一看就懂的漫畫鋼琴小史：山葉音樂出品，讀懂300年鋼琴身世，讓你更會彈也更會聽
活動訊息
閱讀漫遊錄-2026上半年暢銷榜
內容簡介
【讀懂鋼琴史，讓你不只更會彈，也更會聽】
熱銷10年‧日本山葉音樂Yamaha出品
彈琴前，先懂琴，一本讓你指尖有歷史感的300年鋼琴小史
原來，鋼琴有那麼多冷知識
你彈的每一首曲子，聽的每一場演奏
▎都藏著一段沒人告訴過你的鋼琴身世 ▎
超有梗Q版四格漫畫幽默開場，一跨頁一主題，3分鐘讀畢
● 音樂班學生、愛樂人、欣賞演奏、歐洲旅行，都用得到的音樂常識 ●
for大人＆小孩的鋼琴素養課
★特別收錄：鋼琴發展年表、重要製琴師地圖、鋼琴構造解說 等實用資料
從巴洛克到20世紀，「作曲家」、「鋼琴」、「音樂史」一氣相連
讓每一次演奏更有表情、每一次聆聽更有深度
【別怕鋼琴史很硬，笑著笑著就讀完】
給愛彈的你──
練了好幾年琴，你知道自己彈的莫札特，跟他當年彈的是完全不同的樂器嗎？蕭邦為何獨愛普萊耶爾的觸鍵&音色？貝多芬耳朵漸漸聽不見後，卻不斷要求製琴師做出音量更大、鍵盤更重的鋼琴——他晚期的奏鳴曲，其實是為了一台還沒被做出來的琴而寫的？弄懂鍵盤樂器的身世，讓指尖找到對的表情、對的呼吸。
給愛聽的你──
若不是孟德爾頌頂著眾人質疑、堅持重演一部被封存快百年的《馬太受難曲》，巴哈的名字可能永遠停留在教堂地下室的樂譜堆裡！李斯特開獨奏會，台下觀眾會激動到暈倒，這股狂熱甚至有個專有名詞「李斯特狂熱症」！而同一個時代的蕭邦，卻連在自己家的小沙龍彈琴都會緊張到不敢正眼看觀眾。聽音樂會時，你是不是曾希望自己「聽出更多」？當你知道這些故事，同一首熟悉的曲子，會聽出完全不同的層次。這本笑著笑著就讀完的Q版鋼琴史，讓你從此聽鋼琴不再只是「好好聽」，而是「聽得懂」。
別怕音樂史很硬──
巴哈、莫札特、蕭邦全都在四格漫畫裡互相吐槽，一跨頁一故事，輕輕鬆鬆就把三百年的鋼琴史讀完了。古鋼琴演奏家小倉貴久子專業解說加持，不只是漫畫書，更是能上手用的音樂素養課。
【適合所有學琴者、愛樂者，沒人告訴你的鋼琴身世】
●什麼是管風琴、弱音鋼琴、古鋼琴、大鍵琴？風琴是鍵盤樂器還是管樂器？
●鋼琴最初是為了追求什麼樣的聲音而誕生？
●鋼琴進化要先過巴哈這關！他的意見如何影響鋼琴的改良？
●鋼琴曾經需要用「膝蓋」才能彈出綿延不斷的聲音？
●踏板機制的改良，又如何改變鋼琴的音色與表現力？
●海頓的奏鳴曲最適合用哪種鍵盤樂器演奏？
●使用現代鋼琴演奏莫札特時，需要注意哪些地方？
●貝多芬對鋼琴抱持什麼樣的期待？
●蕭邦為何偏愛普萊耶爾鋼琴柔美細膩的音色？
●李斯特把鋼琴彈到壞，逼得製琴師發明出新機關？
●甚至連拜爾、哈農等經典鋼琴教材的誕生背景，也都能在書中找到答案。
除了苦練演奏技巧、背誦音樂史之外，還有沒有更輕鬆、更有效率的學習鋼琴方式？兒童音樂教育第一品牌日本山葉音樂Yamaha出版社，以四格漫畫形式，將原本看似艱深的鋼琴音樂史化為一篇篇生動有趣的小故事。從巴洛克時期鋼琴誕生的背景開始，一路介紹古典、浪漫樂派到20世紀鋼琴的演變歷程。無論是音樂系學生想建立完整的基礎知識，還是一般讀者希望提升音樂素養；無論是音樂教師想找課堂補充教材，還是家長想陪伴孩子學習鋼琴，本書都是最佳的入門讀物。
【回到創作時代現場，讓音樂史真正派上用場，培養音樂理解與詮釋能力】
書中另附鋼琴發展年表、重要製琴師地圖、鋼琴構造解說等實用資料，讓讀者更快系統性理解音樂史。當你知道製琴師、作曲家、鋼琴家如何共同推動鋼琴與鋼琴作品的發展，會更了解他們為什麼這樣創作，更懂得該如何詮釋不同時代的琴譜，更能聽懂鋼琴的魅力。
熱銷10年‧日本山葉音樂Yamaha出品
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別怕音樂史很硬──
巴哈、莫札特、蕭邦全都在四格漫畫裡互相吐槽，一跨頁一故事，輕輕鬆鬆就把三百年的鋼琴史讀完了。古鋼琴演奏家小倉貴久子專業解說加持，不只是漫畫書，更是能上手用的音樂素養課。
【適合所有學琴者、愛樂者，沒人告訴你的鋼琴身世】
●什麼是管風琴、弱音鋼琴、古鋼琴、大鍵琴？風琴是鍵盤樂器還是管樂器？
●鋼琴最初是為了追求什麼樣的聲音而誕生？
●鋼琴進化要先過巴哈這關！他的意見如何影響鋼琴的改良？
●鋼琴曾經需要用「膝蓋」才能彈出綿延不斷的聲音？
●踏板機制的改良，又如何改變鋼琴的音色與表現力？
●海頓的奏鳴曲最適合用哪種鍵盤樂器演奏？
●使用現代鋼琴演奏莫札特時，需要注意哪些地方？
●貝多芬對鋼琴抱持什麼樣的期待？
●蕭邦為何偏愛普萊耶爾鋼琴柔美細膩的音色？
●李斯特把鋼琴彈到壞，逼得製琴師發明出新機關？
●甚至連拜爾、哈農等經典鋼琴教材的誕生背景，也都能在書中找到答案。
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書中另附鋼琴發展年表、重要製琴師地圖、鋼琴構造解說等實用資料，讓讀者更快系統性理解音樂史。當你知道製琴師、作曲家、鋼琴家如何共同推動鋼琴與鋼琴作品的發展，會更了解他們為什麼這樣創作，更懂得該如何詮釋不同時代的琴譜，更能聽懂鋼琴的魅力。
目錄
前言
鋼琴發展年表
重要製琴師地圖
鋼琴的構造和各部位名稱
【鍵盤樂器的歷史】
01 鋼琴、古鋼琴、鍵盤樂器分別是什麼？
02 鍵盤是音視覺化和數字化的表現形式
03 管風琴是帶鍵盤的管樂器
04 讓我們試試為不同的樂器加上鍵盤？
05 沉迷於小鍵琴魅力的某位大作曲家！
06 能像小提琴一樣歌唱的樂器：小鍵琴
07 用撥子撥動發出聲音，大鍵琴音色的祕密
08 初期的大鍵琴是在義大利製作的
