![黑潮：賴純純回顧展[精裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20290/2029020057984/2029020057984m.webp?v=e09e0 "黑潮：賴純純回顧展[精裝]")
本書為臺北市立美術館「黑潮：賴純純回顧展」展覽專輯。展覽由張晴文策劃，以「黑潮」為名，象徵賴純純創作純然而深邃、多變卻一貫的特質。透過「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」等四個子題梳理賴純純1970年代至今的創作脈絡，展出油畫、壓克力繪畫、複合媒材創作、雕塑、裝置、手稿、影片與文獻等百餘件作品。展覽專輯完整收錄展出作品圖版，以及策展論述、藝術家自述、藝評家峯村敏明與獨立文字記者吳垠慧所撰寫之專文。
「空間的一堂課：點線面」為臺北市立美術館兒童藝術教育中心為親子觀眾策畫之展覽，以「點線成面」為主題，策劃展出多田美波、李元佳、林壽宇、陳曉朋、康雅筑、謝榕蔚等六位現當代藝術家作品，邀請觀眾透過繪畫、雕塑、編織、空間裝置、攝影等各類藝術類型，探索對空間的體驗與思考。西方抽象表現主義藝術家康丁斯基( Wassily Kandinsky )在1926年出版《點、線、面》，具體分析構成藝術的三個基本元素：點、線、面，深入討論它們在視覺藝術中的表現及意涵；「空間的一堂課：點線面」展場設計靈感來自康丁斯基作品《構成第八號》，觀眾能實際在立體幾何式的展場結構中穿梭。透過本館典藏以及臺灣、日本藝術家的精彩作品，搭配六項互動體驗裝置，邀請觀眾深入展覽，以超越視覺的感官體驗，探索點、線、面所激發的情緒、感受和視覺效果，重新喚醒對空間的敏銳感知。本展覽專輯收錄展出：藝術家作品、謝榕蔚特為本展創作之全新參與式作品、臺北市立美術館等三件建築作品介紹以及六項主題概念延伸設計之互動體驗裝置概念與紀錄，回望展覽意圖作為讀者接觸當代藝術的開端的初衷和目標。
![喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道[精裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20294/2029450079402/2029450079402m.webp?v=0131e "喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道[精裝]")
膠彩畫是臺灣美術史發展中意義獨特值得探究的一章，亦是本館長期關注及典藏的方向，2000年舉辦「東亞油畫的誕生與開展」及「臺灣東洋畫探源」兩個展覽，聚焦日治時期美術發展的兩大方向及其對臺灣美術發展的影響，其中後者便以「臺灣東洋畫」（今之膠彩畫）為主，本館竭力對1950年代以前「臺灣東洋畫」史料及作品進行蒐羅整理，視其為複雜的時代性藝術產物，透過區域發展的彙整探討，以北中南分區方式照看「臺灣東洋畫」創作中所呈現的地域群體與世代傳承，藉由美術館的資源投入及展覽做為深度關照臺灣美術發展的深耕機會，並藉此機會蒐購作品，為本館典藏品增添能量。20多年後，在較少以媒材為主軸來討論單一繪畫種類的現今趨勢中，我們再次面向膠彩繪畫，舉辦「喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道」，嘗試以表現風格上的特質為本，觀看膠彩畫不同時期的發展環境起伏與藝術家的應對方式。時序往前自形塑東洋畫的日本畫之源流回探，審視面對西洋繪畫刺激而重新整合的膠彩畫，在守護習自東方並已建立自身體系之筆墨繪畫前提裡，加入西洋繪畫特質，如：透視、陰影、色彩等，產生融會各種特質的基因，也體現這是一個試圖振興的繪畫發展提案，從這些爬梳重讀膠彩畫的特質，是過往較少被提及的。而延承此東西兼容特質的膠彩畫在臺灣又開展出具有本地特色的樣貌及留傳脈絡，從第一代畫家的熱切學習，到面臨正統國畫之爭的質疑而嘗試釐清水墨繪畫南北分宗的差異，至發展空間漸狹圖求改變的定名重塑，而後迎來大學專業學制的建立與專業創作者的養成，繼而為膠彩開啟更多方向的反思與探索，以這些脈絡重新檢視20世紀初期至今時間長軸裡，膠彩繪畫在臺灣的內涵特質及可能性。任何一個現象都受多重因素影響而形成，傳統的影響是往復的，往往呈現學習、突破、返回學習的向前又往後的循環。本展基本希望能呈現臺灣膠彩發展尋道過程的擺盪，在媒材技法的探研和取用中，如何兼具對東方與西方的探索。藉由展出作品體現膠彩畫類百年來表現的多種風貌與人文厚度，並展望其未來的開放性。讓觀眾能親身感受此媒材表現中的含蓄，專注體驗它所逸散著特殊的緩慢變化與優雅，相較於其他繪畫，膠彩繪畫的表現似乎更偏向心情的美學，在畫作中，創作者與觀賞者共享各種不同的即物生情。「喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道」展場空間用具有時代象徵的建築風格默默地為每個發展時期提供展示的背景，展品的陳列也可見展覽團隊在展覽整體規劃上的各項努力與巧思。此次共展出51位藝術家，合計146件作品，展覽能夠圓滿完成，特別要向所有的藝術家、藝術家家屬、借展機構及收藏者致上誠摯的謝意，展品尋訪過程得到各方的熱忱協助，亦在此致予敬謝。更期待這個展覽的整理能為膠彩繪畫帶來新的關注，進而促成更多研究、討論的啟動。
