希利爾講藝術史
維吉爾．希利爾： 「只要有創意，塗鴉和堆雪人也是藝術！」 奇才達文西 1452年4月15日，達文西出生在義大利佛羅倫斯附近的美麗村莊。在他呱呱墜地的時候，誰也沒有想到這個可愛的男嬰將會對藝術和科學產生重要的影響。 達文西有很多身分，他是思想深邃的哲學家，還是才華橫溢的音樂家，也是學識淵博的科學家。同時，他還是一位天才的畫家。多種才華和多樣身分，導致達文西在繪畫上投入時間不多，只有寥寥幾幅畫作流傳。但是誰也不會否認，他的每幅畫作都是偉大的藝術品。 發生在法國羅浮宮的名畫竊盜案，曾經震驚世界。人們不禁猜測，到底是誰有飛簷走壁的本領，竟然可以順利通過羅浮宮的嚴密防衛。被盜走的繪畫作品中，有一幅畫作叫做《蒙娜麗莎》，就是出自達文西之手。雖然這幅畫作已經被找回，並且被妥善珍藏於羅浮宮，但是偷竊者依然逍遙法外。 這幅畫作最令人驚歎的地方是：蒙娜麗莎臉上露出的「神秘微笑」。不同的觀賞者在不同的時間去看，她的笑容似乎會發生變化，有時候溫柔羞澀，有時候略顯憂鬱，有時候顯得嚴肅，有時候嘴角似乎帶著譏誚和揶揄。這名義大利貴婦彷彿活在畫布上，似乎是洞察世間所有奧秘，才可以露出那種笑容。 除了「神秘微笑」以外，這幅畫作還有很多細節值得細細品味。 例如：達文西瞭解如何運用陰影和光線，以及如何處理從明亮部分到陰影部分的過渡，所以畫中人物逼真，不像其他畫作那樣扁平。 再如：細看蒙娜麗莎身後的風景，近景比遠景更清晰，山谷和河流就像真實風景向遠處延伸。可以達到這樣的效果，是因為達文西考慮到空氣對近景和遠景的影響：隨著空氣增多，透過它看到的事物就會越模糊。 在達文西之前，從來沒有人使用這兩種繪畫技巧，他為繪畫藝術開創全新方法，後世畫家紛紛學習借鑒。 《最後的晚餐》也是世界美術寶庫的典範作品。很難想像，這幅畫作最初是被畫在義大利一個修道院裡低矮潮濕的房間牆壁上。 人們對這幅畫作的內容不陌生：耶穌得知自己被門徒猶大出賣，在晚餐的時候說：「你們之中，有一個人出賣我。」這句話讓在座眾門徒感到震驚。達文西選取這個瞬間作畫，十二位門徒反應完全不同：有些向耶穌表示忠誠，有些迷惑不解地向長者詢問，有些強烈要求追查是誰……整個場面騷動不安。叛徒猶大由於情緒緊張，露出驚恐的神色，他的身體稍微向後仰，一隻手裡還緊緊握著出賣耶穌獲得的酬勞——一個裝有三十塊銀幣的錢袋。 在這幅畫作中，各種情緒交織碰撞，有憤怒、有驚惶、有恐懼、有傷心……達文西透過對人物的表情和坐姿與手勢等細節的準確掌握，成功描繪這個複雜的場面。為此，他拜訪很多聾啞人士，細心觀察他們表達情緒的方式。 《最後的晚餐》真是一個倒楣的傢伙！很長一段時間裡，這幅畫作無法進入美術館，因為達文西把它畫在牆壁上。一般來說，畫家會選擇剛粉刷還沒有乾透的石灰牆創作，顏料才可以滲進石灰，長久地保存。但是，喜歡嘗試新方法的達文西，把這幅畫作畫在乾石灰牆上。事實證明，這是一個錯誤的選擇。 我們之前已經說過，這幅畫作誕生在一個低矮潮濕的房間。幾年之後，畫作開始從牆壁上脫落，雖然其他畫家及時對其進行修補，但是整個壁畫還是失去原本風貌。更讓人心痛的是，後來修道院的修士在這面牆壁上開一扇門，門的頂部就在這幅畫作底部的正中央，耶穌和三個門徒的腳遭到破壞，而且鑽牆修門的巨大力量，讓這幅畫作很多地方成為碎片。 禍不單行，拿破崙的軍隊攻入義大利，壁畫所在的房間不幸淪為馬廄。那些士兵為了取樂，竟然把叛徒猶大當作目標，紛紛朝他扔靴子，讓壁畫更殘破不堪。 值得慶幸的是，一位義大利人找到讓壁畫永遠保存在牆壁上的方法，挽救這幅珍貴的作品。這個義大利人盡力清理其他畫家留在壁畫上的痕跡，恢復它以前的模樣。經過他的努力，這幅畫作已經比之前幾百年更好。 達文西還有一幅作品，名字叫做《岩間聖母》：聖母瑪麗亞在畫面中央，右手抱著嬰兒耶穌，聖約翰和天使圍繞在聖母身邊。達文西將他們置身於有花草點綴的岩洞之間，從岩石的縫隙中，可以看到美麗的藍色瀑布和綠色植物。擁有自然科學知識的累積，達文西比他同時代的任何人更瞭解植物。從《岩間聖母》這幅畫作上，我們可以清楚地辨別銀蓮花與紫羅蘭和蕨類植物，讓畫作顯得更樸實而生動。 文藝復興時期是一個人才輩出的時代，他們就像許多顆星辰，點亮黑暗的夜空。達文西，這位時代的巨人，是其中最耀眼的一顆。 【長畫廊】——蒙娜麗莎微笑的「成分」 500多年以來，人們一直在探尋蒙娜麗莎的微笑背後到底隱藏什麼神秘的力量，讓一代又一代的人們陶醉其中。她時而溫柔，時而惆悵，時而嚴肅，時而譏誚，微笑轉瞬即逝，卻又亙古永恆。 後來，荷蘭阿姆斯特丹一所大學的研究者，對蒙娜麗莎微笑的內容進行分析，認為其中包括83%的高興、9%的厭惡、6%的恐懼、2%的憤怒。如此理性的資料，未必可以得到所有人的認同，但是卻提供一種研究蒙娜麗莎微笑的新思路。 本書特色 ■《紐約時報》高度讚賞，全世界最受歡迎的藝術讀物！ 本書介紹三個部分的內容——繪畫、建築、雕塑。針對這三個部分，作者都是按照編年體的形式，描述世界各地的繪畫、建築、雕塑歷史，將家喻戶曉的藝術作品以生動有趣的形式呈現在我們面前，讓這些看似距離日常生活十分遙遠的藝術變得觸手可及，使我們對古今的藝術作品有全面的認識，從不知變為行家。本套書被歐美國家譽為「最受歡迎的藝術讀物」，已翻譯成20多種語言，全球銷售超過1000萬套！ ■美國外交部鼎力推薦，媒體票選「影響一生的十大圖書」之一！ 作者詳細介紹那些赫赫有名的藝術家和他們流芳千古的作品，並且透過許多生活中的故事，講述作品的誕生過程。本書收錄上百幅最具代表性的藝術作品圖片，包括：古埃及、古希臘、義大利、德國、荷蘭、西班牙、法國、英國、美國等國的名家作品，集知識性和趣味性於一體，目的在於：將藝術世界以生活化的姿態呈現在讀者面前，喚起讀者對藝術的熱愛。 ■維吉爾．希利爾――「卡爾維特學校」第一任校長，影響美國教育百年的人物！ 哈佛大學畢業以後，希利爾投身於中小學教育。1899年，成為「卡爾維特學校」第一任校長。作為教育家的希利爾，一直在思考如何把複雜知識變得簡單有趣。因此，他結合自己的教學經驗以及人類成長的規律，為讀者編寫一套妙趣橫生的讀物，就是這套叢書的由來。
張大千 vs. 四僧書畫4 看懂石濤
石濤的創作是踏遍大江南北，作畫寫生悟出對大自然的一切韻動生機，是倘佯於名山大川之間的心內感懷。他除了「搜盡奇峰打草稿」非常經典的辭彙，樹立近代繪畫大師之席；也在每個階段都有新名詞出現在他的畫論基礎上，像16 歲到44歲的「我自用我法」；45歲至50歲的「不立一法，不舍一法」；51歲至66歲「無法而法，乃為至法」。此三階段論述，就讓研究近代繪畫史學者，鑽研再三，從他的畫上找到可依據的根源，也為「自我風格」樹立了標準。 比之於八大山人的冷抽象，石濤的畫卻有另一番浪漫的熱情。石濤把筆墨奉為書畫至高無上要旨，也唯其如此，恣意曼妙的水墨畫，無論花鳥山水，都充滿直率淋漓的美好，他自己也說：精神燦爛，出於紙上。 近代的張大千從石濤畫藝中，領會筆意暢快、墨韻多變的風神氣韻；然後努力學習，並在層層細緻皴法，在碎苔密點、積墨相疊之間，鑽研宋畫山水精華所在，學得王蒙、追尋董源，那屬於中國山水意匠的經營精神；他的銘言「直造古人不到處」，故能承先啟後，也為自己在藝術史上建立不動搖地位。本書正是精湛表現出這倆位大師的書畫源流暨精髓！
台灣美術新思路：框架、批評、美學
前台大社會學系教授葉啟政 中央研究院社會學研究所特聘研究員、總統府資政蕭新煌 本書收錄廖新田教授2011年到2016年發表的豐富學術研究專論及文化點評短文，全書擷取新「思路 / 絲路」的雙重意義──個人的思維方向與取徑 / 歷史大遷移，以「過去 / 探索台灣美術史書寫的機制與框架」、「現在 / 美學批判介入藝術事件」、「未來 / 開拓台灣藝術家的深度批評視野與創新路徑」三大主題，透過作者一貫台灣本位、批判性、連結現實的書寫風格，擲地有聲的叩問台灣美術史研究的既有面貌，並探索台灣美術內部發展和回應外在全球化衝擊的新思考與新路徑。
別預期爆炸：洪席耶論美學
當代法國哲學家洪席耶的美學論述以歷史宏觀，左打現代主義，右劈後現代主義，影響甚鉅，其追隨者甚至以「哥白尼革命」形容他的成就。他有什麼貢獻？推翻了哪些舊說？顛覆了哪些成見？本書一篇篇討論洪席耶重要著作，細部引介、分析其核心觀點。 現代戲劇學者紀蔚然的「洪席耶論美學」十講，析論觀看的弔詭、批判的困局、文學的挑釁、藝術與政治與生活的關係，以及三種藝術體制的脈絡與影響等。導讀當代藝術思潮，輔以自身劇場經驗，搭建理論與實務之間可理解的橋梁。書中對於流派如前衛藝術、現代主義、抽象派；人物如席勒、康德、阿多諾、柏拉圖；體制如倫理體制、美學體制；概念如藝術自律、他律、異識、共識、平等、可感配置等，均有詳盡的討論。 ．歷史已經很清楚地告訴我們，藝術的政治效應往往因使命過高，賦予的運動過多而以失敗告終；然而，洪席耶認為，我們獲致的教訓不應是讓藝術從此與生活絕緣，擺出崇高姿態，而是該重新審視藝術與生活的關係。 ．平等，是洪席耶哲學的核心，貫穿於他的政治與藝術思考：平等不該是世人竭力謀求的終點，而是設想政治、藝術或任何事的起始。 ．天天都有新作問世，但它們不一定是藝術。藝術可貴之處在於讓不見的可見，讓聽不見的耳聞，甚或反轉人們認為理所當然的比例或位階，使得主流論述聽起來像是千篇一律的廣告，使得雜音變成值得聆聽、開啟視野的話語。 ．「美學」不是一門學科，它不過是指認藝術的方式。 ． 藝術所展現的自由、無所求本身就是一種實現，而美感經驗可以讓人們於出神之剎那體會了解放的深刻意涵。 ．藝術很「有用」，就是不能強求；它的影響力無遠弗屆，天空才是極限，但無論如何、無論何時何地，無法預期爆炸。