09 大鍵琴盛行各地，是巴洛克時期的當紅樂器
小倉貴久子的鋼琴講座1
不依賴強弱的表現方法
【鋼琴的誕生】
01 究竟是渴求什麼樂器，才催生出鋼琴？
02 一七○○年左右，鋼琴在佛羅倫斯誕生
03 與現代鋼琴相互聯通的擊弦機製造出來了！
04 德國也誕生了鋼琴！席伯曼鋼琴
05 在J.S.巴哈給出否定意見後，鋼琴得以改良！
06 一生摯愛鍵盤樂器的J.S.巴哈
07 別輸給鋼琴！大鍵琴製作者的創意巧思
08 韓德爾和史卡拉第都彈過鋼琴？！
09 傳承父親的傳統，邁向嶄新時代！巴哈個性滿滿的孩子們
10 J.S.巴哈的兒子克利斯蒂安享譽國際
11 從德國到英國，楚姆佩的上頂式擊弦機
12 從德國到維也納，史坦因的彈起式擊弦機
13 十八世紀後半，方形鋼琴在英國大流行！
小倉貴久子的鋼琴講座2
音樂大師海頓的贈禮
【早期鋼琴時代（古典樂派前期）】
01 三種鍵盤樂器的見證者：海頓
02 與鋼琴同生的莫札特
03 適合輕盈樂聲的莫札特鋼琴音樂
04 專供維也納音樂家使用的瓦爾特鋼琴
05 從演奏到樂器製作再到樂譜出版的克萊門蒂
06 透過多樣的踏板，改變聲音的表情
07 用何種鍵盤樂器演奏海頓的奏鳴曲更好？
08 海頓與尚茨鋼琴及布洛德伍德鋼琴
09 熱情與想像，追求高雅的品味！
10 在國際上活躍！古典樂派作曲家們的相會和交流
小倉貴久子的鋼琴講座3
運用現代鋼琴演奏莫札特作品
【鋼琴的進化（古典樂派後期）】
01 年輕的貝多芬偏愛維也納式鋼琴
02 埃拉爾鋼琴的音響效果賦予貝多芬靈感
03 史坦因的女兒南內特與施特賴歇爾的鋼琴
04 陪伴貝多芬度過晚年的鋼琴
05 《給愛麗絲》究竟是寫給誰的？
06 被遺忘的作曲家胡梅爾，奠定了精緻的維也納風格
07 分階段教材的鼻祖徹爾尼和被貝多芬認可的克拉邁
08 維也納的鋼琴和作曲家
09 維也納之子「漂泊者」舒伯特的鋼琴人生
小倉貴久子的鋼琴講座4
貝多芬對於鋼琴的追求
【鋼琴演奏二三事】
01 鋼琴奏法的歷史①：指法 手指與音樂表現的密切關係
02 鋼琴奏法的歷史②：裝飾音 除了裝飾音符之外，還有其他功能
03 鋼琴奏法的歷史③：速度 無法用數字表達的緩急之妙
04 音律是什麼？純正的樂聲與實用性之間的縫隙
【鋼琴的改革（浪漫樂派時期）】
01 拓寬音域！加大音量！急需改變構造的鋼琴
02 埃拉爾劃時代的發明——雙重擒縱裝置
03 蕭邦喜愛的普萊耶爾鋼琴
04 與鋼琴同生，蕭邦的一生
05 鋼琴鍵盤上誕生的蕭邦式革新鋼琴技巧
06 在巴黎沙龍上大放異彩的蕭邦鋼琴音樂
07 「鋼琴魔術師」李斯特在巴黎登場！
08 修改之後再修改，《鐘》的故事
09 李斯特與鋼琴一起跨過十九世紀！
10 集結於巴黎的大師們
11 這種設備能提升鋼琴彈奏力嗎？培育鋼琴家的器具
小倉貴久子的鋼琴講座5
普萊耶爾鋼琴揭示的蕭邦演奏方法
【鋼琴的完成（浪漫樂派時期）】
01 維也納式鋼琴的榮光與衰敗
02 活躍在音樂之城萊比錫的孟德爾頌
03 將個人情感和故事寄託於鋼琴的舒曼
04 德國浪漫樂派巨匠，布拉姆斯的鋼琴音樂
05 彈奏鋼琴、創作樂曲的女性
06 踏板功能標準化，得以開拓出高難度技法
07 鋼琴完成之時，鋼琴家的時代開始了
08 來自法國的鋼琴教材，佈爾格彌勒與哈農
09 來自德國的鋼琴教程，拜爾與古利特
小倉貴久子的鋼琴講座6
舒曼如詩般的幻想
小倉貴久子的鋼琴講座7
孟德爾頌的魅力
【鋼琴全球化（近代）】
01 查克林的鑄鐵框架：新世界的鋼琴物語
02 直立式鋼琴的出現，推動鋼琴飛躍式地普及
03 史坦威確立近代鋼琴的標準
04 飄揚著維也納氣息的貝森朵夫鋼琴
05 柏林的貝希斯坦與萊比錫的博蘭斯勒
06 生活在國民樂派時期，俄羅斯五人組和柴可夫斯基
07 開闢法國近代音樂道路的聖桑和佛瑞
08 捷克民族音樂，史麥塔納和德弗札克
09 北歐和義大利的近代民族音樂
10 從阿爾班尼士到蒙波，個性十足的西班牙作曲家
小倉貴久子的鋼琴講座8
漂浮著靈魂氣息的法國鋼琴
【鋼琴的冒險（二十世紀）】
01 超越類型，鋼琴的世界無比廣闊
02 鑑古知今，二十世紀初大鍵琴復活
03 德布西敲開二十世紀的音樂之門
04 拉威爾是這樣發現鋼琴新音色的
05 另類音樂家薩提與瀟灑的巴黎之子普朗克
06 運用民俗素材讓現代鋼琴音樂得到昇華的巴爾托克
07 十九世紀末到二十世紀的俄羅斯作曲家
08 多種多樣的鋼琴音樂誕生於自由的美國
09 無調性、十二音技法、新客觀主義，鋼琴是音樂的實驗對象
10 法國的音響實驗和俄羅斯社會動蕩下的作曲家們
11 推動美國實驗音樂發展的考埃爾和凱吉
12 變身成攜帶式、家具式、自動式的鋼琴
13 歷經三百多年的鋼琴製造技藝傳承
【日本的鋼琴】
01 始於拜爾的日本鋼琴教育
02 山葉寅楠與河合小市，日本鋼琴誕生故事
鋼琴發展年表
重要製琴師地圖
鋼琴的構造和各部位名稱
【鍵盤樂器的歷史】
01 鋼琴、古鋼琴、鍵盤樂器分別是什麼？
02 鍵盤是音視覺化和數字化的表現形式
03 管風琴是帶鍵盤的管樂器
04 讓我們試試為不同的樂器加上鍵盤？
05 沉迷於小鍵琴魅力的某位大作曲家！
06 能像小提琴一樣歌唱的樂器：小鍵琴
07 用撥子撥動發出聲音，大鍵琴音色的祕密
08 初期的大鍵琴是在義大利製作的
09 大鍵琴盛行各地，是巴洛克時期的當紅樂器
小倉貴久子的鋼琴講座1
不依賴強弱的表現方法
【鋼琴的誕生】
01 究竟是渴求什麼樂器，才催生出鋼琴？
02 一七○○年左右，鋼琴在佛羅倫斯誕生
03 與現代鋼琴相互聯通的擊弦機製造出來了！
04 德國也誕生了鋼琴！席伯曼鋼琴
