溯根‧探源‧陳奇祿(附DVD)
六位台灣前輩美術家傳記，追溯台灣美術百年歷程「家庭美術館－－美術家傳記叢書」以深入淺出的文字、二百餘幅圖版細述各擅木雕、油畫、雕刻、學術性素描等領域之六位台灣前輩美術家隨時代推移而起伏的個人生涯、藝術成就陳奇祿（1923~），人類學家、中央研究院院士，對臺灣原住民文化研究頗深，並擅學術性插圖，數十年來發表無數專述。畫家劉其偉譽之為「我國研究臺灣原住民文化的先驅與國際權威」。70年代起跨足行政，先後任行政院政務委員、文建會首屆主任委員、總統府國策顧問等，成為臺灣文化政策的推手。陳奇祿能書善畫，其學術性繪畫尤為人稱道，而其背後則為長年不懈的研究與田野調查工作；書法亦蒼勁有力，富含人文氣息，反映其治學為人之風範，於藝文界評價極高。從學術、政務至藝術，陳奇祿對文化傳播的貢獻多面而廣泛，塑造了他在臺灣文化與藝術界中的獨特地位。本書為「家庭美術館－－美術家傳記叢書」之六位台灣前輩美術家傳記之一，此系列以嚴謹的研究與考證為基礎，深入淺出的文字、二百幅以上的圖版為內容，於各書中追溯美術家的生涯與藝術歷程，目的在於為百年來台灣前輩美術家的藝術成就留下紀錄，同時做為美術家生涯與作品研究之詳盡參照。「家庭美術館－－美術家傳記叢書」共六冊：《木雕．宗師．黃龜理》《太極．渾厚．朱 銘》《陽光．海洋．林天瑞》《遊筆．人生．鄭世璠》《童心．創意．劉興欽》《溯根．探源．陳奇祿》
中國圖書文化簡史
由國學大師以深入淺出的手法精心編寫的中華傳統文化通識讀物《文史中國》叢書共38本，分為四個系列：“文化簡史”（10本）、“世界的中國”（10本）、“中華意象”（8本）、“輝煌時代”（10本）。四個系列互相聯繫，同時又自成體系，為讀者多視角多側面地展示中華文明。“文化簡史”系列從中國人文化生活的各方面入手，介紹中國人知行合一的生活情趣，高尚優雅的審美理念，以及傳承有序、豐富多姿的文化積纍。中國圖書大致經歷了手工刻劃、手工傳寫、手工印刷至機器印刷三個歷史階段，進入了向光電印刷過渡的新時期。雖然有不同的分期，但後一時期裡往往並未絕跡前期的歷史面貌，這就是圖書文化的傳統了。本書講述了在中國古代漫長的書寫本時期，圖書的始祖——簡牘，是怎樣演變成《四庫全書》、《永樂大典》這樣大部頭的書籍的；近代中國雕版印刷業的興起和繁榮；洋裝書的舶來、現代圖書館的創建和發展，以及現代化圖書的出版。還介紹了古代文人和近代藏書人的小故事。
後民國：沒人共和國
「百年之後」的民國，在展覽中是一個被槓掉的「主體」，一個被懸置的經驗與想像，不同於文謅謅的歌頌，而是更多藝術家個人的特異經驗。──蔣伯欣（藝術評論學者）「後民國」是一個站在歷史軸線高度上的展覽，主軸是以「民國」這個多重意涵的母體，來爬梳台灣當代藝術中所具有的政治意識。這展覽主要討論台灣這島嶼處在無法被歸類的範疇跟模糊界限的狀況，「後」除了象徵在政治學上「民國」一詞的前途未卜甚至百年將至的況味，同時也帶有一種對此島嶼懸置現狀的未來預言觀照。在這個島嶼內，「獨立」、「統一」、「維持現狀」的紛擾聲音，作為國民的我們究竟處在什麼樣的狀態？本書以「後民國」的展覽論述出發，讓此一縫合現實與虛構的提問不僅實現在「後民國－沒人共和國」的展覽期限中，在展覽結束後，繼續將這個自由國度透過書本型式展開，以圖像與文字的方式持續延存。本書特色全書以精裝呈現，帶著絲絨細緻觸感的封面加上燙銀字樣，三邊刷紅更使得全書展現出強烈主張，為這個虛擬與現實的增加極具質感與重量的宣言色彩。
你所不知的西方藝術故事
多少時光過去，有些美麗的東西卻歷久不衰、更顯價值讓我們踏上藝術鑑賞之旅喚回古希臘華麗殿堂背後的光輝歲月倫勃朗《猶太新娘》中看得見的愛情史詩甚或畢卡索愛恨交織的人生創作沉浸前人用生命堆疊低詠的藝術故事本書為你揭開古今經典藝術品的神秘面紗，無論是你熟悉的作品或者陌生的藝術家，都呈現不同以往的深入淺出精彩評析，在美的賞析之餘，我們進一步靠近作者創作時的理念，乃至當時整各時代的文化與歷史軌跡。本書特色藝術之所以為藝術，和哲學、文學、科學等最大的不同在於：它不只包含可以掌握的知識，更擁有可以欣賞及打動人心的作品。透過欣賞藝術作品進而達到陶冶情操、洗滌心靈的心境。一、內容豐富。本書的主旨在於介紹西方文化，包括西方文化中的六個主要領域：歷史、哲學、文學、藝術、科學和地理。如果您閱讀本書，您對整個西方文化會有整體性的瞭解。二、行文通暢易懂。本書是寫給廣大的一般讀者，他們求知若渴，但平時工作忙碌，讀書的時間有限，因此希望在最短的時間內，以最少的閱讀獲得儘可能豐富的知識。本書力求以流暢的語言介紹西方各領域的知識，使您能快速地吸收相應領域的知識。三、知識具有權威性。這是本書的立意基礎。本書的每一項知識都經過作者嚴格且精心的挑選，並將它準確地表達出來。流連藝術之美，體悟世界嶄新美好。
日本美術101鑑賞導覽手冊
繪畫是視覺的享受，音樂帶來聽覺的愉悅，料理則是藉由味蕾而帶來感動。好吃與否並不需要長篇大論，可以透過立即性的直感體驗而心領神會。美術的鑑賞也是同樣的道理……－《日本美術101鑑賞導覽手冊》引言◆ 以簡明方式依年代編排精選日本美術相關作品101件 ，深入淺出綜覽經典名作。◆ 彩色精印裝訂，圖片精采。一本進入日本美術世界不可獲缺的導覽手冊！《日本美術101鑑賞導覽手冊》精心挑選了101件日本美術及相關的名作。書名雖名為「日本美術」，同時也包含了由中國漂洋過海至東瀛，並且對日本產生絕大影響力的繪畫作品。以年代分類依序介紹日本各時期的經典名作，目錄並以「中、日年表對照」方式編排交互參照。可清楚概覽千年的日本美術進程，以及中國藝術對日本的影響。此外日本美術的傳統當中，「書」自成領域，起源可追溯至中國。因此書末特地安排了中國書跡的名品解說，充實全書內容並構築出全書的整體架構。內文中每件作品皆以一頁做介紹，第個二頁面則進一步深入美術鑑賞領域。引領讀者由淺入深，更親近藝術的天地。美術鑑賞存在著特殊的方法或祕訣，如同品味美食一般。當我們品嘗到佳餚，便會渴望進一步了解料理的材料、調味方式等，甚至會好奇這位廚師究竟是何方神聖？同樣的，佇立於美好的作品之前，我們也會渴望知道，究竟是什麼樣的時代？什麼樣的土地？什麼樣子的方式？可以孕育、創作出此等扣人心弦的作品。藝術鑑賞的世界便是由此展開。《日本美術101鑑賞導覽手冊》將提供開啟這個世界的鑰匙，帶領我們以坦率的心情進入美術殿堂。除了這本導覽書之外，還有姊妹篇的《西洋美術101鑑賞導覽手冊》即將推出，如能合併參照閱讀，將可以更深刻地理解美術的趣味性，並能盡情享受美術的盛宴。