![溺浮沉洄：許雨仁回顧展[精裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20294/2029461466239/2029461466239m.webp?v=22202 "溺浮沉洄：許雨仁回顧展[精裝]")
本書為臺北市立美術館「溺浮沉洄：許雨仁回顧展」展覽專輯。「溺浮沉洄：許雨仁回顧展」回顧許雨仁五十年創作歷程，透過系統性梳理其作品與筆記，展出自1972年起的素描、水墨、油畫、複合媒材繪畫等三百餘件。藉由「從佳里到台北，從台北到紐約」、「雄山大水，誰知多少？」、「立在石堆裡的自畫像」、「不盡的山山水水石石」、「點，生出了斷點斷線」、「墨墨純純，色色生生」、「慢然鬆生」等七項主題，呈現其創作脈絡與個人精神
![托瑪斯．德曼：歷史的結舌[精裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20295/2029580031516/2029580031516m.webp?v=7733a "托瑪斯．德曼：歷史的結舌[精裝]")
本書為「托瑪斯．德曼 歷史的結舌」展覽中文專輯。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與臺北市立美術館共同策劃，2025年1月18日至5月11日於本館展出。 德國藝術家托瑪斯·德曼(Thomas Demand)以逼真的紙製模型創作觀念攝影聞名於世。他對媒材特性的探討以及對議題演繹手法的細膩層次，深刻反映出他在視覺傳遞過程中的獨特哲學思考。德曼擅長結合雕塑與建築的空間元素，以及平面攝影的敘事本質，透過歷史與記憶、虛構與現實之間的交錯，挑戰我們對攝影與真實之間的固有聯想。
1945年太平洋戰爭結束，隨著臺灣政權轉移，身處於各博物館的標本有的四處流落，甚至荒廢，有的失去文件紀錄，然而標本是一種目的性的產物，當其目的性不再存在時，懸宕的意志與欲望讓祂們變成一種很尷尬的存在，隨著現代化的進程，祂們的身體成為物種的代表，我們該如何觀看這些被佚失的標本並理解祂們？本次展覽試圖在科學與歷史中透過非科學的方式與祂們溝通並共作，讓祂們在科學之外、帝國之外、歷史之外成為自己。 本展為蔡咅璟歷經三年的創作集結，透過日治時期遺留的標本和相關文獻，轉化展出四組件影像裝置作品。展覽專輯收錄作品創作歷程、展出紀錄照、專文，完整呈現一系列作品面貌。
![大家都來看你了—倪祥個展[線裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20196/2019600080006/2019600080006m.webp?v=1a326 "大家都來看你了—倪祥個展[線裝]")
「大家都來看你了—倪祥個展」，聚焦於高齡者照護的議題。展覽第一部分是堆積成山的舊家具、民生用品等雜亂地陳設其中，這些家庭物品介於看似已廢棄損毀，卻又似乎還可以使用的狀態之間。倪祥在與囤積症家人的共同生活中，丟棄與捨不得丟棄的拉扯，創作賦予這些棄之可惜的物品一種新的詮釋，也在與家人相處之間尋找平衡
本專輯為藝術家陳以書2024年於臺北市立美術館舉辦之「假山水—陳以書」個展之紀錄，內容收錄德文原文專文兩篇及展出作品及藝術家作品介紹。 陳以書《假山水》系列作品 (2020- 2024)，以太湖石造景為動機，並且受到義大利攝影師Luigi Ghirri (1943-1992) 拍攝遊樂園假山之啟發，探討圖像在真實與虛幻間的呈現。 藝術家運用石形的堆疊構圖，將「假山」的概念植入畫景，並凸顯其基座的橫切底線，提示觀者以虛入實的意圖。 2022年，藝術家納入當今烏俄戰爭議題，試圖於畫面中的地景圖像反覆推移抽象的框線與色塊，提供觀者思索關於國界/ 國土、界線/ 定位的問題。
本書為 「小世界2023台北雙年展」之展覽專輯，該展於2023年11月18日至2024年3月 24日在臺北市立美術館一樓、二樓和地下一樓的展覽室展出。 2023台北雙年展提出「小世界」（Small World）作為主題，這一看似簡單的詞，實則蘊涵複雜交疊的面向 。 它代表希望、承諾，同時也暗藏某種程度的懼怕、不安⸺希望能對自身小我的生活擁有更全然的掌握權，卻也懼怕被孤立於大我的群體之外。當世界在尺度上縮小時，可以拉近彼此的距離，但當人與人之間相互疏離時，世界在情感層面上也變得渺小： 「小世界」就發生在這樣懸浮、矛盾弔詭的狀態中。
![是誰躲在風景裡?[精裝]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20294/2029461324416/2029461324416m.webp?v=9febc "是誰躲在風景裡?[精裝]")
