日常的誘惑：給白日夢者的藝術書
生老病死的人生軌道，大方向是一致的。從洞穴的年代、狩獵的年代、信仰的年代、人本的年代、資訊的年代，人透過藝術所呈現的圖像，都是個人內在世界與外在 世界撞擊的激盪火花。藝評家高千惠認為，忙使人盲，人應該多給自己一些作夢、冥想或發呆的時間，以便學習享受孤獨。這本寫給「白日夢」擁護者的書，教你如 何從藝術的角度欣賞人生，自己描繪自己的神話！
亞洲的圖像世界(平裝版)
「亞洲的圖像世界」，是作者杉浦諸多著作之一，他從存在於亞洲各民族的圖像，以其敏銳的客觀力，研究其源流、流傳、變化，尤其就造形心理追溯其原點。圖像有其錯綜複雜的背景，造形心理可以投射到不同的對象；不同的對象實際也可能反映同一造形心理，而且不同的造形元素更出現相互糾合的現象。於是，形成一個熱鬧的「萬物照應劇場」，原來造形不只徒具點、線、面，它的內在是個躍動的世界，不僅含蘊人類的想像，也保留幾乎已要消失於現代的軌跡，時時可能喚醒生命的記憶，也是反映照應觀照宇宙的結果。
中國前衛藝術
《中國前衛藝術》通過八十年代以來中國美術、詩歌、電影、戲劇、小說、音樂、建築、攝影等等這些最能見出文化情緒和前衛意識的文化領域，展示出當代中國思想、文化氛圍的變化過程和發展的歷史趨向。 本書收集了十九篇專題文章和近三百幅 精選的作品插圖，為了更為真實地反映 出這多姿多采的面貌，其中一百六十頁全部影色印刷，在這些令人目不暇給的 一片片視野中，我們得以歷史性地回顧了當代中國風潮迭起的現代藝術的發展：從一九七九年北京星星畫展到一九八九年中國現代藝術展，再到目前的後八九美術；從一九八五年尋根小說到九十年代先鋒小說，一如既往，當然還包括第五代電影崛起及其後在經濟改革夾縫中重新出發的努力，中國搖滾的誕生和震撼力，朦朧詩到校園詩歌的蛻變。
華格納與克林姆
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。華格納與克林姆當城市美學建築師華格納碰到裝飾畫家克林姆華格納的建築像一座座裝飾品美化了都市內的每一角，他的美是結構的、功能的，是表面的也是內在的；克林姆的畫作更是一股奢華富麗的風潮，流暢的線條、激情的裝飾性、大膽的用色與意象，及變化多端的媒介，本書介紹華格納與克林姆兩人打破了審美上盲目摹仿以往的藝術風格，轉換表現了各自的獨特風格，彰顯兩者在二十世紀之交的影響。
萊特與歐姬芙
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。萊特與歐姬芙當自然建築師萊特碰到花卉畫家歐姬芙萊特以自然為師發展出一套有機建築的原則歐姬芙亦受自然啟發創造一種獨特的風格兩人都是土生的美國人，都在國土內獲得啟發也都無須依賴歐洲的發展，就找到了表現在作品中的獨特能量，反映出一個新國家的形象。本書介紹萊特與歐姬芙最重要的藝術作品，以理解影響美國建築史與藝術史發展的這兩位先鋒人物，並比較分析兩人作品的關聯。
俄羅斯美術隨筆
俄羅斯繪畫在技巧之外，強調發揮文化的民族特色──那些在時空推移中積澱而成的人文思想、生命態度、價值品味、生活風尚等等；吸收外來文化而不喪失自我；揚棄偏向於以技藝的巧變與視覺趣味的追求取代藝術表現人的心靈內在感受的形式主義。俄羅斯那個濃厚的人文主義的藝術傳統，應喚起當代藝術界的反省。 本書的作者高莽先生是年已八十的前輩。他的背景、經歷與修養，不但是最有資格寫這種書的藝術家，應該說現在再難以找到像高莽先生這樣的「內行人」了。