05 在J.S.巴哈給出否定意見後，鋼琴得以改良！
06 一生摯愛鍵盤樂器的J.S.巴哈
07 別輸給鋼琴！大鍵琴製作者的創意巧思
08 韓德爾和史卡拉第都彈過鋼琴？！
09 傳承父親的傳統，邁向嶄新時代！巴哈個性滿滿的孩子們
10 J.S.巴哈的兒子克利斯蒂安享譽國際
11 從德國到英國，楚姆佩的上頂式擊弦機
12 從德國到維也納，史坦因的彈起式擊弦機
13 十八世紀後半，方形鋼琴在英國大流行！
小倉貴久子的鋼琴講座2
音樂大師海頓的贈禮
【早期鋼琴時代（古典樂派前期）】
01 三種鍵盤樂器的見證者：海頓
02 與鋼琴同生的莫札特
03 適合輕盈樂聲的莫札特鋼琴音樂
04 專供維也納音樂家使用的瓦爾特鋼琴
05 從演奏到樂器製作再到樂譜出版的克萊門蒂
06 透過多樣的踏板，改變聲音的表情
07 用何種鍵盤樂器演奏海頓的奏鳴曲更好？
08 海頓與尚茨鋼琴及布洛德伍德鋼琴
09 熱情與想像，追求高雅的品味！
10 在國際上活躍！古典樂派作曲家們的相會和交流
小倉貴久子的鋼琴講座3
運用現代鋼琴演奏莫札特作品
【鋼琴的進化（古典樂派後期）】
01 年輕的貝多芬偏愛維也納式鋼琴
02 埃拉爾鋼琴的音響效果賦予貝多芬靈感
03 史坦因的女兒南內特與施特賴歇爾的鋼琴
04 陪伴貝多芬度過晚年的鋼琴
05 《給愛麗絲》究竟是寫給誰的？
06 被遺忘的作曲家胡梅爾，奠定了精緻的維也納風格
07 分階段教材的鼻祖徹爾尼和被貝多芬認可的克拉邁
08 維也納的鋼琴和作曲家
09 維也納之子「漂泊者」舒伯特的鋼琴人生
小倉貴久子的鋼琴講座4
貝多芬對於鋼琴的追求
【鋼琴演奏二三事】
01 鋼琴奏法的歷史①：指法 手指與音樂表現的密切關係
02 鋼琴奏法的歷史②：裝飾音 除了裝飾音符之外，還有其他功能
03 鋼琴奏法的歷史③：速度 無法用數字表達的緩急之妙
04 音律是什麼？純正的樂聲與實用性之間的縫隙
【鋼琴的改革（浪漫樂派時期）】
01 拓寬音域！加大音量！急需改變構造的鋼琴
02 埃拉爾劃時代的發明——雙重擒縱裝置
03 蕭邦喜愛的普萊耶爾鋼琴
04 與鋼琴同生，蕭邦的一生
05 鋼琴鍵盤上誕生的蕭邦式革新鋼琴技巧
06 在巴黎沙龍上大放異彩的蕭邦鋼琴音樂
07 「鋼琴魔術師」李斯特在巴黎登場！
08 修改之後再修改，《鐘》的故事
09 李斯特與鋼琴一起跨過十九世紀！
10 集結於巴黎的大師們
11 這種設備能提升鋼琴彈奏力嗎？培育鋼琴家的器具
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【鋼琴的完成（浪漫樂派時期）】
01 維也納式鋼琴的榮光與衰敗
02 活躍在音樂之城萊比錫的孟德爾頌
03 將個人情感和故事寄託於鋼琴的舒曼
04 德國浪漫樂派巨匠，布拉姆斯的鋼琴音樂
05 彈奏鋼琴、創作樂曲的女性
06 踏板功能標準化，得以開拓出高難度技法
07 鋼琴完成之時，鋼琴家的時代開始了
08 來自法國的鋼琴教材，佈爾格彌勒與哈農
09 來自德國的鋼琴教程，拜爾與古利特
小倉貴久子的鋼琴講座6
舒曼如詩般的幻想
小倉貴久子的鋼琴講座7
孟德爾頌的魅力
【鋼琴全球化（近代）】
01 查克林的鑄鐵框架：新世界的鋼琴物語
02 直立式鋼琴的出現，推動鋼琴飛躍式地普及
03 史坦威確立近代鋼琴的標準
04 飄揚著維也納氣息的貝森朵夫鋼琴
05 柏林的貝希斯坦與萊比錫的博蘭斯勒
06 生活在國民樂派時期，俄羅斯五人組和柴可夫斯基
07 開闢法國近代音樂道路的聖桑和佛瑞
08 捷克民族音樂，史麥塔納和德弗札克
09 北歐和義大利的近代民族音樂
10 從阿爾班尼士到蒙波，個性十足的西班牙作曲家
小倉貴久子的鋼琴講座8
漂浮著靈魂氣息的法國鋼琴
【鋼琴的冒險（二十世紀）】
01 超越類型，鋼琴的世界無比廣闊
02 鑑古知今，二十世紀初大鍵琴復活
03 德布西敲開二十世紀的音樂之門
04 拉威爾是這樣發現鋼琴新音色的
05 另類音樂家薩提與瀟灑的巴黎之子普朗克
06 運用民俗素材讓現代鋼琴音樂得到昇華的巴爾托克
07 十九世紀末到二十世紀的俄羅斯作曲家
08 多種多樣的鋼琴音樂誕生於自由的美國
09 無調性、十二音技法、新客觀主義，鋼琴是音樂的實驗對象
10 法國的音響實驗和俄羅斯社會動蕩下的作曲家們
11 推動美國實驗音樂發展的考埃爾和凱吉
12 變身成攜帶式、家具式、自動式的鋼琴
13 歷經三百多年的鋼琴製造技藝傳承
【日本的鋼琴】
01 始於拜爾的日本鋼琴教育
02 山葉寅楠與河合小市，日本鋼琴誕生故事
序／導讀
前言
●鋼琴的魅力所在
鋼琴現在已經完全融入生活中各種各樣的場景裡：學校音樂教室裡的教學鋼琴，客廳角落裡的直立式鋼琴，還有大會場裡擺放在舞台上的巨大黑色平台鋼琴。有些人的童年夢想是在音樂會上演奏《給愛麗絲》，也有人放學之後會嘗試彈奏披頭四的歌曲。應該還有很多人忘不了自己第一次欣賞鋼琴獨奏演出，聆聽鋼琴家現場演奏時的感動吧。
即使電視和網路世界充斥著數位化的聲音，仍然有許多人喜歡現場彈奏的鋼琴琴音。鋼琴琴音究竟何以擄獲那麼多人心呢？鋼琴是一種音域廣闊到既能與管弦樂隊匹敵，又能自如發出從弱音到強音的樂器。透過改變按鍵觸感和操控踏板，鋼琴的音色和音質能有極大變化，這也是它的魅力之一。鋼琴更以能和其他樂器和諧相處，並能超越音樂類型限制、在各種音樂場景中處於中心位置而聞名。
然而如此貼近我們、又備受歡迎的鋼琴，背後卻隱藏著許多我們不知道的祕密。
●鋼琴的誕生