2009年台灣視覺藝術年鑑
文建會策劃，藝術家出版社執行主編以趨勢篇、現況篇、便覽篇三篇架構鋪陳2009年台灣視覺藝術之發展與議題指向由文建會策畫、藝術家出版社主編的「台灣視覺藝術年鑑」，經過歷年的編纂，已由點成面地呈現了近年台灣視覺藝術發展的脈絡與議題。《2009年台灣視覺藝術年鑑》延續往年的架構，分為趨勢篇、現況篇、便覽篇，以事件記述、分析文章與資訊條列為方法，藉以鋪陳2009年台灣視覺藝術的巨微面向。「趨勢篇」邀集國內的視覺藝術領域學者，從2009年台灣視覺藝術的整體生態、藝術評論與美術館行政等層面的趨勢，進行總體觀察。「現況篇」於年度十大新聞、十大展覽與大事紀整理之外，另邀請藝術學院、畫廊、博物館與媒體工作者，各從其經驗與角度為2009年的異數概況提供分析，並選出曾刊載於雜誌媒體的數篇藝評文章，以呈現該年的藝術動態截面。「便覽篇」則為台灣的視覺藝術機構團體、圖書、展覽與論文提供條列式的索引。三種角度的整理，意在使年鑑成為具分析、觀點，且便於查閱的參考手冊，鋪陳出2009年台灣視覺藝術的梗概。
中國史新論：美術考古分冊
本書共收七篇論文，內容涵蓋由地下考古發掘出來的漢畫像與鉛釉陶；古代中國的墓葬空間與圖像；討論傳統中國畫，特別與文人畫有著密切關係的圖像與文字互動表現模式；士大夫文人與繪畫藝術；由畫家與觀眾互動角度考察中國山水畫的發展；以及中國近代初期的展覽會。本書脫離概論式的綜合論述，走入各種主題剖析的專論。七篇論文都是最新的研究成果，反映目前藝術史學界的多元與深度。讀者將發現更多方法論的反省與思考，典範的追求，價值觀的顛覆，以及新出土考古資料的解讀與新藝術史觀的建立。幾位作者都努力引導讀者深入觀察現象，與研究對象直接對話，耐心分析理想與現實之間的撲朔迷離，嘗試理解各種現象背後的真實面貌。
藝起南方─衛武營藝術文化中心籌建實錄
《藝起南方──衛武營藝術文化中心籌建實錄》Re-Staging the South: A Documentation of Founding Wei Wu Ying Center for the Arts以時間軸為隱性座標，從籌建構想、競圖過程、設計概念與特色，軟硬體準備工作與各方觀點討論，彙編成台灣劇場史上第一本普及版劇場專書，期能讓讀者能全方位進入這座南部兩廳院籌建架構與完工後的想像；一來作為文件保存之需，二來向台灣民眾介紹這座游動於南台灣城市森林裡的劇場．夢。 本書特色 １．為國內首部結合劇場、建築設計、區域歷史、文化產業等議題的劇場藝術文化專書；也是台灣南方藝術文化新重鎮衛武營藝術文化中心首部出版作品，既是珍貴的設計理念與文化事件始末的記錄，也是匯集各方觀點、期待的備忘錄。 ２．由資深藝文媒體人紀慧玲主編，並邀請林懷民、許博允、漢寶德、朱宗慶、盛治仁、林朝號、阮慶岳、王孟超、林克華，以及衛武營藝術文化中心新建工程荷蘭設計師法蘭馨．侯班等文化人與專家撰述專文，從不同專業角度關注衛武營藝術文化中心的成長茁壯之路。 ３．書中附豐富的競標過程中各建築設計團隊提案作品，以及得標團隊完整的衛武營藝術文化中心完成預想圖像，帶領讀者提前進入衛武營藝術文化中心的新／心願景。 ＊ 關於：衛武營藝術文化中心籌備處 Preparatory Office of the Wei Wu Ying Center for the Arts 位於高雄縣、市交界，原為國防部衛武營區，2003年政府宣布啟建，為國家「新十二大建設」項下「國際藝術與流行音樂中心」計畫之一。衛武營藝術文化中心以「南部兩廳院」定位，不僅是南部首見國家級表演藝術場館，也是近二十年來政府最大的藝文投資建設項目；面對21世紀文化創意產業發展的國際趨勢，極具指標意義。 她不僅有國際級的建築創意設計，展演設施功能也超越目前國內劇場水準。完工啟用後，將帶動南台灣豐沛的表演能量，擴大藝文產業市場，與台北兩廳院形成南北連貫的文化軸線，深刻影響本世紀台灣表演藝術的創新發展，揭示著台灣下一波表演藝術產業的到來。 ◎高雄縣鳳山市南京路449-1號◎ www.wac.gov.tw
圖解藝術史
橫跨世界五大洲，縱橫古今三萬年涵蓋繪畫、雕塑、建築、工藝品、攝影、裝置藝術、行動藝術以珍貴的作品圖片、精闢的解說，展現全人類對「美」的豐沛創造力本書以時間為經、區域為緯，導覽歐、亞、非、美、澳五大洲的藝術作品，並讓世界地圖擔任藝術解說員，讓您一眼就可掌握全球的藝術演變與走向。藝術起源與人類的生產活動密不可分，不同的生活方式，造就出對美的不同感受力與創造力。中國的秦始皇在建陵墓、造兵馬俑的年代，古希臘人雕出了「斷臂的維納斯」。歐洲誕生了天才達文西的同時，南美洲印加文明也正逢全盛時期，建造出絕壁上的馬丘比丘城。原本互不相關、獨立發展的藝術，經過了大航海時代、工業革命、帝國主義時期直到現代全球化的20世紀，逐漸相互融合激盪，產生了無數混血的聯姻，以及嶄新的藝術形式。透過時代與區域的雙重架構，整合各時期重要藝術家與流派介紹，並精選藝術品圖片解說，最精華的藝術史躍然眼前，一次滿足您對美的知性渴望。
維納斯藝術的故事
