毋甘願的電影史：曾經，臺灣有個好萊塢
風光一時的臺語片，為何淪為粗製濫造的代名詞？ 本書將告訴你，關於本土文化的粗俗印象是怎樣煉成的。 重寫臺語電影史，就是重建臺灣戰後文化史！ & & *** & 伍佰 + 林強 + 吳叡人 + 蔡揚名 + 聞天祥 + 迷走 張亦絢 +& 簡莉穎 + 柯裕棻 + 白虹 + 謝盈萱 共同讚聲 & *** & 國寶級電影手繪海報大師陳子福親筆題寫書名 X 橫跨日治到戰後，百幅以上珍貴配圖 帶領讀者穿越時空，歷覽臺語電影工作現場 & & 從前從前，歌仔戲班躍上大銀幕，拉開了臺語片黃金時代的序幕。年輕導演、攝影師機會無窮，有實力就能竄出頭；少男少女大發明星夢，爭搶報考演員訓練班；當紅小生玉女收信收到手軟，得僱專人幫忙回信；第一座「金馬獎」國語片通通沒份，專門只頒給臺語影人。高峰時期，北投就是臺灣的好萊塢，平均一週有三部臺語片問世，是今日國片事業望塵莫及的榮景。 但是，臺語電影和影人並沒有從此過著幸福快樂的日子。這段美好如童話的時光，始於五〇年代中期，在七〇年代迅速衰敗且難以復甦。是誰，踩碎了這個夢？《毋甘願的電影史》作者蘇致亨，長年追索，亟欲解答這道臺灣電影史的關鍵謎題。 我們都知道侯孝賢的《悲情城市》，卻不知道六〇年代有過一部同名臺語片；我們都知道「白蘭」洗衣精，卻不知道白蘭真有其人，是臺語片一線女明星。我們也都知道金馬獎影帝柯俊雄，卻不知道他的演技是從臺語片磨練而來。為引領對臺語片無知的讀者無痛回返阿公阿嬤的少年時代，作者大量地說故事，講臺語片工作現場，也講百年來臺灣影劇工作者的夢想、堅持與失落。 議論夾藏在敘事中。藉由影響電影生產甚鉅的材料──底片，以及彩色電影技術門檻，重新檢視關於臺語片衰亡的兩大主流論述：譴責受害者（臺語片粗製濫造）和政治決定論（一味歸咎「國語運動」）。本書避免給予簡化的答案，力圖呈現臺語影壇共同面臨的結構性問題，乃至東亞政經局勢變化造成的牽動，甚或臺灣個案在全球電影史的獨特之處。 《毋甘願的電影史》是一次精采翻案。臺灣戰後本土文化的歷史面貌，不再只是白色恐怖下的肅殺無聲，而七〇年代是否真能算是「回歸鄉土」，也得打上問號。臺語片「毋甘願」的委屈，將在本書沉冤得雪，臺語影壇的光輝歲月，也在其中完美留存。 & 審閱 王君琦（國家電影中心執行長、東華大學英美語文學系副教授） 李泳泉（前電影資料館時期「臺語片小組」主持人、世新大學廣播電視電影學系退休講師） 林果顯（國立政治大學臺灣史研究所副教授） & 推薦序 王君琦（國家電影中心執行長、東華大學英美語文學系副教授） 黃秀如（左岸文化總編輯、第一代「臺語片小組」成員）
與神片同行：走過韓影黃金二十年
揭開韓國電影黃金20年不斷登峰造極的關鍵秘辛！ & 影迷必看、韓迷必看、有志投入影視娛樂產業的職人／創作人非看不可！ & 揭開韓國電影在刷新本土票房、海外市場拓展與囊括國際殿堂大獎，不斷登峰造極的關鍵秘辛！ & 韓國電影一直是台灣電影市場復甦最好的參考範例，為何我們總是停留在遙望，忽視更進一步的探討與落實？ & 《與神片同行──走過韓影黃金20年》是一本集作者黃孝儀在電影圈工作20年間的種種血淚交織經驗而成的書，提供了大量專業卻平易近人，同時不失嚴肅的內容，帶所有的影迷與從影人員走過韓國電影黃金20年，一窺韓國電影發展史，看看韓國影業是如何從不被政府重視，甚至被壓榨的黑暗時期，一路谷底反彈，到現在搖身一變成為能媲美好萊塢大片實力的黃金時期。 & 本書誕生的一大起源來自作者在業界長期打滾下，感嘆台灣影業的故步自封與前途不明的未來，因此希望能借鏡在亞洲擁有和台灣類似條件卻逐步成長到揚名國際的韓國影業，讓台灣相關從影人員或有志於投入影業的人有個良好的範例指引，刺激國片產業往正確方向前進的動能，更期盼台灣電影終有一天能如韓國電影般讓全世界的人都看到，往更具國際競爭力的未來發展！ & ◎代理經銷：白象文化
千年女優之道
在藝術高度上、在人生成就上、在對後世的影響上，今敏都是個英雄，第一流的那種。 ──《時代雜誌》 & 本書是動畫教父今敏僅有的自傳性隨筆，記錄了他的執著夢想和坦率生活。在日本出版後盛況空前──英年早逝的他仍然活在大家心中。他以非凡的才華掌控著夢境與現實，顛覆了既定的概念，作品影響了許多後來的導演，如艾洛諾夫斯基的《黑天鵝》，甚至推動了整個電影界的革新。 為了能讓每一天都過得有意義，他扔掉了世俗意義上的幸福，捨棄了安定的生活，一生沉浸於摯愛的動畫事業。《千年女優》中最後一句台詞：「其實我真正愛的，是追尋他的我自己。」是今敏的心聲，也是他追尋夢想的寫照。 這是一本關於夢想的書，這是一段能讓有夢之人熱血沸騰的旅程。《千年女優之道》特別收錄今敏插畫、分鏡稿以及黃金拍檔──《千年女優》、《盜夢偵探》的原聲製作平澤進的中文首次訪談。
視聽之餘：香港及華語電影雜感
你多久沒有進電影院看一齣香港電影？ & 很多人說，同一張戲票，同樣花上幾十元，寧願看荷里活大製作，怎樣也不會的香港電影。 & 或者，從卡士、特技的角度，香港電影無法與荷里活電影媲美。既然同為娛樂，那麼我們為什麼還要看香港電影，尤其是很多香港電影也不再是拍香港的時候？ & 香港電影的質素參差不齊，這是事實。香港電影不少早就北望神州，也是事實。但這些香港電影的軌跡，其實同步讀到一段香港故事──電影說故事，而當中的故事，不少也是一種時代的反映。我們會看見有的香港電影很不香港，但在很多著名導演離開本土市場的時候，有一些新進導演出現，再說另一種香港故事。 & 支持香港電影，是因為不想有一天，我們戲院播的，只是那些不香港的「香港」電影，不想只有全球都在看的大製作。 & 那麼，除了看香港電影，我們又能怎樣理解香港電影所欠缺呢？ 參考其他華語電影，或者是一項出路，尤其是台灣電影。這些年，我們看見台灣的復甦，拍出一齣又一齣叫好叫座的電影，甚至在香港引起熱潮。當很多人說要拍本土的香港電影時，究竟什麼是本土電影，是不是只有談政治的才是本土電影？ & 台灣電影告訴你，不是如此。一齣關心自己國家的電影，可以談政治，但不一定談政治，還可以談歷史，談土地，談社會氣候，這是香港電影仍然需要摸索的地方。 & 而華語電影，還包括中國電影、馬來西亞電影，還有新加坡電影。這些電影，同樣值得參考，怎樣才算是好的故事，說明不是投資愈多，等於電影愈好。 & 除了劇情片，也談到紀錄片。香港向來忽視紀錄片，官方的金像獎也沒有設置有關獎項，縱然如此，紀錄片的重要性卻無庸置疑。透過真實影像，呈現城市中被人忽視的人事，紀錄著一件件大小事件，而這往往帶著監察及控訴力量。& & 讀著家明的影評，我們了解怎樣讀電影，怎樣的處理手法是好，怎樣需要改善，這是對藝術的要求。電影作為一種媒介，是很多人的休閒興趣，其實不只是一種娛樂。在光影與聲音的定格中，呈現了一個時代，紀錄的不只是故事，還有整個城市的風貌，與時代的特色。 & 更重要的是，拍電影的人，應該是怎樣的人，同樣的看電影的人，又應該是怎樣的人？我們應該如何透過看電影，讓自己成為更好的人。這是一場畢生的修為。
從北齋到吉卜力：走進博物館看見日本動漫歷史！
解讀日本動漫，除了從娛樂或產業經濟層面之外，可以更深入探索文化層面。就讓我們在令和的新時代，回望江戶到平成的動漫記事，來趟心靈的壯遊！「外國人之所以不看漫畫，就是他們的國度沒有手塚治虫。」日本朝日新聞以這句話向手塚治虫致敬。相對來說，身為台灣人，對日本漫畫再熟悉不過，許多人的孩提記憶中，絕對少不了租書店，在書架上挑本《怪醫黑傑克》或者《原子小金剛》，然後鑽入靜謐而神祕的漫畫世界裡，度過大半時光。手塚治虫是日本戰後昭和時代大眾文化代表人物，而後則有宮崎駿讓日本漫畫站上國際舞台。因此，一般探討日本動漫時，往往聚焦於二戰後的蓬勃發展。然而本書要再將時光向前推移，以江戶末期為起點，尋找日本漫畫浮現契機，以及如何奠基，進而演繹出影響遍及全世界的動漫文化。藉由日本各地動漫相關博物館做為進入歷史洪流的時光機，悠閒漫步漫畫家養成的時空背景。從北齋、田河水泡、竹久夢二、岡本一平，到也成為台灣五六七八年級生集體記憶的哆啦A夢、名偵探柯南、小甜甜、櫻桃小丸子、烏龍派出所等等，探入漫畫家的心靈，並以其作品為鎖鑰，打開日本動漫文化深厚的底蘊與精彩。二○○九年開始，作者歷時十年造訪日本動漫相關博物館。博物館不只是個展示空間，也是一條歷史幽徑，在那裡，我們窺見日本動漫是時代變遷與漫畫家心境的交織。解讀日本動漫，除了從娛樂或產業經濟層面之外，可以更深入探索文化層面，就讓我們在令和的新時代，回望江戶到平成的動漫記事，來趟心靈的壯遊！
跨越：文學、電影與文化辯證
二十世紀現代文學與類型電影的文化脈絡解剖本書輯錄作者近幾年來有關文學與電影的評論。全書以馬克思理論、女性主義及當代文化理論為主軸，探討文學與電影文化批判的意涵。內容涵蓋當代英美文學、義大利新寫實主義電影、好萊塢電影及日本武士道電影。論述精闢、鋒銳，為實踐文化批判及社會辯證的最佳例證。‧代罪羔羊的隱喻：辨識所有犧牲儀式的特質旨在揭穿犧牲暴力無罪的謬論。‧女性主義修正論：成為語言的竊奪者，詩人雷琪的女性共同經驗整合之路。‧東方主義：不論是將東方予以規制或浪漫化，這些理念都是純粹主觀的建構，視東方為本體性恆定的客體。‧義大利「新道德詩學」的電影運動：新寫實主義自始就是具有政治參與意識的藝術；這些導演風格各有不同，但具有強烈社會意識的共通色彩將他們的作品結合一起，形成一個跨越時空的國家電影運動。‧黑色電影：真正潛藏於黑色電影的意識形態似乎是，在面對社會和文化劇變，父權體系將本身所暴露的焦慮、適應不良、以及重建權力優勢的企圖投射於女性形象之上。‧科幻電影：一九七○年代後，往昔用以指涉社會主義的反烏托邦想像如今轉而引喻資本主義的弊病；資本擴張和勞力剝削的議題逐漸成為當代科幻電影的重要母體。‧武士電影：山田洋次的武士三部曲，表徵對武士理念以及權威壓迫的抗拒；同時以幕末時期隱喻二十一世紀前後的日本，藉以批判當代日本企業社會的不公與無情。
