Wall and Piece：塗鴉教父Banksy官方作品集(新封)
橫掃全球的藝術暢銷書，塗鴉教父Banksy唯一官方作品集Banksy改變了藝術的定義。他是創作天才，作品屢屢震驚世人，令全球為之瘋狂、媒體及好萊塢明星趨之若鶩，但本人卻從不公開露面，連真名都是個謎。他是惡名昭彰的塗鴉創作者，讓塗鴉成為藝術品，卻仍執著於塗鴉的創作形式──任何人都可以在街頭上免費看到這些動輒賣到百萬、千萬天價的畫作。他讓世人試同，塗鴉是最誠實、最公平的藝術形式，而不只是滿足創作者的一己之欲。他是驚世駭俗的行動主義者，反戰、反階級、反精英、反隔離，為此屢次出入險地，被許多人尊為英雄。這是Banksy的官方作品集。一向行事神祕低調，從不接受任何訪問的作者，在這本親自執筆的書中站了出來，披露他的創作歷程、他如何看待塗鴉、他如何用行動顛覆藝術界，也讓我們看到作者本人一如他的作品，既幽默又挑釁，驚世駭俗卻又說出許多人心底的聲音。本書收錄了他歷年來的創作，其中有許多都已絕版或遭銷毀。我要講真心話，所以不會花太多時間。不管他們怎麼說，塗鴉不是最粗俗的藝術形式。雖然你可能得在晚上偷偷摸摸地行動，向媽媽撒謊，但在現有的藝術形式中，塗鴉其實還比較誠實。沒有菁英主義，不會自吹自擂，展示在鎮裡最好的牆上，也沒有人會對門票價格感冒。牆一向是發表作品最好的地方。管理我們城市的人不了解塗鴉，因為他們認為，凡事除非有利可圖，否則就無權存在，這種想法真是不足取。他們說塗鴉會嚇到人，是社會衰敗的象徵。但這世上只有三種人會覺得塗鴉是危險的：政客、廣告商、塗鴉畫家。在建築物和公車上塗了斗大標語的公司，才是真正破壞社區景觀的凶手。除非我們買他們的東西，否則他們就會想盡辦法讓我們覺得自己很不像話。他們巴不得能從每個買得到手的平面上衝著我們的臉大聲喊出他們的訊息，卻還不許我們回話。那好，他們開了戰，我們就選擇牆壁作為反擊的武器。有些人變成警察，是因為他們想讓世界變成更好的地方。有些人變成破壞狂，是因為他們想讓世界變成更好看的地方。
西洋美術101鑑賞導覽手冊
從至今約一萬五千年前的奧塔米拉洞窟繪畫，至1970年代亨利．摩爾〈橫躺的母與子〉由日本名家執筆，國內著名美術學者翻譯一○一件名作，網羅西洋美術的各時期成就，簡述西洋美術史的萬年發展如何用一本書的二百多頁篇幅，闡明西洋美術史的古往今來、時代特色？從各時期的代表作品來著手，或許是最便捷、也最能引人由欣賞而理解其發展的途徑。本書由日本美術著名學者編纂與執筆，選取一○一件西洋美術史上最具時代意義的作品，以彩色圖文逐一介紹：從約一萬五千年前的奧塔米拉洞窟繪畫、紀元前二世紀後半的希臘〈米羅的維納斯〉、中世紀拜占庭與哥德式教堂建築、文藝復興時期三大家──拉斐爾、達文西與米開朗基羅──的名作、維拉斯蓋茲的〈宮女〉、德拉克洛瓦的〈地域的但丁與維吉爾〉、莫內的〈睡蓮池〉、高第的聖家堂、梵谷的〈星夜〉、杜象的〈泉〉、畢卡索的〈亞維儂的少女〉、安迪．沃荷的〈瑪麗蓮．夢露〉……一直到70年代亨利．摩爾的雕塑〈橫躺的母與子〉，從繪畫、建築到雕塑，簡要而深入的說明，串聯出一部西洋美術的簡明發展史。「閱讀此書，無須字典、事典亦無須專門知識。」如編者於序言中所述，本書的特點在於以深入淺出的方式進行說明，讓對西洋美術有興趣的入門讀者得以帶著輕鬆的心情，從賞析而領略西洋美術的傳統意蘊、現代轉折。
畢德麥亞代表畫家：華德米勒
十九世紀維也納畢德麥亞代表畫家──華德米勒之生涯與作品介紹在彩色圖文中，追溯其兼具優雅與日常、浪漫與親和的細膩畫風斐迪南．喬治．華德米勒（Ferdinand Georg Waldmller, 1793-1865）是維也納畢德麥亞風格的代表畫家。他的畫筆簡素明快，作品顯出優雅氣質，在肖像、風景、靜物畫和風俗畫方面留下卓越作品。畢德麥亞為1815年至1848年之間的時代名稱，同時也成為此時期德國奧地利藝術風格代稱。華德米勒1793年出生維也納近郊，1807年師事藝術學院擅長花卉繪畫的畫家辛特勒。1809-1810年他的肖像人物畫連續獲得首獎。其後得到劇場畫家的工作，1825年首次赴義大利旅行作畫。從義大利回來之後，他的畫藝更為熟練。1830年旅行巴黎使他獲得國際聲譽。但是在另一方面，他與維也納藝術學院的傳統教學理念相違。華德米勒於1829 ~ 1846年擔任維也納藝術學院教授，他在著述中批判學院主義固陋的形式主義以及拘束守舊的作風，主張自然寫生的新教學計畫。在對抗學院古典主義而興起的浪漫主義運動中，華德米勒傾向浪漫主義的自然描寫。