以一百多幅西方名畫描繪維也納的典型之美，以說故事的方式重點解說維納斯的來去芳蹤 維納斯（Venus）原是古代義大利司掌原野和園林的女神，也是羅馬神話中的美與愛之女神。紀元前217年羅馬人統治希臘後，兩國神話傳說逐漸接近和融合，認為維納斯就是在希臘職掌愛與美的女神阿芙羅蒂（Aphrodite），因為兩位女神的職司和性格都很類似，因此並列為祭祠偶像，而且彼此混同稱呼，於是逐漸合而為同一神衹了。到後來甚至大部分的人只知道有維納斯女神，而遺忘了阿芙羅蒂。 出身尤利西亞氏族的凱撒，為了政治目的而提倡崇拜維納斯，在紀元前46年聲稱自己是阿芙羅蒂的後裔，並建神廟獻給「孕育萬物之母維納斯」。之後，執政的龐培和哈德良皇帝也紛紛建獻維納斯神廟，維納斯的地位當然隨之備受尊崇，也深受人民的愛戴和崇拜。 維納斯象徵愛情和女性美，也是一位高雅和豐饒的女神，自古就成為重要的藝術題材之一。最著名的是1820年在希臘米羅島山洞發現的〈米羅的維納斯〉（亦稱〈斷臂的維納斯〉）雕像，充份表現出古希臘人追求調和、均衡等人類完善的美，至今仍為西方美術追求女性肉體身材美的重要標準。尤其是自義大利文藝復興時期之後，這種歌頌肉體美的精神更加活躍。 維納斯神話和藝術的歷史淵源流長而浩大，本書配合精選一百多幅的精美圖像，對維納斯的神話傳說、彫刻和繪畫的起源、掌故和演變，以說故事的方式作系統性的重點解說，希望能夠具體而微地描繪出維納斯的來去芳蹤，雅俗共賞。
生命之渺：方力鈞創作25年展
中國玩世現實主義代表藝術家方力鈞，首本在台出版之展覽畫冊完整追溯方力鈞25年創作生涯中的油畫、素描、雕塑與裝置作品 方力鈞，中國藝評家栗憲庭稱之為「玩世現實主義」代表之一的中國當代藝術家，90年代初以作品中「光頭潑皮」的經典形象，和張曉剛、王廣義、岳敏君等畫家，同成為國際間最受矚目的中國後八九藝術新生代。誇張、通俗、滑稽、不正經，這群新生代遠離了傷痕美術的深刻、八五新潮的理性，改以看似嘻笑怒罵的態度面對歷史和現下，卻反而引起了觀眾和評論的廣大共鳴。 方力鈞1963年出生於河北邯鄲，1989年畢業於中央美術學院版畫系，家鄉和版畫訓練都是日後影響他的作品表現的要素之一。方力鈞學生時期的素描就開始出現光圓如壁石的光頭形象，這個形象旋即在90年代初隨著「系列一」中咧嘴傻笑、看似無所事事的光頭潑皮們，引起國際藝壇注意；此後二十多年來，方力鈞陸續發展出了僅以日期命名、但主題突出──游泳、雲端的人群、嬰兒、飛翔的蟲獸──的系列畫作，其色彩鮮亮，人物成群，且時時浸沒於一片花舞雲絮之中。在評論家看來，它們所陳述的正是作為群體中之一分子的方力鈞眼中，自90年代政經變革以來中國芸芸眾生的生存境況，以及身為一位藝術家的方力鈞的美學回應。而此種呈現，在描繪眾生臉孔的黑白版畫和塞擠著無數小人的裝置作品那裡，亦獲得映現與延伸。 本書為方力鈞在台灣舉行的首次個展「生命之渺：方力鈞創作25年展」之專輯畫冊，隨同展覽為方力鈞 25 年來的創作生涯進行的回溯，專輯囊括了藝術家 70 組件油畫、素描、雕塑與裝置作品，依策展人胡永芬之規畫，以「原型的創造」、「光頭的表徵」、「水的指喻」、「版畫的再開創」、「生命之鉅，生命之渺」五部分，呈介方力鈞在光頭、游水、鳥獸、孩童等主題上的代表作品與美學特徵，同時收入胡永芬為展覽構築的兩萬餘言文字，為這場中國藝術家在台灣官方美術館的首次個展，架設了一個蒐羅完整、論述細密的介紹專輯，為在台灣討論中國當代藝術的豐富開始。
台灣美術史綱
台灣美術史從先民時期至今的統整梳理，為台灣美術的起落，提供細密而具省思的觀察。 台灣由於地形氣候的多樣和歷史的複雜更迭，澱積了豐富的文化層次。從距今七千至五千年前的「大坌坑文化」有陶器的製作開始，進入農業時期以後的圓山文化、芝山岩文化，後來的營埔文化、鳳鼻頭文化，乃至十三行文化、阿美文化等，都證明了台灣的文化發展在數千年前就已有長足的發展，至西元後再經漢人的移入、殖民政權的遞嬗、西方文明的影響，又交切出殊異的文化景觀，最後形成民國以來台灣美術發展的脈理與震央。 本書從台灣先民的歷史與文化表現開始，以十二章的龐然架構，梳理這段文化長河經漢人文化、殖民體制、政治戒嚴、新藝術運動、鄉土寫實風潮至當代藝術，和多種民族與生活型態沖刷下的起落、特徵與代表，其考證充分、解述分明，為台灣美術至當代的進展，提供了細密而具省思的統整觀察。
反閱讀－革命時期的身體史
「反閱讀」在本質上是對規定性閱讀的否定，是具有叛逆特質的閱讀方式，它脫離文本而發生意義轉型，向我們顯示若干受到遮蔽的內涵。這是一本通過觀看藝術來觀看身體，進而觀看中國歷史的書。以藝術為起點，歷史為終點，由身體扮演著中介者的角色，將一九六○至一九七○年代作為一個切片，對「革命中的身體」做一次深入的研究，來考察身體在歷史中所處的生態環境，以及它與歷史之間的對話關係。書中所探討的身體，側重於文化的身體，側重於身體在歷史中的狀態、命運，側重於身體在社會體系中的抉擇、行動與對策，以身體及身體行為作為外在線索，閱讀一九六○年代至一九七○年代的革命時期，中國人身體的文化處境。
中國美術史稿(彩色實用版)
擁有深厚國學功力，與美學涵養的前故宮博物院副院長李霖燦，以幽默風雅的文筆寫成 《中國美術史稿》，全書二十九個單元，大體以時為序、以類為綱，其中又以歷朝繪畫為主調，對於玉石、雕塑、書法、銅器、陶瓷的論列亦精闢獨到。今以彩色實用版的方式，重新設計、校訂，以及補充資料，增錄圖片至五百多張，再度推出這本近十九萬字的經典好書，期待提供更好的視覺享受外，更希望讀者能夠透過本書，無障礙地汲取中國美術那高、深、廣、遠的養分。 全書除了引人入勝的內容外，詮釋中國藝術之簡煉精準語彙更是俯拾皆是，如「中國畫是線條的雄辯」、「中國書法是最純粹又最自由的藝術形式」、「孫過庭書譜是雙料瑰寶」、「雲岡雕像獷野碩大、端莊肅穆的表情，可能是北魏鮮卑族的精神和印度文化結合的綜合效果」與「范寬得山之真貌、真情和真骨，人亦磊落不羈如山如川」等。史稿篇篇文字優美，易讀、好懂，引人入勝。 好書值得一讀再讀，《中國美術史稿》更不在話下。細心讀者當會發現它們不只是美術文化的最佳引導書，篇篇也如散文般清淡幽奧，更是結合李老師生活哲理的現代人的案頭良伴。美術與文學的相得益彰，也是文學與哲思的美妙結合，三者合而為一，為世人留下了可貴的人文典範。
古代西洋（19th前）美術全覽
