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Practice and practice：李錦繡、謝貽娟與我[精裝]

嘉義市立美出版

2026/01/09 出版

「Practice and Practice：李錦繡、謝貽娟與我」以兩位嘉義出生女性藝術家李錦繡（1953–2003）與謝貽娟（1967–2017）為核心，透過作品、日常習作、實驗創作與教案，展現她們面對藝術、自我與他人之間的思考與實踐歷程。展覽亦由蔡志賢、康雅筑、王怡婷三位藝術家，透過田調與現地創作，共構跨世代對話，重新看見兩位嘉義當代藝術家的藝術與生命實踐。1990年代開始，女性藝術逐漸受美術館重視，在經歷不同階段的展覽與歷史整理之後，近年各美術館更進一步關注女性的多重身分與社會角色，而形塑出不同視角和定位的展覽。於此脈絡下，嘉義市立美術館也關切此一議題，透過李錦繡與謝貽娟兩位早逝的女性藝術家，觀察她們如何在有限生命中迸發無限能量，也反思如何突破既有的性別論述框架予以重述及擴展。本展嘗試從李錦繡既有的高度評價之上，揭示她精妙融合書法線條的創作方法，以及投身兒童教育、奉獻自我的一面；從謝貽娟身上，則著重一位藝術家奮力的自我養成，是如何運用大量練習、自畫像、速寫本與複合媒材，建構自我與空間的對話。展題「Practice and Practice」意為「實踐」和「練習」，透過研究與策劃，展覽不僅止是單純的作品觀看與賞析，也強調藝術創作中的實踐性與過程性，並從藝術家的作品和思想，進一步延伸至觀者之眼，開拓出第三空間。展覽以三個子題：「我與我們」、「加與減」、「方圓之外」，開展兩位創作者的生命與藝術之關聯，觀者可從中認識此對應與連結於時間進程中不斷演變、不斷被重賦意義所呈顯的多重面貌與內涵，深切感受藝術家實踐與練習的精神與能量。 Centering on the two Chiayi-born women artists—Lii Jiin Shiow (1953-2003) and Jo Hsieh (1967-2017), the Practice and Practice with LII Jiin Shiow and Jo HSIEH exhibition presents their journeys of thoughts and practices within the realms of art, the self, and others through their works, quotidian studies, experimental creations, and lesson plans. The exhibition also includes three artists—Tsai Chih-hsien, Kang Ya-chu, and Wang Yi-ting, who engage in cross-generational dialogues through field researches and site-specific works, revisiting the artistic and life practices of the two contemporary artists from Chiayi.Since the 1990s, women's art has been increasingly emphasized by art museums. After undergoing various stages of exhibitions and historical compilations, in recent years, art museums have further focused on the multiple identities and social roles of women, organizing exhibitions from different perspectives and positions. In this context, the Chiayi Art Museum is also concerned about this issue. Through featuring the two women artists, Lii Jiin Shiow and Jo Hsieh, who passed away in their middle age, the museum explores how their boundless energy emerged despite their limited lifespans, and reflects on how to challenge the established framework of gender discourse for reinterpretation and expansion. The exhibition attempts to reveal, based on the existing high regard for Lii, her creative approaches that ingeniously incorporated calligraphic lines, as well as her dedication to children's education and selfless devotion. For Hsieh, the exhibition highlights her dedicated journey of self-development, showcasing how she built a dialogue between herself and space through extensive practice, self-portraits, sketchbooks, and mixed media.The "Practice and Practice" in the exhibition title refers to both "the act of putting ideas into action" and "the process of repeated practice." Through research and curating, the exhibition is not merely about viewing and appreciating works, but also emphasizes the practice and process of art-making. Furthermore, from the artists' works and ideas, it extends to the viewer's perspective, opening up a third space.Organized into three sub-themes — "I, We, and the In-Between," "More and Less," and "Outside the Form" - the exhibition delves into the relationship between the lives and art of the two artists. Viewers will gain insight into the multiple facets and meanings of their contrasts and connections, which constantly evolve and are redefined over time, deeply experiencing the spirit and energy of the artists' "practice and practice.”