鋼琴誕生於十八世紀初期，距今三百多年前的義大利佛羅倫斯。歷史上的首架鋼琴，是由麥第奇家族（Medici）的一位樂器工匠發明的「能發出強弱音的大鍵琴（cembalo）」。這個樂器到底具備什麼樣的構造？它究竟能演奏出什麼樣的樂音來呢？當時正是約翰・塞巴斯汀・巴哈（Johann Sebastian Bach）和蓋歐格・弗里德里希・韓德爾（Georg Friedrich Händel）活躍著的巴洛克時期，這個時期主流的鍵盤樂器是大鍵琴和管風琴。為什麼鋼琴這一新的鍵盤樂器會出現呢？這是一個非常大的謎。
神奇的是，同時間在義大利的克雷莫納（Cremona），也正在製造爾後將傳承至今的史特拉底瓦里和瓜奈里等小提琴名琴，小提琴在這時期已經是無須再改良精進的完成品了。而那時的鋼琴要再歷經漫長歲月之後，才擁有與現代鋼琴幾乎相同的外觀和功能。這段歷史期間，也誕生出豐富多彩的鋼琴名曲。
●古典樂派時期的鍵盤樂器較量
在沃夫岡・阿瑪迪斯・莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）和約瑟夫・海頓（Joseph Haydn）等維也納古典樂派作曲家活躍的時代，巴洛克時期的當紅樂器大鍵琴與新出現的古鋼琴同台競技。當時的音樂家是偏愛用哪種樂器進行鋼琴曲創作呢？我們也能看到同時期的鋼琴製作者在歐洲各地頻繁激發出來的熱情和創意。
●浪漫樂派時期的百家爭鳴
十九世紀的浪漫主義時期，鋼琴製作者也為作曲家提供了極具創意又個性十足的鋼琴。當中就包括在巴黎製作、就像讓指尖彷彿和琴槌直接相連接，因而按鍵觸感靈巧的普萊耶爾（Pleyel）鋼琴。蕭邦（Fryderyk Franciszek Chopin）到底在這架鋼琴中究竟寄託了怎樣的思緒？埃拉爾（Erard）鋼琴中讓李斯特（Ferenc Liszt）得以實現超凡技巧的跨時代發明究竟是什麼？
●十九世紀末到二十世紀的多元與新琴音
十九世紀下半葉，音樂如潮湧般出現在歐洲各地。美國在民族音樂文化的碰撞下，也孕育出新聲音。鋼琴仍繼續普及，隨著樂器樣式趨於統一，音樂在世界範圍內擴散，開始向世人展示其多樣性。
十九世紀末到二十世紀初，隨著功能和聲的瓦解，世人開始探索新的聲音，鋼琴也為德布西（Achille-Claude Debussy）和巴爾托克（Béla Bartók）的創作提供了工具上的支持。美國作曲家在鋼琴演奏方式和音色新可能上的探索，也為陷入飽和狀態的西洋音樂打開了突破口。約翰・凱吉（John Cage）的激進作品大多都是以鋼琴為發想來源，這件事本身也頗具象徵意義。
●重新發現鋼琴的魅力
本書將追溯鋼琴從巴洛克時期到古典、浪漫樂派時期，再到二十世紀的這段戲劇又細膩的演變歷程，自鋼琴的起源談起，探索其機械結構，並介紹各式各樣的鋼琴名曲。四格漫畫部分將圍繞「鋼琴」這一主體，描述鋼琴製作者、作曲家、演奏家之間的唇槍舌劍。
鋼琴能創造出多種多樣的形象及豐富多彩的音色、靈活地貼近作曲家的思緒，幫助他們將自己的想法寄託在曲中、開創出新的音樂。如果你能試著想像在鋼琴課上學到的樂曲，當初是用什麼樣的樂器創作、演奏出來的，就一定可以更加深入並直觀地感受這首曲子，這也許會改變你原本對於鋼琴就是「按壓琴鍵然後發聲」、「散發著黑光的巨大樂器」的認知。
近年來在日本，人們開始頻繁舉辦古樂演奏會，演奏家使用與作品同時期的古樂器，並按照當時的演奏習慣進行演奏。當我傾聽那個時代的鋼琴音色，這些早已熟知的作品總會帶給我新感受，回響在我心中。希望各位讀者透過閱讀本書，能在作曲家和鋼琴製作者的故事中馳騁思緒，藉此有一些新的收穫，進而再次發現鋼琴這一樂器的魅力。
●鋼琴的魅力所在
鋼琴現在已經完全融入生活中各種各樣的場景裡：學校音樂教室裡的教學鋼琴，客廳角落裡的直立式鋼琴，還有大會場裡擺放在舞台上的巨大黑色平台鋼琴。有些人的童年夢想是在音樂會上演奏《給愛麗絲》，也有人放學之後會嘗試彈奏披頭四的歌曲。應該還有很多人忘不了自己第一次欣賞鋼琴獨奏演出，聆聽鋼琴家現場演奏時的感動吧。
即使電視和網路世界充斥著數位化的聲音，仍然有許多人喜歡現場彈奏的鋼琴琴音。鋼琴琴音究竟何以擄獲那麼多人心呢？鋼琴是一種音域廣闊到既能與管弦樂隊匹敵，又能自如發出從弱音到強音的樂器。透過改變按鍵觸感和操控踏板，鋼琴的音色和音質能有極大變化，這也是它的魅力之一。鋼琴更以能和其他樂器和諧相處，並能超越音樂類型限制、在各種音樂場景中處於中心位置而聞名。
然而如此貼近我們、又備受歡迎的鋼琴，背後卻隱藏著許多我們不知道的祕密。
●鋼琴的誕生
鋼琴誕生於十八世紀初期，距今三百多年前的義大利佛羅倫斯。歷史上的首架鋼琴，是由麥第奇家族（Medici）的一位樂器工匠發明的「能發出強弱音的大鍵琴（cembalo）」。這個樂器到底具備什麼樣的構造？它究竟能演奏出什麼樣的樂音來呢？當時正是約翰・塞巴斯汀・巴哈（Johann Sebastian Bach）和蓋歐格・弗里德里希・韓德爾（Georg Friedrich Händel）活躍著的巴洛克時期，這個時期主流的鍵盤樂器是大鍵琴和管風琴。為什麼鋼琴這一新的鍵盤樂器會出現呢？這是一個非常大的謎。
神奇的是，同時間在義大利的克雷莫納（Cremona），也正在製造爾後將傳承至今的史特拉底瓦里和瓜奈里等小提琴名琴，小提琴在這時期已經是無須再改良精進的完成品了。而那時的鋼琴要再歷經漫長歲月之後，才擁有與現代鋼琴幾乎相同的外觀和功能。這段歷史期間，也誕生出豐富多彩的鋼琴名曲。
●古典樂派時期的鍵盤樂器較量
在沃夫岡・阿瑪迪斯・莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）和約瑟夫・海頓（Joseph Haydn）等維也納古典樂派作曲家活躍的時代，巴洛克時期的當紅樂器大鍵琴與新出現的古鋼琴同台競技。當時的音樂家是偏愛用哪種樂器進行鋼琴曲創作呢？我們也能看到同時期的鋼琴製作者在歐洲各地頻繁激發出來的熱情和創意。