石階上的腳步
「將自己的生活視為正文，將書籍視為註解。」――愛默森。 獨白、對話、筆記是重要的，因為總有困乏之時。 藝術家薄茵萍以「圓」的形變，將生命中遇到的哲思話句， 砌出一層層的自我思辨之路。 本書節錄編著者30多年的日記及讀書筆記，以「封閉點」擴至「散發體」的概念，將書中看似無因果排列的章句，劃分出自我抽象思考的四個階段。彷彿提供分鏡畫面的圖像作品，也結合了藝術家朗讀情境，讓讀者一面摸索薄茵萍的辯證輪廓；一面也啟動對任一隨機話句，得以自由地思索並對應，甚至詮釋出全新的意義。 如果，藝術創作可拆解隱喻符碼，撥開僅是眼見之物，那生命河流中邂逅的眾多他者之言，說的當然不只是愛默森、蘇格拉底或托爾斯泰，而是真真實實的――「我」。一步步探索的路上，石階腳步下的溫度與印記，欲化為一場又一場的精神對話，成為你我的無形力量。 本書使用方式： 1、被記下的每一句，富當時的情境意義，因此無須考據式的追根究底。 2、若閱讀臉書是一種習慣，那就用眼用耳用心地滑著﹙划著﹚感受這本書吧！ 3、書末附有線上朗讀音檔的QRCode，隨藝術家口吻氣息更貼近生命的字句。
請回答吧，藝術！謝謝你說看不懂：森村泰昌的藝術問答室
藝術如何創作？我們如何觀看？ & 《請回答吧，藝術！》 為你戴上鬼才藝術家現聲導覽的耳機 & 這是一本讓大眾擁抱藝術的「深度藝術書」。故事從哲學家、攝影家、藝廊經紀、精神科醫師、主播、高中生等三十三人拋出心中對於「藝術」或「美」的問題展開，接球的藝術家開始義無反顧一一誠實應答。 & 一如森村泰昌長年來在創作中對藝術經典的反思、解構，以及建立新的連結，若要找人剖析與回應關於美、藝術、藝術史的提問，並為觀者建立藝術鑑賞新次元，很少有人能比這位在三十多歲就注定名留藝術史的攝影家還要合適。 & 當精神科醫師問道：「抽象畫要怎麼畫？」森村泰昌的回答是：「罪魁禍首是達文西。」十五世紀的全才留下了巨大詛咒，讓六百年來無數藝術家陷入苦戰，「抽象畫」成了解放下的產物，但也是缺乏確切目的地的「藝術恐怖行動」，因此無法獲得大眾理解……「畫＝具象畫，逃脫、反抗此一定義，就是抽象畫。」 & 藝術好難懂……作品到底在表達什麼？美跟不美、藝術跟非藝術的界線在哪裡？ & 帶上這些疑問，森村泰昌領讀者踏上一趟橫亙古今東西的藝術之旅，抵達他親自深入過（或說「成為」過）的藝術現場： & 走進17世紀林布蘭開的畫室，看到藝術家跟追求乾淨無瑕的時代格格不入的創作堅持。 站在日本第一幅公開展示的裸體畫前，辯論這是春宮圖還是藝術？ 站在杜象「在街上買來的」小便斗前，一窺自哥雅的時代以來，藝術家不斷跟藝術苦戰的歷史。 蹲在芙烈達的輪椅旁，感慨創作者如何從缺陷苦痛中獲得愉悅解放…… 聽顧爾德彈晚年版本的《郭德堡變奏曲》…… & 那些瘋狂、失序、模糊、充滿破綻的藝術的問題，因此有了凝視焦點，我們還看到不合時宜、追求自我的創作者姿態，如何為美學與世界充實了血肉。藝術不是八卦討論，「藝術的本質就是難懂，所以才有趣」。藝術的深度與難解，一如人生。 & 「藝術是驚奇、發現、想法的轉換，是小孩以上大人未滿的混沌時光。真正的藝術之都，是你自己，也是我自己。」
醜聞博物館
一位滿懷宗教虔誠的雕塑家所創作的聖特蕾莎像， 一幅描摹露天舞會場面的印象派繪畫， 幾頭被紋身的豬，這些事物之間有什麼共同之處嗎？ 答案是，它們都曾引發醜聞。 《醜聞藝術博物館》精選十五世紀至今 陷於爭議風波的六十餘部驚世駭俗的藝術名作， 它們或者褻瀆神聖、越界違規，或者導致政治紛爭、觸碰道德底線， 以全新的視角追溯風雨如磐的歷史時期， 探索其深處的禁忌、恐懼及熱望，從而發掘整個時代的精神實質。 誰規定，藝術只能或必須是一種審美的沉思， 除此之外，就絕無其他可能？ 數百年來，藝術家們都在突破社會規範的藩籬，而擴大藝術邊界的努力，其表現形式可以是一種新技法、一個新主題或新的觀念。十五世紀，馬薩喬的一幅溼壁畫描繪了亞當和夏娃被逐出伊甸園。此作採用了透視技法，令人震驚不已。五百年後，莫里齊歐‧卡特蘭的裝置作品《他》因表現出希特勒的脆弱、無力而引發人們強烈的抗議和譴責。 本書所收錄的代表作，包括油畫、版畫、照片和裝置，在問世之初，都曾引起轟動。色彩逼真的大幅畫面之外，還配以簡潔深刻的文字，探尋藝術家的創作意圖，解說作品的歷史情境和社會背景。藝術家的職責就是啟迪心智，將觀者引向新的思維模式，而本書中的作品，便構成一次發人深省的探索和嘗試，闡釋了「藝術家」這種角色的責任。它能引導讀者屏棄先入之見和俗套窠臼，重新審視藝術的價值。
反轉地圖：跟170位當代藝術家學習觀看的方式
「這個世界，由我定義！」 & 170位當代藝術家╳ 360幅私房風景 最衝撞觀念的視覺資料庫！ & 你有沒有想過…… ►用小時候的舊課本，拼貼出幻想的世界？ ►用石頭上苔蘚，種植出世界地圖？ ►用清代寺廟搶救出來的柱子，雕刻成立體地圖？ ►用 CIA中情局的資訊，畫出全球的利益關係平面圖？ & 本書整理全球近五十年來以「地圖」為主題的設計創作軌跡，並以族群衝突、全球化、生態、身體政治、認同、烏托邦等七大議題論述，收錄了三百多件跨領域經典作品，有普普藝術先鋒若夏、觀念藝術大師巴代薩里、地景藝術家隆恩、設計越戰紀念碑的建築師林瓔，還有世界各地的新銳藝術家、素人創作者，以各式各樣意想不到的媒材，呈現對社會的批判與關懷、多元的思維和創造力。 & 本書獲《歐普拉雜誌》、《紐約時報雜誌》等媒體讚賞，豐富的視覺元素給你源源不絕的靈感，讀了會讓人有動手製作地圖的衝動，就像《美國藝術》雜誌說的：「這本書會顛覆你的世界！」 & 本書特色 & 影像 █ 全彩呈現170多位當代藝術家、建築師、設計師360件地圖作品記錄 定位 █ 整理近1960至今的地圖藝術創作軌跡，與近代藝術發展的歷史相對照 議題 █ 以七大議題將地圖作品分門別類，表達族群衝突、全球化、生態、身體政治、自我認同、烏托邦等多元論述的思考 故事 █ 每一件作品都有創作的背景簡介，看藝術家如何以各式媒材定義這個世界 資源 █ 附有年表、藝術家索引與參考書籍，提供地圖策展與地圖藝術的創作網站等資訊
塞納翡翠：羅浮宮
塞納河右畔—塞納翡翠羅浮宮 羅浮宮是世界知名藝術收藏中心，它就像一個活生生的有機體，累積幾個世紀逐漸壯大至今，而且盡可能地展示從新石器時代到十九世紀的藝術品，企圖展示所有人類的藝術全貌。 羅浮宮一開始是存放法國歷代統治者收藏的繪畫及雕塑作品，但幾經歷史與革命的衝擊，帶出羅浮宮作為藝術收藏品的反思，故在法國大革命後，才由「國家畫廊」轉變為「國立美術館」，而開始只是接收拿破崙時期從戰爭中獲得的戰利品，後逐漸大量接收不同種類的藝術品，企圖將羅浮宮的收藏品成為代表法國強大國力與文化優越性的象徵。 擁有八個收藏展示部門的羅浮宮，有橫跨世界各個藝術體系的典藏品，從遠古藝術與東方藝術、埃及與古希臘藝術、古羅馬與宗教藝術等，其歷史背景與文化特徵都是本書的敘述重點，介紹各個人類文明發展的歷程，也介紹作品的歷史與輾轉收藏故事。 本畫冊就其歷史及傳說背景為主軸，再將幾個世紀以來，部分重要藝術家的雕塑或繪畫作品，穿插其中做局部性解說與對比性的介紹。
塞納藝術瑰寶(奧塞美術館+羅浮宮)
塞納河右畔—塞納翡翠羅浮宮 羅浮宮是世界知名藝術收藏中心，它就像一個活生生的有機體，累積幾個世紀逐漸壯大至今，而且盡可能地展示從新石器時代到十九世紀的藝術品，企圖展示所有人類的藝術全貌。 羅浮宮一開始是存放法國歷代統治者收藏的繪畫及雕塑作品，但幾經歷史與革命的衝擊，帶出羅浮宮作為藝術收藏品的反思，故在法國大革命後，才由「國家畫廊」轉變為「國立美術館」，而開始只是接收拿破崙時期從戰爭中獲得的戰利品，後逐漸大量接收不同種類的藝術品，企圖將羅浮宮的收藏品成為代表法國強大國力與文化優越性的象徵。 擁有八個收藏展示部門的羅浮宮，有橫跨世界各個藝術體系的典藏品，從遠古藝術與東方藝術、埃及與古希臘藝術、古羅馬與宗教藝術等，其歷史背景與文化特徵都是本書的敘述重點，介紹各個人類文明發展的歷程，也介紹作品的歷史與輾轉收藏故事。 本畫冊就其歷史及傳說背景為主軸，再將幾個世紀以來，部分重要藝術家的雕塑或繪畫作品，穿插其中做局部性解說與對比性的介紹。 塞納河左岸——塞納明珠奧塞美術館 奧塞美術館有一個比較特殊的歷史背景。它的前身是一座火車站，約100年前這座為了世界博覽會而興建的奧塞火車站，原來是建立在舊審計部的廢墟上，從原本的火車站到現在的藝術收藏展覽中心，本畫冊就其成立的歷史因由及收藏細節作出具體描述。 介紹十九世紀下半葉以來的各個時期的藝術典藏品，從學院派、浪漫主義、印象派、後印象派、自然主義與象徵主義等藝術作品。定期展示雕塑、繪畫、素描、裝飾藝術與家具，從平面藝術到建築、城市規劃及電影等相關的現代作品，都被一一呈現。 十九世紀後期那些被學院沙龍展摒除在外的畫家，如馬內、雷諾瓦、莫內、畢沙羅和塞尚等，後來都成為影響現代藝術的印象派大師；還有寫實主義畫家如米勒；難以歸類卻令人驚嘆的藝術家──夏凡納、羅德列克；讓世人至今仍醉心的梵谷畫作。這些藝術史上的大師至今仍影響著熱愛藝術的人的鑑賞品味。 畫冊以奧塞美術館收藏的十九世紀後期的重要藝術家為對象，逐一介紹其作品，並透過對比與歷史資料的專業解說來闡述畫作。