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拾景剪影：林玉山的寫生與旅行[精裝]

陳佳琦著

嘉義市立美出版

2025/08/04 出版

本展以嘉義重要前輩藝術家林玉山（1907-2004）的寫生和旅行速寫為核心，管窺「寫生」此一貫穿林玉山一生最重要的創作精神。林玉山，本名林英貴，別號雲樵子、諸羅山人、桃城散人，出身嘉義美街（今成仁街）風雅軒裱畫店，自幼受民間畫師啟蒙習畫，後赴東京深造，專長膠彩與水墨創作，且自第一屆臺灣美術展覽會（1927）起，即屢屢入選。戰前林玉山在故鄉嘉義創立畫會、參與詩社，積極推動藝文風氣。戰後則移居臺北、長年任教於國立臺灣師範大學，致力水墨寫生教學，對臺灣戰後水墨發展影響深遠。自從1920年代開始習畫，林玉山即勤於寫生，畢生累積為數龐大的習作速寫。起初多描繪家鄉田園風景，後因工作移居臺北，加上對旅行的興趣，足跡漸漸遍及全島，隨後更因社會逐漸開放、出國旅行風氣漸興，加上林玉山於畫壇及學術地位深厚，出國展覽講學日增，逐漸踏上世界各地，足跡廣及亞洲、歐美等地。林玉山曾提到旅行是他的靈感來源。每趟旅行，無論在顛簸的船、汽車或飛機上，皆透過筆墨留下許多寫生紀錄。這些紀錄經歷數十年之積累，逐漸織成了畫家生命中的壯遊圖景。從他的寫生紀錄之中，亦可看出他作畫與構圖的基礎實來自大量勤奮不輟的速寫草稿。本展從嘉義市立美術館館藏之寫生作品與速寫本為起點，結合國立臺灣美術館典藏品以及「林玉山：臺灣寫生地圖與足跡」線上展之資料，展出33件原畫作品、7本實體寫生冊與1本數位寫生冊，以及35件數位輸出作品，總計77筆圖像作品，透過展覽規劃將水墨畫作與素描線稿並呈，感受林玉山畫作與寫生底蘊之連結。

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背光[精裝]

陳佳琦著

嘉義市立美出版

2025/08/04 出版

「背光」一展旨在閱讀郭東榮、陳銀輝與詹浮雲三位臺灣資深藝術家的繪畫創作與藝術命題，並透過當代藝術團體「阿木司」的創作，進行跨世代的藝術對話，並期待能與觀眾重新產生連結。展題「背光」具備雙重意涵︰（1）三位資深藝術家多受日治時期寫生觀念的啟蒙，乃至他們繪畫的美學養成；（2）此外，背光更意味著他們身負藝術使命之「光」，在大時代的陰闇逆境之下，勇敢往前邁進，將藝術之光傳承給下一個世代的使命。郭東榮、陳銀輝與詹浮雲三位畫家均出生於一九三○年代的嘉義，受前一代畫家的啟蒙，擅長油畫創作，各自開創出不同的藝術風貌。本展旨在閱讀他們的創作，理解他們如何回應時代的挑戰，包含以現代藝術觀點革新繪畫，解構形象的限制，探索抽象的表現形式，顏料層次堆疊間捕捉光等等。與此同時，他們亦經歷過大時代的變動與所壟罩的陰影，如殖民的歷史、戰爭的摧殘，以及社會的變化動盪，這些時代所投射在畫作中的陰闇背景，成為他們藝術實踐的條件，並激盪出迷人璀璨的光彩。

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揣啥物(二版)[精裝]

陳佳琦(編者) 著

嘉義市立美出版

2025/01/31 出版

《揣啥物》(The Something)為嘉義市立美術館出版之首本臺語繪本，以嘉義前輩藝術家陳澄波與林玉山作品作為圖像轉譯核心，邀請插畫家李若昕創作嶄新文本與圖像、鄭順聰老師擔任臺語顧問，透過故事中的「鵁鴒」(ka-līng，八哥)、「狗仔」在嘉義城市與山林之間找尋，帶領讀者從故事走入閱讀的想像之中，悠遊於畫作和城市地景中找尋心目中的「啥物」(Something)。

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我們在此相遇[精裝]