從遠古到十九世紀，萃取千萬年藝術精華，簡明又無遺珠憾，光目錄即佔6頁，有代表傳記、源流，脈絡清晰、印刷精緻，超越辭典級的寶鑑。本書之五項全能： 一、超越藝術辭典—本書蒐羅者，至少尚有30人以上是藝術辭典也找不到的，且辭典對出生死亡地總是略過，以及對於「藝術事業」無關的生平軼事、心情記事更是略而不談，本書卻是把藝術家真正當「人」看待。 二、釐清流派脈絡—有總論，有分述；有大的分期、主義，有小的支派，均作詮釋。附系統表、索引。 三、超值精美畫集—精心選圖，一流印刷，定必經得起考驗。 四、等同傳記小說—指前面所提的「人性」觀點切入，避免枯燥。 五、附送作品導覽—解析作品涵義、典故出處。
禪與現代美術：現代東西方藝術互動史
當西方碰上東方當現代藝術碰上禪…..國內第一本關於禪與西方五○年代藝術研究之論述禪無可言喻，只能心領，它訴諸一種生活態度與「空」的美學。當西方五○年代抽象藝術碰上禪時，是怎樣地直接或間接的產生創作上的化學效應呢？本書為荷蘭自由大學教授所撰寫的一份嚴謹學術論述，語言涵蓋英、法、德、日，歷時將近兩年的時間，經由多名學者審查，才將中文版完整呈現出來。又因為禪與現代藝術具有的抽象思維，極不易去求證兩者之間的關係，因此作者花了相當長的時間去與藝術家訪談、收集與解讀文獻，企圖驗證禪與西方五○年代藝術的感通與關聯。何謂禪與禪的藝術？本書主旨在於探討二十世紀五○年代東西方藝術與文化間的交融和感通，尤其是禪文化，更是二十世紀西方現代藝術趨之若鶩之精神境界。書中探討了禪文化從東方轉嫁到西方的歷程，並將焦點鎖定在創作與禪意相關的美國、法國與德國藝術家之探討：馬克?托貝(Mark Tobey)、約翰?凱吉(John Cage)、艾德?萊因哈特(Ad Reinhardt)、皮爾?亞勒金斯基(Pierre Alechinsky)、依夫?克萊茵(Yves Klein)和禪49 (Zen 49)團體。除了禪對西方藝術界的衝擊與影響外，一些日本藝術家也不免受到西方現代藝術之洗禮與啟發，並被禪文化與現代藝術間的微妙關係產生好奇與探索之熱忱。而複雜的藝術與文化面向，就在如此的抽絲剝繭中，豁然開朗。
達文西的筆記本：繪畫是怎麼回事
達文西，堪稱擁有史上最全能的頭腦、「文藝復興人」的最佳樣本，畢生留下無以計數的筆記，內容囊括繪畫、數學、物理、解剖、機械發明、建築設計……，所跨領域之廣令人咋舌。這些筆記以密語反方向書寫，須藉鏡像才能讀到正確的文字，直到達文西死後數百年，七千多頁的手稿及素描才被發現且譯成通用語言。要一窺這位絕世天才腦袋裡秘密，他的筆記絕對是最直接、最震撼的路徑。《達文西的筆記本——繪畫是怎麼回事》，精選達文西筆記中關於繪畫的思考結晶。從中我們可以得見，達文西將繪畫視為一門「科學」的獨特創見與宏遠企圖。他將幾何學原理應用於繪畫上，宣明繪畫科學的基礎即為「點、線、面、形」，同時強調「視覺」的重要性，認為畫家必須徹底研究眼睛的功能、光的作用原理，更發展出著名的透視學辨析，精闢界定出三種不同的透視形式。在比例、構圖、明暗深淺等方面，達文西也本著科學精神與翔實體現自然的使命，下了深刻的苦心。除了理論以外，達文西的筆記中更累積了令人嘆服的觀察心得與技巧指導。鉅細靡遺的人體解剖研究，印證了他筆下的每一寸肌理、每一張表情何以皆如此栩栩如生。至於，要如何描繪一場人馬奔騰、塵沙飛揚的壯闊激戰呢？要如何描繪摧枯拉朽、宛如末日來臨的暴風與洪水呢？要如何呈現夜景那幽微的色調？達文西都以詳盡的文字佐以無與倫比的精細素描，指導了後進藝術家。
台灣寫實主義美術1895－2005
視覺白話文與手的溫暖──台灣美術百年發展總回顧現在，就許多方面來說，我們站在前所未有的，發達之巔。發達之巔時代的科學技術進展，使我們的藝術領域擁有更多新的表現媒材，展現前人未曾能夠到達的表現之域及美學議題。發達之巔的時代，同時也是進步史觀影響無邊的時代；追求「新」的意識，一再一再促使我們進行發現，同時宣稱進步。於是，某些我們一度深信不疑的藝術表現方式，成為了守舊的、落時的、保守的風格，而漸趨沒落。這本書所討論的，正是關於某些不屬今日台灣藝壇當紅炸子雞的類型風格，它們共同的特徵是，再現出具體的視覺形象。本書書寫範圍由台灣日據時代以降至今日，時間橫跨一百多年，洋洋灑灑十五萬字的長篇巨幅，將台灣的寫實主義畫家資料全網羅其中。所謂寫實主義，作者將之定位在曾受西畫訓練影響，即講究素描、光影、立體感等，且繪畫風格以再現眼睛所見之事為主，有別於傳統水墨的寫意路線。書中以時代先後與社會潮流，將寫實主義畫家們的創作思索與轉變歷程，做一完整的闡述，可讓讀者明白此些對台灣藝壇具有貢獻的畫家們，如何在寫實主義的框架中尋獲更多的藝術表現方式。總而言之，此作是對百年來台灣藝術發展歷程的一次總整理，資料豐富，極具參考價值。
2005年台灣視覺藝術年鑑
在綜覽中掌握核心．在回顧中展望前景文建會與藝術家出版社合作策畫邀集國內當代藝術工作者，集結國內藝術資訊以事件、分析與索引，切入2005年台灣視覺藝術之趨勢與現況提供了解台灣視覺藝術過去與未來之總覽台灣視覺藝術發展至21世紀，由於各種國際局勢與科技的變遷而產生瞬息千萬、且勢難抵擋的變化，其影響遍及藝術的創作、產業與評論各層面，從美術館、畫廊、展覽單位、教學機構至藝術家，均試圖在愈形龐碩的藝術生成環境和相對負險的地域視角間取得平衡，以跨併大小界線的元素應用，滲入個人脈絡的思考，為突破現狀尋求可能的出路。《2005年台灣視覺藝術年鑑》可作為了解此一概況的最佳出發點之一。此本年鑑由文建會與藝術家出版社合作，以2005一年的藝術發展概況為主，分為趨勢、現況與便覽三篇，透過紀事、分析與條列資訊分頭呈現台灣視覺藝術在21世紀初的發展切面。在紀事上，除2005年年度視覺藝術大事紀外，書中亦邀集台灣當代各領域之藝術工作者選取十大藝術新聞與十大藝術展覽，以作為2005年藝術事件之導引；在分析上，由當代藝術評論者與學者就2005年的藝術整體運作、美術館營運、展覽型態與藝評發展，提供台灣視覺藝術趨勢與現況之系統整理；在資訊上，則條列藝術組織機構，包括美術館、文化中心、畫廊、拍賣公司、畫會、藝術教育系所等，以及圖書出版資訊，作為參考之依據。全書以圖文方式切入處於變動中的台灣視覺藝術概況，試圖在綜覽中掌握台灣視覺藝術的發展路徑，在回顧中展望台灣視覺藝術的前景。