塞納明珠：奧塞美術館
塞納河左岸明珠—奧塞美術館 奧塞美術館有一個比較特殊的歷史背景。它的前身是一座火車站，約100年前這座為了世界博覽會而興建的奧塞火車站，原來是建立在舊審計部的廢墟上，從原本的火車站到現在的藝術收藏展覽中心，本畫冊就其成立的歷史因由及收藏細節作出具體描述。 介紹十九世紀下半葉以來的各個時期的藝術典藏品，從學院派、浪漫主義、印象派、後印象派、自然主義與象徵主義等藝術作品。定期展示雕塑、繪畫、素描、裝飾藝術與家具，從平面藝術到建築、城市規劃及電影等相關的現代作品，都被一一呈現。 十九世紀後期那些被學院沙龍展摒除在外的畫家，如馬內、雷諾瓦、莫內、畢沙羅和塞尚等，後來都成為影響現代藝術的印象派大師；還有寫實主義畫家如米勒；難以歸類卻令人驚嘆的藝術家──夏凡納、羅德列克；讓世人至今仍醉心的梵谷畫作。這些藝術史上的大師至今仍影響著熱愛藝術的人的鑑賞品味。 畫冊以奧塞美術館收藏的十九世紀後期的重要藝術家為對象，逐一介紹其作品，並透過對比與歷史資料的專業解說來闡述畫作。
藝術精神
媲美達文西和雷諾茲，影響了近百年繪畫者的藝術啟蒙經典！ 全球發行唯一中文版！ 水彩名家簡忠威審定推薦‧專文解說 每個人心裡都住了一位藝術家， 若沒有這些內心藝術家，世界將會停滯不前 ──從技法到心法，寫給所有藝術學子的美學手札── 真正理解藝術就會知道，藝術其實是每個人平常都會涉及的領域。 藝術，說穿了，就跟把任何把事情做得更好有關。 唯有讓藝術精神進入人們的生活，讓藝術不是生活附屬品， 而是每個人生活最不可或缺之物，才得以彰顯藝術的偉大。 羅伯特．亨萊，美國藝術家暨藝術教育家。深信藝術與生活密切相關，也與每個人相關。最為人所知的事蹟是，帶領「八人畫派」（The Eight）這群寫實主義畫家，開創「垃圾桶畫派」（Ashcan School）。以都市日常生活的習俗為題材，將視角移轉到各社會階層，反映了一個「真實的美國」。對於美國藝術的發展具有深刻的意義，體現了美國藝術的獨立性與創新性。 這位充滿熱情、在藝術指導上天賦過人的老師，他所提倡的藝術理念，啟發了不計其數的知名畫家。他心懷偉大願景，帶領藝術學子認識法國畫壇、卻提醒學生要有藝術家的自重、努力發現自我、別害怕擁有個人觀點與風格。並集結有限資源，舉辦第一個美國獨立畫展，給年輕的獨立藝術家有機會公開展示畫作，不再受官方掌控限制。在那個年輕藝術家四處碰壁的時代，亨萊所爭取的藝術自由，可謂是美國畫壇的一大進步。 而他對學生最常的要求與提醒就是：以藝術是作為盡情生活的工具。畫出你的感覺，畫出你心中所見，畫出你所認定的真實──讓創作「引起世界的騷動」！ 我想談論的是美與快樂 欣賞生活的美好並不容易 藝術的存在就是為了讓你盡情生活，活出自我 本書收錄羅伯特‧亨萊的隨筆文稿、信箋片段，以及與學生的對談語錄。完整呈現亨萊對藝術的教學脈絡，主題涵蓋繪畫創作的概念與技法，一般藝術研究與藝術鑑賞。處處可見亨萊寶貴的專業建言與智慧見解。 本書集結書信與隨筆分為五部，全方位洞悉「藝術精神」── 。美，始於感動｜美無法複製，卻無所不在。美就是觀看者心中的愉悅感。 。技法，始於觀看｜先回應自己的主題與感動，忘記技法存在，自然綻放光芒。 。藝術，始於生活｜從生活中發現真理，以藝術作為盡情生活的工具。 。風格，始於找到自我｜大膽探索、勇於冒險，當一個真正的學生。你可以跟自己學到更多！ 。大師，始於自我學習｜善用天賦，全心投入。欲成就大師者，以善用本身所有為先。
安迪．沃荷 the Trip
『重點不在於你是什麼樣的人，而是他們認為你是甚麼樣的人！』 一趟還原安迪沃荷當年在六十六號公路的自駕旅程， 一路讓安迪長驅直入開進星光熠熠的好萊塢── 準備好了嗎？ 我們和安迪一起坐上六○年代最潮的福特「獵鷹」， 就要上路了喔！ POP推薦：工頭堅．旅行長、Miss Anita．御姊愛、「個人意見」格主陳祺勳 「當我們開得愈遠，在公路上所看到的一切就愈有『普普』味。」 載著安迪．沃荷疾駛的福特「獵鷹」（Falcon）化身為我們的時光機器，帶著我們擺脫沉悶的艾森豪（Eisenhower）時期遺風，進入充滿爆炸性、令人興奮的六○年代。透過深入、具有獨創性的研究──黛博拉．戴維斯讓我們對這位藝術界不朽的名家有了新的認識，也以沃荷為中心，為我們留住了一九六○年代的美國最迷人的一刻。 原本重新還原安迪的旅程一直是個抽象的概念，直到有一天，我在一本關於沃荷的大事記書中看到一整頁翻拍的單據…… 我在九月二十四日出發，就和安迪四十九年前出發的日子同一天。 安迪花了四天半的時間，但是他和他的旅伴們一路上總有一些六○年代典型常見的藥物幫助他們維持亢奮的狀態。 我預計要花七天的時間，我打算從紐約出發，一路開車經過紐澤西州（New Jersey）、賓州（Pennsylvania）、俄亥俄州（Ohio）、印第安那州（Indiana），然後接上六十六號公路──屬於文藝青年的懷舊公路──直接穿越密蘇里州（Missouri）、堪薩斯州（Kansas）、奧克拉荷馬州（Oklahoma）、德州（Texas）、新墨西哥州（New Mexico）、亞利桑那州（Arizona），一路抵達加州的最西邊，聖他莫尼卡碼頭（Santa Monica Pier）。 我們和家人、朋友、還有小狗告別之後，就先往紐約市東邊開十三哩，這樣我們才能和安迪從同一個地點出發──那是他位於萊辛頓大道（Lexington Avenue）1342號的透天住家。 由於上天安排了這個停車位與屋子的裝修工程，我得以用與安迪四十九年前出發時的相同姿態展開我的旅行。我在階梯的平台上停住腳步，接著走下台階，推開前門，走向停在路邊的汽車──一如安迪當年。 『有時候，一些你在當下並不以為意的短暫時光，後來卻會在你的人生歲月中留下痕跡。──安迪．沃荷』 我一直對安迪．沃荷深感著迷，他不但是藝術家、導演、格言家、媒體大亨、趨勢領導者，而且堪稱是二十世紀最具真知灼見的不朽天才，甚至到了二十一世紀猶然為當紅炸子雞。假使安迪知道這些事，雖然他不見得會有多驚訝，但他肯定會被逗得樂不可支：他在一九六三年被評論家們視為笑話的畫作──包括那些頗具爭議性的金寶濃湯（Campbell’s Soup）罐──在今天已經價值上億美金；有一間博物館致力於收藏他個人的生活樣貌與作品；安迪．沃荷相關展覽經常在各地巡迴展出；他的反傳統文化電影為今日的主流電影奠下了基礎，獨立電影在今日已經發展為數十億美元的產業；他被推為「自拍」（selfie）的始祖；還有眾多粉絲們，包括藝術家與作家，都視「聖安迪（Saint Andy）」為他們的繆斯。 &&&&八○年代早期的時候，我也是眾多崇拜安迪的粉絲之一。有一回我去參加了一場紐約現代美術館（Museum of Modern Art）所舉辦的電影活動，發現我的位子正巧就在安迪的前方。他的出現讓我興奮不已，但我當時實在是太害羞了，以至於我根本不敢轉頭和他說話。後來那天稍晚，我先生跟我聊起了安迪的假髮，我問他，「什麼假髮？」年輕又天真的我一直以為他頭上誇張的銀髮是真髮。後來，我開始慢慢了解關於安迪．沃荷的所有一切，而當我成為一名作家之後，我也思考著要以他做為著作的主題。我想我需要知道更多真實的故事。 &&&&《普普主義》（POPism）一書是安迪對於自己在一九六○年代的生活體驗所做的記錄。在書中，我瞥見他提到一九六三年他做了一趟公路旅行，當時他和一群密友駕車一路從紐約橫越美國直到洛杉磯。我很快便認定，這趟冒險旅程－雖然在大部分沃荷的傳記裡只會出現在註腳──實際上是他一生當中重要的關鍵時刻，同時也猶如一扇觀景窗，讓人得以一窺當時美國正遭逢的巨大變遷。這趟六○年代模式的公路之旅後來成為一次心靈探索的旅程。他興高采烈地一路行經美國心臟地帶的公路、加州海灘、舊好萊塢（Hollywood）、新好萊塢、拉斯維加斯（Las Vegas）、和其他典型的美國城鎮，同時以流行世俗的角度探索美國文化──藝術、文學、電影、電視、廣告、音樂、運動、藥物、和新的性意識，全都透過旅途中的體驗滲入安迪．沃荷的內心世界。 &&&&安迪第一次動身前往西岸時的年紀是三十五歲，但更廣義地來看，他的旅程其實打從出生的時候就開始了。他一九二八年出生於蕭條衰敝的匹茲堡（Pittsburgh），到一九六三年展開這一場六十六號公路（Route 66）上的疾風之旅，這期間安迪．沃荷從一個貧窮又體弱多病的小男孩搖身而為新銳藝術家與導演，這樣的蛻變本身就是一場精彩萬分的旅程。就在我埋首研究他的生平與他所處的年代時，我愈發覺得，如果我真的想要了解那個關鍵時刻的安迪，我就應該要跳上車子，親自走一趟同樣的旅程。 於是我開始規劃我的公路之旅。像這樣的旅行，通常人們不是在十八歲那種毫無懸念的年紀風風火火地上路，就是反過來，會等到退休後才開著休旅車閒散逍遙地展開旅程。 原本重新還原安迪的旅程一直是個抽象的概念，直到有一天，我在一本關於沃荷的大事記書中看到一整頁翻拍的單據。安迪是個出了名的收集狂，他會把所有東西都收進被他稱為「時間膠囊」（time capsules）的硬紙盒裡。時間膠囊裡甚麼稀奇古怪的東西都有，包括派對邀請函、食物、指甲刀、還有處方藥。在第五十五號膠囊當中，安迪收藏了我心目中的至寶──他在橫越美國公路之旅途中所收集的所有單據。 一張單據就是一個故事。 加蓋了紐約港務局（Port of New York Authority）戳印的卡片記錄了他離開紐約市的確切時間。比佛利山莊飯店的帳單列出了客房餐飲服務（room service）的費用與撥打長途電話的記錄。還有許多單據來自加油站、汽車旅館、餐廳、相機店、以及他沿途停留的據點。就像撒落的麵包屑所留下的軌跡一般，這些細瑣的資訊帶領我到安迪所佇足的每一處，同時也告訴我他到那些地方的時候從事了哪些活動。這珍貴的點點滴滴讓安迪彷彿重回世間，也讓我得以親歷他當時所看見的世界。 至此，我對於展開這趟公路之旅已經充滿了興奮與期待。