賴依欣、蔡秀娟著

嘉義市立美出版

2024/03/28 出版

移動，改變觀看的角度；對話，則產生理解的尺度。嘉義市立美術館今年以「在變動時代中的創造」為題，回看大疫後的歷史意義，也遙想過去的藝術家如何在動盪的時局中持續開創、以藝術回應時代。本展與天美藝術基金會共同主辦，過去十年基金會支持逾54位臺灣青生代藝術家參與「台灣當代藝術家海外參訪計畫」，參訪國際當代藝術場域，與各地藝術家工作室進行交流。這段生命旅程對於創作產生了何種意義？或許這些相遇都有必然發生的原因。本展以英國藝術評論與文學家約翰．伯格（John Berger）的作品「我們在此相遇 Here is where we meet」為題，借喻生命中不同階段的相遇，沒有物理時空指涉，只有精神的交錯對話，營造一個與過去、現在相遇和對話的空間。本展邀請20位藝術家回顧移動經驗，在創作中與何人相遇？是過去，明天，或未來的自己？移動的際遇中，彼此有些交集，也有錯身而過，但移動經驗使創作增加了厚度，或和過去互相觀照。生命中的「移」，創作中的「轉」，而終在展覽中呈現的「遇」。創作當下生命樣態的再現，除了與過往的自己相遇，也創造了觀眾與作品共時的對話。

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嘉義市立美術館典藏圖錄

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2024/03/01 出版

嘉義市立美術館典藏圖錄收錄美術館開館至110年收藏之典藏品，主要為文化局移撥之作品、桃城美展首獎作品及各界捐贈作品，創作題材及媒材豐富多元，分為書畫、西畫、雕塑、攝影四大類別。本書分為圖、文錄兩冊，依類別、藝術家姓氏筆畫、作品創作年代排序，並標示圖文錄相互對應頁數，利於讀者閱讀及查閱作品資訊。

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嘉義資深藝術家紀錄片：郭東榮-時代的變奏[USB]

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2024/01/08 出版

郭東榮為臺灣畫壇最早開始創作抽象繪畫的藝術家之一，早期在師大藝術系畢業時於校區內推出的「四人聯合畫展」，為隔年成立的「五月畫會」前身，其對於抽象繪畫的倡導影響了臺灣畫壇現代化運動，為臺灣現代藝術發展的重要推手。本片以「時代的變奏」為題，除了從藝術史研究者的角度分析郭東榮所成長的戰後時期、求學經驗與創作風格演變外，也從藝術家家屬、好友的視角中，看見郭東榮自身對藝術創作的追求與思考。在其作品多變的風格與繽紛的用色下，更包含著藝術家對於時代的觀察與生命的體悟。

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嘉義資深藝術家紀錄片：詹浮雲-浮雲的油畫人生[USB]

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2024/01/08 出版

在眾人的印象中總是西裝筆挺的詹浮雲，早期曾受林玉山及陳澄波影響，其畫作色彩強烈、用色大膽，而在其多彩的畫筆下，也蘊含著對土地的深刻情感。本片在家屬、親友的分享中，道出二二八事件爆發時，詹浮雲因悼念陳澄波而被逮捕，而後因此更名、移居高雄，並從膠彩改為油畫創作的生命歷程。雖然後來到日本求學，但詹浮雲並未真正進入學院體制，而是進入以油畫創作為主的團體，在東光會森田茂的指導影響下，也逐漸開創出民俗戲劇相關的題材內容，以畫筆反映出臺灣土地與民間生活的美好樣貌。

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嘉義資深藝術家紀錄片：陳銀輝-色彩的樂章[USB]

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2024/01/08 出版

藝術家陳銀輝的作品特色，在於其畫面中豐富且獨到的色感佈署，這種對於色彩的敏銳應用，深札自個人長期累積出的視覺美感與創作經驗。本片從藝術家娓娓道來自身成長、求學背景開始，逐步呈現他在不同階段下對創作的思考差異，另一方面，也自此鋪陳出臺灣在不同時代下的創作追尋。1960年代，抽象畫在世界各角落中影響著創作者的想像，陳銀輝也嘗試在抽象與寫實的風格之間拿捏平衡，最終在不拘泥於任何流派的狀態下傳遞自身情感，並藉由對色彩的掌握，創造出理性與感性間的交織與平衡。