俄羅斯美術史下冊
◆ 俄羅斯藝術史重要著作．獲俄羅斯藝術科學院「學術成果與文化交流貢獻獎」肯定的美術史論著◆ 俄羅斯美術史學者、清華大學美術學院教授奚靜之執筆．2006年全新彩色增訂本首次出版◆ 下冊全書十萬多字，兩百多幅彩色圖版，呈現俄羅斯繪畫、雕刻、建築的藝術美感與文化力量俄羅斯藝術，是我們了解俄羅斯人的生存狀態、思想感情和面貌的重要藝術形式。俄羅斯歷史上曾湧現普希金、萊蒙托夫、托爾斯泰、杜思妥耶夫斯基、柴可夫斯基、拉赫馬尼諾夫、列賓、蘇里科夫、列維坦、庫茵芝等藝術家，他們在藝術中體現出深紮於俄羅斯人民心中的傳統文化力量，體現出俄羅斯民族的文化品格和理想主義情懷。俄羅斯美術，從西元九世紀到今天，經歷一千多年的歷史，它是在與世界其他地區交流的情況下，不斷發展起來的，現實主義是俄羅斯美術的重要特點，鮮明的寫實手法令人刮目相看。近年來，俄羅斯美術正發生著令人矚目的變化，對俄羅斯美術進行研究與瞭解是十分必要的。本書原名《俄羅斯蘇聯美術史》，著者奚靜之教授因此一著作榮獲俄羅斯藝術科學院授予「學術成果與文化交流貢獻獎」，並獲普希金獎章。1991年蘇聯不復存在，2006年本書改為彩色版，書名更改為《俄羅斯美術史》，分為上、下兩冊，首次出版。《俄羅斯美術史》下冊描述俄羅斯由十九世紀巡迴展覽畫派至二十世紀八○年代的美術發展，並介紹二十八位俄羅斯藝術家之代表作品與藝術特性，書內亦附有兩百多幅俄羅斯繪畫、雕刻與建築藝術史上的經典名作圖版，是一本認識、欣賞與研究俄羅斯近現代美術的重要著作。
俄羅斯美術史上冊
◆ 俄羅斯藝術史重要著作．獲俄羅斯藝術科學院「學術成果與文化交流貢獻獎」肯定的美術史論著◆ 俄羅斯美術史學者、清華大學美術學院教授奚靜之執筆．2006年全新彩色增訂本首次出版◆ 下冊全書十萬多字，兩百多幅彩色圖版，呈現俄羅斯繪畫、雕刻、建築的藝術美感與文化力量俄羅斯藝術，是我們了解俄羅斯人的生存狀態、思想感情和面貌的重要藝術形式。俄羅斯歷史上曾湧現普希金、萊蒙托夫、托爾斯泰、杜思妥耶夫斯基、柴可夫斯基、拉赫馬尼諾夫、列賓、蘇里科夫、列維坦、庫茵芝等藝術家，他們在藝術中體現出深紮於俄羅斯人民心中的傳統文化力量，體現出俄羅斯民族的文化品格和理想主義情懷。俄羅斯美術，從西元九世紀到今天，經歷一千多年的歷史，它是在與世界其他地區交流的情況下，不斷發展起來的，現實主義是俄羅斯美術的重要特點，鮮明的寫實手法令人刮目相看。近年來，俄羅斯美術正發生著令人矚目的變化，對俄羅斯美術進行研究與瞭解是十分必要的。本書原名《俄羅斯蘇聯美術史》，著者奚靜之教授因此一著作榮獲俄羅斯藝術科學院授予「學術成果與文化交流貢獻獎」，並獲普希金獎章。1991年蘇聯不復存在，2006年本書改為彩色版，書名更改為《俄羅斯美術史》，分為上、下兩冊，首次出版。《俄羅斯美術史》下冊描述俄羅斯由十九世紀巡迴展覽畫派至二十世紀八○年代的美術發展，並介紹二十八位俄羅斯藝術家之代表作品與藝術特性，書內亦附有兩百多幅俄羅斯繪畫、雕刻與建築藝術史上的經典名作圖版，是一本認識、欣賞與研究俄羅斯近現代美術的重要著作。
中國藝術史
《中國藝術史》由中央美術學院薄松年教授精心編撰而成，內容包羅萬象，網羅之廣與其他相關藝術史書有很大的不同。本書以事件為主，特別是解釋中國藝術史上重要作品的歷史、藝術地位。文字簡潔有力，不在學說理論的爭論上拘泥。薄教授教學數五十載，從他的教學經驗與和社會大眾講解藝術的經驗，完成這本以圖為主，貫通古今，囊括深度及通俗的藝術史大書。《中國藝術史》以大事紀的方式，時間為軸，從上古新石器時代的岩畫到九Ο年代中華藝術中的重點事件，輔以數百餘幅精美圖片配合而成。內容不只涵蓋了傳統藝術史中道統表現及文人畫風，其他以前較少與正藝術史共置的民間藝術與器物也被收納入本書，門類之多，堪稱現有圖集中少有的表現，勾畫出中國美術發展的軌跡，顯示出中國美術的創造和成就。每一面為一個事件或主題，主文為重要性及在藝術史上的位置，小框則為畫家生平及相關專有名詞知識，也包括美術技巧及工藝風格的詳細說明。◎ 五千年前，中華文化的表徵，龍的形象已經出現在今內蒙古境內，卻一直到1971才被人發現，稱為「中華第一龍」。◎ 風流南唐李後主竟也懷疑宰相韓熙載漠視朝政，派顧閎中以畫記載而成《韓熙載夜宴圖》，殊不知宰相是因為內鬥無力而悲觀放縱，是新聞圖像紀錄的始祖之一，卻令人沉思再三。◎ 台北故宮博物院的鎮館之寶，也是罕見的限展品，北宋《谿山行旅圖》、《萬壑松風圖》，呈現的不只是宋朝書畫的極致，也是畫風與政治的巧妙映現。◎ 藝術如何呈現文革後的傷痕和反省，為當代藝術奠定的完整基礎？對映於《世界藝術史》的《中國藝術史》，從與西方藝術如出一轍的岩石壁畫開始，呈現了母性崇拜。人物畫的精巧遠在數千年前的春秋戰國時代就已如同當時的哲學思想般發達。當中華文化經過多次改朝換代，接受各種外來文化洗禮，往往有高超的具時代性的藝術成就。從震驚世界的蜀三星堆文化，到中古時期集多種文化累積的石窟佛教文化，在在體現中國藝術流傳至今的多樣性和豐富性。也因為如此碩大的寶藏，多數人為之卻步，加上宋朝以降文人畫高標準的斷定方式，造成藝術精英化的迷思。薄松年教授多年對於中國藝術的研究和民俗工藝藝術的鑽研，本書才得以補足大部分中國藝術史書無法涵蓋的豐富全貌。以藝術史上大事及重要作品為軸的呈現方式，也增加本書的實用性和可讀性，絕對有助於對中國藝術史宏觀式的認識。本書特色1、立體的編寫方式，即介紹某一個藝術事件時，從其發生的背景、主要內容、作者創作意圖、美學及史學價值等進行闡述，使讀者對該事件有一個全面的、整體的認識。2、「以點及面」的敍述，即在對主題事件進行詳細剖析的同時，引入鏈結式的相關知識，如：同一流派的其他藝術家、同一題材的其他作品，盡可能地拓寬了閱讀視野。3、圖片數量非常可觀，達500幅之多，重要的藝術作品，不但呈以全貌，還著重放大局部以便細觀。一萬多年前，我們的祖先就在岩石上刻下了美的印記，宛如神靈的創造。幾個打井的農民無意中發現沉睡地下兩千年的秦始皇兵馬俑，揭開了“世界第八大奇跡”。五羲之的《蘭亭序》被譽為“天下第一行書”，它的收藏經歷就像則傳奇故事。屋宇房舍、商家店鋪、士農工商、 販夫走卒，《清明上河圖》中一睹大宋東京汴梁的繁華。元四家、江南四大才子、清初四畫僧、揚州八怪……千古人物競風流。1917年，55歲的齊白石定居北京。他的作品在市場上以低於一般畫家一半的價格出售都無人問津。這促使他對自己的藝術進行反思，形成了一生畫藝中極富戲劇性的轉折。1980年，在中國美術館舉辦了第二屆全國青年美術展覽，2米高的《父親》引起轟動。因為災樣大的尺寸通常是用來描繪革命領袖人物的，而這幅肖像的主人公卻是平凡的農民。