設計摺學全書：建立幾何觀念，強化空間感，激發設計師、工藝創作者想想像力和實作力的必備摺疊觀念與技巧
暢銷書《設計摺學》最新修訂完整升級版，創作者一生受用不盡的必備參考指南。 讓時尚、建築、珠寶、家具、陶藝、室內設計等各種領域的讀者各取所需，以織品、塑膠、金屬或木材等各式材質達成目的。 Pleat（摺），是一種共通的設計語彙，常運用於建築、服裝與配件、工業設計，乃至裝置藝術或工藝品。透過摺疊概念將平面素材形構成為立體的轉化過程中，設計師能得到意想不到的靈感及創作養分，也在不知不覺中培養出穩固的幾何觀念與良好的空間感。集35年教學功力，摺紙界強人保羅．傑克森（Paul Jackson）繼《設計摺學》系列暢銷書後，將畢生教學心法整理成這本終極摺紙教材，看得到觀念、學得到技巧，搭配精采絕倫的全彩作品實例，是各個領域的設計師與創作者不可錯過的經典工具書。 ★全球讀者無負評，異口同聲「本書助我良多」。 ★7款基礎摺疊，3款進階摺疊，交織出無數結構形態。 ★特別載錄運用於織品的摺疊技法。 ★收納超過60件精采範例，來自全球建築、時尚及工業設計界優秀代表作。 ★內附二十三個關鍵摺紙技巧示範影片連結。 「我嘗試以系統化方式，解析傳統的摺疊技巧，進而衍生出當代的利用形式。無論是時尚、建築，或是珠寶、家具，甚至陶藝或室內設計領域的讀者，都可以各取所需，以織品、塑膠、金屬或木材等任何材質達成目的。我將不厭其煩解說基本技巧，繼而發展出一系列開放性的變化，讓讀者得以學習並創造出無窮無盡的新設計。」──本書作者
教育美學：靈性觀點的藝術與教學
就「美學」言，包括靈性美學、心靈繪畫、合一經驗、崇高感受、審美經驗、審美歷程、自我創造、精神流變、靈性救贖。 就「教育」言，包括全人教育、人格教育、藝術教育、審美教育、道德教育、課程與教學、教學藝術、協同合作、另類教育。 因此，重視美感經驗、追求靈性成長、喜歡哲學思考、關心教育改革的讀者，尤其藝術／文化工作者、美學／教育研究者、各級學校教師／教育行政人員、有志成為教師的人，相信都能從中開展美學視野、豐富人文素養！
海鷗
創作於一八八七年的《伊凡諾夫》是契訶夫第一部四幕長篇足本劇。 伊凡諾夫本來是個才華出眾，懷抱極大社會改革理想與熱情的年輕人，卻在幾年內，不敵庸俗的社會舊勢力，氣力用盡，變得落寞潦倒。伊凡諾夫身家處於破產邊緣，同時他的妻子安娜也因肺癆不久人世，雖有崇拜者，年輕姑娘莎夏不顧一切愛著他，一心想幫助他重新站起來，但他卻深陷苦惱，自覺失去生活的一切目標和意義，最後，在心魔的作弄下，在他與莎夏的婚禮上舉槍自殺。 史塔帕新譯本於二〇〇八年春於倫敦溫德翰（Wyndham）劇院首演。 一八九六年十月《海鷗》在聖彼得堡亞歷山大劇院首演，慘遭失敗；兩年後，一八九八年十二月，《海鷗》二度上演，由丹欽柯和史坦尼斯拉夫斯基聯手打造，在莫斯科藝術劇院推出，叫好又叫座，就此奠定契訶夫在劇壇的地位。 《海鷗》以鄉下莊園為背景，寫出了上一代與下一代，藝術，愛情及世俗的多重衝突。下一代的康斯坦丁厭惡「充滿俗套和偏見」的傳統劇場，他寫出内容形式都極具實驗性的作品，找一心想進劇場的戀人妮娜擔綱演出，但這次演出卻因他母親，著名演員阿卡蒂娜的挑剔而中斷。妮娜緊接著離去，投入母親情夫，名作家特里果林的懷抱，康斯坦丁兩頭落空，備受打擊。兩年後，康斯坦丁在一事無成的絕望中舉槍自盡。 史塔帕新譯本於一九九七年春於倫敦老維克（Old Vic）劇院首演。
歷史、藝術與台灣人文論叢(11)
本論叢成立的目的，是提供歷史、人文、藝術教學或研究者展現思考的園地：一個奠基於學術方式，胡思亂想的刊物。我們深信教學就是面對學生的思考，既然有思考，就有想法，只要再配上根據與參考他人相關成果的雙翼，就是合格的研究。衷心歡迎以教學為主體的老師，敞開胸懷，邁出最後一步，提供你/您的思考結晶，豐富本刊內容，進而超越心中的憂慮，釋放人文、藝術的魅力。
藝外風景：30對談錄 Heart to Heart
謹以本書獻給30年來，為臺灣舞台付出的所有工作者及觀眾 30篇經典對談．60位精采人物 帶您深入音樂、戲劇、舞蹈、文學等藝術核心 探究親情、愛情、人生觀等舞台之外的生活點滴 國家兩廳院30周年．PAR表演藝術雜誌25周年鉅獻 瞭解藝術家的創作意念．深入他們的內心世界 【康寧漢×林懷民】 康寧漢：我不希望重複用過的概念，我相信永遠都有新的東西在等待著你，只要你懂得怎樣去尋獲它。 林懷民：我們喜歡面對難題，也必須喜歡難題，否則我們就不會進這一行了。 【張艾嘉×羅曼菲】 張艾嘉：生命無法控制，太多事無法料到，我學會將很多事情「交出去」。 羅曼菲：我常比方人生是個party，我只不過是累了先回家睡覺，朋友不必為我悲傷。所以會比較豁達，因為真的沒什麼好計較的。 【侯文詠×許芳宜】 許芳宜：舞者這麼漂亮、這麼短暫的生命卻不會被記住，所以舞者要很自私、很現實地滿足自己，在這麼短暫的時間中，我希望可以做最多的事情。 侯文詠：舞者想的是怎樣使用身體，醫生想的則是怎樣不讓身體壞得那麼快。跳舞真是一件很奢侈的事。從醫學的觀點來看舞台上的舞者，他們實在是幸運到不行。 《PAR表演藝術》的「藝次元曼波」單元，多年下來邀集許多知名人物進行對談，談話過程中不時激盪出各種智慧的花火和幽默機智的言語，令讀者更加深入了解藝術家們的內心世界和創作意念，向來都是最受歡迎的單元之一。 今年正逢國家兩廳院30周年暨《PAR表演藝術》25周年，為此特別精挑集結30篇、共60位藝文人物的精彩對談，與讀者共享他們在步出劇場、舞台之外，不為大家所熟知的另一面。
張大千vs.四僧書畫3看懂八大山人
號稱「明末四僧」之一的八大山人，其作品尤為世人所重視。身為舊王孫之後的八大，天賦異稟，惜亂世流離，只能以繪畫自遣，書畫寄意；從怨憤到平淡，用詩文寫出心中蒼涼與落寞。 是以八大之畫用筆簡練淋漓、神韻奇古、筆簡形具、神形溢出；無論孤鳥、蘆雁、八哥、松鹿、孔雀、眠鴨、魚石、花卉、雪景……，都以「冷」寫畫面，以「簡」寓情懷，但灑脫縱肆、清新出眾，一筆一畫盡是抅勒生命的軌跡。 再見大千先生仿八大山人山水畫作品，深具文人畫基礎，氣韻生動，磅礡高遠，展現出純粹的藝術生命，也完全表露從倣元四大家暨董源，一脈宗中國傳統山水畫，高簡逸趣的畫風。 看此書您將可「看懂八大山人」！
安迪如何穿上他的沃荷：普普教皇的哲學絮語
「我覺得現實生活才是假的。」 安迪．沃荷的複製與貼上哲學 & 在這本語錄式的自傳裡，A（安迪）喃喃絮語還有與他的B（朋友）們高談闊論不同話題，或小題大作或大題小作，坦誠地表達他對愛、美、性、工作、時間、死亡、經濟學、氣氛、成功、藝術、名氣、內褲、真實與虛無等等等的看法，言語流露他的尖酸幽默、糾結又神經質。 這位普普教皇已然去世三十年，但他對流行文化洞見觀瞻，使得他的哲學超越時空，在現今網路媒體與物質消費的年代仍然鮮活、適切。 & 【沃荷跨時空語錄】 & A說愛 我第一次買電視之後，便不再執著於與人親近。〉〉〉〉宅男 & A說美 各種瑕疵全部刪除，它們並不屬於你想畫的那幅美圖。〉〉〉〉美圖秀秀 & A說性 幻想的愛勝過現實的愛，不做愛最令人興奮。而最令人把持不住的引力，就是明明相吸，卻永遠不得碰頭的兩極。〉〉〉〉Cybersex & A說氣氛 也許到時候會有派對的實況轉播，任何人想要身歷其境，只要靠全息攝影就能達成，在家也能舉辦3D宴會，假裝自己人就在現場和大家一起出席，甚至可以自己租一個派對，安排自己坐在名人旁邊，想要哪個名人就安排哪個名人。〉〉〉〉虛擬實境 & A說名 要是我也可以光靠對方的節目就完全摸透一個人，那就太棒了，如此一來我就可以洞悉他們的人生出了什麼問題〉〉〉〉真人秀 & A說刺刺的感覺 我把大部分的時間都拿來和這個B或那個B講電話。我把這個行為，叫作「查勤」。因為我很想知道這些B們從前一天早上開始所做的每件事，我問他們去了哪些我沒去的地方，見了哪些我沒見到的人。〉〉〉〉臉書News Feed
普普就是一切都很好：沃荷的六○年代