我一接觸這本書便贊成在台北重新排印出版，而且希望比原來大陸版品質更好。高莽先生這本書不是美術史的寫法，也不是「畫冊」，而是一位對俄羅斯美術有深入了解，與許多俄國畫家為朋友，自己也是畫家、作家所寫的美術隨筆。其實這本書可以說是用親切的筆調寫近現代俄羅斯美術的「史論」隨筆。這本書可以引領你走進俄羅斯美術的天地中去嚐「鑊中一臠」。這本書會讓你打開另一扇窗，看到藝術世界中你知道最少的另一個廣闊豐美的花園。你可能就會贊同我寫這篇序文，向你推薦這本台灣「有文化」的人值得一讀的好書了。
圖說台灣美術史Ⅱ：渡台讚歌(荷西‧明清篇)
繼《圖說台灣美術史Ⅰ──山海傳奇（史前‧原住民篇）》於2004年5月出版，本書作者蕭瓊瑞以不到一年的時間，又完成了本套書的第二部《圖說台灣美術史Ⅱ──渡台讚歌（荷西‧明清篇）》。 延續本套書的風格：「以圖像為主軸，按歷史發展的軌跡，娓娓敘來；所有的分析，以美學、美感的角度切入，讓讀者一起發現台灣藝術人文之美，與思維表現之豐富。」《圖說台灣美術史Ⅱ》的時間軸進入到十六世紀末至十九世紀末，台灣經歷了西班牙人、荷蘭人短暫的占領，及至大清帝國的統治，不同的文化陸續摻融入台灣這座福爾摩沙島中，使得台灣文化美術益發顯得豐美多元。 在內容上，本書同樣分為十二章，從十六、十七世紀大航海時代歐洲人所繪製的台灣海圖與地圖，西班牙人與荷蘭人在台灣興建城堡，帶來不同的建築技術，鄭成功與荷蘭人戰爭所留下的史蹟圖像，及至大清王朝統治下的台灣景觀與番社采風圖繪，台民宗教信仰所產生的工藝美學，以及服飾、家具用品等等的造形與材質……，藉由圖像與造形的呈顯，與清晰簡潔的文字闡釋，架構出荷西、明清統治時代中的台灣美術風貌。 作者蕭瓊瑞在書中前言提到：「……如果說這本書能夠有什麼貢獻，那可能便是將前人的豐富研究成果，編織架構到一個可能的歷史支架上去，作為未來討論的平台。此外，也透過一些可能的美感角度，對原本並不被認為是美術史料的先民文化成果，加以初步的詮釋、分析。……」同時他「更期待讀者們一同見證台灣美術的發展與成果，在許多不足或錯誤的地方，再進一步探討、修正。讓我們以能共同擁有一部屬於自己的台灣美術史為榮。」 讀過《圖說台灣美術史Ⅱ》中的「從海圖到地圖」，您將可明瞭教育部長杜正勝提出逆時針轉九十度的台灣地圖觀點；看了「城堡與鐵剪刀」一章，您也能透過圖繪的普羅民遮城，來追溯台南赤崁樓的最原始面貌；……。
抒情印象繪畫(西方媒材類)
六○年代，以抽象畫為發展主軸的現代畫風潮席捲台灣藝壇，「五月」和「東方」畫會大力鼓吹現代畫派理論，引發了新舊的論戰，也觸發了許多畫家在技法和媒材方面求變求新的動力。不少第一代畫家在當時以創作來回應時尚；本書所論述的畫家在該年代以青年之輩，也有一段追隨潮流的創作過程，他們自行吸收外來資訊，掌握造形的簡化，在具象範圍內呈現出表現的氣質。 無論學習背景的同異，從自然寫生而發展出來的主觀視覺經驗和發抒感情的表現，以及或濃或淡的「文學的情調」普遍存在於這些畫家的作品。本書主要從他們的生平、創作生活及繪畫風格，嘗試勾勒出「抒情」命題下台灣當代美術的輪廓。 相較於第一代畫家曾有的為避開白色恐怖，以抒情形式創作的經歷，本書所列的畫家是以生活的體驗做感性的告白。他們見證了中國、日本及歐美等文化交錯衝擊下的四○年代以後的社會人文。看似各自表態的創作內容其實有一根線在相繫。曾經在第一代畫家技法約制下成長的經驗，如今都成了畫歷年表彰顯的部分，當「印象派」持續在台灣成為美術的寫實或「非前衛」的代稱之際，「抒情」對這些無所謂畫派門別的畫家反而是一種輕鬆的暫時歸類。