●浪漫樂派時期的百家爭鳴
十九世紀的浪漫主義時期，鋼琴製作者也為作曲家提供了極具創意又個性十足的鋼琴。當中就包括在巴黎製作、就像讓指尖彷彿和琴槌直接相連接，因而按鍵觸感靈巧的普萊耶爾（Pleyel）鋼琴。蕭邦（Fryderyk Franciszek Chopin）到底在這架鋼琴中究竟寄託了怎樣的思緒？埃拉爾（Erard）鋼琴中讓李斯特（Ferenc Liszt）得以實現超凡技巧的跨時代發明究竟是什麼？
●十九世紀末到二十世紀的多元與新琴音
十九世紀下半葉，音樂如潮湧般出現在歐洲各地。美國在民族音樂文化的碰撞下，也孕育出新聲音。鋼琴仍繼續普及，隨著樂器樣式趨於統一，音樂在世界範圍內擴散，開始向世人展示其多樣性。
十九世紀末到二十世紀初，隨著功能和聲的瓦解，世人開始探索新的聲音，鋼琴也為德布西（Achille-Claude Debussy）和巴爾托克（Béla Bartók）的創作提供了工具上的支持。美國作曲家在鋼琴演奏方式和音色新可能上的探索，也為陷入飽和狀態的西洋音樂打開了突破口。約翰・凱吉（John Cage）的激進作品大多都是以鋼琴為發想來源，這件事本身也頗具象徵意義。
●重新發現鋼琴的魅力
本書將追溯鋼琴從巴洛克時期到古典、浪漫樂派時期，再到二十世紀的這段戲劇又細膩的演變歷程，自鋼琴的起源談起，探索其機械結構，並介紹各式各樣的鋼琴名曲。四格漫畫部分將圍繞「鋼琴」這一主體，描述鋼琴製作者、作曲家、演奏家之間的唇槍舌劍。
鋼琴能創造出多種多樣的形象及豐富多彩的音色、靈活地貼近作曲家的思緒，幫助他們將自己的想法寄託在曲中、開創出新的音樂。如果你能試著想像在鋼琴課上學到的樂曲，當初是用什麼樣的樂器創作、演奏出來的，就一定可以更加深入並直觀地感受這首曲子，這也許會改變你原本對於鋼琴就是「按壓琴鍵然後發聲」、「散發著黑光的巨大樂器」的認知。
近年來在日本，人們開始頻繁舉辦古樂演奏會，演奏家使用與作品同時期的古樂器，並按照當時的演奏習慣進行演奏。當我傾聽那個時代的鋼琴音色，這些早已熟知的作品總會帶給我新感受，回響在我心中。希望各位讀者透過閱讀本書，能在作曲家和鋼琴製作者的故事中馳騁思緒，藉此有一些新的收穫，進而再次發現鋼琴這一樂器的魅力。
試閱
【鋼琴完成之時，鋼琴家的時代開始了】
●樂器之王──鋼琴
鋼琴的音域從十九世紀初的五個半八度，擴展到十九世紀中期的六個半八度至七個八度（七十八至八十五鍵）。一八八〇年前後甚至出現了與現代鋼琴相同的八十八鍵鋼琴。這個樂器也在十九世紀之後開始逐步普及。
這時鋼琴的構造和配置已經幾乎與現代鋼琴一致。低音琴弦採用粗的纏弦，而為了承受住變大的張力，鑄鐵框架也成了鋼琴的標準配置。鋼琴擁有可以匹敵管弦樂的廣闊音域，以及高分貝的音量，改變按鍵觸感和踏板的操作，也讓音色得以擁有微妙變化。能滿足萬千要求的鋼琴很快就被冠上「樂器之王」的稱號。
●鋼琴家這一職業的誕生
鋼琴是如何在大鍵琴和小鍵琴等各式鍵盤樂器中生存下來的呢？
這當中最大的理由，就是鋼琴擁有幾乎全能的表現力，只要演奏者一人就能演繹出飽滿的樂聲。過去演奏會上的核心節目是鋼琴家演奏自己創作的作品，除此之外，還會安排其他作曲家和鋼琴以外的樂器登台表演，整體節目安排得非常豐富多彩。而改變這種演奏會模式的人正是李斯特。
一八四〇年，李斯特在倫敦進行了史上首場只有他一位鋼琴家演奏的「獨奏會」。那場獨奏會的曲目，有他自己創作的作品，以及貝多芬和舒伯特的作品。
李斯特帶著從J.S.巴哈到與他同時代作曲家的保留曲目，巡迴歐洲各地。自此不再是作曲家兼任演奏家，鋼琴家這一獨立的職業誕生了。
在演奏會遍地開花的同時，各地的音樂學院也頻繁進行著專業的鋼琴教育。隨著鋼琴教育體制的完善，二十世紀的鋼琴家流派也應運而生。
【來自法國的鋼琴教材，佈爾格彌勒與哈農】
●大受歡迎的簡易鋼琴教材
對於十九世紀的沙龍和富裕家庭來說，鋼琴已成為家家戶戶必備的樂器。在蕭邦和李斯特等當紅的鋼琴家展現他們華麗技巧的同時，讓一般的鋼琴愛好者能輕鬆愉悅彈奏鋼琴的簡易教材和鋼琴曲集也不斷出版面世。
●身在巴黎的異國作曲家的練習曲
身為鋼琴家、作曲家的史蒂芬・海勒（Stephen Heller, 1813-1888）生於匈牙利的布達佩斯。因為得到白遼士、蕭邦和李斯特等人的賞識，因而活躍於巴黎樂壇，當時還被評價為與蕭邦齊名。海勒的作品編號超過一百五十，其中的《二十五首練習曲》、《三十首練習曲》、《節奏與表現的練習曲》等到了現代仍在出版發行。
生於德國雷根斯堡的弗里德里希・佈爾格彌勒（Friedrich Burgmüller）*在二十六歲左右來到巴黎，以沙龍的鋼琴曲博得極高人氣。他也在巴黎樂壇大展身手，與李斯特和海勒有過交流。他的作品中編號一百之後的幾乎都是鋼琴曲，以《二十五首練習曲》為首，《十八首練習曲》和《十二首練習曲》都是長期熱銷的樂譜。
●說到法國鋼琴教材，就不能不提…
生於巴黎的作曲家菲利克斯・勒・庫貝（Félix Le Couppey, 1811-1887）最初是以國家高等音樂學院教授的身分在樂界嶄露頭角。他著有大量的鋼琴教材，《鋼琴練習ABC》（Le Couppey OP. 17 L' ABC）等初級教材在各國長期以來都保有熱度。
夏爾-路易・哈農（Charles-Louis Hanon, 1819-1900）生於比利時，是濱海布洛涅（Boulogne-sur-Mer）的音樂教師，因為《全譯哈農鋼琴教本》（Hanon: The Virtuoso Pianist）這一作品聲名遠揚。平常我們提到的「哈農」，就是鋼琴指法練習的代名詞。