藝術中的浪漫主義，始於1750年左右，持續至19世紀末葉。在德國奧地利，自然風景畫向來受到忽略。根據藝術學院的繪畫觀，歷史畫為最高的位階。然而就如當時畫家卡魯斯指出歷史畫以風景為背景，風景畫亦可將人物入畫，因此兩者之間應具有同等地位，風景畫是純粹樣式與真正表現體，而且是尚待發展的藝術，甚至較歷史畫有更高位階。浪漫主義的主要特徵是自然的神秘性，這種觀念起源於使人產生敬畏、莊嚴的自然現象。西方世界的浪漫主義是一個複雜的現象。在奧地利，維也納會議（1815）使維也納成了時髦的國際中心，此時描繪自然風景的細密畫，也在奧地利由華德米勒和達芬格爾（M.M.Maffinger, 1790-1849）倡導而表現出色，風景畫藝術由於與樸素生動的寫實主義相接觸，在奧地利發展得特別成功。華德米勒與當時的畫家如卡魯斯等浪漫主義者的創作，同樣地是藉由對大自然的凝視，發現隱藏在大自然中的神性，藉此提昇自己。他的風俗畫選擇日常生活觀察的主題，攝影般的細緻寫實，描繪出市民生活的喜悅與幸福，人物群像栩栩如生。他的〈母親肖像〉、〈葡萄架上〉等主要作品在維也納為維多利亞女王的夫君阿伯特收藏，現藏於奧地利畫廊。華德米勒的繪畫，最能反映畢德麥亞時期藝術品所散發的平易近人的親和力。
一生不能錯過的世界名畫故事
懂得品味美學的人要看美術相關科系學生必讀喜歡藝術的人不能錯過看懂世界名畫中的美學元素認識世界名畫裡的隱藏密碼從這本書開始，學習走進名畫的美麗世界！讓您一次欣賞100幅名畫並且深入認識背後的動人故事。本書為你架起一座橋樑，讓你與藝術精品「零距離」接觸。更加獨具匠心的是，本書以名畫背後的一百個小故事為主線貫穿始末，每一個精彩紛呈的小故事，都將帶你走進一幅曠世佳作中，讓你在欣賞畫中奧妙的同時，瞭解藝術大師們曲折的創作經歷和生平點滴。讓大師們走下神壇，與你在追求藝術真諦的路上結伴而行。
藍騎士代表畫家：馬爾克
以〈藍色的馬〉、〈藍色馬之塔〉召喚時代之精神性的畫作聞名20世紀初的德國藍騎士代表畫家馬爾克，首部完整的生涯與代表作品中文介紹，引人深入馬爾克獨特的畫中世界及其時代背景。弗朗茲．馬爾克（Franz Marc, 1880-1916）為德國藍騎士（Blaue Reiter）團體代表畫家，1880年生於慕尼黑，1900年秋天進入慕尼黑藝術學院就讀。他的早期作品並不起眼，1903年，他踏上巴黎之行，也開始質疑繪畫的傳統取向。就在此時，形成他作品之重點主題出現了。馬爾克對於動物的描繪特別感興趣，因為他在牠們身上看到自然無邪和純潔的化身。他對動物的觀點是顯而易見的，1909年畫成的〈黃昏的鹿〉便是一例，棕色調有他早期作品的影子，但明顯的痕跡卻是印象派的影響。作於1911年的〈雪中的鹿〉，用的是同一主題，但風格卻相當不同：冬景裡深藍和綠色的輪廓線是青年風格的迴響。他以一種與構圖含義及心理效果相呼應的方式使用純粹亮麗的顏色。自此他的畫逐漸成為他探尋自然和生命融合為一體之原則的鑿鑿見證。1911年馬爾克與康丁斯基在慕尼黑一起組成「藍騎士」團體，共同編輯《藍騎士年鑑》。這本刊物呈現每位藝術家作品自己的表達元素，及各自不同的內在聲音。1914年他開始實驗抽象畫，這一年爆發第一次世界大戰，馬爾克志願投效軍旅，在1916年3月4日戰死沙場，年僅36歲。〈藍色的馬〉是馬爾克最著名的作品之一，具有獨特的象徵力。畫中小馬四肢仍瘦長而笨拙，頭偏向一邊站立著，如同陷入沉思中。在馬爾克的心中，這匹馬的獨特表達性，並不只是來自其「精神性」色彩，還來自其造形。哀愁而低垂的頭傳達出了一隻馬有人類思想與情感的有知覺動物之形象。馬爾克的思想結合了對於現代文明的評論性看法，以及意圖恢復精神與物質之間失去的和諧的一種浪漫的渴望。本書介紹馬爾克的生平，並收錄畫家簡短創作生涯中的代表作品，引領讀者深入馬爾克獨特的畫中世界及其時代背景。
藝術中的貓
巴爾杜斯的照鏡貓、布欣與少女嬉玩的貓盧梭夢境中的大貓、波納爾跳上桌的居家貓洛克威爾追趕跑跳碰的寵物貓……跟隨著藝術中貓的身影，捕捉貓的百種姿態。貓大概是美術史中除了人類以外最常見的動物，或至少是描繪姿態最生動活潑的動物之一了，這個比其他動物都更能專擅藝術家想像力的毛茸茸小東西，可說既尋常也不尋常，其尋常是因為隨處可見，其不尋常則在於貓性飄忽不可捉摸，忽而撒嬌忽而冷淡，百變之際又執拗難馴，令人愛恨交加。也許是這樣的性格特別能撥動藝術家的心弦，歷來藝術中的貓口浩繁，不可勝數。從埃及金字塔中的貓咪木乃伊，到繪畫和生活都長伴左右的巴爾杜斯的貓，數千年來，人類的畫筆跟著牠走過被頂禮膜拜的風光時刻，飽嚐被目為妖孽的鄙夷眼光，再喵聲四起地走入家庭各個角落，芸芸眾貓的身影就如此結為一支越來越長的隊伍，形成一幅藝術中的眾貓相。本書為「名畫饗宴100」系列的其中一本著作，此系列的規劃，是希望透過主題式的作品蒐羅，打開藝術史解述的無限可能，讓我們經由圍繞著與生活貼近的主題的100幅名畫，領略二千多年來的東西方藝術發展。「名畫饗宴100」系列著作：《藝術中的吃喝》《藝術中的花卉》《藝術中的孩子》《藝術中的貓》