鄉土情懷雕塑(雕塑類)
鄉土藝術的萌發，不諱言地說，剛起步初發時，確是近於曾為鄉土生活紀錄的真實物象，且做為創作思惟的對象，使人見之，直感有如落入昔日鄉土性歷史記憶的幻影照射中。這樣寫真般的鄉土物象顯影影響面頗大，不僅持續，而且深化，深化到令有識之士生起重重憂心之慮，相對地，亦也生起反省批判之聲。因而，走進鄉土藝術本質面傳統的、精華的，且又精神的、批判的深度思惟，即擴大深掘鄉土藝術深藏蘊含的多元語彙與異類媒材運用融合，成為緊接而來的鄉土藝術主流大纛。過往習慣平面繪畫性手法的鄉土視覺影像，頓時地，急速走向新生的立體雕塑性技法的鄉土造形顯像。於是一件件、一座座鄉土造形思惟新舊語彙，如雨後春筍地彩繪整個展場或公共空間上。不期然地，「鄉土情懷雕塑」的冠用稱名竟也出現在國內現代美術的平台上，供應著各方的檢視與論討。 本書鄉土情懷雕塑，共納入九位藝術家，依年齡序為蔡寬、王水河、黃靈芝、朱銘、許和義、陳正雄、蒲浩明、王秀杞、王慶台。其中有純民間工作者、學院出身者、大學教師者以及文學家等，正足以證明此行的多元豐華，精采有加。 就作品言，僅朱銘、王秀杞、王慶台三人有相當創作量的鄉土傳統性題材，其餘幾不多見。不過，若就藝術手法的創作思惟以及內在情愫來看，倒是頗具鄉土在地性、精神性，甚而有更內化、深化的性格與語彙。故所謂的台灣鄉土情懷雕塑，就創作者心境性格而言，確是可以接受的，但就作品形式或造形言，那就並非如是了。
超現實風繪畫(西方媒材類)
茲將其中具抽樣代表性的十一位中生代藝術家概分為三種類型：一、象徵意味的超現實：曾培堯（超現實的生命謳歌）、陳景容（超現實的孤寂素描）、林惺嶽（超現實的大自然原鄉）、潘朝森（超現實的人間愛）、黃海雲（超現實的飛躍靈魂）。二、發自心靈的超現實：薄茵萍（超現實的本質真言）、葉竹盛（超現實的生態還原）、戴壁吟（超現實的再生符號）。三、詩意的超現實：黃楫（超現實的夢幻幽靈）、蘇新田（超現實的循環空間）、楊樹煌（超現實的科技美學）。 當下在促進台灣文化升級與提高大眾藝術素養的願景進程中，我們回首重新省思西方超現實主義的變遷境況與演化實例，現在可說正是時候，歐美地區的此類思潮發展經驗，或許能提供我們正確的向上態度，與完整的處理借鏡。
抒情抽象繪畫(西方媒材類)
本書所談述到的畫家中有多位是李仲生的學生，或曾間接受到他的啟發者如：屬於東方畫會的蕭勤、秦松，五月畫會的莊吉吉，以及較晚期的鄭瓊銘與陳幸婉。諸位中蕭勤最早隨李仲生習畫，並且在李氏的啟蒙後，再不踏入學院而自學有成，以探索宇宙心靈境界的畫作揚名國際。秦松則如同是時代的悲劇英雄，因為遭受政治的誣陷而自我流放美國，左手寫詩右手畫畫的他，於是藉喻方與圓來表述他的人生體悟。在貼近中國傳統藝術文物中長大的莊吉吉，為了直探內心的真實，融治中西創造出了召喚天地本源的山水境界。另外，中年開始學畫的李德，潛心地投入抽象，如同靈修般的追尋著自然的極致的美。自創新視覺畫理的郭軔，則在闡述著由抽象完成的另一種實體與意義。還有訴諸繪畫之純粹性與色彩之生命力的陳正雄，在無數峰迴路轉中探尋道的洪美玲，探索在現象界裡視覺經驗之統合的楊世芝，禪悟在出世與入世之間的江賢二，映照內在世界之虛空與豐實的陳張莉，流轉於自然和人文之間的鄭瓊銘，以及玩味媒材之形而上表現卻英年早逝的陳幸婉等人。 這些藝術家莫不是在自由心象的誠實面對中，探討著畫面上那「精神空間」對自己的啟悟，以及與自己心靈思緒之對話。廿世紀後半葉至今的台灣畫壇，雖然風貌萬千，抒情抽象繪畫在藝術家的心力堅持下，仍然如同隱逸於自然中一條滾動的溪流，款款吟詠著超脫塵俗的詩篇。