作為法國音樂教育者而聞名於世的埃內斯特・馮・德・魏爾德（Ernest van de Velde, 1862-1951）留下了大量的鋼琴教科書和視唱聽教材。他於一八九九年在巴黎創立出版社後出版的《梅陶德‧露絲鋼琴教本》（Méthode Rose）一直深受鋼琴課堂重視。
【小倉貴久子的鋼琴講座7──孟德爾頌的魅力】
廣為人知的孟德爾頌《第一號鋼琴三重奏》（Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49）是鋼琴三重奏音樂中的瑰寶。第一樂章從大提琴的浪漫主義哀愁旋律開始。鋼琴運用弱音的切分法節奏，栩栩如生描繪出波濤湧動的情景。孟德爾頌在第一樂章中寫下「Molto Allegro agitato M.M.=80」，這是他希望達到的速度。如果用現在的樂器演奏，會導致琴音變得混沌，因此演奏者有時也會無視他指定的速度標記。
此曲創作的年代是一八三九年。這個時代的鋼琴，是將鑄造而成的金屬框架放入不太耐久的木質盒中，使用比現代鋼琴小得多的張力拉著鐵質琴弦，並以包裹鹿皮的琴槌敲擊琴弦。它的聲音清晰、衰減迅速，而且擁有典型木製樂器的音色和音量。鋼琴與弦樂器的融合，讓我們切實體會到鋼琴其實是弦樂器的夥伴。如果演奏這個時代的鋼琴、張著腸弦的小提琴以及沒有尾針的大提琴，「M.M.=80」的速度指示也就有了說服力，讓人會發出「確實應該這樣做」的感慨。鋼琴部分的音很多，在現代鋼琴上演奏起伏音型的經過句和力量非常強的部分時，需要在弱化鋼琴琴音上費心，尤其注意不要讓鋼琴音變成吞噬了小提琴和大提琴琴音的怪物。那個時期的鋼琴，即便是三種樂器一同進行不分上下的激烈演奏，也能自然地找到平衡，就算不去弱化音樂上的表現，也能描繪出戲劇性的效果，弦樂器演奏者也無需在意自己演奏的音量會輸給鋼琴，可集中注意力去表現音樂。進而也就演奏出足以撼動心靈且洋溢熱情的音樂。
第三樂章詼諧曲中標記著「M.M.=120」。用這麼快的速度演奏，可以淋漓盡致地表現曲中如妖精舞動時的輕快感，以及如萬花筒般閃爍、不斷變化卻又稍縱即逝的華美感。由於那時的鋼琴按壓觸感非常輕，運用那種似乎觸碰到、又像是沒碰到般的輕柔感，讓彷彿一碰即散的演奏表現也變得可能，偶爾出現的實強音，也能表現成彷彿閃閃發光的流星。
《第一號鋼琴三重奏》如同莫札特音樂般的輕柔，自然流露出極其迷人的旋律，如同踏入魔法世界的特別幻想，從與巴洛克音樂的共鳴中衍生出深刻的精神性。鋼琴曲、室內樂曲、歌曲、交響曲、宗教歌曲等，孟德爾頌的音樂涉及方方面面。他原本應該是一位更獲世人注意的作曲家，只能說大多數人並未理解他音樂中的本質。而現代的演奏方式，可能也是導致我們遠離那本質的原因之一吧。
要不要用輕快又溫柔的感性再次接觸孟德爾頌的音樂呢？一種從未有過的非凡體驗正等著你。
【直立式鋼琴的出現，推動鋼琴飛躍式地普及】
●金字塔形、櫃式、長頸式鋼琴
隨著機械裝置不斷發展，鋼琴也變得愈加大型，與此同時，也有人不斷嘗試製造不受家中放置場所限制、體積小巧的鋼琴，十八世紀下半葉人氣爆棚的四角桌型方形鋼琴就是其中之一。現代直立式鋼琴的原型在十九世紀初登場，經過各式改良之後得以普及。一八五一年，英國的直立式鋼琴年產量是平台鋼琴的十四倍，將近二萬架，價格約是平台鋼琴的三分之一。
把鍵盤樂器的外殼直立起來、在垂直方向拉琴弦這樣的想法，早已有之──十五世紀末，大鍵琴中有一種稱為縱型大鍵琴的樂器（現存最古老的大鍵琴之一）。將這個想法運用於鋼琴，也就衍生出了各種外觀上的變化，其中有琴盒左右對稱、斜向拉著琴弦的金字塔形鋼琴，將平台鋼琴的音板放入四角形櫃子中的櫃式鋼琴，以及樂器上方呈半圓形的長頸式鋼琴等。
●不高的直立式鋼琴
這些鋼琴有些高度甚至高達二公尺以上，因而不太穩固。因此，人們開始在琴弦張拉方式上花功夫，提出了製造高度較低的鋼琴的方案。從最早期的例子來看，有從英國移居美國的發明家約翰・霍金斯（John A.Hawkins）於一八〇〇年取得的「portable grand」（便攜式鋼琴）的專利；還有倫敦的羅伯特・沃納姆（Robert Wornum）在一八一二年左右製作、高約一公尺的直立式鋼琴。巴黎的樂器製作者暨發明家帕普，在一八二八年取得了交叉張拉低音部琴弦的「pianino」（直立式鋼琴）的專利。
平台鋼琴中的琴槌是由下向上敲擊琴弦，敲擊之後，琴槌可藉重力自然落回原本位置，然而直立式鋼琴是橫向敲擊琴弦，為了讓琴槌回到原位，就需要利用彈簧的張合動作。由於敲擊琴弦的構造不同，音色和按鍵觸感也不一樣，這也是直立式鋼琴的特色所在。蕭邦在日常彈奏中使用普萊耶爾的直立式鋼琴；對德布西而言，比起平台鋼琴，他還更喜歡直立式鋼琴。
【飄揚著維也納氣息的貝森朵夫鋼琴】
●李斯特也彈不壞的鋼琴
出身維也納家具工匠家庭的伊格納茨・貝森朵夫（Ignaz Bösendorfer, 1796-1859），十九歲時成了製琴名家約瑟夫・布羅德曼（Joseph Brodmann）的弟子，成為一名優秀的樂器工匠。他在一八二八年繼承了師父的工作室，並在貝多芬離世的隔年開設了自己的工坊。一八三九年，奧地利皇帝授予他「宮廷及議事會鋼琴專用製造者」的稱號。一八五九年，他的兒子路德維希・貝森朵夫（Ludwig Bösendorfer）繼承公司，繼續生產維也納式鋼琴。
李斯特與貝森朵夫的淵源特別深，他曾以顧問的身分參與貝森朵夫鋼琴的製造。如果是用李斯特那種精力充沛的演奏方式，大部分鋼琴都撐不過一個晚上的演奏。然而貝森朵夫鋼琴，即使採用維也納式纖細的擊弦機結構，也承受得了來自李斯特的強勁觸鍵。