台灣的美術
這本書介紹台灣美術的演變，從荷蘭時期、清朝、日本統治時期到國府時期的當代，宛如長江大河，波瀾洶湧。台灣美術多元多變的發展，象徵海洋島嶼文化的開放與包容特色。荷蘭時期台灣地貌首次浮出世界無台。清代官方開始製作台灣風土圖像，旅行書畫家從對岸來此發展，鄉紳藝術與傳統寺廟藝術也活潑地發展出來。 日治時期，日本畫家主導現代美術的路線，設立美術展覽會，從異國情趣轉向地方色彩的表現，台灣畫家在學習中努力創造個人的風格特色。戰後美術反映新舊族群文化衝突與創作意識轉換，戒嚴期間現代主義與鄉土藝術各領時代風潮。當代藝術，在台灣意識與全球化的競爭與張力間，呈現自由善變的活潑創作特質。
台灣美術中的五十座山岳
台灣美術中的五十座山岳》，為五十本【家庭美術館──美術家傳記叢書《】的導覽別冊。以每位一幅作品賞析、簡要生平點出【家庭美術館－－美術家傳記叢書】中五十位美術家的重要性；並收錄多位學者專家序文導覽、五十位美術家精釆語錄、美術家活動大事暨互動年表等。透過前輩美術家們精采的生平故事、豐富的創作表現及卓越的藝術貢獻，引領你一覽五十位前輩美術家的創作全貌，及台灣多元文化的藝術表現。
萊特與歐姬芙
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。萊特與歐姬芙當自然建築師萊特碰到花卉畫家歐姬芙萊特以自然為師發展出一套有機建築的原則歐姬芙亦受自然啟發創造一種獨特的風格兩人都是土生的美國人，都在國土內獲得啟發也都無須依賴歐洲的發展，就找到了表現在作品中的獨特能量，反映出一個新國家的形象。本書介紹萊特與歐姬芙最重要的藝術作品，以理解影響美國建築史與藝術史發展的這兩位先鋒人物，並比較分析兩人作品的關聯。
華格納與克林姆
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。華格納與克林姆當城市美學建築師華格納碰到裝飾畫家克林姆華格納的建築像一座座裝飾品美化了都市內的每一角，他的美是結構的、功能的，是表面的也是內在的；克林姆的畫作更是一股奢華富麗的風潮，流暢的線條、激情的裝飾性、大膽的用色與意象，及變化多端的媒介，本書介紹華格納與克林姆兩人打破了審美上盲目摹仿以往的藝術風格，轉換表現了各自的獨特風格，彰顯兩者在二十世紀之交的影響。
圖說台灣美術史Ⅱ：渡台讚歌(荷西‧明清篇)
繼《圖說台灣美術史Ⅰ──山海傳奇（史前‧原住民篇）》於2004年5月出版，本書作者蕭瓊瑞以不到一年的時間，又完成了本套書的第二部《圖說台灣美術史Ⅱ──渡台讚歌（荷西‧明清篇）》。 延續本套書的風格：「以圖像為主軸，按歷史發展的軌跡，娓娓敘來；所有的分析，以美學、美感的角度切入，讓讀者一起發現台灣藝術人文之美，與思維表現之豐富。」《圖說台灣美術史Ⅱ》的時間軸進入到十六世紀末至十九世紀末，台灣經歷了西班牙人、荷蘭人短暫的占領，及至大清帝國的統治，不同的文化陸續摻融入台灣這座福爾摩沙島中，使得台灣文化美術益發顯得豐美多元。 在內容上，本書同樣分為十二章，從十六、十七世紀大航海時代歐洲人所繪製的台灣海圖與地圖，西班牙人與荷蘭人在台灣興建城堡，帶來不同的建築技術，鄭成功與荷蘭人戰爭所留下的史蹟圖像，及至大清王朝統治下的台灣景觀與番社采風圖繪，台民宗教信仰所產生的工藝美學，以及服飾、家具用品等等的造形與材質……，藉由圖像與造形的呈顯，與清晰簡潔的文字闡釋，架構出荷西、明清統治時代中的台灣美術風貌。 作者蕭瓊瑞在書中前言提到：「……如果說這本書能夠有什麼貢獻，那可能便是將前人的豐富研究成果，編織架構到一個可能的歷史支架上去，作為未來討論的平台。此外，也透過一些可能的美感角度，對原本並不被認為是美術史料的先民文化成果，加以初步的詮釋、分析。……」同時他「更期待讀者們一同見證台灣美術的發展與成果，在許多不足或錯誤的地方，再進一步探討、修正。讓我們以能共同擁有一部屬於自己的台灣美術史為榮。」 讀過《圖說台灣美術史Ⅱ》中的「從海圖到地圖」，您將可明瞭教育部長杜正勝提出逆時針轉九十度的台灣地圖觀點；看了「城堡與鐵剪刀」一章，您也能透過圖繪的普羅民遮城，來追溯台南赤崁樓的最原始面貌；……。
鄉土情懷雕塑(雕塑類)
鄉土藝術的萌發，不諱言地說，剛起步初發時，確是近於曾為鄉土生活紀錄的真實物象，且做為創作思惟的對象，使人見之，直感有如落入昔日鄉土性歷史記憶的幻影照射中。這樣寫真般的鄉土物象顯影影響面頗大，不僅持續，而且深化，深化到令有識之士生起重重憂心之慮，相對地，亦也生起反省批判之聲。因而，走進鄉土藝術本質面傳統的、精華的，且又精神的、批判的深度思惟，即擴大深掘鄉土藝術深藏蘊含的多元語彙與異類媒材運用融合，成為緊接而來的鄉土藝術主流大纛。過往習慣平面繪畫性手法的鄉土視覺影像，頓時地，急速走向新生的立體雕塑性技法的鄉土造形顯像。於是一件件、一座座鄉土造形思惟新舊語彙，如雨後春筍地彩繪整個展場或公共空間上。不期然地，「鄉土情懷雕塑」的冠用稱名竟也出現在國內現代美術的平台上，供應著各方的檢視與論討。 本書鄉土情懷雕塑，共納入九位藝術家，依年齡序為蔡寬、王水河、黃靈芝、朱銘、許和義、陳正雄、蒲浩明、王秀杞、王慶台。其中有純民間工作者、學院出身者、大學教師者以及文學家等，正足以證明此行的多元豐華，精采有加。 就作品言，僅朱銘、王秀杞、王慶台三人有相當創作量的鄉土傳統性題材，其餘幾不多見。不過，若就藝術手法的創作思惟以及內在情愫來看，倒是頗具鄉土在地性、精神性，甚而有更內化、深化的性格與語彙。故所謂的台灣鄉土情懷雕塑，就創作者心境性格而言，確是可以接受的，但就作品形式或造形言，那就並非如是了。