抒情新象膠彩(膠彩類)
由「東洋畫」、「（中）國畫」乃至「膠彩畫」，在外觀名稱上，「東洋」與「中國」皆屬地域象徵，與政治、國家意識密切關聯，相對於此，「膠彩」二字則偏向使用媒材之別，與前二者訴求重點截然不同。如此轉變，不僅說明「膠彩畫」之命名含有政治因素上的規避考量，也隱然點出膠彩畫的成立過程，不論在內容的區隔或畫風的建立上，曾是多舛且多糾葛的。實際上透過筆者的採訪，不難發現十一名膠彩畫家的創作重心，或由媒材的革新出發，或由題材的開拓入手，均甚為重視「膠彩」此二字的個人詮釋立場，同時亦都極力提倡應當早日建立台灣本土的膠彩畫風格。 然而在另一方面，若參酌他們的師承關係、職業出身，甚至再加上台灣近、現代美術教育體系向來對於膠彩畫課程的教習不完備，當可明暸所謂「建立台灣本土的膠彩畫風格」絕非易事。換句話說，以蔡草如等十一人為代表的台灣現代膠彩畫，其議題之複雜性，除了歷史、政治要素以外，創作者個人畫歷的背景，亦構成重要影響。 為此，本書採短篇傳記之形式，依據「出生‧家世」、「啟蒙‧師承」、「個人畫風之摸索與確立」、「代表作與創作理念」、「未來課題」五項重點，彙整採訪內容；並透過十一名膠彩畫家的逐一介紹，說明其對台灣膠彩畫界的貢獻與定位，以期達到台灣美術史之紀錄之效，增加讀者了解台灣膠彩畫之特質與發展，進而成為共同推廣台灣膠彩畫的旗手。
鄉土寫實繪畫(西方媒材類)
五○年代，在反共高漲的時代氛圍下，故鄉在來台畫家或作家是永遠的鄉愁，同時政戰體系的畫家又歌詠軍民一家，以版畫突顯農村富足生活，是文藝政策下的產物。六○年代現代主義狂飆，仍有像席德進、鄭善禧等畫家在台灣走透透，真情為台灣記錄感人的山川、人物。他們在七○年代鄉土文學運動前就已畫出許多鄉土寫實佳作。 七○年代以魏斯樸實的精細寫實結合超寫實主義採用照片作畫的新技法，描寫在農村轉型中頻臨消失的鄉土景致，蔚為一時風尚，加上《雄獅美術》新人獎的設置，依據照片精描細繪的創作形式，顯然已取代了傳統具象的寫實主義，並在各大官辦展覽中占有一席之地。 當鄉土寫實美術被典型化後，在八○年代終於與鄉土文學一般由盛而衰。而在美術多元化下，七○年代因鄉土寫實美術崛起畫壇的新秀，八○年代紛紛改變風格或繼續深化鄉土寫實內涵。這股由鄉土寫實美術追尋的「鄉土之愛」的美術尋根，到解嚴後與土地空間、生活經驗密切結合的本土美術，正是在建構本土文化過程中的「去殖民」歷程，也是台灣追求後殖民現代性的重要表現。 本書以傳承第一代畫家寫實主義風格的吳耀忠、賴武雄、奚淞，及七○年代崛起的鄉土寫實美術新生代──來自學院的施並錫、翁清土、韓舞麟、謝明錩、黃銘昌及非學院的黃銘哲、周孟德、陳隆興為代表，探討鄉土寫實美術在台灣的發展、茁壯與深化。
抽象構成雕塑：雕塑類
在閱讀總論之前，讀者必須對書名的意義有所瞭解，所謂「抽象構成」乃是一般用言語，泛指以抽象形式表現之雕塑作品，而非專有名詞。本書的書目擬訂於作者應邀撰寫之前，為了避免與「構成主義」（constructivism）混淆，特別在此提出說明，文中各雕塑家的作品與俄國構成主義雕塑流派無關（構成主義雕塑：廿世紀初流行於俄國的美術運動，由雕塑家塔特林（Vladimir Tatlin）和佩夫斯納（Pevsner）推廣。強調以非傳統材料和工業技術焊造抽象造形，作品風格趨近機械結構美學，注重雕塑的動勢而非量感，一九二○年後因為政治因素而消失）。 