如何欣賞電影
電影人必備！ 好電影→全方位欣賞指南 敗筆？→問題分析解答本 現任《華盛頓郵報》影評人、資深影視記者安・霍納黛以七個電影製作面向，揭開各領域展現魔力的關鍵指標，橫跨經典老片與前衛當代電影，自娛樂大片到藝術電影，深入淺出帶領觀影人找到自己的方法和語言，理解其各自在生理、心理產生的效果，並進一步評論銀幕上聲與光的「好」與「壞」。 卸除偏見→徹底沉浸→感官洗禮→直覺感受→分析評論→交流想法 劇本、表演、美術設計、攝影、聲音與音樂、導演，每章節各六部推薦片單，小節中穿插兩至三個提問和大量例證，能輕鬆參與和反思。選片年代涵括好萊塢黃金年代一九三〇到一九五〇年，以及一九七〇年至今的電影。透過本書不僅能藉各種角度欣賞電影，享受更多觀影樂趣，也能跟著作者一窺銀幕後的軼聞趣事。 本書特色 ◎ 資深影評人安・霍納戴為電影人量身打造的必備讀物。 ◎ 掌握電影分析的訣竅、提升觀影樂趣。 ◎ 四十二部推薦片單和上百部電影觀後分享。 ◎ 夾附QR Code及網址，完整收錄全書推薦片單預告，以及內文提及的部分電影片段YouTube觀看連結。 名人推薦 吳可熙 實力派演員 李欣芸 金馬獎最佳原創電影音樂、金曲獎最佳作曲人 蔡珮玲 資深電影美術指導 高鳴晟 新銳剪接師 膝關節 台灣影評人協會理事長、資深影視記者 ——好評推薦 安．霍納戴很懂電影，但更重要的是，她很懂得如何用文字向各式各樣的讀者解說電影。這本書就是她把這種才華發揚光大的成果。她以敏銳的洞見，解析電影這門藝術何以如此引人入勝，以及該從哪些角度思考電影的難題。凡是對電影製作過程感興趣的人，都能從本書得到新收穫（我知道我有），也能學到用新穎的觀點來談論老片與新作。這本書提醒我們別忘了：電影是一種重要的藝術形式，只要你對這點有同感，這就是你必讀之書。——艾瑞克．孔恩（Eric Kohn），影評網站IndieWire影評人 安．霍納戴在本書中透過電影涉及的幾種不同領域，探究電影製作的獨特魔法。再怎麼難以解釋的奧妙，也在她的筆下化繁為簡。她以清晰易懂的方式，從觀眾的立場出發，來解析《今天暫時停止》高明之處在哪？電影剪接師如何成為觀眾代言人？最後更指出重點：每當戲院燈暗，我們最渴望的，無非是「源自人與人之間情感連結」。本書是送給所有電影工作者與影迷的真心好禮。——亞伯特．柏格（Albert Berger），《內布拉斯加》、《冷山》、《小太陽的願望》電影製片人
動態影像的足跡：早期臺灣與東亞電影史
有關臺灣與東亞的早期電影歷史研究，二十年來相關的研究成果並不多，其中朝鮮電影研究的中文書籍或論文迄今仍極為罕見。本書收錄十九篇包含臺灣與東亞早期電影史研究的方法論與新課題，以香港、臺灣、朝鮮以及日佔下的中國為研究範圍，探討早期電影的各種議題。 & 無論在議題的廣泛性、區域的涵蓋面、方法論的多樣性與探討內容的深度等方面，本書可說是華語世界的先驅著作，對提升臺灣與亞洲電影研究之質量具重要影響。
台灣電影變幻時：尋找台灣魂
後海角年代 對台灣電影最私密最主觀最直言不諱的愛與評論 如果《海角七号》重新定義台灣電影，為二十一世紀台片掀起第一波高潮，那麼從《賽德克‧巴萊》、《女朋友。男朋友》到《刺客聶隱娘》和《幸福路上》，面對變幻有時的影視環境，台灣電影何去何從？《台灣電影愛與死》作者鄭秉泓以「後海角年代」為起點，點評2010-2018年重要台片與作者，回顧這些年台灣電影每個關鍵瞬間…… 本書特色 1.第一本長期關注、追蹤、系統性評述近十年台灣電影的專書 2.近十年台灣電影與台灣影史的重要紀錄 3.適合海內外台灣電影愛好者與研究者，電影相關科系師生閱讀 4.向國際上推廣新一代台片與導演的最佳途徑 名人推薦 導演 鴻鴻 專文推薦 作家 萬金油 台北電影獎最佳女主角 謝欣穎 導演 應亮 共同推薦（按姓氏筆畫排序）
國族音影：書寫台灣．電影史
若沒有電影幫助我們看見台灣，台灣看起來會是什麼模樣？ & 從類型到風格，從台語電影到國語電影，從李行到蔡明亮， 洪國鈞讓我們從電影中看見台灣，看盡台灣的過去，看向台灣的未來。 台灣的國族電影是什麼？少了自己的電影，台灣看起來會是什麼模樣？ 以「國族」的概念去架構或產出台灣電影史的故事是否恰當？ 如果「國族」這概念曾經有效幫助美國以外的電影抵禦好萊塢的支配， 在當今跨國性主導一切的全球化時代，是否仍然有效？ 洪國鈞的《國族音影：書寫台灣．電影史》深入梳理台灣紛亂歷史下國族與電影的關係，以細究「國族性」的框架。這座島嶼受到源於內部與外部的多重壓力，使得台灣成為生氣蓬勃又動盪不安的力場，這些壓力包括日本殖民遺緒、國民黨政府文化政策、各種本土主義運動與「中國」間的糾結，以及近幾年的全球化挑戰。以上壓力凸顯出台灣電影的歷史――包括形式的再現、映演和觀賞背景、類型的多元發展和風格的探索――正是台灣電影的「國族想像」持續更迭變動而造成的歷史，這樣的歷史特徵形塑了台灣電影，同時也受到台灣電影的挑戰。 洪國鈞堅持歷史的嚴謹與理論的彈性，將「國族」置於歷史、政治、文化脈絡，以及建構此概念的論述脈絡之中。他爬梳電影、文字紀錄、史籍檔案來回顧台灣電影歷史本身，並以歷史書寫的眼光重新檢視，仔細探究影像或其他文本如何作為論述和電影的問題意識，帶領我們穿越「國族」領域的討論。 《國族音影：書寫台灣．電影史》一書提出，電影在處理國族問題上的掙扎，是否反映出大眾對於國族的態度轉變？電影是否預期到這些改變而作為身先士卒的領頭羊？抑或電影中的處理，其實牴觸一般大眾的想法，顯示出構築台灣身分的方式並不止一種？改變的發生是否會帶來轉折，若有，又是怎麼樣的轉折？當多重的殖民歷史、國際政治與台灣電影的歷史緊密交織，我們如何在國族性受到政治性干涉與維持的同時，將其作為批判框架，對跨國性影響下的台灣「國族」電影歷史提出更有效的省思？本書將討論國族性在跨國性辯證下的歷史書寫方法，以及有關此辯證的台灣電影形式轉變的特異歷史。
看電影的慾望
為什麼有電影令人「頭痛欲裂也推薦」？ 是什麼讓我們「看得懂或看不懂」一部電影？ ★既有漂亮的制高點，又能殺出偏斜的切入點，保留電影的「本事」，偏又顯出自己本事。──陳栢青 ★五十篇別有洞天的電影文字。 ★內含影片多元且多樣。 從韓國類型片《我只是個計程車司機》到台灣藝術電影《聶隱娘》，從怪獸電影《正宗哥吉拉》到社會經濟史電影《新天堂樂園》，還可將《抓狂美術館》與《日常對話》同時盡收眼底，打開看電影的視界與胃口。 ★熱愛推廣電影之文化小尖兵最親密的教戰手冊備忘錄。 輯一「內心戲」帶著有話就說的直接與某些不經控制的真情流露，既讓人一睹電影日記體的自由痛快，也留存了二○一四至二○一八，四年間電影大小事的吉光片羽。 輯二「影評事」收錄了發表於副刊或是與影展相關活動的正式影評，提供想了解電影史經典人物、性別文化或電影美學的讀者，扼要的分析與解說。 ◎談《聖鹿之死》 劇本、導演與演員都無懈可擊，但是心臟太弱的人真的不太建議，想看傳統驚悚片與恐怖片的觀眾，也許就算了——除非你是想鑽研。這是大島渚的禁忌深度、大法師的身體調度、外加布紐爾的反家庭強度，互相加乘。 ◎談《我只是個計程車司機》 簡單說，還是該去看。韓國類型電影或非類型電影成熟不是一天兩天的事了，這部電影大概也有指標作用，把類型的東西做到淋漓盡致，且這類型有奇幻成份，也非常成功。 ◎談《聶隱娘》 「全新的感官經驗」，這通常是商業大片讓我一看就略過不信的東西，但看《聶隱娘》時，我卻不斷想到這個形容。 ◎談《藍色是最溫暖的顏色》 這樣一個深具反殖民性格的導演，選擇去拍少女同志，這就像是寫〈蘋果的滋味〉的黃春明或寫〈菊花夜行軍〉的林生祥，寫出以少女同志為主題的小說與歌謠一般—這能不讓人驚奇與期待嗎？ ◎談《日常對話》 ......——以喜劇效果極佳的「親人(口頭)走避」同志議題的段落而言，那不只是滑稽的寫實，同時也是入骨的剖析——因為導演的不迴避，才能捕捉眾人的迴避——圍出一塊塊彩虹旗尚難飄揚的空白之處，這些空白，我認為它是影片極其燦爛之處，並不因為那些空白應該「天然白」，而是它以事半功倍的方式，呈現了各個頓挫點的雙面性，比如親人顧左右而言他彷彿熱鬧有勁，但正間接寫下同志在情愛之外的社會生活中，身處的(他人)認識荒蕪與寂然。 《看電影的慾望》 是張亦絢第一本電影私筆記，也是關於「愛與慾望如何說出來」的分享與練習。
一瞬二十
台北電影節二十屆紀念專書。迎向二十週年的此刻，台北電影節試圖回到一九九八年，從台灣電影的谷底時期，探勘並梳整廿年來的沿革與意義，同時描繪電影創作與當下時空的文化景觀、社會氛圍，將台北電影節與台北電影獎入選、得獎的創作者嵌入臺灣影視環境和文化政策的脈絡，揭露彼此滋養、傷害又相濡以沫的複雜關係。全書將廿年區分為五個斷代，每個斷代涵蓋了不同的文化事件、電影政策及電影產業等重要大事，同時貼合電影產業發展脈絡，採訪近三十位電影創作者，他們或崛起於台北電影節，或與台北電影節一路相伴迄今，包括歷屆台北電影節策展人，以及台灣敘事長片、短片、紀錄片、動畫的導演和藝術指導、監製等不同角色。期許台北電影節與觀眾透過歷史的累積，理解近代台灣電影的步履所及，承繼、反芻，以此展向未來。