微笑無字書(附：微笑傳承DVD)
微笑無字書《無字書》皎潔無文的呈現，收存奚淞於二○一○年全新「老蠶」系列的三十三幅觀音畫作，呈現白描菩薩單純的線條之美。每回翻頁，最先映入眼簾的是左頁觀音全身像；右邊翻開褶頁，是局部放大的特寫，由此你能發現書中隱藏一份觀音面容的從容微笑。 附件：微笑傳承DVD《微笑傳承》是一部片長三十六分鐘的影音作品，由奚淞親自口述，配合緩慢流動的畫面，以八個段落傳授其三十年畫觀音的心路歷程，以及多年手藝禪修的生命體悟。影片內容包含：1.無中生有—一幅觀音畫稿的誕生 03:002.謝謝你，毛筆—重修舊畫稿有感 03:523.為母親畫觀音 03:104.手牽引心、心推動手—說「手藝禪」 03:085.菩薩的一對翅膀—「慈悲」和「智慧」04:456.慈心無限 04:477.心即是佛 07:008.日日是好日 03:11※ 影片長度：36分鐘※ 影片格式：DVD | MPEG2 | 16:9 | NTSC
拉斐爾前派代表畫家：羅賽蒂
十九世紀拉斐爾前派代表畫家──羅賽蒂之生涯與作品介紹彩色圖文對照，引領讀者進入浪漫、革新而前衛的原創世界羅賽蒂（Dante Gabriel Rossetti, 1828－1882）是英國拉斐爾前派運動的領袖人物之一。他是畫家，也是詩人，作品以中世紀故事及大詩人但丁的著作為題材，同一題材有詩有畫。羅賽蒂於1845年進入倫敦皇家藝術學院，1848年底，年僅二十歲的羅賽蒂就與密萊共同發起拉斐爾前派運動，第二年開始每年舉辦拉斐爾前派的聯展。拉斐爾前派思想根源來自神秘的浪漫主義美術，反對成為學院式的古典主義，而與同時代的文學對語言和文學遺產、對地方和民族的傳統具有一致之傾向。從羅賽蒂的代表作〈幸福的碧雅翠絲〉中，或許可以看出拉斐爾前派的一些特徵。畫上有一隻紅羽毛鴿子嘴銜一枝白罌粟花，這樣顛倒色彩的表現，是一種象徵手法，後方林蔭地畫出愛神和但丁，瀕於死亡的碧雅翠絲露出狂喜，畫家用神學方式，把死亡與復甦、下地獄與出苦海、死的悲哀與女子的熱情，交織組成十字形構圖。羅賽蒂在此畫上的象徵主義，反映了他對自己所愛之人的深情厚意。1860年代為羅賽蒂的創作高峰期，這期間的名作〈幸福的碧雅翠絲〉、〈希黛兒扮演「幸福的碧雅翠絲」〉、〈希黛兒頭像，向下看〉、〈動人心念的維納斯〉等，都是以妻子伊麗莎白．希黛兒（E. Siddal）為主角。1864年，羅賽蒂完成蘭達夫大教堂祭壇三聯畫；接著1870年出版詩集《生命殿堂》，再版六次，受到好評。1882年羅賽蒂53歲辭世後，倫敦皇家藝術學院為他舉行紀念回顧展。本書為羅賽蒂的生涯與作品介紹，依時序介紹藝術家各時期的生平、代表作品與美學特徵，帶領讀者領略羅賽蒂浪漫、革新而前衛的原創藝術世界。
莫內在吉維尼花園
池水盪出了彩色波紋，柳樹在橋上搖曳生姿，莫內的吉維尼花園，是一座千變萬化的萬花筒，莫內的畫上花園，是一個畫家的實驗歷程紀錄，從園景到畫布，整座花園的馨香，就此留下。做為法國印象派中最具代表性的大師，莫內（Claude Monet, 1840-1926）綿亙六十年的畫家生涯中，有將近三十年的時間都是在巴黎西北四十英里處的吉維尼（Giverny）花園中度過的。每天，為了觀察天光的細微變化，他會在凌晨三點多就步出家門，穿過他精心設計、高低有致的花園，跨過連接維農（Vernon）和吉梭（Gisors）的鐵軌，抵達另一頭的日本橋和蓮池畔，就在那裡素描、流連，磨去一天中大半的時光。莫內最為人熟知的蓮池系列畫作，就是在這樣不間斷的重複作息中完成的，在這之前，他還完成了許多類似的系列畫作──乾草堆、清晨、塞納河、白楊樹，後來均成了莫內學者們津津樂道的經典畫作。而吉維尼花園和周圍的風景，它們的晨昏、晴雨、明暗、寒暖，以及其水中反影，也就此一幕幕轉移到莫內的畫布上，由一座實體花園變成一具畫上萬花筒。莫內的布上花園不僅刻畫著一座花園的千變面貌，更是其實驗性手法的發展紀錄。本書匯集八篇以莫內的吉維尼時期創作、同時代畫家和印象派背景為主題的專文，為吉維尼花園做為莫內的晚期居所、一個畫作主題及一個實驗場地，進行了以時代為基礎的層層演示。