本書第二章內容為雕塑家論述，收錄台灣雕塑家包括李再鈐、郭清治、何恆雄、高燦興、張子隆、黎志文、蔡懷國、陳振輝、郭少宗、賴純純、楊柏林等十一位。 基於台灣雕塑家養成教育和抽象思惟的特殊性，本書並不全然按照西方抽象理論的角度遴選藝術家，東方及地域抽象表現形式亦參考在內。作者認為：一位成熟的藝術家在某種研習階段或許曾受西方論述的影響，但最後終須回歸個人生命的獨特見解，反映時代環境的根本價值。本書希望藉由藝術家的創作經驗，結論台灣抽象雕塑的自有面貌。 由於文字篇幅的限制，對雕塑家的論述以創作觀念的解讀為主，側重階段風格和重要作品的分析，並不著眼於藝術家學經歷的說明。敘事角度力求客觀，但不脫作者藝術評論的觀點，希望針對當代的雕塑典型，提出深入的看法。 本書第三章為結論，試圖推設台灣抽象雕塑的發展，並對論述藝術家和雕塑生態的相互影響，簡略評估。
抽象構成繪畫：西方媒材類
本書介紹的十位畫家，觀察他們豐富的創作歷程中，主要的藝術表現形式傾向抽象理性風格，但也並非完全摒除抒情的成分，其中莊世和的繪畫從立體主義進入抽象構成，劉生容以燒金拼貼方圓構成繪畫語言，李元佳以思想觀念，融入水墨與點石成金的素材，霍剛喚出神祕詩般夢境，從而構築理想的空間秩序，林壽宇的剃刀邊緣，萃取空靈的宇宙，李錫奇以「本位」命題貫注創作形式，衍生變異組構映照視覺律動，莊普以印格繪畫遨遊方格陣地，開顯拓延空間場所精神，陳世明靜觀致藝之思惟，體悟藝術與生命之深層課題，曲德義在畫布上辨證思考形與色面的構成關係，由嚴謹精準的結構中釋放情感，胡坤榮的生活藝術全心投入的創作態度，培育出幾何抽象之烏托邦詩篇。 事實上，抽象藝術體系的發展背景，可分為理性的抽象表現與抒情的表現。藝術家在創作過程中必然遭逢形式上的抉擇與取捨，無論是理性構成或是感性抽象，兩者似乎是對立的，而本質上卻如影隨形，或可視為收放緊馳分際之尺度。思考從國際藝術思潮到分析台灣抽象構成繪畫，以折中態勢之生成與演繹，是本書要鎖定探討的主題。
抒情表現繪畫(西方媒材類)
台灣的抒情表現繪畫從早期張炳南、吳炫三、楊識宏等人忠實關照內在意象與人文情感的表現，到陳水財、邱亞才、陳來興、林文強等人開始思考到個人與社會結構間的衝突，突顯在地社會性意象與現代人心理圖像的表意，延伸到了陳錦芳、楊識宏、吳炫三，便導引出了西方美學再詮釋的可能，這是在國際潮流與西方美學架構為主的學院氛圍之下，以在地的文化觀點重新檢視西方美學傳統，並提出個人美學表現的另一條路徑。 本書所討論的十一位藝術家從西方強調個人主觀意識的表現派技法開始，漸漸發展為強調自省式的情感，著重於社會性的人文情態，在傳達個人情感的同時，表現主義形式更在於提供一種自我意識的形象建構，而台灣在八○年代後多種藝術資訊與潮流的衝擊下，也讓藝術家們開拓更為多元的形式雜混，所漸次發展出來的圖像風格，如楊茂林、盧怡仲，進一步將具象抒情表現的內容帶引到社會性文化情感，這寄寓於新藝術圖像的提出與個人情感對於文化觀建立的投入，在由抒情表現強調主觀形式的詮釋表意下，種種個人美學及文化的意象轉化譯寫為屬於台灣的藝術內涵，在抒情表現繪畫於八○年代的發展脈絡裡，我們找到可以談論台灣藝術的文化觀點。
文字行動：2001~2003世安美學論文集作品集
本書收錄2001-2004年「世案美學論文獎」所有作品，有電影、視覺藝術、當代名美學議題、影像、建築和裝置藝術等不同的領域，這些論文在議題和論述方式上也非常多元，多數論者所關心的並不限定在芋種藝術類型本身，而是進行複雜的跨領域的聯結，甚至從藝術問題伸入文化、理論和思想層面。這兩個現象反映了目前台灣藝術與美學理論的活澄度。