華語電影在後馬來西亞：土腔風格、華夷風與作者論
本書入圍2019年國際亞洲研究學者大會中文國際圖書獎決審名單 & & 從蔡明亮、雅斯敏、阿牛、陳翠梅、劉城達、黃明志到廖克發 探索華語電影在後馬來西亞的崛起 以及處於離散與反離散間距中的不即不離 電影研究一直比較偏重以從敘事、影像或美學等幾個層面進行文本和理論分析，華語電影中的土腔、語言等聲音元素，卻少有研究觸及。《華語電影在後馬來西亞：土腔風格、華夷風與作者論》探討一批在馬來西亞出生成長的電影導演在後馬來西亞語境下如何在國內外催生一組揉合土腔風格、華夷風或作者論的華語電影。結合近年在全球興起的土腔電影和華語語系，此書探討當代馬來西亞土腔電影文化中的華語、方言和多語現象，這些交織著各種土腔、多元聲音和多元拼字的揉雜化語言景觀，如何在離散和反離散的邊界內外進行去疆界化和再疆界化的同時，也在全球化的大都會主義和本土第三世界後殖民的雙重語境下，操演諸種涉及本土、國族、文化、階級和性╱別的身分認同？這些離散電影和反離散電影又是如何在後馬來西亞語境下運用華夷風的聲音和土腔去回應或超克「國家失敗」的預兆？ 作者許維賢指出，無論是從蔡明亮到廖克發不時重返馬來西亞歷史現場的離散電影，抑或從阿牛到黃明志對離散去疆界化的土腔電影，再回到本土雅斯敏、陳翠梅和劉城達對國族叩問的反離散電影，馬華的離散論述不盡然是反本土化的書寫；馬華的反離散論述也不必然就是對國家仰慕和充滿願景的國族主義。 《華語電影在後馬來西亞》同時收錄作者走訪多位導演和歐洲影展選片人的第一手資料，對華語電影在馬來西亞內外的生產、消費和傳播進行田野調查，從而更深入理解華語電影在後馬來西亞的崛起。
香港電影：額外的維度(中文增訂本)
這不是香港電影史，是香港電影百年歷史的成長誌。 早期仰賴南來影人撐起工業，在「過客」與「統戰」心態的拉扯中，香港電影長出了最早期的北望神州的模樣；海外市場的開拓，娛樂至上的精神種下了歌舞昇平的基因；新浪潮的湧現，我城的意志扎根。 張建德於1997年出版的香港電影英文專著，20年後才迎來中文譯版，作者特別新增篇章，詳述「後九七」香港電影。書中爬梳香港電影獨特的類型（武俠、動作、鬼怪、梟雄等），分析重點電影人的特質（李翰祥、胡金銓、李小龍、成龍、唐書璇、徐克、許鞍華、杜琪峯等），呈現出電影人、作品、城市三者交織的非一般香港電影景觀。 推廣重點 1. 爬梳歷史，詳述香港電影從南來影人的「中華觀」到「本地化」的過程； 2. 著重類型分析，突出香港電影百年發展所形成的不同類型作品，及其興衰的過程； 3. 強調作者論，仔細分析重要的香港電影作者特色及其影響。
電影冷知識：跨越銀幕之外，我們都想探索的電影製造秘密
你也許聽過「IMAX」、「長鏡頭」、「立體聲」……但這些到底是什麼概念？ 從觀眾角度出發，一窺電影工作的手法、技巧與內幕！ 一部電影要讓人深深著迷， 除了好劇本、好演技之外， 其實還需要解決各種讓人又愛又恨的技術性問題。 試想 ◎以前一捲底片只能夠拍10分鐘，如何看起來是全片「一鏡到底」？ ◎每一鏡錄出來的顏色都有點不一樣，怎麼解決這項問題？ ◎搞定畫面後，還要怎麼弄出清楚明確的關門聲與腳步聲？ ◎數位化到底有什麼好處？為何又有那麼多導演堅持底片拍攝？ 想要吸住觀眾的眼球，電影可說是用上了各種令人意想不到的「製造方法」，不斷有從事這行的人們嘗試打破攝影機運動與剪接方式，甚至將腦筋動到畫格捲動速度和銀幕寬度上！ 而這些總被視為理所當然的「技術發展」，背後又有什麼有趣的來歷？ 有沒有可能，用更淺顯好讀的白話文，讓電影愛好者們更容易理解它？ ▼閱讀這本書，你還可以知道…… 「杜比」到底是什麼東西？ 所謂的「爽片」是如何來的？ 原來「O.S.」並不是「內心話」？ 拍攝時如何指引演員往左或往右移動？ 常聽到的「16:9」是電影銀幕的長寬比例嗎？ 片尾字幕那麼長，其中有什麼業界才看得懂的秘密？ 為什麼戲院跟爆米花總脫不了關係？而且全世界皆然？ 全球指標性的年度佳片到底是哪些神秘人物來評選？ ……更多勾人好奇心的冷學問， 一本書讓你秒懂業界術語、軼聞與內行知識！ 本書特色 ★全書分五個章節，分別切入發想、拍攝、後製、發行宣傳、戲院文化等面向 ★共提及163部電影、126項專有名詞及概念、120名電影相關人士、38間電影片廠與工作室、19種拍攝器材或軟體
定格動畫 Stop-Motion Animation(第二版)
夯！定格動畫-最完整的基本思路激發與應用技巧解說 易！按步驟走，從零開始一段一段接遞起一部完整作品 創！從豐富的作品賞析、實戰演練中開發自己的無限創意 本書特色 ◎本書以格動畫短片創作的基本思路和拍攝技法等環節為主線，從創意劇本、素材選取、動作設計、拍攝技法、後期合成等環節導入案例進行遞進式深入講解。 ◎本書引領讀者如何利用最簡單的器材及生活中常見材料激發創意，拍攝出具有較高專業水準的精彩定格動畫短片。 ◎全書共7大單元，4大重心： ‧解說定格動畫的基本理論，以及定格動畫拍攝前所要進行的準備工作。 ‧通過一些小規模的上手案例，解說拍攝前期的所有環節，使讀者了解定格動畫拍攝前期的基本原理。 ‧通過案例講解一部完整定格動畫短片的拍攝制作過程，將重點及困難點等，有針對性的結合案例加以解說。 ‧每個相應學習階段都設有「小提示」、「知識拓展」、「單元總結」和「單元互動」等環節，易於延展與增強相關知識。
教你看懂電影的20堂課：好電影如何好？
你喜歡看電影嗎？ 你覺得某部片很好看嗎？ 除了「好看」，你還能從中看出什麼？ 20堂電影課，解構百餘部西洋電影， 從經典到類型，從藝術片到商業電影， 帶你看出更多有趣、以往從未發現的細節！ ◎《王者之聲》喬治六世廣播演說的場景震撼人心，關鍵竟在剪接師的鏡頭安排！ ◎你以為無聲電影的時代過去了嗎？看看《辛德勒的名單》如何利用無聲畫面製造戲劇張力！ ◎《少年Pi的奇幻漂流》以救生艇隱喻Pi的孤獨，希區考克作品裡的救生艇又代表什麼意思？ 電影是動態的語言，有獨特的文法與規則，它在不同的時間、空間裡演示許多事件，並由許多不同的元素組合起來，諸如：視覺、音效、背景音樂、光線控制、時間掌握、空間安排、動作以及對白。只要了解「電影文法」，徹底解析這種語言，你就能在觀影中得到更多收穫，看到其他人沒有發現的趣味。 本書提供20堂有關於「看電影」的課程，列舉多達100部電影做為範例，不管是好片、爛片，如何從一部片，看出一些以往你從未發現過的趣味，讀懂一些從前你根本不在意的橋段，讓你驚覺「看電影」原來是一種獨特的動態語言的學習： ‧音效課─無聲勝有聲：獲獎無數的《大藝術家》，向開啟全球電影史序幕的黑白默片致敬！ ‧光影課─明暗對比：還記得《魔戒二部曲》，聖盔谷浴血之戰與白袍巫師甘道夫再現的場景嗎？ ‧開場課─精采到讓人忘記爆米花：伴隨你我童年的《法櫃奇兵》，如何創造闖關無敵的冒險英雄人物？ ‧課堂小測驗：你能看出電影裡的多少細節？找一下《亞果出任務》，裡面有一切我們想要看的元素！ 每個人都是分析電影的專家，一般觀影者欣賞的電影數量，到了二十五歲時就會比一生讀的書還要多！所以其實你也可以擁有自己對電影的解析、闡釋，而且沒有人可以擁有你的見解。一部電影包含了許多元素，但真正有趣的地方在於，我們可以分析、詮釋這些元素如何影響電影的意涵。你可以是觀影者，也可以是不再被動的原創作者。 ◎準備好從全新的角度欣賞電影了嗎？ 【練習1】 想觀察演員如何發揮他們的演技嗎？選一個你喜歡的演員以及他所演出的不同類型電影，觀察他們在不同的環境下如何演出？例如，珍妮佛．勞倫斯在《瞞天大佈局》、《派特的幸福劇本》和《飢餓遊戲》中，如何運用眼睛、嘴巴、身體、聲音等技巧去演活不同角色？ 【練習2】 想了解光線、取景等技術對電影的影響嗎？你可以在接下來觀看的五部電影中，特別專注於技術部分。你需要看兩次，第一次享受故事的基本架構，第二次則專注在那些技術元素上。照這個方法看過幾部電影後，你就能自然而然地察覺到那些技術元素在電影裡的運作功能。 本書特色 1.作者具備將近30年的教學經驗，教你看懂電影、解構電影。 2.內容淺顯易懂，文字幽默風趣，有別於一般枯燥生硬的教材。 3.收錄全球百部經典電影，旁徵博引，貫穿全書。 4.一書在手，聚會聊天找話題不怕沒人氣。
大佛．有抑無：劉振祥的「大佛普拉斯」影像紀錄