普普教皇安迪．沃荷撰述美國普普文化最迷人的黃金十年（1960-1969）。 「這是我對一九六○年代發生在紐約的普普風潮的個人觀點⋯⋯它是一個回顧，回顧我的朋友和我當時的生活情景——回顧繪畫、電影、時尚以及音樂，回顧超級巨星以及人際關係，它們構成了我們在曼哈頓閣樓裡的場景，我們管那個地方叫工廠。」 一場文化風暴席捲了1960年代——普普藝術、迷幻文化、巴布．狄倫、地下電影——而風暴核心就是安迪．沃荷。他的工作室，名為「工廠」的一間曼哈頓閣樓，是60年代文化場景的中心，就在這個銀色工廠裡，他創造出界定普普藝術的康寶濃湯罐頭以及許多的文化偶像。從地下絲絨、滾石樂團，到伊迪．塞奇威克，也都在這裡串門子、打轉、揮霍青春——這些特立獨行的年輕人，構成改變世界的一場青年震憾（youthquake）。沃荷在本書毫無保留、幽默地閒話這黃金十年的內幕故事。 青春爆炸的沃荷六○ ◎迷人的年輕人是不工作的 ◎聰明而缺乏紀律 ◎比起十年前許多人看起來都更顯窈窕和漂亮 ◎睡眠變得過時，因為有太多事情要做 ◎所有東西都需要「宣傳」，幾乎什麼都能免費弄到手 ◎強調事物的真實本質 ◎不必去讀一本書才能成為這種文化的一部分，只需要去購買它就可以了 ◎任何人不管他們是誰、穿著如何，都有權利去任何地方去做任何事 ◎衝突不斷的年代，最後直到所有社會障礙都受到衝撞為止 ◎跑歐洲是時髦事兒，每個人要不是剛從歐洲回來，就是正要去，或是正設法要去 ◎擅長廢物利用是一門技能、能引以自豪的本領 ◎在習以為常的東西裡看到它新的一面 要是沒有這群瘋狂的嗑藥者，在我身邊喋喋不休，做一些他們的瘋癲事兒，我可能會失去創造力。──安迪．沃荷
我的，台灣家書
德國紅點設計、日本G-Mark設計大獎評審， 台灣最具國際知名度的平面設計大師林磐聳， 持續10年不間斷繪寫「我的台灣家書」， 描畫的主題只有一個：台灣； 傳達的也只有一個：對故鄉土地的深刻感情。 被列為「世界100位平面設計名家之一」的林磐聳，是台灣首位以設計領域獲頒「國家文藝獎」（美術類）獎項的藝術設計大師，過去10年來他一直持續在做同一件事，那就是：用明信片書寫台灣家書。 至今，這些明信片已經累積超過2000多張。 & 每一張上面畫的都是台灣，每一張都是了他生命旅程的見證。 「雖然之前陸續畫過台灣圖象的作品，但動機和意識並不強烈，但在勾勒黃金葛圖像時，思緒卻在一筆一畫中，逐漸清晰了起來。」 2005年春節返鄉時，林磐聳看到已逝父親生前種植的黃金葛依舊蓬勃茂盛，綠意盎然，對於父母的思念之情油然而生，百感交集之下，以手邊自來水毛筆與影印紙，細細畫下滿佈青翠綠葉的台灣島嶼圖像，畫完後大感暢快，也興起更大的創作熱情。 此後他便開始採用最簡易、單純的工具，如毛筆、針筆、鋼筆，以最簡樸的技法，將每天所見、所聞、所思、所感，一一畫成台灣島嶼的圖形，以和尚抄寫經文般專注的虔敬的精神，日復一日進行日記式的圖像記錄。 經由這樣的創作歷程，林磐聳有了不同的體會，常常在受邀出國參加各種活動時，對於故鄉有更深刻的情感：他發現，越是人在他鄉的時刻，越是會深刻注視自己的原鄉。 在旅途中最容易攜帶與取得的媒材便是明信片，林磐聳於是將心中總是思念的「台灣」為圖形，用簡單的畫筆，將現場瞬間意象的感受或想法，結合當地特有的圖像元素，畫在明信片上、寫在明信片上，然後郵寄回台灣給自己，以郵戳上的日期和地點，做為一種時空的見證。 本書詳述林磐聳創作上凝聚於內在的意念感受，如何具現於外在風格的表現形式，並剖析他的「台灣家書」的內在意涵，闡釋他對於創作的信念，同時收錄他多幅精彩的作品，分享他所「看見」的台灣圖像，還有供讀者試畫的頁面，希望邀請所有讀者一起來加入台灣家書的書寫行列，一同完成屬於生活在這個島嶼上你我的記憶。 & 本書特點 & 【解析大師的藝術思考】 被譽為當代台灣設計界教父的林磐聳，在本書說明自己在藝術設計上的思考模式，例如「簡單的事，做久了就不簡單」，以及如何尋找靈感的「發現」三段式創作想法。 & 【闡釋對於藝術的信念】 作者特別闡述了自己的信念，以及為什麼他堅持要做這件事，如何把自己的生命、時間全部放入，不停地用細密小點畫著，讓每個點點都是累積。 & 【說明台灣家書的概念與內在意涵】 從早期以視覺傳達訊息的設計目的，衍生至深層自主體現內在的思維過程與感情底蘊，台灣家書發展的歷程與作者內心深處細微的全幅感受，一一呈現。 【與自己家鄉建立連結】 作者多年來點滴累積的作品，包括寄自全世界各地的台灣家書明信片，地點遍布歐洲、中亞、非洲、美洲、東南亞、日、韓、大陸等，不管身在何方，全是以台灣島嶼圖形，結合當地特有的元素，既是一種與故鄉建立的連結方式，也是由台灣輻射自全球各處的印記。 【生命記錄的呈現】 蓋有全世界各地的郵戳，上面註明著地點與日期，可以藉此有時間與空間的記錄，確認自己與現場的時空關係，加上手寫文字與圖像，這等同於一種生命的記錄，不論是開心的、抑鬱的、抒發胸懷的、崇敬的、喟嘆的，瞬間的心思意念都被保留下來。 【創作手法大公開】 介紹從素描開始的點畫法、如何應用毛筆本身的特性畫出濃淡深淺，以及彩色暈染與拼貼的創作密笈。 【傳遞手繪的溫度】 作者的台灣家書主要用個人的手寫文字，搭配徒手描繪的方式，將花草植物、雲層、海浪、山脈、裝飾圖案、抽象造型、地理景觀、民俗美術等元素，以寫實風格、超現實風格、表現主義、神秘主義、拼貼風格等呈現，其中有大量結合台灣特有元素的圖形，包括百合、朱槿、蝴蝶蘭、中央山脈、東海岸石頭等。 【建議與示範】 作者特別示範幾款容易上手的台灣島嶼造型的畫法，並建議也想書寫台灣家書的讀者，只要採取行動，寫下自己「感動」、想要與人分享的話語，因為「感動」就是他本人創作最重要的原動力。
藝術解析！典藏50大師精選作品訪談筆記
書中內容包括來自全球50位元頂尖數位藝術家的600多幅創意佳作、設計理念分析介紹，以及編者對每位藝術家的特別專訪。 作品中詳細展示了一些主要作品的繪製流程和細節處理，而專訪內容，讓藝術家們對“你最欣賞的藝術家是誰？”“在你的從業經歷中，對你和你的作品影響最大的是什麼？”“你覺得電影或遊戲中是否有某個角色可以象徵你自己嗎？”“近期在看哪些書或電影？”“你有什麼有趣或特別的愛好嗎？”等此類問題做出的新穎、別緻而又充滿趣味的回答，也能讓讀者在欣賞與學習畫作的同時，深刻瞭解藝術家創作背後的獨特個性、豐富多彩的經歷和他們眼中的藝術世界及對數字藝術的獨到見解。
臺灣公共藝術學Ⅱ藍海.公共美學
首部臺灣經驗的公共藝術進化論 公共美學所帶動的後公共藝術時代！ 群策群力的「共學」聯結為跨地域、跨文化背景的「共學圈」，公共美學即將創新出城鄉美學的主流趨勢！ 每個城鄉聚落都需要「被看見」，透過彼此接納、平等交換訊息，來述說、推廣與傳揚在地獨特的人文價值，並促進地方意識的凝聚，成為地方再發展的動能。 本書所提出的「公共美學」，並不只是藝術成果的完成，而是透過不限形式的美學行動，來引導出一條走向社會生產的路徑；美學創作轉由在地的文化回顧，透過訴說、聆聽與體驗等公共論述過程，讓地方意識藉由創作者的視覺物件與活動議題滲透於生活場域中，以更多元的住民論述，藉以達成公共想像的再生產，使「空間」轉化為「地方」，而地方更加值為行動者的「故鄉」，在故鄉意識能量的持續運作下，新社會的「能動力」於是得以被逐步培育成熟。
時代、生活與環境的流變－城南文學地景藝術行動
「城南文學地景藝術行動」是由一個主概念分成的兩個藝術行動計畫，分別獲得2016年文化部「藝術浸潤空間計畫」與「文化創意產業計畫」補助。是以台北城南文學為本，發展出特定場域的繪本故事、壁畫創作、裝置行動與VR數位整合。 希望以藝術性的方式，重新思考關於閱讀的失落與地方歷史的遺忘，在此時此刻的境況中，能夠做出什麼樣的改變與策略。 內容分做五大類別— 藝術教育、在地知識、環境閱讀、對話創作與數位整合。 本書特色 用文學書寫， 留下社區故事， 城南文學地景藝術行動。
有聲畫作無聲詩：陳庭詩的十個生命片段
臺灣現代藝術巨擘 陳庭詩 & 陳庭詩的雕塑與版畫，完美結合東方文化精髓與西方現代藝術精神，1999年法國出版的二十世紀藝術史鉅著（英譯本為Art of the 20th CENTURY），亞洲以藝術創作被收錄者只有陳庭詩一人，奠定了他在世界藝術史上的地位。 & 陳庭詩生命中所經歷的曲折，和他在藝術創作上不斷嘗試自我突破的姿態，在臺灣藝壇算得上是絕無僅有。除了傑出的藝術成就以外，陳庭詩與臺灣現代詩壇文友的深厚交誼，經常以詩畫交流創作，也為臺灣文學締造了當代藝術光芒。 & 無論做為一位藝術家，或是單純將他看作一個有故事的人，放在臺灣歷史的脈絡裡來看，他既有某幾個時代裡人物的典型特徵，又因為耳疾和官宦世家出身的背景，具備了和他同代人不一樣的質地。 & 本書簡介 & 本書以流暢的文字篇章，帶領讀者瀏覽藝術家的生命故事，從認識陳庭詩開始，窺見臺灣當代藝壇的一隅光景。 & 陳庭詩，1916年生，福建長樂人。1946年來臺，是臺灣現代藝壇前行輩的代表人物之一。作品包括木刻版畫、甘蔗板版畫、彩墨、布上壓克力、現成物雕塑、書法、水墨、古典詩詞，擅長以各種藝術形式展現孤寂而強韌的生命姿態。 & 曾參與「現代版畫會」、「五月畫會」、「五行雕塑小集」、「現代眼畫會」等藝術團體。1970年先後獲頒中華民國畫學會版畫金爵獎、韓國國際版畫雙年展首獎（又稱《東亞日報》大獎）。出任大獎評委的英、法、日、德四國藝評家，一致認為陳的作品沉凝洗鍊，有潛藏的力量，評為「穿破黑暗的光明」。 & 本書特色 & 有聲的詩，畫作無聲的畫， 讓畫中有詩，詩中見畫。 & 那是一個高度戒嚴，卻煥發著詩魂靈動的年代， 一個即使困頓壓抑，仍騷動著無限創意的人生。 & 本書引領讀者，重新認識臺灣藝術界和詩壇中， 那些看似溫厚，卻深具社會反省力，充滿思想韌度的文藝俠侶故事。 & 每一篇故事都包含藝術大師陳庭詩的全彩畫作和手稿，全書文如其畫，真摯動人，讓讀者彷若身歷其境，窺見藝術家的生命光景。
臺北、德里與舊金山的小人物．大夢想