文化創意產業實務全書
本書為國家文化藝術會針對「工藝」、「文化設施產業」、「地方特色產業」、「表演藝術產業」、「視覺藝術產業」、「創意生活」等部分文化創意產業行業類別進行個案蒐錄；收入具備高度創意元素、市場競爭潛力之案例。並邀請九位台灣當前藝術文化界重要人士，提出對於文化創意產業的專文評述。期望為台灣的文化創意產業做一記錄，並提供這些產業經驗給予大眾啟發與參見。
米羅與塞爾特
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。塞爾特與米羅 Sert VS Miro當硬派建築師塞爾特碰到軟調畫家米羅當一個理論型的硬派建築師，遇上一個不斷創新的軟調藝術家時，對簡單、故土、自然的熱愛是創作的唯一信念，在協調和平衡的空間，注入純粹色彩與充足光線，是兩位大師友誼昇華激盪而出的共同創作，本書著重於介紹塞爾特與米羅最重要作品的一致性，對兩位共通的信念與渴望，對簡單的追求和地中海民間傳統的人文主義關懷，做一深入了解。要接近兩位藝術家的共通世界，必須經由藝術創作的元素︰平衡、空間、光線、色彩以及流行藝術，而對地中海——他們二人最基本的聯繫——的認識，也是不可或缺的。除此之外，他們對簡單的熱情、對故土的熱愛、對日常生活的實體持著驚奇的態度以及純化自然的熱愛，也是了解米羅與塞爾特的途徑。
高第與達利
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。高第與達利 Gaudi VS Dali當怪人建築師高第碰到瘋子畫家達利當一個人人稱為瘋子的鬼才藝術家，遇上一個謙遜拘謹的天才建築師時，柔軟、摧毀、重組是共通的語言，堅硬不再是固定的架構，在碎片和變形之間，是兩位大師作品最接近實質的幻想世界本書介紹高第與達利最重要的藝術作品，對兩位能將繪畫和建築手法幻化成更豐富的事物，並直搗人類靈魂最幽深的作品加以比較分析。他們都是天才，就像硬幣的兩面，雖然互不相同，但身處同一個整體。他們的世界都是既柔軟又堅硬，都是超現實的、崇高的，都能抵達自然的最深處，又都驚人地美麗。
慧照乾坤：陳慧坤的藝術人生
《台灣美術全集》的出版是台灣美術史的一個里程碑，論資排輩，黃土水、陳澄波、陳植棋、陳進、林玉山、廖繼春、李梅樹、楊三郎、李石樵、郭雪湖……前幾冊當然最受矚目，等到陳慧坤的特輯出版時，熱潮已經過了，有興趣一探究竟的人已少之又少。 懷著忐忑不安的心情開始著手研究陳慧坤，如此獨特而傑出的創作者，為什麼我們總是視而不見，原因何在？誰能想到一位前輩畫家的創作高峰是在五十歲之後，而最為可觀的作品多在六、七十歲後所繪。日治時期，他尚未卓然成家，戰後抽象繪畫狂飆，他正鑽研塞尚的空間，晚近的後現代主義及裝置藝術當道，更沒有人會注意他融合中、西、日、台諸多元素的純粹繪畫。在以西洋美術風格進展為焦點的台灣美術史脈絡裡，陳慧坤的路徑與眾不同，的確很難放進以時代潮流為軸線的台灣美術史中。 我們試圖為這位老前輩重新定位，把時間拉長、空間放大才能看清藝術家一生的成就，畫家的觀念、創作的品質、風格的特殊……，我們決定重探陳慧坤，看看他在台灣美術史中具有什麼樣的意義。 2001年六月二十六日，在台中縣立文化中心舉行的回顧展名之為「大器九五」，除了九十五歲的意義，也隱喻其藝術創作已達極高的位階，陳慧坤在畫中題跋已自喻大器晚成，若非高度的自覺與自信，藝術家怎能如此自我肯定？
紐約美麗的事物正在發生