原鄉美學：洪通的異想幻境
素人畫家洪通百張作品展覽圖錄窺見個人天才的異想幻境，示現原鄉美學的活潑富饒崛起於70年代鄉土美學運動的洪通，為台灣在地美學最具代表性的畫家之一。他最常為人提起的，便是他以素人出身，而能在不竭的創作熱情與想像力驅使下，發展出讓人眼睛一亮、而又絕無分號的畫作魅力。洪通的畫作手法質樸、色彩斑斕，宗教、民俗與大自然元素雜陳，在對習俗與生活的生動描繪中，又有圖騰般的圖像延展性，使其畫作既展現了個人的生活直觀，又為台灣民間文化的生命力與豐富性，提供了具代表性的美學範例。本書為桃園縣政府文化局所主辦之「原鄉美學：洪通的異想幻境」的展覽紀錄，畫冊中包含展出作品的彩色圖版與一篇專文，帶領讀者一遊這位天才畫家天真與富麗兼具的異想幻境，及其中富饒而熱鬧的原鄉美學。
歐普藝術之父：瓦沙雷
歐普藝術先驅瓦沙雷之生涯與作品完整介紹引人進入美術史上色彩與視覺的最為多變的一頁瓦沙雷（Victor Vasarely, 1906-1997）是在「歐普藝術」（Op art）興起後，一舉成名的畫家。他在世界現代畫壇聞名，在1960年代之後，他的歐普畫受人歡迎的程度，遠超出一般人的意料。他早在歐普藝術尚未流行之前，即一直潛心於視覺與光學藝術之研究，將構成主義與新造形主義的繪畫，加以提煉，並以科學時代的新理論做為藝術創作的根基，嘗試新造形的探求，再揉入色彩學的知識，遂創造出令人感到眼花撩亂的歐普藝術。三十餘年，他對此種藝術的研究與追求從未間斷。直到1965年歐普藝術成為世界藝術新潮後，他的名字立即響亮出來，被人尊奉為歐普藝術的先驅。瓦沙雷1906年生於匈牙利，曾取得布達佩斯大學醫學系的入學許可，但後來放棄學醫，進入設於布達佩斯有「包浩斯」之稱的慕里學院，研習設計。1930年他移居巴黎，成為新巴黎派的一份子，同時舉行個展，1965年他代表法國參加聖保羅雙年美展，榮獲國際大獎。在同年紐約現代美術館舉行的歐普藝術展中，即被譽為歐普藝術的先驅。瓦沙雷的繪畫具有決定性的成就，來自造形集合和動態藝術的創作。他運用一系列非常豐富的色譜，包括灰、紅、藍、綠、黃和紫，每種都有十二至十五級的深淺色調，也採用金、銀色。每一顏色分析出十二至十五種色譜，瓦沙雷只用兩種顏色即能完成大幅的精彩繪畫作品。他的色彩排列系統使他發揮出無限的可能性。他宣稱造形世界能夠在知覺層面被人經驗到，使我們以確信的威力認識到：偉大的審美結構秩序是能夠存在的。他的許多別具匠心的造形繪畫，就像密碼一般，使我們認識到眼見的遠不如繪畫中實存的豐富多彩。
柏油畫家邱錫勳：墨色流動下的山城浮世繪
一旦進入坑洞，我們如同就走向戰場，鐵鎚、斧頭是刀槍，磺火、磅子是子彈，時間是敵人，身體是盔甲，鏗鏗鏘鏘，鑿掘出我們夢想中的黃金天堂。你也意想不到柏油會怎樣，怎樣流就怎樣動，將錯就錯。
看見真實心靈的杜布菲
一個古怪特別的藝術家一場文明與生命的精彩論述描寫真實，是藝術家最重要的工作。對40歲才開始創作的杜布菲來說，藝術的意義和本質遠逸於歷史之外，非關評論與價值，只聚焦自然與生命。如果我們只能在文明及其形式之內看事物，那就不需要班門弄斧來探討杜布菲的藝術及其價值了；哲學思想家史作檉開門見山的，直指杜布菲超越形式與文明，看見並徹底喚醒了具原創性、全自由心靈之真實。二十世紀的法國藝術家杜布菲和其他藝術家最不同的地方，在於他具有一種對於「生命」與「自然」徹底感觸的能力；有了這份能力，他才能和整個文明、歷史，甚至是一切規範性之社會對抗。我們不能拿美術史的眼光看杜布菲，甚至不能以一般的藝術眼光來看他，他真正完成的，嚴格來說，並不是一種藝術品，而是藝術生命本身。從「土地」系列、「鳴路波」系列、「記憶舞台」系列到生命力原創表達系列，史作檉娓娓將杜布菲的藝術創作脈絡、美學表現與哲學觀點反覆思索檢驗；他在深度觀察了杜布菲創作生涯中的階段與轉折之後認為，「杜布菲創造了一場美學的、寧靜的革命。」
引領流行的藝術家：巴斯奇亞