一位google工程師，在三座城市遇見動容的生命 微暗幽光中，最珍貴的側顏 捷運上望著乘客發呆，公車裡偷瞄隔壁手機 在十字路口避開發傳單的手，穿越斑馬線時與路人匆匆對望 「歡迎光臨！」、「甜度冰塊？」短短句子、微小相遇，建構了每日生活。 這些與我們擦身而過的人，有著什麼樣的故事與夢想？ 透過鏡頭捕捉市井小民的生活與夢想 宛若《Humans of New York》的小人物故事 二○一四年，一位咖啡師的燦爛笑容讓索納莉踏上蒐集夢想的旅程。 來自印度的她，揹著相機穿梭在臺北、德里與舊金山的大街小巷，捕捉街角小民的豐沛情感與故事，展現三座大城市的多元性格與樣貌。 世界各地的小人物們，有著截然不同的人生，卻都在圓夢路途上，或許徬徨、掙扎與不安，但腳步從未停下！ 72 則人生故事，僧侶、裁縫、魔術師、服務生、家庭主婦、計程車司機…… 小人物的夢想，讓城市有了靈魂。 〈臺北篇〉 廟裡賣金紙的婆婆靜觀人生百態；家庭主婦燦爛笑容背後的辛酸；櫃檯後的女孩有著創業夢。 在臺灣，我們習以為常的風景中埋藏的動人故事。 〈德里篇〉 印度首都德里，古老與現代並存的繁雜都市。 描繪Henna的手繪師、拋亮寺廟金頂的技藝傳承者、廟宇中的沉靜僧侶……，他們對未來有著截然不同的想望。 〈舊金山篇〉 為一解移工的思鄉之苦，皮包店老闆娘轉行開網咖；網站工程師兼差當Uber司機，只因不想宅在家；喜歡扮家家酒的女孩成為動畫設計師。 種族文化多元的背景讓舊金山充滿豐富色彩，而科技業的進駐，也讓城市風貌逐漸改變。 本書特色 宛若《Humans of New York》的小人物故事
臺灣公共藝術學Ⅰ黑色.公共藝術論
打著「公共」口號卻不公共的公共藝術！ 原本應該是全民共享的藝文參與機會，因為缺乏公正性與客觀性，導致許多藝術家逐漸卻步，而流喪了原有公共性的本質。 學者專家是公共藝術推動執行上的助力？還是亂源？ 「法定公共藝術在臺灣發展上最大的問題關鍵，就在於法令授予學者專家極大的操控權力，使得原本應是公共性的引導者，卻成為另一種空間的霸權者。」 專業領域原是社會進步的動力，但在法令架構的層層禁錮中，卻促使公共藝術在不合情理，但卻完全合法之程序操作下，長期為少數人所掌控，反而成為臺灣公共藝術進化過程中的阻礙者；種種假公共的現象，更鮮明地道出臺灣公共藝術的層層隱憂！面對環境的再發展，「公共」或「美學」該如何尋求到最佳解答？ 本書作者親身在公共藝術創作者、個案之執行與徵選委員、縣市政府審議會委員等各種角色中，真實經驗了公共藝術相關工作的無奈與困境，更深入各環節，剖析各地個案操作與審議機制上的種種弊病，歷經十多年時間的觀察心得中，匯整出第一套講述臺灣公共藝術發展現象的完整記錄。
疼痛是一道我穿越了的牆
＊本書為行為藝術教母，瑪莉娜・阿布拉莫維奇的自傳。 ＊本書有「三個瑪莉娜」：戰士的、靈性的，還有狗屁一樣的瑪莉娜，這部自傳是她50年以來最赤裸、最疼痛的自我審視。 ＊斯巴達式軍人家庭長大，紀律比愛重要；意志力造就了她的藝術生涯，渴求愛影響了她的人生。 ＊昔日與同是藝術家的情人共同創作，又戲劇性地分手；在表演現場再度重逢彷彿宣告和解，然而最終還是要對薄公堂；六十歲時再次被另一個藝術家情人背叛，終於醒悟「藝術家應該避免愛上另一名藝術家」。 ＊她的《藝術家在現場》於2010年為紐約現代藝術博物館創下開館以來觀展人次的最高紀錄。她的「阿布拉莫維奇方法」如可讓她成就每次長延時的表演藝術、連Lady Gaga都成為她的學生？ ＊全球售出13種語文版本 ＊獲得2016年《書目雜誌》年度好書（Booklist Editors' Choice）、亞馬遜當月選書 ＊2014年瑪莉娜・阿布拉莫維奇被《時代雜誌》選為百大最具影響力人物 你以為你會從地球的邊緣墜落，結果你發現了新大陸。 「我必須把自己丟入這種狀況之中，給我自己帶來這麼大的情感傷痛，才能擺脫這一切，才能把他從我的生命中驅除。而我確實這麼做了⋯⋯在那一刻我不再喜歡他的氣味。而當我不再喜歡他的氣味以後，一切都結束了。」阿布拉莫維奇（Marina Abramović, 1946-）再度選擇以疼痛的方式去表達自己，只是這次不是明刀明槍的藝術表演，而是要離開她的情人，也是她藝術上的合作伙伴烏雷（Ulay）。這本自傳的心臟是一齣歌劇般的愛情故事，而他們的故事終於在中國長城畫下戲劇性的句點。 愛與痛一直佔據了阿布拉莫維奇生命的重要部分，父親離家出走，與別個女人另組家庭；她那當過解放軍、有嚴重潔癖的母親，從不曾親過或擁抱過她，以斯巴達方式進行管教與精神控制。當阿布拉莫維奇將躋身國際藝術家行列時，她還是得遵守每晚十點回家的宵禁。她才剛用刀割自己、用火燒自己，但這些都得在晚上十點前完成。 阿布拉莫維奇以身體作為媒介，進行各種觸目驚心的表演，挑戰了社會認知。「我體驗到了絕對的自由——我感到自己的身體毫無束縛、毫無限度；痛楚一點也不重要，什麼都不重要⋯⋯那一刻我知道我找到了自己的媒介。沒有任何繪畫、或是我能夠做出來的物件曾帶給我這樣的感受。」她繼承母親「穿牆」般的意志，超越身體與精神的極限，拋出生命議題邀請觀看者共同參與、思索。 選擇自殘的表演方式，不代表她無所畏懼，恰恰相反，但是「去做我感到害怕的事、去做我不懂的事、去沒有人到達過的領域。如果你用同樣的方式去做事，不斷地重複自己，什麼事情都不會發生。」阿布拉莫維奇的故事時而觸動人心、時而轟轟烈烈，帶有冷冷的幽默，道出了一段將自己推向恐懼、痛苦、筋疲力盡的極限，所成就的無人能敵的藝術事業；以及追求情感與靈性轉化、絕不妥協的危險旅程。本書就是一個傑出的表演，清晰有力地描述了一名超凡藝術家的傳奇人生。
傳奇再續：行動藝術家林世寶的集夢人生
一名來自台灣鄉下的放牛班，師長眼中的不良少年， 成功翻身、揚名海外的成功故事！ 旅居美國的藝術家林世寶，藝術創作上長達30年的堅持。多次受邀回台灣展覽，並期待將自己的奮鬥歷程分享給台灣有夢等待實踐的年輕藝術家。 30年來林世寶的藝術創作涵蓋廣泛，包括繪畫、裝置藝術、行動藝術，並受企業界聘請為大型商場戶外空間創作鎮館的戶外雕塑。林世寶的作品最與眾不同的是，其裝置藝術作品的創作結合行動藝術，每件作品並非獨立完成，而是和數萬人心靈交流的過程，從仕紳豪貴、名人、到街頭流浪漢，甚至罪犯等，這些人物的心靈為他的創作注入了感人的生命力。對他而言，每一件行動藝術的過程比完成作品還要重要，他個人對藝術的詮釋是：花費一段青春歲月去證明一件事，去完成一個夢，作一個追夢的人。 本書續寫林世寶過去十年的故事，這一段故事很精采，卻沒有留下隻字片語，包括林世寶在商業掛帥和現實考驗下，如何堅持和變通，裝置與行動藝術的走向，他如何堅持以物易物來募資拍攝他的「集夢計畫」電影；另一方面，和作家劉馨蔓過去十年來類似的生命經驗中所激盪出的故事，以作家的筆寫藝術家的心靈，為生命帶出再一次感動，並以此鼓勵台灣日漸蓬勃的文創事業和工作者。
藝術.創造.時代：中國當代藝術家訪問錄
集結36位中國當代藝術家採訪實錄， 薈萃中國當代藝術發展之精華。 李山／余友涵／王懷慶／崔如琢／宋滌／趙准旺／艾軒／潘公凱／韓書力／王明明／王沂東／洪凌／毛旭輝／馬樹青／張培力／汪建偉／唐志岡／袁武／蘇新平／林天苗／丁乙／尹秀珍／王華祥／張大力／郭晉／張洹／張恩利／喻紅／何云昌／向京／邱志傑／尹朝陽／鄭國谷／何岸／劉韡／劉俐蘊 藝術創造與社會思潮往往互為因果，這點在中國近四十年的藝術史上尤為顯著。本書所收錄之36位中國當代藝術家，年齡橫跨不同世代，讓不同年齡、不同背景、不同創作形式及理念的藝術家，在這個平台進行一場場間接的對話。 全書以細膩的文字與攝影紀錄，刻劃當代藝術在中國的發展進程，藉由藝術家的個體創作意識，連結不同年代、不同地區的群體活動與發展狀態，呈現中國當代藝術四十餘年的豐富藝術網絡。透過採訪者與藝術家深入淺出的問答對談，自然呈現藝術家的創作理念，使讀者如親臨現場般了解藝術家的藝術思維，內容真實感性。
原住民族藝術教育論：理論方法、工藝展示、圖像研究
原住民族藝術教育，是近年來深受重視的教育核心，著者以其藝術史博士背景，投入相當多的心力在第一線教學，並在學術上的研究與發表卓有成果。本書即為其成果的集結。 這本學術論文集，以原住民族與藝術教育做為主軸，共有三大面向：族群藝術課程設計與當代原住民藝術研究、原住民工藝展示與博物館課程、十八世紀西方旅遊札記中的原住民圖像與意象的研究。著者除了有理論上的探析，也有從實務面的操作來印證理論，並且透過課堂上與學生共同的實作，來達到藝術教育的目的。因此，本書實為理論、實作與實務上的多面向結合。 著者的主要研究，為藝術史與人類學交集的領域，本書價值實有助於拓展國內原住民藝術與文化研究的新視野，並且將理論實際應用於原住民族的藝術教育。
臺中美術地圖：走讀臺中美術家的生命史