一個城市的個性和氣氛，和妝點她的公共藝術有關，城市中的人對這些藝術表現的看法和態度，也是形塑城市魅力的重要因素。本書作者以一個藝術工作者的眼光，將她對紐約的觀察以舒緩的文字娓娓道來；藝術大師的傑作、街頭藝人的表演、人孔蓋上的巧思、公園中的奇境，在她眼中，都有獨特的美。每篇文章從一個與藝術有關的主題出發，作者詳述藝術創作形成的氛圍，置身其中的感受，作品與週遭居民的互動，再進而帶入創作者介紹和相關創作背景。最後並附上作品的製造素材、創作年份等基本資料，以及所在位置、交通路線等參考。本書與其說是一本介紹紐約的書，不如說是分享一種觀看和欣賞一座城市的態度。它是安靜的、優雅的細訴，關於城市一個個尋常又奇特的角落，無聲地、精彩地，和讀者分享已發生過的和即將上演的故事。
給青年藝術家的信
「如果我們的生活被塞滿了，我們還能有空間給美嗎？如果我們的心靈沒有空間，美要如何進來呢？」作者向青年藝術家傳達的是，使一個人走向藝術的，不是嚴肅的訓話，而是一些身體深處揮之不去的感覺記憶。作者並不是教讀者具體的寫詩、畫畫、作曲、舞蹈的技巧，也不是教導一切與藝術有關的形式，本書所重視的是「感官」，是打開視覺、開啟聽覺、用全部的身體去感覺氣味、重量、質地、形狀、色彩；是在做為藝術家之前，先為自己準備了豐富的人的感覺。作者鼓勵如果要做一個藝術家，那麼永遠不可以腐朽衰老，不論幾歲，不論可能有多少職位與薪資，生命裡有真正的追求，就大膽地出走！真正的藝術家，不會把自己置放在安逸、有保障的固定生活裡，不會是緊緊抓著腐鼠不放的鴟鴞，要大膽飛出去，飛去廣闊的世界。日復一日的原地踏?，只會增加生命的腐爛萎縮，只有不斷出走，不斷重新出發，才能保有活潑、健康而年輕的生命力，也才感受得到真正創造的快樂，感受得到真正的美。
法國文化政策
從藝術社會史的角度切入，作者直陳在藝術領域中理論和實務的深層變革：從立志改革自由的藝術家，到共和主義者提倡藝術為公眾服務的觀點；展覽沙龍的興盛衰退；複製畫作品的盛行時期到專注於創新的藝術。 同時，也詳述法國藝術危機的歷史，從十九世紀起的藝術界整合，畫作價值的漫長轉變，從裝飾到具有價值的買賣，並且描述共和時期的清查計畫，奠定了法國在1880年後藝文政策的擬定方向，以及從1936年至今所實施的政策方針，使造形藝術擁有更大的市場空間。 作者集合所有從古至今的歷史事件元素，述說其輝煌成就和衰落困境，並為現狀作一評論。
美的沈思：中國藝術思想芻論
這是一部入門的中國美術史，從上古玉石青銅，講到宋元書畫，一直到明末清初市民美術的興起；是可以貫穿中國美術斷代的記事，同時也是作者蔣勳對源遠流長的美的訊息傳遞一點個人的沈思，並試圖建立起中國美學的幾個基本觀念，為中國藝術研究發掘一個新的天地。 《美的沈思》彩色珍藏版收錄四百多張彩圖，並增錄了中國美術年表及畫家索引，重新編排，全本彩色精印，希望提供讀者更賞心的視覺經驗，更悅目的美的探索！
亞理斯多德創作學譯疏
亞氏最精闢的譯本：內附導論、希臘原文、最詳實的中譯文、釋義與注釋。亞理斯多德《創作學》是第一部審美原理的哲學經典，公認具有普世的學術價值。其主要對象是悲劇與敘事體創作，雖然喜劇等部份佚傳，但無損於理性歸納，成為所有文藝創作結構的普遍規律。自文藝復興迄今五百年來，無不奉為圭臬，影響所及無有出其右者。本譯文是最新的一種譯文。實係王士儀教授對原著瞭如指掌，凡對原文歷來眾議未準者，粗係無遺，逐一刨根剖底，審定明晦，始而能在譯文上創立新的專業化術語，界定亞氏概念內涵，呈現戲劇溝通的明確化基礎，進而，譯者以自己思想建立一套亞氏推理架構，權充針線，貫穿全文原旨，期以匡正以往注釋家散金碎玉的誤讀，務令讀者更為易讀、易懂、易解。這是國內第一部對亞氏創作理論提出論疏的著作，將有助於提昇戲劇的認知，創作與批評水準。