從80年代崛起於紐約街頭，至今日國際藝術市場的頂端國內首本完整介紹巴斯奇亞生涯與作品的著作追溯紐約傳奇藝術家融合街頭與歷史的風格之路巴斯奇亞（Jean-Michel Basqiat, 1960-1988）是當代美術史上一位非常傳奇性的畫家，他的繪畫在近年國際藝術拍賣市場，屢創高價；他的畫作在全美國及世界重要美術館展出，獲得絕大的成功。巴斯奇亞出生於布魯克林，父親是海地人，母親是波多黎各人。1980年代崛起於紐約，當時的藝術圈、音樂界歡迎新的風格與創作，他的朋友凱斯．哈林（Keith Haring）也成了這個風潮的其中佼佼者。當他如密碼般的塗鴉式詩句在曼哈頓及蘇活街頭出現時，立刻引起了注目與騷動。巴斯奇亞圖式化的人像顏面與身體線描，常讓人想起未經琢磨的街頭塗鴉，或「原始藝術」在岩牆洞窟裡留下的記號。而這樣的風格又因為他在作品中融入了像是從街頭取材的物件，而變得更富有趣味及變化。他的作品常提及藝術史的篇章，他也通曉殖民主義、種族主義等問題，他愛好的非裔美籍爵士音樂家、運動健將也常出現在畫作中。他在繪畫與書寫間轉換的創作方式，將這些不同的主題流暢地結合，如他所說「像是筆觸般地」用文字畫畫。當被問到作品的主題為何時，巴斯奇亞答覆道：「國王，英雄與街頭。」也正是這樣的自信，表現在他充滿生命力的大型創作當中，吸引人探究他作品中的每個元素，拼湊推敲出這一傳奇人物的面貌。
橋派靈魂人物：凱爾希納
二十世紀初德國表現主義代表團體──橋派的靈魂人物---凱爾希納之生涯與作品介紹，橋派為二十世紀初德國表現主義運動的一支代表團體，1905年成立於德勒斯登，以凱爾希納（Ernst Ludwig Kirchner, 1880-1938）為橋派的發起人、領導者和發言人，代表畫家有諾爾德、恩斯特．路德維格．凱爾希納、黑克爾、羅特魯夫、穆勒、布萊爾等。凱爾希納生於亞沙芬堡，後隨家裡移居薩克森的克姆尼茨。在當地的高等學校唸書時，開始學習素描，後來也著手木刻畫。他的早期油畫受當時流行德國的印象主義風格影響，以風景畫居多。1903年至1904年他到慕尼黑學習繪畫技法，隨「青年風格」領導人物赫曼．歐伯瑞斯特學畫。在慕尼黑參觀數個畫展，對他的藝術發展產生重大作用。1904年春，凱爾希納回到德勒斯登，在民族學博物館藏品中發現了非洲與大洋洲的原始藝術，並在這些藝術品中看出和自己作品共通的特質。此後他受孟克繪畫啟發，進入表現主義時期。凱爾希納是一位天生的放蕩藝術家，作畫題材來自生活的兩個面相：一是畫室生活，另一則為都市大街所見的景象。他曾說：「我的畫幅是譬喻，不是模仿品。形式與色彩不是自身美，而是那些通過心靈的意志創造出來的才是美。那是一種深秘的東西，它存在於人與物、色彩與畫框的背後，它把一切重新和生命、感性的形象聯結起來，這才是美──我所尋找的美。」本書為凱爾希納的生涯介紹與選集，依藝術家的美學發展，呈介各時期的代表油畫與版畫作品，帶領讀者一窺凱爾希納身為橋派靈魂人物的時代背景與藝術內涵。
關於世界名畫的100個故事
跟藝術史上赫赫有名的大師的第一次「親密接觸」。從這本書開始，學習走進名畫的美麗世界！讓您一次欣賞100幅名畫並且深入認識背後的故事本書呈現的一百個小故事，均來自藝術史上享有盛譽的佳作，這些頂尖的繪畫作品不僅令世人歎為觀止，更在同時代及同畫派中脫穎而出，極具代表性。為了更好地幫助讀者享受藝術之旅，本書將小故事按照作品的創作時間與所屬的美術流派分呈現，既遵循縱向的時間順序，又符合藝術領域的橫向分類。隨著閱讀的深入，你將凝視達文西筆下〔蒙娜麗莎的微笑〕、品味〔最後的晚餐〕，和拉斐爾一同暢遊〔雅典學院》，在馬拉垂死的浴缸前哭泣；又或者，你會跟隨大衛追尋自由的足跡，在莫內的〔日出〕前為偉大的印象派動容，為身處愁雲慘霧中的梵谷嘆息，感嘆畢卡索名作〔拿著菸斗的男孩〕的多舛命運……總之，本書將帶領你與諸位藝術史上赫赫有名的大師「親密接觸」。其間，你不僅會為他們高深的畫藝傾倒，更能瞭解許多名畫背後不為人知的小祕密。不僅如此，本書還融合了來自東西方的藝術精粹，讓讀者在領略西方藝術傑出成就的同時，深切品味東方藝術的悠遠歷史。
唯美主義繪畫大師：惠斯勒
美國19世紀寫實主義繪畫大師－－惠斯勒的生涯與作品介紹 深入惠斯勒作品唯美詩意的美學核心，體現美國油畫寫實傳統的民風內蘊 詹姆斯．艾伯特．馬克－涅爾．惠斯勒（James Abbott McNeill Whistler, 1834-1903）與艾金斯、荷馬同被視為十九世紀後半期美國寫實油畫的三巨頭。惠斯勒才智敏銳，對現實世界中的美，懷有特殊的崇敬，是一位追求唯美主義的油畫大師。 惠斯勒1934年生於美國麻州的羅維爾城，九歲時隨父母遷往聖彼得堡，從小就顯露繪畫天賦，並進入聖彼得堡美術學院習畫。在聖彼得堡生活的七年，正是他的人生情感、想像力和愛好基本形成的時期。惠斯勒早期作品的鮮明、和諧和嚴謹的風格，跟聖彼得堡簡潔而純淨的美確實有著某種聯繫。 