狂賀！《大佛普拉斯》 ●獲第54屆金馬獎 五項大獎 最佳新導演 黃信堯 最佳改編劇本 黃信堯 最佳攝影 中島長雄 最佳原創電影歌曲 林生祥 最佳原創電影音樂 林生祥 ●橫掃第19屆台北電影節最佳劇情長片、百萬首獎等五項大獎 & 本書為《大佛普拉斯》影像紀錄 攝影 劉振祥 劇照呈現X導演 黃信堯 口白演繹 & 冷洌、鮮明、寫實的魔幻美學， 穿透底層人最微不足道的無奈和悲哀， 有抑無地向我們展現了虛實交錯的戲與人生。 & 神佛總動員X中年男女的情慾糾結X在地化的黑色幽默=一場荒謬無比、光怪陸離的人生鬧劇 & 「他們雖是在演戲，可是他們大部分的時間是在扮演他們自己……」 ---------劉振祥 「面對生命的可悲，人們只能直視它，然後轉身默默地繼續生活。」---------黃信堯 & 「大佛普拉斯」這部影片原本在監製鍾孟宏與導演黃信堯的預估下．票房或許是低空掠過；豈知在2017年10月上映後，票房倒吃甘蔗，成為年度賣座片。這部電影講述社會兩種截然不同世界的人們，似乎挑動了台灣觀眾的神經，集結了神佛總動員、中年男子們的情慾糾結、與陰陽二界對話，或許觀眾會覺得荒謬，但人生不就是場荒謬的鬧劇嗎？ 本片的劇照由跨領域的攝影師劉振祥拍攝，他以一個局外人在拍攝現場360度地關照，彷彿八隻眼的蜘蛛，拍下現場工作人員的劇裡劇外面貌，冷靜又叫人注目深思的影像創作，似紀錄片又似舞台劇照，有抑無地演繹出「大佛普拉斯」之外的篇章。 本書由黃信堯導演親口說圖，轉化成文字，想要對電影有進一步理解的人，在本書中可以找到答案。 & 黃信堯導演的話： 我一直很想講台灣中南部的故事，某些被遺忘的人或地方。總覺得一般電視或電影裡那種搞笑式的「台」，是無法表達真正生活的樣貌。 生活裡有很多很可笑的地方，在電影裡會讓人放聲大笑，但我總覺得那些可笑，都是來自生命的可悲。而身為「人」，也就只能直視它，然後轉身默默地繼續生活。如果無能為力，或許這也是一種方式。而這部電影我想講的大概就是這個。
圖解台灣電影史(1895-2017年)
台灣電影發展120年 西洋鏡、覗眼鏡、演戲大幻燈、電燈影戲、影燈戲、自動幻畫、幻燈映畫、活動寫真、映畫……都是電影在台灣發展120年的關鍵字，也是一齣又一齣的緊張刺激、賺人熱淚又開懷大笑的時代悲喜劇 十九世紀末德國、美國與法國不約而同發明電影機，1894年德國攝影師阿舒萊（Ottomar Anschütz）在柏林公開放映大銀幕影片，美國發明家愛迪生（Thomas Alva Esison）的「西洋鏡」此年也在紐約收費放映；翌年法國盧米埃兄弟（Auguste Marie Louis Nicholas Louis Jean）在巴黎大咖啡館（Grand Cafe）電影機並放映《離開工廠》、《水澆園丁》等短片，當來到最有名的《火車進站》時，觀眾紛紛驚嚇走避，成為電影開始那年最津津樂道的場面。短短幾年，從靜態影像到活動寫真的轉變，1895年以後，電影開始了奇幻旅程。 1895年大清帝國割讓台灣，與電影公開的年代有極為巧合的相遇，台灣在日本領台後隔年，大稻埕建昌街、台北城內文武街與艋舺祖師廟前都出現「覗き眼鏡」這種新奇玩意，頭一年的軍政過後，台北逐漸出現遊樂場與戲劇表演場所，大稻埕與艋舺在1899年開始有商人巡迴放映「西洋演戲大幻燈」活動影戲，不久北門街十字館劇場即引進愛迪生發行的《美西戰爭》等影片放映，電影逐漸成為劇場空間之中一種嶄新的娛樂型態。 本書從現代電影發明之始為起點，論述台灣電影自1895年到2017年的進展與沿革，針對過去史料闕漏的部分，透過歷年來各界業已整理出土的新資料，此次重新梳理，運用視覺圖解方式去蕪存菁、引人入勝，看見台灣電影史跡的重要歷程，讓電影在台灣發生之種種故事與情節再度一一搬演。 本書重點 1.自從電影發明以來，電影可說是近代娛樂效果最強大的媒介之一，百年以前電影傳入台灣後，由於影響層面廣泛，除了休閒娛樂，且被不同政權當成治理的的意識形態工具，直至今日，隨著好萊塢電影全球化的成功，電影也成為娛樂經濟的主要金雞母。台灣電影隨著世界潮流與社會發展息息相關，可說台灣近代文明發展的縮影，因此在台灣史上電影主題具有極為重要的地位。 2.台灣電影雖處處受管制，但一方面與各時代的社會發展仍然有脈絡可循。解嚴後台灣也因為多元文化的基礎以及世界經濟市場的變動，讓台灣電影有復甦的機會。台灣電影走過百年，伴隨多少人喜怒哀樂、哭笑嘻罵，或者懷抱一個孵蛋的夢，電影與觀眾反應、票房之間，以及與社會的互相連結，值得一一紀錄台灣的電影年代。 3.本書以圖文並茂的方式述說百年來台灣電影興衰起落，適合作為電影史的教材與讀本。
漫遊影像：電影、當代藝術與策展
作者林心如長期耕耘當代藝術和電影領域的書寫，尤其在旅法期間透過評介和專訪，將國際藝壇和影壇的脈動傳遞給台灣讀者。《漫遊影像：電影、當代藝術與策展》主要收錄作者在2004至2014年所寫的藝術和電影類文章，書中約50篇專文、約21萬字，書寫對象皆為國際一線的藝術大展、機構、藝術家、策展人、藝術博覽會、電影機構、電影導演和影評人等，並廣泛而深入地觸及國內甚少被討論的實驗電影及其和當代藝術的相互激盪。 書中涵蓋了Philippe Parreno, Douglas Gordon, Anri Sala, David Claerbout, Anthony McCall, yann beauvais, Jeremy Deller, Jacob Fenger(Superflex), Robert Frank, Diane Arbus, Apichatpong Weerasethakul和高重黎、陳界仁等藝術家，Hans-Ulrich Obrist, Nicolas Bourriaud, Jérôme Sans, Marc-Olivier Wahler, Philippe-Alain Michaud, Dominique Païni, Anselm Franke, Robert Kluijver等策展人，里昂雙年展、台北雙年展、敏斯特雕塑大展等展覽，巴黎東京宮、龐畢度中心、雪梨當代藝術館等機構，FIAC藝術博覽會，雷諾汽車的藝術收藏，以及Béla Tarr, Philippe Garrel, Jean-Luc Godard和楊德昌、蔡明亮等導演。 作者以單一專論（monographic）的方式展開書寫主題，著眼作品／對象的客觀描述及脈絡陳述，輔以廣泛的參考資料或簡要的理論提引。此外，書中大量的第一手採訪（約佔全書的一半）更構成本書的高度參考價值。書中並收錄筆者受電影《廚房》及其原著小說啟發所撰的散文詩，揭露作者的書寫實踐早期而根本的詩性面向。 書中收錄文章的初次刊登處包括：《典藏•今藝術》、《典藏•讀天下》、《電影欣賞》、《放映週報》、《現代美術》、《攝影之聲》、《樂多線上誌》（《MOT TIMES明日誌》前身）、《台北藝術論壇電子報》，以及鄭慧華出版的《疆界Altered States》展覽專書及《藝術與社會――當代藝術家專文和訪談》。
臺灣、跨國與自我的主體：日記電影研究
本書透過第一手與國際上知名日記電影創作者及電影學者的訪談，企圖更為接近「什麼是日記電影」這個核心問題，同時，透過與台灣日記電影創作者的對談與論述，與歐美日記電影的研究及創作產生共鳴、連結與對照，藉此回顧台灣電影研究，進而反思自身。 《台灣、跨國與自我的主體──日記電影研究》一書分為「訪談 錄：製造台灣性」、「訪談錄：歐美的跨國性」與「專文：日記的主體性」 三個部分。「訪談錄：製造台灣性」中，收錄了7篇台灣跨世代的日記電影創作者的訪談錄：莊靈先生、陳宏一導演，以及2007年之後 由學院體系畢業的日記電影創作者林倩、李明宇、練建宏、蘇明彥與 陳穎寬。試圖藉由跨世代電影創作者的創作過程中，去拼湊出屬於台 灣自己的日記電影創作脈絡。 第二部分「訪談錄：歐美的跨國性」以米開斯為一開啟迷宮的線索。巴黎龐畢度中心於2012年12月舉辦米開斯的回顧特展「Jonas Mekas / José Luis Guerin: exposition Cinéastes en correspondance」，放映了米開斯的舊作與其他非常少見的作品，其中亦包含了《365 Day Project》的12台電視現場裝置。由於這個難得的機會，我 得以親自與米開斯訪談，透過與米開斯的訪談，更多日記電影的線索 漸漸地浮現。羅傑．歐丹做為長期研究家庭電影、個人電影的專家學 者，本書亦收錄我與歐丹所做之深度訪談，從電影學術研究的角度切 入日記電影創作，提供與創作者不一樣的觀點。同樣身為長期投身於日記電影創作的藝術家，喬瑟夫．莫 德（Joseph Morder）再提供了不同於米開斯的觀點，亦可從中觀察出歐美之間對於日記 電影創作之異同。〈通信：蘿拉．拉斯卡蘿莉／李明宇〉，在蘿拉．拉斯卡蘿莉與李明宇多次書信往返之下，完成了這篇文章，內容包含日記電影的作者、旁白與新科技的影響等等。 本書第三部分「專文：自我的主體性」收錄三篇日記電影研究者與創作者的文章。世新大學劉永晧副教授長期研究家庭電影與日記電影，〈從家庭電影到日記電影的研究與創作教學〉一文中，從研究與教學的觀點，回顧並整理了他過去對於日記電影的研究，同時也分析 討論了台灣新生代日記電影創作者們的作品，呈現出當今台灣日記電影在創作面的現況，亦是他在此領域研究與教學的開花結果。顏．博飛的〈從自我的再現到幾部日記電影：幾個標準或是主體的間斷〉一文，從創作者的角度出發，討論「我」的再現問題，並以顏．博飛自己的多部日記電影作品為例，以及這些作品的創作過程。李明宇〈日記電影中水平蒙太奇、括號結構與聲音間隙的美學可能：分析瓊納斯．米開斯的《阿維拉之歌》（Th e Song of Avila）一文，從旁白的問題切入，分析瓊納斯．米開斯的日記短片作品《阿維拉之歌》。文中討論了旁白聲音在日記電影中是如何以一種不同於傳統劇情片的方式在運作。 封面設計王志弘與內頁設計黃暐鵬。
電影藝術與社會(二)批判理論明鏡下的電影社會史(2016年修訂版)