沿著29位美術家的生活印記，看見臺中最美麗的城市藝文地景。 百年來，無數美術家將臺中的風景描繪成畫作，將集體的記憶勾勒在畫布上，成為只屬於那個時代的臺中景致，也為這些地標加上更多關於歷史的註腳，在工藝和雕塑領域，亦有無數位美術家，為臺中的街景打造出獨一無二的地景作品，成為城市的代表符號，也是美術家重要的生命地景；而從美術家的生命歷程開始爬梳，亦會驚嘆他們豐富的經歷豐美了臺中的文化。 城市最動人的地景，在於與其交會的人與歷史留下的刻痕，透過走讀這29位美術家的生命歷程，我們發現嶄新且充滿藝術氣息的臺中。 收錄美術家名單（依出生年排序）： 楊啟東、陳慧坤、葉火城、張錫卿、呂佛庭 陳庭詩、林之助、陳夏雨、賴高山、張炳南、林天從、王水河、陳其茂、陳銀輝、王守英、謝峰生、侯壽峰、謝里法、黃朝湖、鐘俊雄、倪朝龍、陳春明、蔡榮祐、陳松、謝棟樑、詹前裕、蔡正一、程代勒、蕭世瓊 本書特色 以29位美術家的生命史及在臺中的生活地景為經緯，構築出一幅獨一無二的「臺中美術地圖」。除了老城區的人文地景，熱門的自然景點亦收錄其中，鼓勵大小朋友以踏查的方式認識臺中之美。 ◎地圖規格：46 x 85 cm，雙面彩色印刷 ◎地圖內容：詳載臺中市區、全區之美術地景資訊、照片
她最近不在家喔！Anini的寄宿之旅
★威尼斯雙年展及波隆納插畫獎入選藝術家周瑞萍（Rae）最新插畫及雕塑藝術新作 ★本書收錄藝術家Rae精心繪製Anini寄宿之家十四張絕富特色畫作，展現她充滿豐富生命經驗和獨特價值的精采創作力。 你在別人家寄宿過嗎？是什麼經驗？ 透過將孩子送到別人家寄宿，Rae用心分享了許多新的生命價值：勇氣、自由、樂觀與客觀、耐心、支持、自在、信任、保持敏銳…… 在藝術創作者周瑞萍（Rae）心中，Anini是她重要的孩子。從平面繪畫到立體雕塑，Anini長成了一百公分高的小屁孩，她們更幻化為二十四隻，各具有不同性格及與生俱來的使命。 身為Anini的媽媽，Rae為了讓孩子體驗獨自一人在外生活的感受，她把其中十四隻Anini送去寄宿家庭，由此展開屬於妮妮們「追尋愛與信任的生命之旅」。 本書特色 本書收錄藝術家周瑞萍（Rae）所繪寄宿之家十四張絕富特色畫作，更透過本書展現在臺灣島上充滿生命力和獨特價值的精采創作力。
一心一藝6：巨匠的技與美
《一心一藝：巨匠的技與美》第六輯收錄十五位匠師的深度報導，包含文化部文化資產局指名之文化資產保存技術及其保存者，囊括土水修造、大、小木作、石作、彩繪、鑿花、剪黏泥塑、石板屋、泰雅織物修復、造王船等技藝。本書不只介紹匠師的生命歷程、師承流派與生活知識，並從中發掘、記錄匠師的技術、藝能，以及其值得學習的人生經驗，期能藉此保存並推廣無形的文化資產概念，並彰顯臺灣人「頂真」的工藝精神。
張大千 vs. 四僧書畫 2 看懂石谿
石谿山水貴在〝厚實〞、〝淋漓〞、〝精細〞，從石谿傳世名作看，多數構圖山勢繁複重疊，境界幽深壯闊，積墨沉酣蒼勁，山石以短的披麻皴、解索皴轉換而來，有王蒙、黃公望遺風，得元代渴筆皴擦點染中而成「粗頭亂服」之風格，積墨法筆墨細密繁複，有效豐富畫面，再造中國山水畫風華。 大千先生跟四僧關係，當然以石濤清湘最深，但石谿也不淺，根據1943年出版的「大風堂書畫錄」和1955年出版的「大風堂名蹟」紀錄，他就有四幅仿石谿經典之作，觀摩品讀，對於石谿山水畫風格了然於心，仿其畫來確能揣摩其精髓，亦是成竹在胸。看此書您將可「看懂石谿」！
殘酷劇場
《外交政策》評選全球百位思想家、百大公共知識分子 伊恩・布魯瑪 直面人心的28篇歷史與美學散文 ★美國筆會藝術評論大獎（Diamonstein-Spielvogel Award）肯定 「我不相信有人天生是魔鬼。 人會做出邪惡的事，往往是出於堅信自己做的是對的事。」 & 二次大戰期間，世界各地發生了慘絕人寰的屠殺、滅種事件。有人說，每個人心中都有一個邪惡的納粹，只等著適當時機爆發；但是伊恩・布魯瑪並不贊同這種憤世嫉俗的看法。他想問：有些動物出於競爭而獵殺自己的同類，但只有人類會為了滿足變態的快感而行使暴力。究竟是什麼，讓人類如此殘暴不仁？ & 為了追根究柢，伊恩・布魯瑪帶我們省視納粹占領的巴黎、被盟軍轟炸成廢墟的柏林、爭議不斷的《安妮・法蘭克日記》、神風特攻隊，從電影、文學、藝術、音樂的表現中，重回二次世界大戰的現場，進入戰後重建的世界，試圖找到答案。 & 人類透過藝術傳達自身的狀況。藝術家為了回應強權的壓迫與殘酷的現實，在作品展演中揭露文明行為背後的黑暗面，直視人性中邪惡的衝動。有一批德國、日本的畫家、作家，如馬克斯・貝克曼、喬治・葛羅斯、克希那、三島由紀夫、橫尾忠則，以及導演，如荷索、法斯賓達、黑澤清、史貝柏格，他們都受到法西斯主義的影響，承受其苦果；但也見證了人類處境的深淵，從中開出藝術的花朵。 & 《殘酷劇場》是伊恩・布魯瑪歷年來在《紐約書評》所發表的一系列藝文評論、歷史散文的精選。他不只寫戰爭、藝術、電影，也討論了大衛・鮑伊的音樂、庫朗姆的繪畫、約旦河西岸巴勒斯坦人的處境、亞洲各地的主題樂園現象，涵蓋的主題可謂無奇不有。精彩之處在於，布魯瑪以他對作品產生的共鳴，對個人史與大歷史的洞察，輔以敏銳的美學判斷，提供讀者一個理解人類當前處境的面向，讓我們對生活中所見之美、暴力和殘酷，有更深刻的體會。 & 《殘酷劇場》收錄多幅珍貴的彩色、黑白影像。 & 【書摘】 & 談今日扁平世界的認同危機—— 「美國的少數族裔或許正面臨失去獨特之處的危機，但不同的民族之間應該還是有所區隔，男性和女性還是有所不同吧。是的，一般來說，不同的民族仍然操著不同的語言，對食物有著不同的品味，各有其獨特的歷史和神話傳說。但這些區別也隨著時間逐漸模糊。某種程度上，特別是在較富裕的國家中，我們都漸漸變成一個美國化世界中的少數民族。」 & 當我們不談歷史真相，只談感受—— 「我們只能表達感受，而無法討論感受，或辯論感受是否為真。這種做法沒辦法促進相互的理解，因為無論別人說什麼，我們只能默默接受，就算是發生暴力衝突，也不容置喙。」 & 談納粹時期，備受希特勒喜愛的導演：希芬胥妲—— 「她超越了方克對視覺影像的實驗：攝影機黏在氣球和打光板上；掛在馬拉松選手的脖子上；綁在馬鞍上。有些動作是從專門開鑿的溝渠中，或是鐵柱頂端拍攝。她的各種要求、花錢的方式，讓戈貝爾（納粹宣傳部頭子）不斷跳腳。」 & 談亞洲主題樂園現象在台灣—— 「台灣是個很有趣的例子。因為它在文化上的確是中國的，政治上過去也有許多主題樂園元素。在蔣介石及其子蔣經國的領導之下，統治台灣的國民黨仍假裝自己統治了整個中國，而台灣是對抗共產主義的最後一個堡壘。」 & 談我們這世代，活在虛擬世界—— 「當代日本藝術中的色情是虛擬的，不是生理上的；是自戀的，而不是和別人分 享的，完全只發生在御宅族的腦袋裡。我認為，從這兒開始就不只是日本獨有 的現象。」 & 當代日本新聞媒體怪象：不歡迎異議—— 「NHK 在福島核災期間，每天都有詳盡的報導，卻從來沒有出現檢討核能的言論。一位專家在接受商業頻道富士電視訪問時，不小心說溜了嘴，提到福島第一核電廠反應爐有熔毀的危險。自此，富士電視之後再也沒有邀請過這位專家。 & 大衛・鮑伊是怎麼來的？—— 「搖滾樂，特別是英國搖滾，常常像是一個無政府狀態的盛大變裝派對。鮑伊將這個潮流發展至極致，他的想像力和膽識，無人能出其右。」
CG大師講座：國際藝術家的唯美意圖
藝術無國界，更非關語言 國際CG藝術家於此 齊聚一堂，揮灑創意 有志一同，追求極致 堅持登峰造極，致力神乎其技 & 本書介紹一批傑出的概念藝術家，有德國藝術家Peter Popken，他參與設計了獲84屆奧斯卡最佳視覺效果獎的電影《雨果》；有參與過著名遊戲《戰神》（God of War）三部曲概念設計的Cecil Kim；還有極具個性的紐西蘭概念藝術家Greg Broadmore，以繪製飛船聞名的俄羅斯藝術家Pyatov Alexey，以及才華橫溢的中國藝術家李松楠、辛鑫、楊家倫、楊奇、周煊等。
話畫III：你從來不知道的50名畫秘辛-眾神與凡人 × 生與死的救贖 ×醫學、解剖學與開刀的人文
[看見一幅畫，不等於看懂一幅畫 ! 鑑賞藝術價值，賞析畫作裡的真實人性 ] [超越前作！給你更多未曾聽聞名畫外的秘辛 ] [透過腦神經權威醫師的視野所重新詮釋的畫中世界，帶你賞畫也懂畫 ] [從東方到西方、從神話到史話、從古話今，千載傳頌的神話故事、醫學真實的歷史事件，深具藝術、人文與醫學深度與廣度的多重探索] & 「搞笑幽默又不失正經」的興式風格，語不驚人死不休 ! 讓你一次搞懂希臘諸神錯綜複雜的「關係」，一窺諸神愛恨情仇的肥皂劇， & 梅杜莎的魔女頭除了讓人恐懼，跟肝硬化也有關係？！ 阿基里斯腱為什麼是用希臘第一勇士命名？ 第一頸椎為什麼也叫做亞特拉斯，它跟這位希臘神話的擎天神又有什麼關聯？ 你知道電影《普羅米修斯》，但是你知道這位希臘神跟肝臟的故事嗎？ 銀河不只是讓牛郎織女相會的橋，疼痛醫學、乳房也跟它有關？ 什麼？有叫做顯微鏡座跟望遠鏡座的星座，這麼特別的命名，到底天文學跟醫學怎麼產生關係的呢？ 「愛到卡慘死，墓仔埔也敢去」看希臘神話中正妹賽姬為了追回初代小鮮肉邱比特挑戰一項項不可能的任務！希臘神話也上演「世間情」？！奧德修斯為了生存也得像甄環用盡心機，漂泊二十年好不容易回到故鄉，還要為了贏回老婆潘妮諾碧上演大亂鬥！ 想要豐富談吐、提昇氣質？想要與伴侶增進親密關係？想要修身養性、探索知識？ 看腦神經外科主治醫師如何用一本書治療你的失眠、憂鬱、自律神經失調、筋骨痠痛、勃起功能障礙？（這項尚未證實）等疑難雜症。 想要知道以上問題的答案嗎？那你千萬不能錯過這本話中有畫的《話畫III：你從來不知道的50名畫秘辛》。
清趣.瘦金.莊嚴(附DVD)