1848年，惠斯勒的父親去世，母親帶著惠斯勒兄弟重返美國康州的史東寧頓，他前後進入一所基督教會學校和西點軍校就讀，但功課拙劣，三年級讀完終於自動退學。後來他去華盛頓，要求國防部長戴維斯准他重返西點，戴維斯要他去見政府製圖組長賓漢上尉，賓漢發現他有繪圖才能，1954年11月留他在製圖組工作。 惠斯勒在書上看到巴黎畫家多采生活的描述，決心前往巴黎學畫。1855年夏天徵得母親同意赴法，而且從此一去未返。在巴黎，他向格萊爾學習，與畫家庫爾貝相交甚好，之後又與馬奈以及其他年輕畫家過從甚密。1863年在「落選作品沙龍」中與馬奈〈草地上的午餐〉一起展出他的第一幅重要大型繪畫〈第一號白色交響曲：白衣少女〉（畫中愛爾蘭姑娘同時也是庫爾貝的模特兒），金黃色的頭髮、柔和、亮色調的布幔以及鋪在地板上的狼皮，構成了一和諧的韻律。 惠斯勒與佔統治地位的學院派藝術及沙龍觀念，始終存在著分歧，也受到很多譏諷與嘲弄。但他最好的肖像畫正是在這幾年裡創作出來的。這些作品充滿了對人的道德和精神生活的深深的尊重，具有為寫實藝術所要求的高度簡練和嚴謹的風格。 1871年，誕生了著名的〈黑與灰的組合一號：畫家的母親畫像〉－－美國畫壇上的一顆明珠。高雅的銀灰色調，似乎可以觸摸到物體以及畫面的筆觸，在簡練、質樸、自然的構圖上顯得和諧勻稱，這幅肖像最明顯地體現出美國人民寫實主義的優良傳統，這位上了年紀的美國婦女形象，像清教徒那樣嚴肅質樸無華而富於民主精神，生動感人。 惠斯勒很早就善於用音樂標出自己色調的關鍵所在，如以「藍色交響曲」、「夜曲」來命名作品，反映出他對色調結構的仔細推敲以及對豐富音響的追求。他一直是大自然的細膩詩人。他一生都畫風景，巧妙地畫出大膽、概括、優美的作品。惠斯勒的油畫和版畫意味含蘊，優美異常，充滿創造性。 本書以百餘幅惠斯勒的作品圖片，穿插於其生涯各階段介紹中，希望透過圖文對照，深入惠斯勒作品唯美詩意的美學核心。
綜合主義大畫家：高更名畫420選
大開本呈現420幅高更（Paul Gauguin）生涯代表作品間以論述各時期發展的數篇文章為深入高更從印象派、象徵主義至綜合主義之發展探索高更其人其藝的最佳入門保羅．高更（Paul Gauguin）1848年6月17日出生於巴黎。他父親是個自由派新聞記者，因為路易．波拿巴稱帝後形成的局面，被迫離開法國，帶著全家去祕魯生活，當時高更還是個孩子。在去祕魯途中，父親去世，母親帶他在祕魯首都利馬住三年後，於1865年回到法國奧爾良的親屬家。高更讀完中學就以少年見習水手身份出現在航行南美的輪船上。後來高更曾在軍艦上服役。青年時代的海外旅行工作使高更身上喚起了對異國、未知世界的興趣與嚮往。十年後，當巴黎的環境讓他感到失望，他轉往布列塔尼的阿凡橋、普羅旺斯發展，不久遠赴玻里尼西亞移居大溪地作畫。最後永遠安息在離法國最遙遠的他鄉—馬克薩斯群島上。高更早期繪畫是以印象派手法完成，多次參加印象派畫展，之後他倡導象徵主義與綜合主義的繪畫。1883年高更三十五歲後完全獻身於藝術，全部生活就是探索自己繪畫風格的歷史。〈我們從何處來？我們是誰？我們往哪裡去？〉這幅畫是高更集大成重要作品，巨大的構圖沿著水平線延長，從右起，畫家塑造一個剛誕生的嬰兒，中間是一位摘採果實夏娃，左邊是一位將走完人生道路的老人，此畫呈現的問題，高更自己也無解，但他沒有捨棄反映生活之美的願望，所以到遙遠的他鄉，追尋自己想像和幻想世界裡的人生理想境界。本書精選高更一生代表作品420幅，並有多篇有關高更各時期生活與藝術創作的論述文章，提供對高更其人其藝最深入的體認與鑑賞之道。
名畫投資與品味
最近國內陸續舉辦世界名畫展，究竟他們的畫好在那裡？您知不知道投資畫作既有品味，其利潤亦以百倍計算？本書分析頂尖畫家及其作品特色，畫派、畫法、鑑賞與入門之道，可說是亂世理財致富的新選擇！三十年前，旅日企業家邱永漢先生有心提升台灣文化素養，每月資助五千元給有潛力的畫家，當時簽約的有王藍、沈哲哉、陳輝東、趙二呆、劉奇偉、廖石珍等；後來也收藏廖繼春、席德進畫作，當時每號不過兩、三千元，如今價值何止千倍！可見藝術雖曰無價，如眼光精準，投資更易致富。行有餘力還可投入藝術基金或拍賣會，獲利更豐；每日賞玩收藏品亦令人心曠神怡，誠為養生最佳選擇。本書介紹作者心目中的世界第一名畫，分析畫家及其作品特色，兼談畫派、畫法與鑑賞，不僅可作為入門參考書，還能提升個人文化水平與品味，更係亂世理財與投資另類指南，不可不讀。
中國畫家略傳