電影藝術與社會(二)批判理論明鏡下的電影社會史 之人道主義電影的社會啟迪及二次大戰後好萊塢類型電影的黃金時代 這本書首先帶出第二次世界大戰那人類最黑暗的社會時期中，電影所發揮的人道主義精神，再引入第二次世界大戰之後電影的另一個黃金時代。它游走於藝術與商業之間，兩方面都有偉大的成就。義大利新寫實主義是明顯一種對第二次世界大戰這段人類悲摻的歷史及戰後社會現實的深切反省和批判，繼它的終結，義大利電影還走上更廣澗的發展道路，帶出更動人的電影意念、風格、議題及表現手法。另一方面，雄霸全球的好萊塢電影更把類型電影推到新高峰，本書處理了西部片、黑色電影及煽情劇這三類最有特色和藝術成就的表現形態。這裡對各經典作品的分析，遠比上一本來得精深詳盡，說明電影分析評論是要結合不同藝術及社會理論才可勝任。
電影藝術與社會(一)批判理論明鏡下的電影社會史(2016年修訂版)
電影藝術與社會(一)批判理論明鏡下的電影社會史 批到理論明鏡下的電影社會史《上》本書的目的是多方面的，首先是透過映象及聲音的分析方法，提供讀者對電影語言全面的認識，包括色調、構圖、鏡頭選取、剪接、聲音與影像的關係等；再進一步是探討經典電影之中，不同導演所表現的電影手法和風格、電影意念及其美感之複雜的判斷；最後是透過分析理解不同重要電影浪潮所表達的人生、社會及價值觀，及其如何繼承過去及推展出電影創作新的社會及文化意義。本書是整個研究及著作計劃的第一部份，由電影誕生到次大戰；第二部份會處理二次大戰至六十無代的法國新浪潮；而第三部份會處理新好萊塢、法國及德國後新浪潮的發展，至東歐的社會批判、解體及重新融和，最後是全面探討到第三世界的電影及社會思想的突破。
電影藝術與社會(三)批判理論明鏡下的電影社會史
電影藝術與社會(三)批判理論明鏡下的電影社會史 大師經典作品、新浪潮及後續發展、東歐及第三世界電影的社會革命 二次大戰之後，世界電影出現了不少影響深遠的大師及其作品，需要深入審視理解。當然還有法國新浪潮電影的出現，它成為繼法國詩寫實主義《第一册》及義大利新寫實主義《第二册》之後，第三波影響世界電影的潮流，它更造就了德國新電影及美國新好萊塢的發展及嶄新表現形態。最後，聚焦東歐及第三世界電影，是非常重要，因為它們把登峯造極的電影藝術表現，結合了最深刻的社會政治批判及導引出翻天覆地的社會改革。這些都是本册全力探討的世界電影史中，最核心及最具影響力的潮流。
數位電影製作概論（第2版）
本書以「四端點，兩構面，一十字」的架構，從梳理與強調電影敘事中空間與時間、視覺和光影等的核心概念出發，在內文中搭配圖例與各樣式的表格和工作流程設計，將核心技術的演變和特點加以例證說明外，針對數位電影成像及後期製作工藝等相關知識，進行電影表現與技術運用的全面性論述。在理解系統性的數位電影製作特性後，進一步把啟發敘事與視覺上的想像、時空上的想像、S3D立體電影的想像和表演上的想像，等數位與想像力之關聯範疇，設定為本書的論述對象之同時，復以電影技術和藝術的一體兩面性，重申與再思電影作者要與時俱進理解電影藝術和科學，以知識管理的特性運用新的電影製作知識與工藝，豐富電影的想像力和藝術性。 本書特色 1.提供關於數位電影製作的由來、轉變與目前相關處理環節的重要知識，經由理解底片融合數位製作的原理，協助讀者建構起當代數位電影製作的必要理論基礎。 2.提供給有志從事電影工作的人，在實際製作與創作電影時對於創意視覺化、拍攝方式選擇的差異化、後製工作選擇與管理流程化時，能夠和想像力互相彰顯與呼應，並把它在電影製作的實務面上獲得應證與發揮，站在一個創作、製作者的立場延續電影精神，以開創電影表現的領域。 3.從敘事結構面、表現元素面和製作工藝面等，分別從傳統電影製作、記錄方式的數位化、後製作上的數位轉變、數位運用上的想像與映演和發行平台等幾個範疇，進行知識和觀念的梳理與闡明。各章節內容的梳理與論述依據，亦循著「四端點，兩構面、一十字」的架構，相互呼應，嘗試在數位化製作的體系中，建構一種適用的體系。
當電影導演遇上電影理論
本書試圖論證，一般的電影導演不僅都會對自己正在從事的藝術和職業有所自覺，他們當中有很多人甚且還賦予了這份自覺一種高度理論化的面貌。 閱讀本書，我們將會發現，這些由電影導演所提出的理論，往往都能兼顧嚴謹度和想像力；此外，這些由各門各派的電影導演所揭櫫的理論志業，無論其問世的時空是20年代還是當代，皆會和那些攸關電影的重點命題聲氣互通，血脈相關。 這些命題的涵蓋範圍甚廣，其中包括了一些和社會、意識型態、政治、藝術、美學、寫實主義、再現理論、語言、符號學、人類學、歷史、創作觀、執行方法等有關的諸多面向。我們不妨這麼說，幾乎任何一種知性的活動，都無法逃脫由上述這些面向所構築出來的網絡：一個隱伏其下的巨大網絡。 這個網絡，本書稱之為「電影導演的電影理論」。 事實是，一旦電影導演遇上電影理論，一旦電影實踐家開始去創發電影思想，其成果在活力充沛之餘，往往都會兼具實用的價值。
東西方電影 (增訂版)
電影雖然是西方的發明，但在其誕生第二年已傳入東方。回望120年的發展，電影在亞洲地區與在歐美一樣有着深厚綿長的軌跡。然而，現時的電影教科書通常只側重西方，在講述世界電影的發展史時，亦少論及東西方電影之間的關係。《東西方電影》第一版在2014年7月出版，目的就是彌補現有電影史和教科書中這經常被忽視的內容，並探究電影技術相對滯後的發展中國家出現的電影「新浪潮」，以及電影史中經常遺漏的各國先鋒女性導演的貢獻。這本增訂版在上一版的基礎上，進一步補充各國重要的女導演及她們的作品，並納入到電影發展的表述之中，同時深入探討紀錄片發展中的大事件對於劇情片風格的影響。本書文字上力求通俗易明，內容不拘一格，包含鮮為人知的電影大師、電影運動、片廠制度背後的傳奇故事，讓讀者不會再把電影看成是孤立的、只為教化或娛樂為目的的媒體。對於初次接觸電影歷史的學生和電影愛好者，本書是一個入門讀本。而電影與人類的社會文化生活有着密切的關係，透過電影發展史，讀者更能了解東西方文化的相互影響與滲透。
台灣以左，亞洲之右：實驗電影的亞洲實踐與研究
本書出版構想從2009年發端，長達六年的醞釀與準備已呈現一個完整的面貌。繼《比台灣電影更陌生——台灣實驗電影研究》於2013年出版後，編著者吳俊輝以《台灣以左，亞洲之右——實驗電影的亞洲實踐與研究》，把長達十五年實驗電影的創作、研究、教學、推廣、國際與亞洲交流的實踐過程，作一豐碩的成果展現──跨越個人與集體、電影與當代藝術及前衛劇場、台灣與亞洲之間，最後才能將實驗電影的創作、策展、影展與展覽、跨領域藝術創作展演、亞洲交流、亞洲匯演、美學研究、書寫、論述、出版匯聚在一起。 亞洲的電影、藝術、文化的歷史與發展何其特殊而複雜，更何況是電影研究中極為陌生的亞洲實驗電影研究，要如何書寫亞洲實驗電影呢？ 到底有沒有亞洲實驗電影美學嗎？如果有，亞洲實驗電影美學為何？如何進行亞洲實驗電影美學的研究？如何建構與發展亞洲實驗電影美學？ 亞洲實驗電影的優勢為何？要如何找到亞洲實驗電影的位置與定位？ 所有的提問，無不是本書於二十位的作者以實踐所做的回應。他們透過持續地自身歷史考掘與交互連結的對話才能進行書寫與建構亞洲實驗影像的脈絡與史料。本書就是透過一連串亞洲之間的相互提問、對話與書寫去進行亞洲實驗電影的探索，最終試圖提出一個非西方觀點的亞洲實驗電影的書寫與歷史脈絡，同時標示出台灣實驗電影在亞洲的位置關係，以及台灣作為實驗電影亞洲實踐的方法。 本書將台灣作為發散亞洲實驗電影的視線，悉心考察於亞洲各地區實驗電影暨影像發生源起與迄今之脈絡，並從諸多當代影像媒體、電影史、文化交流脈絡與影響、在地政策差異與社會變遷等等面向，以專論、藝術家論述、訪談、重要論壇記錄等形式，匯為書寫之巨冊，允為一亞洲地區內具代表性的實驗電影專書。 封面設計王志弘與內頁設計黃暐鵬。
我們的那時此刻：華語電影五0年流金歲月（附贈珍藏版書衣海報＋特殊裝幀拉頁年表）
用電影開啟時代對話 那時，一部電影，一個時代，一場熱血沸騰的夢 此刻，一部電影，一場對話，一段互相理解的開始 ★ 珍藏版書衣海報 11部經典電影重現，15段電影與人生詰問，用一部電影做為一段人生註腳 ★ 特殊裝幀拉頁年表 100件時代大事記，50部代表電影，看時代如何影響電影，電影如何造就時代 ‧ 女扮男裝 《梁山伯與祝英台》 前衛六〇年代，梁兄是第一代花美男？ ‧ 健康寫實 《養鴨人家》 農工業轉型，純樸鄉村vs.墮落都市？ ‧ 愛國 《梅花》 為什麼那些年，愛國萬萬歲？ ‧ 瓊瑤 《我是一片雲》 麵包=自由=愛情，女工的幸福年代？ ‧ 老兵 《搭錯車》 當弱勢遇上弱勢，時代辜負了誰？ ‧ 新電影 《兒子的大玩偶》 面具下的台灣，自我認同是什麼模樣？ ‧ 貪婪之島 《熱帶魚》 九〇年代錢淹腳目，人性只剩貪婪？ ‧ 死亡與重生 《雙瞳》 電影如人生，走到谷底如何突圍？ ‧ 英雄 《海角七號》 「卡世代」怎麼辦，小人物也能變英雄？ ‧ 懷舊 《我的少女時代》 年老懷舊是美好，年輕懷舊是警訊？ 從「此刻」回頭看「那時」，電影是社會的鏡子，反映真實。不論昨是今非，或今是昨非，當我們否定過去，也就背叛現在的自己。 看電影，讓我們從各說各話，變成練習對話。當座位角度與銀幕平行，在開口辯論前，人與人之間任何衝突矛盾，便有機會從平行觀影的角度，看見彼此的故事，開啟世代對話。 ★五〇年電影流金歲月，爸媽的少男少女時代 為什麼秦漢、秦祥林能勾動媽媽的少女心？一代影星柯俊雄，如何成為爸爸心中永遠不敗的抗戰將軍？電影歌曲〈一樣的月光〉如何唱出時代的反省之聲？港英情懷《甜蜜蜜》，香港人「不認不認還須認」中，有著怎樣的矛盾？五〇年電影流金歲月，重現一整個時代的集體記憶。 ★時代如何影響電影，電影如何締造時代 五〇年代黃梅調電影、六〇年代健康寫實、七〇年代愛國片、八〇年代寫實新電影……電影流派不只與藝術發展有關，更扣連時代變遷。五〇年代識字率不高，歌曲是傳達知識與信仰最佳管道，《梁山伯與祝英台》大熱，家家戶戶都會唱；六〇年代農工業產業轉型，健康寫實片描寫農村人性光輝與「烏托邦」社會；七〇年代淒風苦雨，外交政治接連挫敗，唯有透過政宣片，讓全台愛國情懷高漲。 ★電影裡，十年才能看清一個世代 在電影裡，十年才能看清一個世代，死亡與重生都不是立即發生。就像九〇年代台灣電影票房低迷，國際影展的藝術成就卻空前出色，是因為八〇年代新電影的影響。一個世代衰退，就會有新世代的交替崛起，重點是在轉換的關鍵點上，我們要做什麼？為下個世代建立怎麼樣的核心價值？ ★想擁有更大世界觀，就得拋棄自以為是的史觀 老電影，讓我們看見別人的史觀；新電影，帶我們探索更大的世界觀。台灣現在有一個現象：否定過去。我們不願承認過去的某些屈辱，也不願意承認某些不堪；每個人不同的生長背景，建立各人不同的史觀。但我們卻經常拿自己信仰的史觀去否定別人，甚至不知不覺地否定了我們自己。 ★觀影的方法：轉換椅子角度 溝通不再是上對下說教、面對面談判。看電影，面對銀幕的形式，任何人都有機會從平行觀影的角度往前看、往後看，對於那個你不熟悉的對方故事或心情，有機會開始理解。瓊瑤電影《我是一片雲》讓兒子聽見，「家庭即工廠」年代，女工媽媽的愛情青春嚮往；《搭錯車》回到眷村時代，當弱勢遇上弱勢，誰是被時代辜負的人？ ★每個時代都有自己的主題曲 歌曲作為一個時代的主題曲，每一首歌曲都有一段與時代對話的旋律：從〈國歌〉沒有自信的年代；〈我是一片雲〉「相信」是那個年代的關鍵字；〈一樣的月光〉聽見時代反省的聲音；印尼民謠〈甜蜜蜜〉給不同族群一抹微笑；《海角七號》大合唱〈野玫瑰〉，像過去致敬。 ★回顧歷史，不能不懂得對「時代」憤怒 歷史告訴我們，改變當代電影最大的力量是青年；從李行到侯孝賢、楊德昌，在三十歲前後就是當代最具有影響力的電影從業者。年輕創作者最大特質，就是懂得憤怒。憤怒不是拍桌打人，而是對時代的不公不義懂得憤怒。因為有憤怒，所以想改變，追求更好的社會與生活。我們的、那時、此刻，回顧我們一同走過的歷史，是一個練習憤怒，重新思索，很棒的開始。
銀幕上的新台灣：新世紀台灣電影中的台灣新形象
二十一世紀新台灣電影現象！ 你能在一分鐘內說出十部近三年上映的國片嗎？ 或許你不太常看國片，也不清楚台灣電影人在忙什麼。 但是，曾經想過嗎？台灣電影正是讓全世界認識我們這座島嶼的櫥窗！ 《兩個故宮的離合》、《謎樣的清明上河圖》、《最後的帝國軍人》 暢銷作家 野島剛 2015年最新作品 描繪近十年來台灣電影裡所呈現的台灣新形象 收錄：侯孝賢、魏德聖、齊柏林、鈕承澤、蔡明亮、陳懷恩、陳玉勳、九把刀、李烈，九位台灣電影導演、製片人專訪紀錄。 熱愛新世紀台灣電影，看過一百多部國片的日本資深記者野島剛，以跨文化的比較性視角切入，描繪出近十年來新世紀台灣電影裡呈現出的台灣新形象。 野島剛強調，這本書並不是電影解說書，而是透過電影這扇窗去觀察台灣社會，是以記者角度出發的書： ‧台灣，對於拍攝紀錄片的人來說，這裡可是天堂。台灣擁有豐富的多元文化，充滿了矛盾，換言之就是題材相當豐富。 ‧當我看台灣電影時，總會發現有幾項不斷重複出現的元素，我想這就顯示了這些元素對台灣人的重要性，也是日常生活裡不可或缺的，甚至是電影無法避而不談的。若是不了解這些元素，也許就無法真正了解台灣電影。 ‧台灣確實存在著貧富差距和南北差距的問題，透過《不能沒有你》這部電影更可以明顯察覺到這個現象。 ‧過去的台灣電影，不管是拍攝逃避現實或是自我尋找之旅，通常以選擇海外取景的居多，像是去香港或日本等等。然而，《最遙遠的距離》的主角們則是在台灣旅行，或許也是反映了受到「本土化」影響的這一代台灣人的內心所感吧！ ‧日本的喪禮通常要求必須「靜肅」，但是在台灣似乎完全不通用。《父後七日》是一部顛覆了日本常識，同時也可以認識台灣喪禮的電影。 ‧台灣的校園電影裡出現的「教官」，或許對於日本觀眾來說是比較難以理解的。但是，當電影是以一九九○年代以前的校園為舞臺時，教官就是不可或缺的重要存在。 ‧台灣電影裡比較沒有那種「我愛你」、「絕對不能離開你」或者「到死都要在一起」的台詞。恰到好處的現實感，又穿插著小小的夢想。像這樣小而美的電影，剛好體現了台灣這塊土地的特質，不是嗎？
百年台灣電影史(第二版)
電影隨著殖民文化進入台灣，走過風雨歲月進入到新世紀，在百年電影史的背後，即投射台灣百年來的興衰與榮辱。本書以散文形式，深入淺出帶領讀者進入台灣電影的精神核心，進而領略台灣電影從早先的政治附屬品，逐漸轉為商業與藝術作品的過程。 & 奇妙的是，台灣電影的體質脆弱，又韌性十足。在國民黨專政時期曾創下輝煌成績，動人畫面與歌曲，是一代人的心靈印記。卻在解嚴後，社會走向民主道路的歷程中，面臨幾乎解體的危機。如此乖謬的現象，更印證台灣電影的生命力，在充滿變數與挑戰的困境中逆風前行。在新世紀時代，富含草根文化養分的台灣電影，是否能夠風生水起再造光華，令華人電影界與大眾拭目以待。 & 作者以深刻敏銳的視野，摒除官方語言與晦澀理論，以縱橫的時空座標，深入台灣歷史的背後，記錄台灣電影嬌豔容顏下無奈的掙扎。亦以台灣兒女的情感，書寫一群為大眾忽略的藝術工作者和演藝前輩之列。因為他們默默地貢獻心力，才有今日的台灣電影。 & 《百年台灣電影史》不僅是本台灣電影史，更是一本台灣史書。它呈現人文懷舊與瞻前勇氣，透過銀幕交錯的光影人生，找尋到反省與思想。 &
消失的偉大電影：80年影壇祕辛，名導、巨星、鬼才編劇功敗垂成的幕後故事
每部電影，能夠成功上片都是一個奇蹟。影史中沒能露面的電影多如牛毛，其中大導演、當紅演員和一流劇本的組合也不在少數。資金耗盡、政治干涉、劇組鬧翻、 演員發瘋，甚至導演被氣死，鏡頭之後的劇碼往往比鏡頭前的還要曲折離奇。由16位英國資深影評人、電影專欄作家、娛樂圈記者聯手恭譔，為讀者揭開一幕又一 幕近60位名導如史帝芬史匹伯、提姆波頓、柯恩兄弟、史丹利庫伯力克、希區考克、王家衛、宮崎駿、大衛林區、奧森威爾斯、費里尼、柯波拉、卓別林的滑鐵盧 之役，一探電影世界中不為人知的奧祕。 尼可拉斯．凱吉差點就如願以償的演了超人，導演還是提姆．波頓？ 007系列中，最精采的一集因版權問題胎死腹中？ 瑪麗蓮．夢露離奇死亡前，留下了影史上最有名的全鏡祼頭，其實是她一手策劃的？ 王家衛曾指名妮可．基嫚當他的御用女角，卻因為她為愛走天涯而告吹？ 神鬼戰士羅素．克洛差點就要起死回生，還要穿越到現代？ 奧黛麗．赫本無法演出摯愛的角色，還為電影的失敗背上黑鍋？ 卓別林一生中最想要演出的角色是拿破崙？ 從希區考克與達利，到山姆畢京柏和大衛林區，電影史上遺落了許多不見天日的傑作。本書網羅了讓人拍案叫絕或心碎落淚的精彩故事，看這些電影是如何從銀 光幕走進墳墓。用卓別林的回歸所帶來的當代電影新希望做為序幕，以東尼．史考特《波茨坦廣場》的失敗做為結尾，另收錄了2012年的導演計畫時程，和這些 電影的幕後英雄。超過70部從未脫繭而出的電影，並詳盡的解釋其背後的原因。超人差點無法重生，蝙蝠俠差點轉型失敗，你從未想過的驚爆電影內幕，完整的電 影腳本和藝術設計，無盡的世代更迭，這本書將會滿足您身為電影迷的旺盛求知慾。
相愛的七種設計╳電影書：散步之必要１提問之必要２情書之必要３使用適當工具之必要４和平共處之必要５
如果有一本書是關於設計的Guidebook, 它應該會⻑成什麼模樣? 如果又有一本書是談一個國家(在各種定義上)裡的首都城市, 它會背負著什麼樣的期待? 臺北擁有許多資源, 各種資訊在盆地裡流動, 也許居住在這個城市裡的設計人口比其他城市都還要多, 精心設計的城鎮也因各種人為的因素, 逐漸逐漸地⻑成它不受控制的模樣, 然而, 究竟是先有了城市才來談設計的需要, 還是先有設計方案, 再來整頓城市? & 一本談城市與設計的書, 一本非正式的Guidebook, 不要求能夠帶領什麼, 而是想要提醒關於_____的一切必要。 & 「散步之必要1提問之必要2情書之必要3使用適當工具之必要4和平共處之必要5精神糧⻝之必要6暫停之必要7」這本書的書名很⻑。也許它是一本最不實用的設計工具書, 但卻可能是最貼心的一份行動清單。 & 一座城市, 一部電影,七個人, 七種相愛的設計。七篇章節, 教你從設計愛上一座城市。 & 章節： & 1. 不放過任何一樣設計物件 (Think critically about designed objects around you) 2. 設計是為了解決問題 (Think of design as a way to fill a need or solve a problem) 3. 在生活裡溝通 (Practice communicating visually) 4. 東⻄是怎麼被製造出來的 (Explore how things are made) 5. 和別人合作(Learn how to collaborate) 6. 把握靈光乍現的瞬間(Always be ready to catch ideas) 7. 記得休息(Know when to take a break) & 關於電影 & 《相愛的七種設計》 & § 2014金馬獎最佳新演員入圍 § 2014金馬獎最佳視覺特效入圍 § 2014 台北電影節劇情⻑片競賽 § 2014 高雄電影節 § 2014 香港亞洲電影節 § 2014 北京新人電影節 & 故事大綱 & 7個人,7種愛情,百款人生;引發了會議桌下的愛恨糾葛、明爭暗鬥,究竟誰能全身而退, 誰又會一刀斃命?或者只是一場戲中戲?當真和假的界線開始模糊,誰又能分辨他們是在「作戲」還是「來真的」?人生無法設計,愛情卻需要算計;當說出「我愛你」的當下,究竟是我的情不自禁,或者又是另一場相愛的「設計」? & 卡司陣容 & 導演: 陳宏一 (《花吃了那女孩》、《消失打看》) 出品:紅色製作有限公司 監製:魏瑛娟、陳玉蓉 編劇:陳宏一、神小風 演員:莫子儀 × 許瑋甯 × 黃 璐 × 邱彥翔 × 白梓軒 × 陳語安 × ⺩大陸 & 本書特色 & 《相愛的七種設計》X Waterfall & 相愛的七種設計電影書, 由獨立出版waterfall編輯企劃,與一群有意思的人集思廣益合作完成。