七位台灣前輩美術家傳記，追溯台灣美術的百年歷程。 「家庭美術館──美術家傳記叢書」以深入淺出的文字、精美細緻的圖版。 細述各擅書畫、油畫、版畫等領域之七位台灣前輩美術家 隨時代推移起伏的個人生涯、藝術成就。 莊嚴（1899-1980），出生於吉林省長春市。其年輕歲月正處在滿清政府左支右絀、不堪階段的晚期；1924年，莊嚴自北京大學哲學系畢業，已具備豐富的傳統知識並負有時代使命，企圖將垂垂老矣的文明，重新透過文物、考古、書法、美學加以復興振作。 莊嚴的一生宛如中國近代文化史的縮影，一生隨著國家的命運與故宮文物緊密地結合在一起。從二十餘歲入宮開始，參與北京故宮文物清點、開館、南遷、出洋、避禍、渡海等諸多關鍵時刻，走過中國廣大領土，飄洋過海，最後定居臺灣，隨後更成為臺北故宮博物院發展的重要人物。在動盪、激變的波濤洶湧年代，他以一介文士肩負起重責，使文物獲得周全維護，堪稱中國近代史中文物典藏的代表人物。 莊嚴生活於新、舊世代之間，具備豐富的人文涵養及生命情操，精通書藝，以「瘦金體」書法聞名。他入手於薛稷，上承褚遂良，下迄宋徽宗，書法一脈相承，始能於一味勁瘦之外，融入唐人法則。故能於剛勁中蘊含敦厚，灑脫中別具端莊，結體疏朗，文風自顯。晚期得力《好大王碑》之圓筆隸楷，又揉合趙孟頫〈妙嚴寺記〉之元人典雅，已然上溯六朝風韻，風格獨具，實為近當代之一大書家，其人品操守更為後世楷模。 「家庭美術館─美術家傳記叢書」共七冊： 《清趣‧瘦金‧莊嚴》 《勇者‧精進‧楊啓東》 《巨岩‧豐原‧葉火城》 《瑰麗‧象徵‧金潤作》 《畫道‧行者‧陳銀輝》 《符號‧跨域‧廖修平》 《溯古‧開今‧傅申》
漂流木 Driftwood野生藝術家優席夫的流浪傳奇
今年，最好看的生命與夢想實現的勵志故事，來自Yosifu。 & 優席夫(Yosifu)，台灣最有名的阿美族留英畫家，同時也是英國愛丁堡最有名的畫家之一。他憑著祖先開墾的精神，一個人在異國他鄉苦撐過來，藝術這條路走得艱辛，沒有資源，沒有輔助，終因畫作受得賞識，在國際發光發熱。優席夫的故事，證明原住民藝術具有在國際上展現的實力，藉由更多的平台培植與鼓勵，它將會聚成一股正面廣袤的力量。透過文化藝術的力量，讓世界看見台灣，看見台灣的原住民。 & 本書跳脫一般故事主角人物成長時序，從主題概念、觀點與關懷議題切入，具有容易閱讀與吸收的高度、寬度、深度，是一種創新的傳記形式。 & 旅居歐洲，心繫台灣，多年來致力在原住民的教育與資源平衡，努力不懈。本書為原住民發聲之書，反映原住民現下困境、誤解，呈現文化與勵志鼓舞，自我期許自己成為原漢之間的溝通與認識的橋樑。書中的系統建構，從50個觀點組成優席夫的生命歷程與對世界的發聲，每篇篇幅皆聚焦主題，文字精簡容易吸收。 & 書中完全展現優席夫的原創個人風格、特色，內容忠實呈現人生低谷與高峰，傳達出作者靈魂深處對話。文中凝聚歡笑與淚水、感動與意義，Yosifu想對你說：『也許你正在逆境、困境、低潮中，但請不要忘記，人的盡頭，就是神的起頭。不要灰心，要繼續往前，因為，神為我們預備的，總是更好的。有一些考驗跟挫折是神允許的，它會為你預備更好的未來。你要感恩，謝謝神給你這樣的經驗，讓你去學習，讓它變成你的力量。』
把土裡土氣變揚眉吐氣：一鄉一特色，地方產業文創與商品設計關鍵密碼
將在地產業行銷成功玩出來！& 創意策略是市場定位的智慧線，品牌形塑是市場攻心的感情線！ 台灣設計名家、文創教主程湘如告訴你如何啟動農會、小農、偏鄉、在地，以及生態文化的地心引力，結合上、中、下游產業鏈，量身接地氣，成功打造一鄉一特色的產業文創lP，以及商品文創開發設計的關鍵密碼。 「日光大稻」為桃園稻米開拓一條康壯大稻；「總統米」邱垂昌，成為稻界翹楚的傳奇；台東縣農會打造出「山海經脈」養身保健品牌；「三義丫箱寶」讓木鴨變身藝術精品；「台灣漆器」披著金色的桐花重新擦亮；桃園眷村文化節創意質樸「象棋包」；苗栗「藝樹學院」森林之旅、幸福隨行「客家包巾」；屏東遊唱詩人節「月琴遊唱系列」；台北29鄉鎮結合各地特色「神氣活縣山海經」；馬祖展翅高飛燕鷗杯；台鐵「鐵不出軌」愛情文鎮；遇見台灣蝴蝶蘭……。 因各鄉間在地特色商品的打造，提升了傳統產業能見度及商品競爭力，走出了品牌轉型之路，翻轉了在地產業的命運。 一個個成功的產業文創案例，如今已成為台灣推動文化產業、建立成功行銷的模式！ 【聯合推薦】 李再鈴、陳立恆、王俠軍、靳埭強、范周、林盤聳、李永萍、林正儀、何清輝
藝術概論 An Introduction To Arts
本書作者台灣師範大學藝術史研究所曾肅良教授認為，藝術的知識必須與時俱進，必須現代化，必須體悟藝術在現代人類社會所扮演的多元角色，因此，本書的內容 除了探討藝術的本質與藝術鑑賞知識之外，也聚焦在藝術的社會功能以及藝術在實務應用的各種探討，提列出許多具有突破性與前瞻性的課題。傳統的「藝術概論」 教科書所沒有觸及的新領域，像是藝術與心理、藝術與宗教、藝術與收藏、藝術與經濟、藝術文物品的保存維護等等課題，本書都做了精要詳實的解說，實是一本符 合現代潮流的藝術概論教科書。 藝術是什麼？一直困惑著古往今來的思想家，對於「藝術」的觀念，自古至今，其中所蘊含的意義差距頗大。由於所處時間與空間的差異，人類對於審美觀念的不同，藝術材料的掌握和技巧的不斷演進，歷代人類陸續發展出新的審美理念，進而產生新的藝術表現形式，展開百花齊放的藝術歷程。即使藝術的外在形貌與表現方式有極大的變化，但是藝術其內在的本質仍是永恆不變的，我們可以說，藝術的本質源於人類內心對於心靈與審美的需求，藝術在於反映人類的思想與生活層面，藝術是人類心靈在面對宇宙人生所產生的各種思維和感情的具體化表現。 & 本書「藝術概論」的宗旨，除了引導學習者對於藝術創作與欣賞原理有正確的觀念與理解之外，更著墨於藝術與生活之間的互動，因此，本書的設計，不僅在於提供學習者認識藝術的本質、歷史、形式、表現方式、觀念等等，也著重於社會不斷發展的前提之下，討論藝術的思潮與表現的各種演變，亦即不論在學理、形式與技法上的探討，都力求以社會發展為主軸，更積極地探索藝術與現代社會的互動。 & 筆者從1995 年開始講授藝術史論課程，深深感覺到學生在課堂所學習的「藝術概論」往往與社會現實層面嚴重脫節，很難吸引學生的關注，更感覺到藝術課程內容與時俱進的必要性，因此在本書撰寫的內容之中，規劃了許多具有突破性與前瞻性的課題， 擴大了教師與學習者對於「藝術」的視野，這些議題都是以前甚至現在流行於坊間的「藝術概論」，所沒有觸及的新領域，包括藝術與心理、藝術治療、藝術與宗教、藝術與收藏、藝術與市場、藝術與經濟、藝術與政治、藝術文物品的鑑定、藝術文物品的保存維護等等課題，本書都有深入淺出的探討。 & 這是一本寫給現代人研讀的藝術概論，它提供了最新的藝術學理、資訊以及多元的觀點，並且積極的去探索藝術與現代社會的各種互動關係，學習者必須抱持著開放的學習態度，以全新的眼光去認識藝術，藝術不再是處於空中樓閣的想像的產物。藝術實際上是一種社會現象，藝術必須落實於生活，我們必須釐清並探索藝術與生活之間的密切關係，以現代人的角度，去嘗試認知並思索當代藝術的新觀念、新風貌。 & 審美觀的觀念如何培養？ 藝術的形式如何顯現？ 藝術欣賞的方法如何？ 藝術對人生的重要性如何？ 藝術的收藏能力又是如何培養？ 凡此種種， 筆者鼓勵學習者以務實的態度， 將本書所闡述的學理與資訊加以吸收，並且與實際的社會文化現象作深入的觀察、比較與思索，更衷心期待學習者從理論與實際現象連結的基礎之上，以多元面向的態度，認清藝術在人間的真實面相，激發出更為廣遠的思考以及對藝術學理探索的興趣。
臺灣藝術家風華：藝術創作評述與作品解析精選集
56篇深入訪談臺灣藝術家專文，以獨樹一格的藝術評述解析，穿透藝術家的靈魂，精準解讀藝術家心路歷程。 ◎從作品透析作者，還原藝術原創思維與技法的精微痕跡。 ◎讓藝術家無法沉默，讓觀賞者很難不看懂藝術。 ◎以溫婉而有深度的文字，穿透藝術家的靈魂，帶來完美的詩性感受。 56篇深入訪談專文，透過作品賞析、創作理念、美學觀點分享，多元、多角度解析藝術家的內心世界，藝術類型含括繪畫、雕塑、陶瓷、攝影，展現多采多姿的臺灣藝壇盛況！ 作者劉龍華身為建築師、畫家、史學博士生，創作之外，亦從事攝影，多角化的思路與人生閱歷，導引他的創作方向和意境，近年更將觸角由平面攝影轉向紀錄藝術家創作的攝影工作，至今藝術家專訪影片已完成達百餘片，除為藝術家的心路歷程做出精準的解讀外，也讓觀眾更貼近藝術家的心靈，散播美學種子，成果豐碩。 他的評述解析穿透藝術家的靈魂，最終以溫婉而有深度的文字做出表達，帶給讀者一種完美的詩性感受。 他的藝術論述集合了中外美學精要，也常以詩詞風貌出現，把藝術家的作品意境詮釋得淋漓盡致，做出許多「背離作者原意的創意性解釋」 作者認為深度訪談的樂趣無窮，透過和藝術家們的互動學習、文獻蒐集、撰寫評述文稿、剪輯錄製旁白、解析受訪者之內在風華，強化觀眾與藝術家之間的溝通橋梁，這是專輯製作之所以能夠延續的根本動力。 而作者更以一位宏觀創造者的角度，把每一位受訪藝術家的專輯都視為自己的創作，直到完美極致，不僅提供大眾認識與欣賞台灣藝術家們的風華與才情，同時也巧妙運用理論解說藝術家們的作品，這也為台灣藝術的理論與實踐在統合上做出無形的連結。 本書收錄當初作者為這些精英藝術家撰稿的原貌，佐以圖片解說，盼與熱愛藝術的朋友們分享。 在順序安排上，先將七十歲以上的資深藝術家文稿列入第一部分，以表敬意。 而後第二部分之文稿安排並無高低優劣之分，全數以圖文的視覺節奏為基本考量方向。