一八七二年設立的貝森朵夫音樂廳成了當時維也納最好的音樂廳，其落成儀式還是由漢斯・馮・畢羅主持的。該場地直到一九一三年關閉之前，布拉姆斯、李斯特、愛德華・葛利格（Edvard Grieg）等知名音樂家都曾在此演出。
●九十七鍵的帝王琴登場
貝森朵夫在二十世紀初也開始製造具有英式擊弦機的鋼琴，隨後不再生產維也納式鋼琴。「透過琴箱發聲」的貝森朵夫鋼琴，借助獨特的音板設計，衍生出具備清澈音色、美妙弱音效果、柔和樂聲的「維也納音色」，使得很多鋼琴家開始喜歡演奏這種鋼琴。
貝森朵夫一方面守護著維也納古老且優秀的傳統，一方面又推出具有革新意義的實驗品。對比一般的現代鋼琴，低音區域擴展的共計九十七鍵八個八度的「Imperial」帝王琴就是其中之一。這款鋼琴是應義大利作曲家暨鋼琴家費魯喬・布梭尼（Ferruccio Busoni）的要求開發出來的，比普通鋼琴多出的琴鍵都變成黑色。這種擴展音域的運用實例，就出現在巴爾托克和伊果・史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）等人的作品中。
●樂器之王──鋼琴
鋼琴的音域從十九世紀初的五個半八度，擴展到十九世紀中期的六個半八度至七個八度（七十八至八十五鍵）。一八八〇年前後甚至出現了與現代鋼琴相同的八十八鍵鋼琴。這個樂器也在十九世紀之後開始逐步普及。
這時鋼琴的構造和配置已經幾乎與現代鋼琴一致。低音琴弦採用粗的纏弦，而為了承受住變大的張力，鑄鐵框架也成了鋼琴的標準配置。鋼琴擁有可以匹敵管弦樂的廣闊音域，以及高分貝的音量，改變按鍵觸感和踏板的操作，也讓音色得以擁有微妙變化。能滿足萬千要求的鋼琴很快就被冠上「樂器之王」的稱號。
●鋼琴家這一職業的誕生
鋼琴是如何在大鍵琴和小鍵琴等各式鍵盤樂器中生存下來的呢？
這當中最大的理由，就是鋼琴擁有幾乎全能的表現力，只要演奏者一人就能演繹出飽滿的樂聲。過去演奏會上的核心節目是鋼琴家演奏自己創作的作品，除此之外，還會安排其他作曲家和鋼琴以外的樂器登台表演，整體節目安排得非常豐富多彩。而改變這種演奏會模式的人正是李斯特。
一八四〇年，李斯特在倫敦進行了史上首場只有他一位鋼琴家演奏的「獨奏會」。那場獨奏會的曲目，有他自己創作的作品，以及貝多芬和舒伯特的作品。
李斯特帶著從J.S.巴哈到與他同時代作曲家的保留曲目，巡迴歐洲各地。自此不再是作曲家兼任演奏家，鋼琴家這一獨立的職業誕生了。
在演奏會遍地開花的同時，各地的音樂學院也頻繁進行著專業的鋼琴教育。隨著鋼琴教育體制的完善，二十世紀的鋼琴家流派也應運而生。
【來自法國的鋼琴教材，佈爾格彌勒與哈農】
●大受歡迎的簡易鋼琴教材
對於十九世紀的沙龍和富裕家庭來說，鋼琴已成為家家戶戶必備的樂器。在蕭邦和李斯特等當紅的鋼琴家展現他們華麗技巧的同時，讓一般的鋼琴愛好者能輕鬆愉悅彈奏鋼琴的簡易教材和鋼琴曲集也不斷出版面世。
●身在巴黎的異國作曲家的練習曲
身為鋼琴家、作曲家的史蒂芬・海勒（Stephen Heller, 1813-1888）生於匈牙利的布達佩斯。因為得到白遼士、蕭邦和李斯特等人的賞識，因而活躍於巴黎樂壇，當時還被評價為與蕭邦齊名。海勒的作品編號超過一百五十，其中的《二十五首練習曲》、《三十首練習曲》、《節奏與表現的練習曲》等到了現代仍在出版發行。
生於德國雷根斯堡的弗里德里希・佈爾格彌勒（Friedrich Burgmüller）*在二十六歲左右來到巴黎，以沙龍的鋼琴曲博得極高人氣。他也在巴黎樂壇大展身手，與李斯特和海勒有過交流。他的作品中編號一百之後的幾乎都是鋼琴曲，以《二十五首練習曲》為首，《十八首練習曲》和《十二首練習曲》都是長期熱銷的樂譜。
●說到法國鋼琴教材，就不能不提…
生於巴黎的作曲家菲利克斯・勒・庫貝（Félix Le Couppey, 1811-1887）最初是以國家高等音樂學院教授的身分在樂界嶄露頭角。他著有大量的鋼琴教材，《鋼琴練習ABC》（Le Couppey OP. 17 L' ABC）等初級教材在各國長期以來都保有熱度。
夏爾-路易・哈農（Charles-Louis Hanon, 1819-1900）生於比利時，是濱海布洛涅（Boulogne-sur-Mer）的音樂教師，因為《全譯哈農鋼琴教本》（Hanon: The Virtuoso Pianist）這一作品聲名遠揚。平常我們提到的「哈農」，就是鋼琴指法練習的代名詞。
作為法國音樂教育者而聞名於世的埃內斯特・馮・德・魏爾德（Ernest van de Velde, 1862-1951）留下了大量的鋼琴教科書和視唱聽教材。他於一八九九年在巴黎創立出版社後出版的《梅陶德‧露絲鋼琴教本》（Méthode Rose）一直深受鋼琴課堂重視。
【小倉貴久子的鋼琴講座7──孟德爾頌的魅力】
廣為人知的孟德爾頌《第一號鋼琴三重奏》（Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 49）是鋼琴三重奏音樂中的瑰寶。第一樂章從大提琴的浪漫主義哀愁旋律開始。鋼琴運用弱音的切分法節奏，栩栩如生描繪出波濤湧動的情景。孟德爾頌在第一樂章中寫下「Molto Allegro agitato M.M.=80」，這是他希望達到的速度。如果用現在的樂器演奏，會導致琴音變得混沌，因此演奏者有時也會無視他指定的速度標記。