抽象構成雕塑：雕塑類
在閱讀總論之前，讀者必須對書名的意義有所瞭解，所謂「抽象構成」乃是一般用言語，泛指以抽象形式表現之雕塑作品，而非專有名詞。本書的書目擬訂於作者應邀撰寫之前，為了避免與「構成主義」（constructivism）混淆，特別在此提出說明，文中各雕塑家的作品與俄國構成主義雕塑流派無關（構成主義雕塑：廿世紀初流行於俄國的美術運動，由雕塑家塔特林（Vladimir Tatlin）和佩夫斯納（Pevsner）推廣。強調以非傳統材料和工業技術焊造抽象造形，作品風格趨近機械結構美學，注重雕塑的動勢而非量感，一九二○年後因為政治因素而消失）。 本書第二章內容為雕塑家論述，收錄台灣雕塑家包括李再鈐、郭清治、何恆雄、高燦興、張子隆、黎志文、蔡懷國、陳振輝、郭少宗、賴純純、楊柏林等十一位。 基於台灣雕塑家養成教育和抽象思惟的特殊性，本書並不全然按照西方抽象理論的角度遴選藝術家，東方及地域抽象表現形式亦參考在內。作者認為：一位成熟的藝術家在某種研習階段或許曾受西方論述的影響，但最後終須回歸個人生命的獨特見解，反映時代環境的根本價值。本書希望藉由藝術家的創作經驗，結論台灣抽象雕塑的自有面貌。 由於文字篇幅的限制，對雕塑家的論述以創作觀念的解讀為主，側重階段風格和重要作品的分析，並不著眼於藝術家學經歷的說明。敘事角度力求客觀，但不脫作者藝術評論的觀點，希望針對當代的雕塑典型，提出深入的看法。 本書第三章為結論，試圖推設台灣抽象雕塑的發展，並對論述藝術家和雕塑生態的相互影響，簡略評估。
抒情新象膠彩(膠彩類)
由「東洋畫」、「（中）國畫」乃至「膠彩畫」，在外觀名稱上，「東洋」與「中國」皆屬地域象徵，與政治、國家意識密切關聯，相對於此，「膠彩」二字則偏向使用媒材之別，與前二者訴求重點截然不同。如此轉變，不僅說明「膠彩畫」之命名含有政治因素上的規避考量，也隱然點出膠彩畫的成立過程，不論在內容的區隔或畫風的建立上，曾是多舛且多糾葛的。實際上透過筆者的採訪，不難發現十一名膠彩畫家的創作重心，或由媒材的革新出發，或由題材的開拓入手，均甚為重視「膠彩」此二字的個人詮釋立場，同時亦都極力提倡應當早日建立台灣本土的膠彩畫風格。 然而在另一方面，若參酌他們的師承關係、職業出身，甚至再加上台灣近、現代美術教育體系向來對於膠彩畫課程的教習不完備，當可明暸所謂「建立台灣本土的膠彩畫風格」絕非易事。換句話說，以蔡草如等十一人為代表的台灣現代膠彩畫，其議題之複雜性，除了歷史、政治要素以外，創作者個人畫歷的背景，亦構成重要影響。 為此，本書採短篇傳記之形式，依據「出生‧家世」、「啟蒙‧師承」、「個人畫風之摸索與確立」、「代表作與創作理念」、「未來課題」五項重點，彙整採訪內容；並透過十一名膠彩畫家的逐一介紹，說明其對台灣膠彩畫界的貢獻與定位，以期達到台灣美術史之紀錄之效，增加讀者了解台灣膠彩畫之特質與發展，進而成為共同推廣台灣膠彩畫的旗手。
抒情印象繪畫(西方媒材類)
六○年代，以抽象畫為發展主軸的現代畫風潮席捲台灣藝壇，「五月」和「東方」畫會大力鼓吹現代畫派理論，引發了新舊的論戰，也觸發了許多畫家在技法和媒材方面求變求新的動力。不少第一代畫家在當時以創作來回應時尚；本書所論述的畫家在該年代以青年之輩，也有一段追隨潮流的創作過程，他們自行吸收外來資訊，掌握造形的簡化，在具象範圍內呈現出表現的氣質。 無論學習背景的同異，從自然寫生而發展出來的主觀視覺經驗和發抒感情的表現，以及或濃或淡的「文學的情調」普遍存在於這些畫家的作品。本書主要從他們的生平、創作生活及繪畫風格，嘗試勾勒出「抒情」命題下台灣當代美術的輪廓。 相較於第一代畫家曾有的為避開白色恐怖，以抒情形式創作的經歷，本書所列的畫家是以生活的體驗做感性的告白。他們見證了中國、日本及歐美等文化交錯衝擊下的四○年代以後的社會人文。看似各自表態的創作內容其實有一根線在相繫。曾經在第一代畫家技法約制下成長的經驗，如今都成了畫歷年表彰顯的部分，當「印象派」持續在台灣成為美術的寫實或「非前衛」的代稱之際，「抒情」對這些無所謂畫派門別的畫家反而是一種輕鬆的暫時歸類。
抒情抽象繪畫(西方媒材類)
本書所談述到的畫家中有多位是李仲生的學生，或曾間接受到他的啟發者如：屬於東方畫會的蕭勤、秦松，五月畫會的莊吉吉，以及較晚期的鄭瓊銘與陳幸婉。諸位中蕭勤最早隨李仲生習畫，並且在李氏的啟蒙後，再不踏入學院而自學有成，以探索宇宙心靈境界的畫作揚名國際。秦松則如同是時代的悲劇英雄，因為遭受政治的誣陷而自我流放美國，左手寫詩右手畫畫的他，於是藉喻方與圓來表述他的人生體悟。在貼近中國傳統藝術文物中長大的莊吉吉，為了直探內心的真實，融治中西創造出了召喚天地本源的山水境界。另外，中年開始學畫的李德，潛心地投入抽象，如同靈修般的追尋著自然的極致的美。自創新視覺畫理的郭軔，則在闡述著由抽象完成的另一種實體與意義。還有訴諸繪畫之純粹性與色彩之生命力的陳正雄，在無數峰迴路轉中探尋道的洪美玲，探索在現象界裡視覺經驗之統合的楊世芝，禪悟在出世與入世之間的江賢二，映照內在世界之虛空與豐實的陳張莉，流轉於自然和人文之間的鄭瓊銘，以及玩味媒材之形而上表現卻英年早逝的陳幸婉等人。 這些藝術家莫不是在自由心象的誠實面對中，探討著畫面上那「精神空間」對自己的啟悟，以及與自己心靈思緒之對話。廿世紀後半葉至今的台灣畫壇，雖然風貌萬千，抒情抽象繪畫在藝術家的心力堅持下，仍然如同隱逸於自然中一條滾動的溪流，款款吟詠著超脫塵俗的詩篇。
抽象構成繪畫：西方媒材類