電影政策：國家競爭軟實力：從北京看臺北
學者Monaco(1981)指出︰「經濟因素決定了電影的下層結構，也決定了電影依此發展的基礎，和可能繁衍的潛力，而政治因素則決定電影的整體結構。」電影的發展政策是屬於商業政策？是文化政策？是國際關係政策？或是國家發展的根本主要政策？ 電影是娛樂，也是意識化商品，其在意識上所造成的社會價值影響令各國政府都不敢大意，電影分級與審查是其中一種變通方式，但當與國際電影市場競爭時，電影必須視為是政治經濟的籌碼，它也必須有一定的國內產業政策與經濟規模，政府的角色不論從政治、經濟架構下都無法避免其重要的責任，政府角色也應該從管理者變成推動者(facilitator)，面對華語電影市場競爭的中國大陸視電影為國家戰略考量產業，臺灣在此情況下該如何因應？ 瞭解臺灣電影政策發展及中國的電影政策，有助於平等發展下一代的華語電影。
電影商業謀略：理論與實務
電影本身具有非常強烈的媒體特性，就是必須被廣大的觀眾消費與接受，也就是必須具有非常強力的商業本質，任何電影都必須花費巨量有形的金錢、設備、人力，還有無法計算的精神與體力，這些都必須得到回報，這就是電影票房重要的原因，然後才有第二部電影可以繼續拍攝，這種商業利益交換是電影工作者要強烈把握的原則，否則就沒有後繼的電影工作，但是如果沒有正確觀念，就不會有正確做法，好萊塢的專業分工以產生世界性的電影票房不是沒有方法的。本書談電影票房、電影市場、電影產業結構、電影金錢遊戲、電影資金募集、電影財務管理、電影的資金管理、電影公司經營、電影公司管理、電影行銷發行、電影賽局理論、電影市場資訊、電影專案管理等專章研究，是國內唯一完整將電影產業描述完整的研究，國外翻譯的相關書籍未必合適於台灣電影工作者，因為國內的觀念與方法相距歐美甚遠。本書特色本書試圖建立一套完整的電影商業邏輯與應用，從電影史及電影現象中找出電影的商業本質，以尋求一套可以發展的電影產業模式。
東西方電影
電影雖然是西方的發明，但在其誕生第二年已傳入東方。回望電影120年的發展，在亞洲地區與在歐美一樣有着深厚綿長的軌跡。然而，現時的電影教科書通常只側重西方，在講述世界電影的發展史時，亦少論及東西方電影之間的關係。 本書旨在彌補現有電影史和教科書中經常忽視的內容，並探究電影技術相對滯後的發展中國家出現的電影「新浪潮」，為何常會得到西方的認同。此外，本書也會探討電影史中經常遺漏的各國先鋒女性導演的貢獻。電影與人類的社會文化生活有着密切的關係，書中亦會討論促成各種電影運動的藝術、經濟及社會成因，做到觸類旁通，讓讀者透過電影發展史，更了解東西方文化的相互影響與滲透。
蒙太奇的微笑：城市影像/空間/跨領域
本書討論電影對於空間的企求與創作，這些被電影創作所觸及的空間分別有「城市」、「蒙太奇」、「空間」這三個部分。本書作者在通過大量影音、文獻閱讀的累積，一方面期許這三個範疇的思考能夠跨越研究領域的專業化，而更為直接對創作者所慾望的與接收者所感受的各種面向進行思考。另一方面，在這20年來的發展中，由於數位影音技術以及新物料的開發，無疑地，影像與空間的距離越來越近，也因此，關於「空間－影像」的思考也面臨從作品感受的美學思考，漸次地面對著創作行動的創作概念與美學作為的創造。本書特色本書設計採用3D手法，讓書本的視覺由平面轉入3D空間，以呼應本書所指涉與探討的核心議題─蒙太奇作為一種思維模式介入城市影像後所衍生的空間問題！
大明星：慾望、迷戀與現代神話
這是一部明星演化史，也是一部大眾文化史 ★為什麼有些人會成為大明星？什麼原因讓他們風靡全球？ ★為何人們會對明星著迷？明星如何反映人類的夢想與渴望？ ★法國最有影響力的思想家告訴你，電影、明星、觀眾如何創造出現代神話 1920年代，電影工業剛起步，人們還不習慣在黑漆漆的房間裡看電影，「看電影」是一件新奇的事。為了吸引觀眾進入電影院，電影工業引入了明星制度，創造了一批電影明星，他們的威力無遠弗屆，翻動了整個世界，成為人人模仿的對象，帶動了時尚潮流，影響了大眾的言行與價值觀。 人們注意明星的一舉一動，關心他們的八卦新聞多過於他們主演的電影。人們將明星當成神一樣膜拜，為之獻祭、為之瘋狂。 本書作者莫杭成長於大明星誕生的時代，見識了明星無與倫比的影響力，也看見影迷的瘋狂崇拜行為。作為一位影迷、同時也是思想家的他，開始思索：「為什麼人們會崇拜明星？人們為何需要明星？」、「為什麼有些人可以成為大明星？有些人不行？」 不同於一般知識菁英將明星崇拜當成幼稚、不理性的行為，莫杭認為明星崇拜反映的是人們心中的夢想與渴望。研究明星，就等於認識自己。了解明星類型的演化，就等於了解人類文明的演進。 本書從「電影角色」、「演員性格」、「觀眾想像」、「電影生產體系」切入，探究這四者如何創造出「大明星」，又是如何交織出「明星的意義」，讓電影明星成為一種現代神話。 本書特色 ★經得起時間考驗的暢銷經典 莫杭的學術思想在21世紀再次被檢驗時，非但沒有過時，許多思想觀念仍舊精采絕艷。如果將莫杭在《大明星》一書中對明星現象精準的描寫與今日台灣娛樂版新聞相互對照，就算明星不同卻讓人對這重複上演的戲碼與結構看得更透徹。莫杭的作品不只在當時具有前瞻性，之所以耐得住時間的考驗，更是因為他試圖在研究中探索問題真正的根本，這也是為何他的書會不斷再版。 ★以文學的筆法描述大眾文化：這是一本帶有文學筆法的學術作品，也是一本具有知識深度的大眾讀物。無論是嚴肅的閱讀或輕鬆閱讀，都能從中得到樂趣。 ★法國觀點：坊間翻譯的電影書多為英美作品，《大明星》是國內少見直接翻譯自法文的電影書。本書一出版即成為經典，屢屢再版，英美世界也一再翻譯出版。離法國初版至今，已近六十年，這本書光彩依舊，書中觀點不僅沒被時代淘汰，還可應用於今日，讓我們看見亙古不變的人性原理。 ★台版加工：增添圖片與重要明星介紹，讓讀者重溫影史巨星如何風靡全球。包含他們如何從沒沒無名的路人，變成大明星；許多明星如何成為票房靈藥，又如何變成票房毒藥，後來又是如何重新再起。 本書精彩佳句 ★明星不只是明星，電影人物也不只是電影人物。它們會影響明星，反過來，明星也影響了電影的角色。 ★從明星結婚那一刻起，影迷等的就是離婚的這一刻。 ★明星讓人們保有夢想，並且形塑人們的夢想。 ★觀眾崇拜的是自己想成為的那個樣子。 ★人們需要的不是演員，而是一種類型、一個活生生的樣本、一種存有。 ★明星的私生活變成公共話題，他們的公眾生活變成廣告題材。他們在電影螢幕上的生活超乎真實，他們的真實生活有如神話一般。 ★電影是夢想的推手，並且還賦予夢想一張有形的面孔。因此有錢人總想當當看窮人，他們並不是真的想要過著窮困的生活，而是想像自己變成窮人。 ★不只是那些家世優渥的小孩喜歡假裝窮困潦倒，他們的父母也沈浸在自己是乞丐的幻想，就像乞丐也幻想著自己是百萬富翁。 ★真實的人生有一半來自想像，想像的人生有一半來自真實。 ★明星四處躲著影迷，新人到處尋找影迷的蹤跡。明星展現靈魂，可是新人必須展示身體，把自己當成犧牲品。
一直不鬆手：毛尖電影筆記
牛津大學出版社最新出版的《一直不鬆手》，是作者毛尖集結了這幾年的影評，因為字數與以往的影評不同，因此腔調也有分別。董橋先生說：他偏愛毛尖疼惜毛尖，因為她的文字確實有品有格。人品優劣蒙不了人，而文品高低看仔細了也蒙不了人。鄭樹森教授說：毛尖寫影評多年。早年的影評集《非常罪，非常美》頗多「舊夢重溫」，是對大家傑作的致敬，但不少篇章盡顯洞見，更見修養。這本書之後的大量影評，又多了份坦率，不怕「名牌」，無畏「強權」，常常讓我想起 Mr. Farber，尤其是他對某些「大白象」的嗤之以鼻。而毛尖筆下不時令人眼前一亮的比喻，加上皮裡陽秋的機鋒，每回都不禁憶起當年最愛看的 Pauline Kael (寶琳凱爾)；因為看完爛片的鬱悶，一讀她的尖酸辛辣，不無化解之功。Kael對每部片的優劣成敗獨具慧眼之外，對片子在導演的軌□如何安置，亦不下於一部迷你電影史。她那本《電影的五千零一夜》，雖是濃縮精煉版的指南，至今尚是案頭必備，重看電影後翻翻，又是一頓「心靈雞湯」。毛尖這本《例外》，很遺憾，才是她第二本影評專集。看來要和 Pauline Kael 看齊，還要生活得像她第一本影評集的名字：《我迷失在電影中》。 本書特色毛尖是目前愈來愈受關注的雜文、散文作家，成長於上海。這個充滿故事的城市，歷來是女作家筆底生花之地。毛尖的文字，一向被人認為是才氣洋溢，而且是有一種很聰明、很皎潔的一種智慧在裡面，當然也少不了風趣、幽默，特別是當她在損一些人物，在談到一些人物的時候，這種效果更強烈。