風景畫是藝術家熱愛的主題，它是自然走入畫框的軌跡，亦是人與空間、記憶的連結。你是否還記得小時候拿著素描簿到戶外郊遊寫生，或是天馬行空的畫圖日記?無論是童話裡的城堡、公園裡的玩耍、散步、觀察的螞蟻路徑，或者是與家人出遊爬山的場景，都是孩子們喜愛紀錄的主題，孩子們經常將這些所見透過畫筆將身體比例、多個場景畫在同一畫面上。每一天他們都在發揮想像與創造力，為日常生活添加不同調味，紀錄、發明了看似是背景，實是則重要的場域及視野，巧妙呈現了小腦袋中的記憶風景。同樣地，藝術家在面對自然時，也不單只是再現眼前景致，而是經過反覆的觀察與思考過後對自然的重新詮釋，以畫表達心中感受，成為一種追憶、再造、神遊之地。本次展出以風景畫為發展主軸，透過館內典藏的風景作品及委託互動裝置的展出，期望讓觀眾與風景作品在展場展開有趣的互動，一同探索藝術家是如何透過「風景」的繪製，在畫布上呈現日常生活中最真實的演出。展覽以「寫生自然」、「人造風景」、「內在風景」等三個子題，探索各時代作品在「風景」概念中的藝術與環境，感受藝術家在面對風景時的獨特視角，以及他們如何透過藝術表現對自然和文化的理解。英文內容大要： Landscape is a favorite subject of painters. They frame views of the natural world that link people with physical space and memories. Do you remember grabbing your sketchbook and going outside to draw as a child? Or doodling some wild picture in your diary? Favorite childhood memories can include a fairytale castle, or activities such as observing ants, playing, just walking around a park, or hiking with family in the mountains, and very often children put these disparate themes together in one drawing. Every day, children bring their imaginations and creativity into play to add distinctive qualities to their lives, and while the scenes that they invent and record in drawings seem to be only backdrops, they are actually very important, as they represent what is going on inside their little heads. Likewise, when artists are faced with nature, they don’t simply represent the scenery before them, but rather, repeatedly observe, consider the scene, interpret nature, and then express what is in their minds. The resulting artworks become places of recollection, reconstruction, and spiritual wandering.This exhibition was developed around the idea of presenting landscape paintings in the Museum collection along with specially commissioned interactive installations. Our goal was to prompt meaningful interactions between visitors and these landscape-themed artworks while exploring how artists present the most authentic reality of everyday life with landscapes on canvas. The exhibition is divided into three themes: Drawing from Nature, Artificial Environments, and Internal Landscapes, exploring art and nature as it has appeared in works produced under the concept of landscape art over different eras, as well as the unique perspectives of artists as they experience landscapes and express their understanding of nature and culture through art. The exhibition includes works in the Museum collection from various periods, and includes both historical and contemporary works, as well as various art forms, to show how different generations of artists have interpreted nature, diversity, and culture through the lens of landscape.