此曲創作的年代是一八三九年。這個時代的鋼琴，是將鑄造而成的金屬框架放入不太耐久的木質盒中，使用比現代鋼琴小得多的張力拉著鐵質琴弦，並以包裹鹿皮的琴槌敲擊琴弦。它的聲音清晰、衰減迅速，而且擁有典型木製樂器的音色和音量。鋼琴與弦樂器的融合，讓我們切實體會到鋼琴其實是弦樂器的夥伴。如果演奏這個時代的鋼琴、張著腸弦的小提琴以及沒有尾針的大提琴，「M.M.=80」的速度指示也就有了說服力，讓人會發出「確實應該這樣做」的感慨。鋼琴部分的音很多，在現代鋼琴上演奏起伏音型的經過句和力量非常強的部分時，需要在弱化鋼琴琴音上費心，尤其注意不要讓鋼琴音變成吞噬了小提琴和大提琴琴音的怪物。那個時期的鋼琴，即便是三種樂器一同進行不分上下的激烈演奏，也能自然地找到平衡，就算不去弱化音樂上的表現，也能描繪出戲劇性的效果，弦樂器演奏者也無需在意自己演奏的音量會輸給鋼琴，可集中注意力去表現音樂。進而也就演奏出足以撼動心靈且洋溢熱情的音樂。
第三樂章詼諧曲中標記著「M.M.=120」。用這麼快的速度演奏，可以淋漓盡致地表現曲中如妖精舞動時的輕快感，以及如萬花筒般閃爍、不斷變化卻又稍縱即逝的華美感。由於那時的鋼琴按壓觸感非常輕，運用那種似乎觸碰到、又像是沒碰到般的輕柔感，讓彷彿一碰即散的演奏表現也變得可能，偶爾出現的實強音，也能表現成彷彿閃閃發光的流星。
《第一號鋼琴三重奏》如同莫札特音樂般的輕柔，自然流露出極其迷人的旋律，如同踏入魔法世界的特別幻想，從與巴洛克音樂的共鳴中衍生出深刻的精神性。鋼琴曲、室內樂曲、歌曲、交響曲、宗教歌曲等，孟德爾頌的音樂涉及方方面面。他原本應該是一位更獲世人注意的作曲家，只能說大多數人並未理解他音樂中的本質。而現代的演奏方式，可能也是導致我們遠離那本質的原因之一吧。
要不要用輕快又溫柔的感性再次接觸孟德爾頌的音樂呢？一種從未有過的非凡體驗正等著你。
【直立式鋼琴的出現，推動鋼琴飛躍式地普及】
●金字塔形、櫃式、長頸式鋼琴
隨著機械裝置不斷發展，鋼琴也變得愈加大型，與此同時，也有人不斷嘗試製造不受家中放置場所限制、體積小巧的鋼琴，十八世紀下半葉人氣爆棚的四角桌型方形鋼琴就是其中之一。現代直立式鋼琴的原型在十九世紀初登場，經過各式改良之後得以普及。一八五一年，英國的直立式鋼琴年產量是平台鋼琴的十四倍，將近二萬架，價格約是平台鋼琴的三分之一。
把鍵盤樂器的外殼直立起來、在垂直方向拉琴弦這樣的想法，早已有之──十五世紀末，大鍵琴中有一種稱為縱型大鍵琴的樂器（現存最古老的大鍵琴之一）。將這個想法運用於鋼琴，也就衍生出了各種外觀上的變化，其中有琴盒左右對稱、斜向拉著琴弦的金字塔形鋼琴，將平台鋼琴的音板放入四角形櫃子中的櫃式鋼琴，以及樂器上方呈半圓形的長頸式鋼琴等。
●不高的直立式鋼琴
這些鋼琴有些高度甚至高達二公尺以上，因而不太穩固。因此，人們開始在琴弦張拉方式上花功夫，提出了製造高度較低的鋼琴的方案。從最早期的例子來看，有從英國移居美國的發明家約翰・霍金斯（John A.Hawkins）於一八〇〇年取得的「portable grand」（便攜式鋼琴）的專利；還有倫敦的羅伯特・沃納姆（Robert Wornum）在一八一二年左右製作、高約一公尺的直立式鋼琴。巴黎的樂器製作者暨發明家帕普，在一八二八年取得了交叉張拉低音部琴弦的「pianino」（直立式鋼琴）的專利。
平台鋼琴中的琴槌是由下向上敲擊琴弦，敲擊之後，琴槌可藉重力自然落回原本位置，然而直立式鋼琴是橫向敲擊琴弦，為了讓琴槌回到原位，就需要利用彈簧的張合動作。由於敲擊琴弦的構造不同，音色和按鍵觸感也不一樣，這也是直立式鋼琴的特色所在。蕭邦在日常彈奏中使用普萊耶爾的直立式鋼琴；對德布西而言，比起平台鋼琴，他還更喜歡直立式鋼琴。
【飄揚著維也納氣息的貝森朵夫鋼琴】
●李斯特也彈不壞的鋼琴
出身維也納家具工匠家庭的伊格納茨・貝森朵夫（Ignaz Bösendorfer, 1796-1859），十九歲時成了製琴名家約瑟夫・布羅德曼（Joseph Brodmann）的弟子，成為一名優秀的樂器工匠。他在一八二八年繼承了師父的工作室，並在貝多芬離世的隔年開設了自己的工坊。一八三九年，奧地利皇帝授予他「宮廷及議事會鋼琴專用製造者」的稱號。一八五九年，他的兒子路德維希・貝森朵夫（Ludwig Bösendorfer）繼承公司，繼續生產維也納式鋼琴。
李斯特與貝森朵夫的淵源特別深，他曾以顧問的身分參與貝森朵夫鋼琴的製造。如果是用李斯特那種精力充沛的演奏方式，大部分鋼琴都撐不過一個晚上的演奏。然而貝森朵夫鋼琴，即使採用維也納式纖細的擊弦機結構，也承受得了來自李斯特的強勁觸鍵。
一八七二年設立的貝森朵夫音樂廳成了當時維也納最好的音樂廳，其落成儀式還是由漢斯・馮・畢羅主持的。該場地直到一九一三年關閉之前，布拉姆斯、李斯特、愛德華・葛利格（Edvard Grieg）等知名音樂家都曾在此演出。
●九十七鍵的帝王琴登場
貝森朵夫在二十世紀初也開始製造具有英式擊弦機的鋼琴，隨後不再生產維也納式鋼琴。「透過琴箱發聲」的貝森朵夫鋼琴，借助獨特的音板設計，衍生出具備清澈音色、美妙弱音效果、柔和樂聲的「維也納音色」，使得很多鋼琴家開始喜歡演奏這種鋼琴。
貝森朵夫一方面守護著維也納古老且優秀的傳統，一方面又推出具有革新意義的實驗品。對比一般的現代鋼琴，低音區域擴展的共計九十七鍵八個八度的「Imperial」帝王琴就是其中之一。這款鋼琴是應義大利作曲家暨鋼琴家費魯喬・布梭尼（Ferruccio Busoni）的要求開發出來的，比普通鋼琴多出的琴鍵都變成黑色。這種擴展音域的運用實例，就出現在巴爾托克和伊果・史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）等人的作品中。
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