中國繪畫藝術名家，過去在每個朝代，都有很突出的代表人物，創造了自己的心靈世界，讓後人神遊其中。不但照耀著中國的繪畫史冊，而也炫耀於世界，可是讀者對中國的古繪畫藝術名家，恐就沒有那麼熟悉了。原因是在文學敘述方面，多散佈在各種古籍內，既簡略、又深奧，甚而亦無句談，因此不能普遍。坊間雖然也有關這類的史籍，大都枯燥乏味，難以吸引讀者發生興趣。 作者於是花了多年的時間，去搜集資料，於每一個朝代中，找出極具有代表性，及其影響後世的藝術名家，撰寫成數十篇短文，共約十數多萬言，按他們生平年代次序編排。 本書既可當中國繪畫藝術簡史來讀，亦可當各名家略傳來看。作者力求深入淺出，儘量使其故事化、趣味化、通俗化。凡是愛好藝文的青年男女，大、中學生，社會青年，都能看，都能懂。也可供專家參考，更能讓讀者從書中吸取他們成功的經驗。本書特色 ★既可當中國繪畫藝術簡史來讀，亦可當各名家略傳來看。 ★以通俗、趣味方式深度介紹各朝名家，可讀性高！
解讀高更藝術的奧祕
保羅．高更是近代美術史上「後期印象派」中，與梵谷、塞尚齊名的一位重要的代表性畫家。高更的一生充滿了傳奇色彩及冒險精神，他為了追尋自己心靈深處的理想境地，以及親身去感受世間不受污染的真實與純淨，他寧可捨棄文明及優渥的生活，遠行至南太平洋的大溪地島嶼，甘願去過一種別人難以想像的簡樸生活；同時，高更以真性情去愛、去探索一種原始、野性的藝術真實內涵，並將之創作在自己的繪畫及雕刻上面。另外，高更還以文字、插圖來記錄內心所感，呈現藝術家另外一種真實與異想的層面。但到底是什麼原因讓高更願意離鄉背井、遠去他鄉呢？還有高更繪畫裡畫過的許多裸女，她們與畫家之間都曾產生過情愫，這些奧祕，在本書中都一一為讀者解開謎底。《解讀高更藝術的奧祕》一書，作者以觀察者的另類角度、抒情而感性的筆調，將高更的一生與藝術按照年代加以分解，共區分為六大篇章：「夢想的啟航」、「初嚐的原始」、「狂野的愛情」、「文明的都會」、「自由的天堂」，以及「死亡的籠罩」。而每一篇章內包含有十項小標題，條理分明地去解讀有關高更每個年代的生平、藝術與人際關係，並佐以藝術家各階段的繪畫作品或圖像照片等，來相互比對印證。讀者可像閱讀傳記般來欣賞本書，進而領悟這位偉大藝術家從誕生到奮鬥，最後完成個人使命的一段艱辛歷史故事。
藝術中的吃喝
從達文西〈最後的晚餐〉、馬奈〈草地上的午餐〉、雷諾瓦〈煎餅磨坊的舞會〉到梵谷〈阿爾的夜間咖啡屋〉，橫跨六個世紀、共一百幅關於吃喝的名畫，帶領我們來場主題式的藝術之旅！ 這是一場主題式的藝術旅行，目的是帶我們逛遍東西方描繪吃與喝的100幅名畫。 從達文西〈最後的晚餐〉、維拉斯蓋茲〈以馬杵斯的晚餐〉、馬奈〈草地上的午餐〉、雷諾瓦〈煎餅磨坊的舞會〉、梵谷〈阿爾的夜間咖啡屋〉、克利〈吃魚可以補腦〉，到馬格利特的〈魔術師〉──所有有名及不有名的、有趣及沉重的、寫實及幻想的關於吃與喝的世界名畫，都在這本按年代編排的畫集中，逐一羅列。每幅畫旁並配有數百字的文字解說，讓我們得以在精簡的圖文中，暫時將沉重的藝術史擱置一旁，換一個門道走進藝術。 本書為「名畫饗宴100」系列的第一本書，此系列的用意在於透過主題式的規畫，打開藝術史解述的無限可能，讓我們經由圍繞著與生活貼近的主題的100幅名畫，觸類旁通地領略十幾個世紀以來的東西方藝術發展。
文藝復興巨人達文西
畫下《蒙娜麗莎》、《最後的晚餐》的曠世奇才李奧納多‧達‧文西，在藝術、自然、科學與音樂領域上都留下了重要貢獻，達文西也因此被讚譽為歷史上最偉大的天才。他專注而執著地探究自然界，在科學與藝術中貫徹、實踐「人」所能發揮的極限，如果能簡明的評斷達文西的一生，我們應該可以這樣說：依循科學邏輯尚真的路徑，追索藝術創造求美的理想。在行進中檢視巨人的印記，揣摩巨人的身影，聆聽巨人的跫音。本書詳列達文西生平各時期，帶您探尋達文西與他的時代，全方位介紹這位藝術大師與科學天才的傑出成就，細數他為人類留下的無數珍貴智慧遺產，一覽這位文藝復興巨人傳奇精彩的一生。本書特色本書介紹文藝復興大師李奧納多‧達‧文西的生平與經典畫作。以時間的推序，引導讀者走過達文西的一生，追尋和理解這位超越自身所處時代達數世紀的大師心靈。
班哲明.杜克作品集