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嘉義資深藝術家紀錄片：黃照芳-兒童藝術教育家[USB]

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2024/01/08 出版

藝術家黃照芳的畫作主題多為旅程所見及生活日常的事物，其作品中也揉合著古典樂般柔和、優美的旋律感，而在繪畫風格上，他亦隨著時代前進，其創作理念強調「不斷創新」。黃照芳自22歲開始在嘉義教授兒童繪畫、作育英才一甲子，而兒童藝術教育的現場經驗，也深刻影響著他的創作，他的作品包含了兒童畫般的趣味，也有對於眾多媒材表現的實驗與嘗試。本片呈現黃照芳如何以「自由發揮」為準則，在教育與創作現場中持續挑戰固有的限制。

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定神: 蒲添生臺灣頭人巨帙

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2023/07/15 出版

台灣第一代留日雕塑巨擘蒲添生，一生專注於人像雕塑，其中，容貌傳神的政經名人之人像塑造，在質量及數量上，更是蒲添生創作的一大經典。蒲添生曾言:「萬物之中存在許多美好的聲音，我一生選擇人作為雕塑的語言，乃尊重人體之美；人類的軀體，是大自然的縮影，在人體中可以找大自然的每個部分。」本展以「定神」為名，呈現蒲添生在人像塑造上的美學展現。蒲添生人像塑造的藝術成就，不僅僅形似，還能定神於形，凝聚對象的精神與氣質於一瞬。善於捕捉人像隱微的性格氣質與動態細節，因而頭像作品，總能精準顯露對象的神韻，整體而言，現代寫實的時代風格，蘊藉著蒲添生的個人特質，因此在比例、肌理乃至於線條轉折等作品細節上，揉合成另一種溫暖而敦實的個人風範。蒲添生為台灣政商頭人造像的數量驚人，但較少被單獨提出作為展覽主體研究，蒲添生以藝術的實踐，寫下了屬於台灣頭人像的巨帙鴻篇；藝術史家蕭瓊瑞認為，他的人像塑造系列，等同於以藝術書寫了「台灣歷史的一個重要面向」。因此，本展以「蒲添生台灣頭人巨帙」為副標，呈現蒲添生史詩級巨簡的台灣頭人群像，之於自身藝術創作生涯的重要性及代表性。為能讓觀眾更立體且深入地瞭解蒲添生的雕塑，本展共分三個展區：「來自米街走入雕塑」、「寫神入形」、「生活風景裡的蒲添生」，以養成學習、藝術與台灣歷史與日常生活共三種面向，勾勒並呈現台灣雕塑巨擘蒲添生的藝術生命。

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人‧間：陳澄波與畫都精裝

嘉義市立美術館著

嘉義市立美出版

2022/11/30 出版

嘉義市享有畫都盛名數十年，經過無數藝術家與藝術團體的努力，在2020年迎來了第一座專業的嘉義市立美術館，「人・間-陳澄波與畫都」展奠基於嘉美館開館後獲陳澄波文化基金會捐贈的一批重要作品。藉由陳澄（1895-1947）的創作及其收藏書畫，將如何看待上個世紀的嘉義美術？如何從空間環境的尺度，來衡量嘉義美術的現代性？畫都的概念在1930年代中後期形成時，臺灣哲學家洪耀勳（1903-1986）以京都學派哲學家和辻哲郎（1889-1960）著作《風土：人間學的考察》（1935）發展出「風土文化觀」來探討臺灣、中國與日本之間的文化藝術發展，探究風土自然如何歷史性地生產藝術的感性經驗。和辻哲郎探討的「人」，也意味著「人間」或「間柄」，即透過人與人之間的關係來界定人的內涵；「間」也是一種人與人「之間」的拜訪與藝術交流，亦即探問人的存在狀態，也就是在人與人之間、人與自然的交涉中，與他者一起被歷史性的創造出來的主體。本展以「畫都嘉義」為核心，聚焦於陳澄波後半生活動的嘉義地區，探討經東京留學、上海執教返回嘉義後的陳澄波，如何在嘉義的人際網絡中重建個人畫業？本展將進一步探究其地方文化主體的精神構造。

95折特價760元

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