電影魔法師：陳博文的剪輯世界
剪輯是影像的魔術師電影是目眩神迷的魔術，觀眾為聲光效果所震懾、為劇情角色所動容，影迷們更將電影中的演員性格、導演風格奉為觀影的指標及嚮往。但一部電影的完成，需要的絕對不只是「演員」和「導演」，還有賴許多電影幕後工作人員的努力，在這其中，「剪輯」勢必是影響觀眾視覺最重要的一環。陳博文從學徒入門，對於陳博文而言，待在剪接室的日子就是他成長的淬煉，每一部剪接後的作品都是他面對電影中不同人生的經歷與抉擇，三十年來，動作片、文藝片、寫實或超現實、幽默或嚴肅，無論悲喜，為了揣摩劇中表演人的內心情緒，他往往是每部電影最早、又最為入戲的粉絲，如何走入又如何抽離？《幻影人生》裡宗薩仁波切曾說：「當你醒過來時才能知道剛才的一切都是夢。」但陳博文悠遊於虛幻的影像世界，掌握住每一刻喜怒哀樂，並且樂在其中。剪輯工作不光只是導演的影像工具，面對眾多繁雜的素材片段，如何拿捏取捨？每個鏡頭與接點都得經歷抉擇與判斷的煎熬，按下剪接鍵盤很容易，可是按下的霎那怎樣才能成就永恆畫面，就必須仰賴剪接師的直覺與智慧去判斷。陳博文優異的直覺與靈感曾為許多導演剪輯出雋永的經典作品，舉凡楊德昌導演的《牯嶺街少年殺人事件》、《一一》、《獨立時代》、《麻將》等多部作品、朱延平導演的《新烏龍院》等一系列賣座電影，還有許多新銳導演初試啼聲即大鳴大放的作品，去年更為魏德聖導演的史詩級作品《賽德克˙巴萊》操刀剪接，為台灣電影立下壯麗氣派的里程碑。二○○九年陳博文榮獲國家文化藝術基金會頒發國家文藝獎，二○一二年由資深影展策展人游惠貞寫傳，《電影魔法師》由陳博文的童年成長背景迄今，從懵懂到堅持興趣的決心，以及剪輯代表作品時當下的思維想法，以詳實的文字記錄陳博文與楊德昌、朱延平、魏德聖……等導演之間的互動，以及他們激盪出的一部部經典影片，這本書中不只是陳博文的回憶錄，更是交融了許多電影工作者的心血紀錄，讀者可以從中窺見電影幕後隱藏的故事，一同見證台灣電影發展的歷程，因為陳博文不僅是在剪接電影，也在替台灣電影寫歷史，在一桌小小見方的剪接台上，他創造了台灣電影的無限可能。
電影的魔力
柯波拉、魏德聖、焦雄屏、蔡康永…這麼多大牌導演、編劇家、影評人破天荒串連，到底為了什麼大事？答案是：編劇大師Howard Suber終於出書了！電影，像是人生的水晶稜鏡，你選擇怎麼看它，它就投射給你所要的光…… 自從亞里斯多德的《詩學》之後，從來沒有人對說故事這件事，做出如此完整的分析這是注定成為經典的一本書！！我們的希望與恐懼，我們的渴欲與挫敗，我們的光明與黑暗，我們的愛與恨──都在電影中。電影，讓我們看見自己如何過日子，讓我們看到現實的世界，還讓我們看到一個理想的世界。在這個理想的世界中，我們所看見的人不但認同我們所認同的事物，也反映出我們想要相信的價值……。就跟人性一樣，故事不會只有一面，選擇看到多少、挖掘多深，看電影的人說了算；但，有時候，我們不妨張望一下自己其實擁有多麼豐富的選項：《電影的魔力》。自從亞里斯多德的《詩學》之後，從來沒有人對說故事這件事，做出如此完整的分析——不只揭開電影成功的魔力祕訣，更驅動我們對人生以及故事探索的渴望。看門道的，是眾口推崇的重量級大導演大製片大編劇們，身為電影迷，我們看的還有生活之道。散場後，我們更忙，因為大銀幕投射在心靈的光，才正要開始釋放我們的需索……。本書特色★集結UCLA四十年來最受推崇電影課的精華，國內外不計其數的電影工作者、導演、製作人都曾受到這門課的啟發。★第一本以解構方式分析『說故事』的書，深入淺出的文字，適合愛看電影的普羅大眾，更適合專業的電影戲劇工作者。★特殊的文體結構，以一個英文單字為小章節，篇幅小易閱讀；編排上，從A到W的單字照序排列，容易查找。★全新書封經典版由聶永真操刀設計，內文經重新排版潤校，視覺風格神秘前衛，一如電影帶給我們的諸多想像。
電影不散場
電影散場後，總有某些意味深長的橋段縈繞在心頭，久久不肯散去……它潛入你我生活的空隙中，醞釀成新的經驗、新的滋味……繼廣受好評的《從心看電影》後，影評家曾偉禎再度跳脫傳統的影評框架，從心靈的角度出發，探討故事起承轉合裡的寓意與象徵、故事角色裡的人心與人性。書中電影取材多元，有刻畫人類貪欲與自省的《阿凡達》、探索自我與人我的《美味關係》等好萊塢大製作；亦有呈現黃土高原天地人的紀錄片《黃羊川》、寫下國片傳奇一頁的《海角七號》、描述生命最終樂章的日本電影《送行者》，以及揭露神祕輪迴啟示的西班牙電影《安娜》……等，共二十八部電影。翻開書頁，跟著作者走入心中那座戲院吧！電影永不散場，因為它始終在我們的生命中不斷上映。
凝望‧時代：穿越悲情城市二十年
對沉甸的時代投以無聲凝望，我們一同穿越了那時代最細膩而悠長的風景二十年前的台灣電影新浪潮運動，在《悲情城市》獲得第四十六屆威尼斯金獅獎達到最高潮；作為在國際影展上第一部代表台灣發聲的電影，《悲情城市》蘊含了開創性的影像美學、當時禁忌的政治題材，以及那個時代的細膩紋理與氣味。作為電影文本，《悲情城市》創造了電影藝術的高度，也設立了時代的里程碑。而成就這部電影的，共同創造出電影中每一段影像、不管是畫面裡或外的人們在無數個夜晚白天激烈討論激盪；彼此磨合、創造出每一個細節的專注目光；創作的漫長路途中來來去去的背影，共享收穫一刻、最真摯的眼淚；還有更多說不完、說不滿的風景，都只在這電影背後無聲經過。然而這些，才真正是對那個時代最最白描的底蘊片段……那，才是這個故事要繼續延續下去的，最真實的創作者們的人生。本書特色本書除了電影《悲情城市》最重要的十六位幕後人員訪談外，另外收錄超過一百幀由當時的電影劇照師陳少維所側拍的黑白攝影，完整呈現電影的時空氛圍；另外亦由資深電影人張華坤、褚明仁等提供當年威尼斯影展資料與頒獎影像。資深影評人黃建業、聞天翔為序推薦；書末收錄陳儒修、黃建宏兩篇重量級評論。
香港的「中國」邵氏電影
這本書的題目是有意凸顯香港和「中國」之間的複雜關係。自1842年清政府鴉片戰爭戰敗割讓以來，香港的大眾文化和文化認同與背後的中國大地若即或明或暗息息相關，不斷變化發展。本書主題的邵氏電影正是香港與中國之間的複雜關係的一個頗為典型的例子。邵氏家族從20年代開始在上海經營電影製作，逐漸在地域上擴展到東南亞和香港、在業務上拓展到發行和放映，形成現代化的大型電影企業。而邵氏家族最引人所矚目的，是邵逸夫於1958年在香港成立的邵氏兄弟 (香港) 公司，興建華語區域內最為龐大的製片機構。突破香港電影原有粵語電影的格局，發展泛華人的全球市場，從而一舉奠定了香港作為東亞電影發行和製作中心的地位。本書追問的是，60、70年代的香港究竟具備了什麼條件能夠發展出邵氏這樣龐大的跨境電影企業？邵氏的「中國」想像如何在電影語言和營運操作的文化政治表現出來？為什麼邵氏國語片能夠取得當時散居中國以外的華人的認同？為什麼今日香港電影和邵氏電影相比似是而非？邵氏國語片和當時香港本土影業之間的競爭是如何進行的？
香港電影演義
《香港電影演義》，是近幾年刊載在《看電影》和《香港電影》專欄的文字——究其特色，皆因工作性質所得：站在媒體立場，往往從第三方角度審視整個電影產業；與香港影人頻繁交流獲得第一手資料；是以撰寫內容更加追求深入有料，長此累積下來，自問大抵稱得上「遍訪名宿，撫今追昔，演義港片興衰秘史，影人沉浮內幕」。 本書名為《香港電影演義》，是因為一貫的寫作風格不是做評判，而是講故事。眾所周知，香港電影界的故事往往比戲本身更具傳奇性，《香港電影演義》就是經由講述台前幕後的影史秘聞、細節考據，窺視影人心態、類型創作、環境影響、產業格局……由細節入手，積少成多，相對全面的掌握香港電影的今昔概貌。 按說本書內容很多來自香港影人的口述親歷，真實性毋庸置疑，稱為「演義」似大可不必。但是一個創作或事件，除了結果是客觀無可更改的，任何人（包括當事人）講述起因和過程都或多或少存在主觀渲染（如張徹、劉家良對同一件事的不同說法），所以各種版本的影史八卦層出不窮。無法確認他們有多主觀，也不敢自認完全客觀，套用一句俗話，「每個人心中都有一部香港電影演義」——不敢說本書的最好，唯一敢保證的是比較好看有料…… 今日的香港電影縱然已不再是像大多數人曾喜歡過沉迷過的那個黃金年代的香港電影；而香港電影人亦大多北上，將拍電影的眼光和態度擴大到融入大中華市場的概念中。但大家對香港電影的核心價值，卻從來沒有放棄，亦都明白，什麼才是大家喜愛的「香港電影」 香港電影有自己的影響力，尤其是商業片。幾十年來，香港只能拍商業片，甚至可以說，連王家衛都是很商業的一個。最近華語片市場好，身在其中，覺得這是香港片與內地片互補的橋樑，大家可以用港片來參考，我們之前成功在哪裡，弱點在哪裡。內地這幾年進步很大，發展得比我想像中要快，從十年前到現在反差太大了，從導演到演員，都很出色，但他們拍時裝片，終歸缺少了一個時尚的氣質。但是這幾年，通過香港和內地電影人的合作，已經慢慢在彌補這種氣質。 希望所有的中國電影人都要團結，不要分這幫是香港來的，香港當然有香港的貢獻，我們對華語電影推向世界是有貢獻，而且還繼續有著貢獻。雖然現在的香港電影慢慢被內地融合了，但是小小的香港，仍在堅持拍自己的特色作品。 希望這本《香港電影演義》對香港電影，以及下一代的觀眾，都有一個交流和學習的作用。