「摩登生活：臺灣建築1949–1983」邀請吳光庭、王俊雄、王增榮三位學者進行研究策劃，展覽刻意聚焦觀眾容易親近的生活面向，將臺灣現代建築發展以三十二個建築案例呈現，依建築面貌與社會背景變遷歸納於美援、中國復古、中國現代、在地現代、非典型與新生活等六個子題。展場中除模型、手繪圖面外，亦穿插藝術作品、家具，援引建築師訪談、資料影像；並承蒙協力單位支持，完成一系列建築攝影紀錄，也帶入大量的窗景，加強建築展的「臨場感」。展覽不僅是對現代建築的關懷，也是臺灣文化發展的故事集，透過多樣的媒介與景觀編排，觸發觀眾對於生活願景的回望。
推出「狂八〇：跨領域靈光出現的時代」展覽是北美館四十週年的重要里程碑。期以研究形成展覽開啟不同視野的策展可能，並回顧臺灣八〇年代在文化藝術領域的蓬勃發展。本專輯的出版記錄多元的文化表達形式，期能激發更多對自我史觀和文化意識的討論，並開啟廣泛的研究可能。
比利時錄像裝置藝術家大衛‧克拉耶伯於臺北市立美術館辦理「片刻冥想」展覽專輯。錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）1969年出生於比利時科瑞克（Kortfijk），畢業於安特衛普皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts in Antwerp）及阿姆斯特丹皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）。克拉耶伯最初接受的是繪畫訓練，以其結合攝影、錄像、聲音及數位技術之創作聞名。透過對於動態和靜態、時間和速度以及聲音的操控與實驗，鬆動傳統視覺媒介界線，在其影像畫面中挹注多層次的時間性。克拉耶伯曾參與2004年台北雙年展展出，本次個展精選呈現自1996年以來創作之大型錄像作品，搭配系列繪畫手稿，運用展場獨特挑高空間，建構有別以往的觀展體驗。
2002年，娜塔莎·維塔·莫爾（Natasha Vita-More）在未來學家雷蒙·庫茲維爾（Ray Kurzweil）的線上論壇網站發表她設計的未來人類身體構造稱之為“普里莫後人”（Primo 3M+）。這個關於未來人類的設計概念是把我們的壽命無限延長。她宣稱通過生物科技及人工智能將提供我們的身體具備更佳的擴展性和現代風格。比如，設計客製化大腦（Metabrain）；人類的納米技術結合人工智能建構脊柱通信系統⋯⋯Primo的設計預示一個可訂製、可變的、可升級的，並且具有感官能力的未來人類原型。「何為人」？從Primo這個未來人類身體設計概念，讓我們可以預見今日技術變革的節奏越來越迅速，人類這個物種生成了一個科技-結構的範式。雷蒙‧庫茲維爾在《奇點臨近》一書中，他從生物和技術兩方面，將人類進化的歷史概念分為六個紀元；而此時此刻來到了第五紀元：“奇點”(Singularity)降臨。他指出奇點就是人類與技術結合的頂點，它將克服人類進化的局限性。漢斯．莫拉維茨更大膽預測到 2040 年，機器將達到人類的智能水平，到 2050 年，它們將超越我們。他認為智能機器將成為我們的“繼承者“：它們從我們身上成長，學習我們的技能，分享我們的目標和價值，可以被視為我們心靈的孩子。他們二位都信誓旦旦地宣告21世紀未來幾十年技術朝向機器化發展，人機文明必將超越人類的智能。不論是哲學家、科學家、未來學家都以驚人的觀點預言以人類為本的世界觀的終結。庫茲維爾和莫拉維茨都認為在機器統治世界的未來，我們的思想，我們的身體，甚至我們的大腦將被智能機器取代，在人類與機器之間已經不存在差異。從每一個面向上，「人之為人」的條件已轉了一個大彎，不再依賴哲學本體論作為人安身立命之本。關於「人類」這個概念不單純是一種知性批判或想像，這一擊，徹底擊潰上帝─人類以某種形式存在的法則。哈拉瑞（Yuval Noah Harari）提出人類面臨的三大新議題，其中，當生物醫學工程、人機工程、無機生命工程持續進展，人類將從「智人」躍升成為「神人」，形同握有上帝的權力，那麼人類的終極命運將會如何？以上諸種論點在在驗證著人文主體的崩解。或者說，此時此刻人類中心主義已陷入泥沼而無法再自圓其說。這個展覽將圍繞和貫穿在後人類所體現的一連串思想及重新思考現代人類處境。如果「科技」扮演了「驅魔師」的角色，對人類進行全面「優化」，那麼傳統意義下的「人之本質」仍會存在嗎？展覽整體來說，將建立在科技-泛靈的思潮底下，令人聯想起後人類主義中心思想不斷升級之下的影響，包括科技人造物的“第二生命”形態、虛擬身體、高速演算法下資訊化經濟體系網絡，以及人與物和其他物種之間的鏈結等，產生一種多重感知的錯覺。陳瀅如、Kate Cooper、Cécile B. Evans、 Sidsel Meineche Hansen、Pakui Hardware、黃博志、Stefan Kaegi / Rimini Protokoll、劉家銘、吳書原+耿寧和驅魔師集會製作委員會將共同演繹跨學科美學的新派點。