本書介紹的十位畫家，觀察他們豐富的創作歷程中，主要的藝術表現形式傾向抽象理性風格，但也並非完全摒除抒情的成分，其中莊世和的繪畫從立體主義進入抽象構成，劉生容以燒金拼貼方圓構成繪畫語言，李元佳以思想觀念，融入水墨與點石成金的素材，霍剛喚出神祕詩般夢境，從而構築理想的空間秩序，林壽宇的剃刀邊緣，萃取空靈的宇宙，李錫奇以「本位」命題貫注創作形式，衍生變異組構映照視覺律動，莊普以印格繪畫遨遊方格陣地，開顯拓延空間場所精神，陳世明靜觀致藝之思惟，體悟藝術與生命之深層課題，曲德義在畫布上辨證思考形與色面的構成關係，由嚴謹精準的結構中釋放情感，胡坤榮的生活藝術全心投入的創作態度，培育出幾何抽象之烏托邦詩篇。 事實上，抽象藝術體系的發展背景，可分為理性的抽象表現與抒情的表現。藝術家在創作過程中必然遭逢形式上的抉擇與取捨，無論是理性構成或是感性抽象，兩者似乎是對立的，而本質上卻如影隨形，或可視為收放緊馳分際之尺度。思考從國際藝術思潮到分析台灣抽象構成繪畫，以折中態勢之生成與演繹，是本書要鎖定探討的主題。
超現實風繪畫(西方媒材類)
茲將其中具抽樣代表性的十一位中生代藝術家概分為三種類型：一、象徵意味的超現實：曾培堯（超現實的生命謳歌）、陳景容（超現實的孤寂素描）、林惺嶽（超現實的大自然原鄉）、潘朝森（超現實的人間愛）、黃海雲（超現實的飛躍靈魂）。二、發自心靈的超現實：薄茵萍（超現實的本質真言）、葉竹盛（超現實的生態還原）、戴壁吟（超現實的再生符號）。三、詩意的超現實：黃楫（超現實的夢幻幽靈）、蘇新田（超現實的循環空間）、楊樹煌（超現實的科技美學）。 當下在促進台灣文化升級與提高大眾藝術素養的願景進程中，我們回首重新省思西方超現實主義的變遷境況與演化實例，現在可說正是時候，歐美地區的此類思潮發展經驗，或許能提供我們正確的向上態度，與完整的處理借鏡。
鄉土寫實繪畫(西方媒材類)
五○年代，在反共高漲的時代氛圍下，故鄉在來台畫家或作家是永遠的鄉愁，同時政戰體系的畫家又歌詠軍民一家，以版畫突顯農村富足生活，是文藝政策下的產物。六○年代現代主義狂飆，仍有像席德進、鄭善禧等畫家在台灣走透透，真情為台灣記錄感人的山川、人物。他們在七○年代鄉土文學運動前就已畫出許多鄉土寫實佳作。 七○年代以魏斯樸實的精細寫實結合超寫實主義採用照片作畫的新技法，描寫在農村轉型中頻臨消失的鄉土景致，蔚為一時風尚，加上《雄獅美術》新人獎的設置，依據照片精描細繪的創作形式，顯然已取代了傳統具象的寫實主義，並在各大官辦展覽中占有一席之地。 當鄉土寫實美術被典型化後，在八○年代終於與鄉土文學一般由盛而衰。而在美術多元化下，七○年代因鄉土寫實美術崛起畫壇的新秀，八○年代紛紛改變風格或繼續深化鄉土寫實內涵。這股由鄉土寫實美術追尋的「鄉土之愛」的美術尋根，到解嚴後與土地空間、生活經驗密切結合的本土美術，正是在建構本土文化過程中的「去殖民」歷程，也是台灣追求後殖民現代性的重要表現。 本書以傳承第一代畫家寫實主義風格的吳耀忠、賴武雄、奚淞，及七○年代崛起的鄉土寫實美術新生代──來自學院的施並錫、翁清土、韓舞麟、謝明錩、黃銘昌及非學院的黃銘哲、周孟德、陳隆興為代表，探討鄉土寫實美術在台灣的發展、茁壯與深化。
抒情表現繪畫(西方媒材類)
台灣的抒情表現繪畫從早期張炳南、吳炫三、楊識宏等人忠實關照內在意象與人文情感的表現，到陳水財、邱亞才、陳來興、林文強等人開始思考到個人與社會結構間的衝突，突顯在地社會性意象與現代人心理圖像的表意，延伸到了陳錦芳、楊識宏、吳炫三，便導引出了西方美學再詮釋的可能，這是在國際潮流與西方美學架構為主的學院氛圍之下，以在地的文化觀點重新檢視西方美學傳統，並提出個人美學表現的另一條路徑。 本書所討論的十一位藝術家從西方強調個人主觀意識的表現派技法開始，漸漸發展為強調自省式的情感，著重於社會性的人文情態，在傳達個人情感的同時，表現主義形式更在於提供一種自我意識的形象建構，而台灣在八○年代後多種藝術資訊與潮流的衝擊下，也讓藝術家們開拓更為多元的形式雜混，所漸次發展出來的圖像風格，如楊茂林、盧怡仲，進一步將具象抒情表現的內容帶引到社會性文化情感，這寄寓於新藝術圖像的提出與個人情感對於文化觀建立的投入，在由抒情表現強調主觀形式的詮釋表意下，種種個人美學及文化的意象轉化譯寫為屬於台灣的藝術內涵，在抒情表現繪畫於八○年代的發展脈絡裡，我們找到可以談論台灣藝術的文化觀點。
米羅與塞爾特
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。塞爾特與米羅 Sert VS Miro當硬派建築師塞爾特碰到軟調畫家米羅當一個理論型的硬派建築師，遇上一個不斷創新的軟調藝術家時，對簡單、故土、自然的熱愛是創作的唯一信念，在協調和平衡的空間，注入純粹色彩與充足光線，是兩位大師友誼昇華激盪而出的共同創作，本書著重於介紹塞爾特與米羅最重要作品的一致性，對兩位共通的信念與渴望，對簡單的追求和地中海民間傳統的人文主義關懷，做一深入了解。要接近兩位藝術家的共通世界，必須經由藝術創作的元素︰平衡、空間、光線、色彩以及流行藝術，而對地中海——他們二人最基本的聯繫——的認識，也是不可或缺的。除此之外，他們對簡單的熱情、對故土的熱愛、對日常生活的實體持著驚奇的態度以及純化自然的熱愛，也是了解米羅與塞爾特的途徑。
高第與達利
當畫家碰到建築師畫作是建築意念的無限延伸，建築是活在空氣中的藝術品本系列一共六冊，每一冊都對一位著名建築師與畫家進行別開生面的比較，探討他們藝術活動的主題、影響以及他們的共通點。書中共包括三個部份：建築師與藝術家的生平簡介、兩者主要作品的賞析，以及比較兩者所創作的藝術形象及藝術理念。高第與達利 Gaudi VS Dali當怪人建築師高第碰到瘋子畫家達利當一個人人稱為瘋子的鬼才藝術家，遇上一個謙遜拘謹的天才建築師時，柔軟、摧毀、重組是共通的語言，堅硬不再是固定的架構，在碎片和變形之間，是兩位大師作品最接近實質的幻想世界本書介紹高第與達利最重要的藝術作品，對兩位能將繪畫和建築手法幻化成更豐富的事物，並直搗人類靈魂最幽深的作品加以比較分析。他們都是天才，就像硬幣的兩面，雖然互不相同，但身處同一個整體。他們的世界都是既柔軟又堅硬，都是超現實的、崇高的，都能抵達自然的最深處，又都驚人地美麗。