當藝術遇上經濟
當藝術遇上經濟，是一本「藝術經濟學」的經典著作。作者布魯諾˙費萊（Bruno S.Frey）為瑞士蘇黎士大學教授，以經濟學的觀點出發，分析各種藝術活動的經濟結構問題，不僅挑戰了當今公認的看法，也提供了對於社會學方法及藝術史取向的另類觀點。書中討論了幾個國際當紅的議題，包括：特展和藝術節、明星博物館、政府的藝術補助策略、藝術議題的人民公投、藝術的投資報酬、文化資產的評估……等。費萊以其寬廣的視野，對社會文化現象作了完整的觀照，在討論藝術文化的經濟或政治問題時，更是入木三分。這是一本政策制定者、立法專家、藝術工作者、經濟學者以及所有關心文化議題的朋友，必讀的重要著作。
南投地區：臺灣美術地方發展史全集
前輩畫家吳梅嶺的藝術創作對嘉義朴子影響深遠、台南的郭柏川帶領當地美術發展出自由表現的風氣、花蓮地區原住民族群獨特的木頭文化與編織文化……在地的文化養分孕育出獨特的地方美術果實！ 國立台灣美術館負責的「台灣美術地方發展史全集」，歷經多時的地毯式田野調查終於問世。將全台灣畫分為十五區，希望透過區域美術的資源調查，美術史料的發掘與整理，撰述地方美術發展史實，進而建構台灣美術發展史以及美術地圖。
台東地區：臺灣美術地方發展史全集
前輩畫家吳梅嶺的藝術創作對嘉義朴子影響深遠、台南的郭柏川帶領當地美術發展出自由表現的風氣、花蓮地區原住民族群獨特的木頭文化與編織文化……在地的文化養分孕育出獨特的地方美術果實！ 國立台灣美術館負責的「台灣美術地方發展史全集」，歷經多時的地毯式田野調查終於問世。將全台灣畫分為十五區，希望透過區域美術的資源調查，美術史料的發掘與整理，撰述地方美術發展史實，進而建構台灣美術發展史以及美術地圖。
宜蘭地區：臺灣美術地方發展史全集
前輩畫家吳梅嶺的藝術創作對嘉義朴子影響深遠、台南的郭柏川帶領當地美術發展出自由表現的風氣、花蓮地區原住民族群獨特的木頭文化與編織文化……在地的文化養分孕育出獨特的地方美術果實！ 國立台灣美術館負責的「台灣美術地方發展史全集」，歷經多時的地毯式田野調查終於問世。將全台灣畫分為十五區，希望透過區域美術的資源調查，美術史料的發掘與整理，撰述地方美術發展史實，進而建構台灣美術發展史以及美術地圖。
嘉義地區：臺灣美術地方發展史全集
前輩畫家吳梅嶺的藝術創作對嘉義朴子影響深遠、台南的郭柏川帶領當地美術發展出自由表現的風氣、花蓮地區原住民族群獨特的木頭文化與編織文化……在地的文化養分孕育出獨特的地方美術果實！ 國立台灣美術館負責的「台灣美術地方發展史全集」，歷經多時的地毯式田野調查終於問世。將全台灣畫分為十五區，希望透過區域美術的資源調查，美術史料的發掘與整理，撰述地方美術發展史實，進而建構台灣美術發展史以及美術地圖。
花蓮地區：臺灣美術地方發展史全集
前輩畫家吳梅嶺的藝術創作對嘉義朴子影響深遠、台南的郭柏川帶領當地美術發展出自由表現的風氣、花蓮地區原住民族群獨特的木頭文化與編織文化……在地的文化養分孕育出獨特的地方美術果實！ 國立台灣美術館負責的「台灣美術地方發展史全集」，歷經多時的地毯式田野調查終於問世。將全台灣畫分為十五區，希望透過區域美術的資源調查，美術史料的發掘與整理，撰述地方美術發展史實，進而建構台灣美術發展史以及美術地圖。
