024年初，我開始著手整理2018年至今的水彩畫與素描作品，編輯成冊。與《意境》不同之處在於，這本畫集收錄了我上課時的示範或個人創作所參考的原始題材照片、鉛筆構圖發想小港等等。我想在版面空間允許的情況下，盡量展示作品背後的「來源」， 供讀者比對研究。

在2019年初，我在網路平台上寫了這幾句：

畫深入不畫清楚，畫豐富不畫細節。

畫殘缺不畫瑣碎，畫造形不畫景物。

畫所感不畫所見，畫品味不畫風格。

沒想到它們在繪畫圈裡迅速傳了開來，讓很多畫友，尤其是學生或初學者覺得困惑。畫得越深入豐富，細節不就越多越清楚嗎？殘缺與瑣碎如何區別？造形與景物是二回事嗎？內心感受與肉眼所見沒有關係嗎？個人品味不等於個人風格嗎？畫家辛勤工作，不就是為了畫出自己的風格，這難道錯了嗎？

當時我想過要找時間好好寫幾篇文來解釋這幾句話，不過，當我看到許多網友紛紛對這幾句話提出各自的詮釋與見解，就確定我不需要再多此一舉。經過自己思考的答案，永遠比書上的標準答案，還要有分量、有價值、有意義的多。這也是我把上課時的草圖與題材照片一併收錄的原因。由於版面有限，很多作品沒有多做說明，我希望讀者自己去解讀這些訊息，找出變化的軌跡，成為自己的養分。

從2014年的《形趣之境》到2018年的《意境》，再到2024年的《心境》，每一個書名，其實都隱含著我在不同時期對「造形」，「探意」、「從心」的自我批判與境界追求。這本《心境》雖然是簡忠威水彩藝術「境系列」畫集的完結篇， 但它同時也開啟了新的篇章， 提醒我不忘初心、不違本心、不負真心，繼續探索水彩藝術未究之境。

「你的作品只會讓別人愛了，自己卻愛不了」。這帖藥很苦，衷心祝福讀者有機會也能嚐嚐這滋味。

簡忠威寫於永和 2024 / 6