StatementIn my paintings I ask myself “Is this the way the world is?’ I reshape and retool my painting experience to answer that question. But while the question begins with the world, it ends with the work itself: “Is this the way the world is in this work?”The search is for the world in painting and painting in the world (painting worlds/ paintings’ world). Am I in the world or is the world in me? I allude to my life, to writers’ works, and to artists’ imagery. It is my hope that this record of allusion conjures and creates the same. I am referring to text, theory, idea but I am also finding myself already there, looking out to see in.創作自述在我的畫作中，我會問自己：「這就是世界的樣子嗎？」為了回答這個問題，我不斷地重新打造和組織自己的繪畫經驗。然而，當問題從世界開始之時，它卻在作品本身中找到了答案：「這就是世界在這幅作品中的樣子嗎？」在追尋畫中世界的同時，我也將對這世界的呼應轉成繪畫。而這個“我”，是存在這世界之中，還是我透過生活、作家的文字與藝術家的意象，間接地建構“我的世界”。因此，當我涉獵與這世界相關連的文字、理論和觀點之後而創作，才發現自己已身險其中，卻也置身在外。希望我這樣的創作方式能喚起並還原這宇宙萬物最貼切真實的面貌。
新古典主義最後大師：安格爾
〈大土耳其浴〉之理想裸體美的源頭 西方新古典主義最後一位大師──安格爾的生涯與代表作品介紹 尚—奧古斯特—多米尼克．安格爾（Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867）是新古典主義最後一位大師，法國19世紀代表畫家之一，也是法國古典學院美學的守護者。1820年代他留學羅馬時寫信給巴黎的友人說：「藝術在今日實有革新的必要，我要做一位革命家。」在法國大革命浪潮高漲的激動時代，安格爾追求繪畫的新表現，傾注熱情，成為法國學院派的最高權威者，擔負起「美的革命家」角色。 安格爾在繪畫和音樂方面的才藝，得自環境與天賦才能。他曾投入當時盛享榮譽的大畫家雅克路易．大衛門下，1799年進入巴黎藝術學院（官立美術學校）大衛的教室，翌年以油彩〈男性半身像〉裸體畫習作獲比賽第一獎，1801年更獲得法蘭西學院官費留學「羅馬獎」。後因法國大革命之故，至1806年才實現留學羅馬的願望。 安格爾目睹古代及文藝復興時期巨匠們的生動作品，對他的人體描寫繪畫有徹底導正的影響，這種衝擊不僅在強而有力的男性像表現，也呈顯在女性人體畫上，代表作〈大土耳其浴〉就是一例。他特別心醉拉斐爾描繪的優美調和的繪畫，並致力於人體解剖學研究，開始了「美的革命」。 安格爾的繪畫，在典雅、沉靜上達到新古典派繪畫的極致。他致力於理想美的表現，以唯美的觀點對有機生命的人體作靜觀的直接刻畫。安格爾的許多裸體女性和肖像畫，都具有精確素描力，他的畫法不留出筆觸，而以面和線為主，捕捉光與色，在完整的形式中表現美，內容和形式同樣生動而堅實。做為新古典主義的最後一位大師，安格爾的生涯與代表作品，在本書中獲得了淺顯而詳盡的解讀。
現代繪畫之父：塞尚
百張彩色圖片、詳盡文章解說 追溯現代繪畫之父──塞尚的藝術歷程與代表作品 塞尚（Paul Cezanne, 1839-1906）一生的藝術生活，都從自身接觸自然而來。他觀察自然，把眼睛所吸收的自然界現象，時時推移、刻刻擴張。這種推移和擴張，都從他的心靈和自然專一上迸發出來。塞尚所追求的重點，是在自然中主張維持藝術的「恆久相」，確定在不變易的一面，所以他依著執拗的筆觸和粘液質的手法來吸收自然。我們看塞尚的作品，第一個印象就是結構和感情，他的靜物畫，包括果實、陶壺、一塊布，不僅是描繪，卻好像蓋房屋一樣地雄厚。 1836年他在巴黎，經左拉介紹，與印象派畫家馬奈、畢沙羅、雷諾瓦等人交往，參加印象派展覽。他承認和尊重印象派在外光和色彩上的成就，但覺得印象派的描繪法太表面、飄浮，因此他探索不同於印象派的表現法，注重表現物質的具體性、穩定性和內在結構。他主張不要用線條、明暗來表現物體，而是用色彩對比。他說：「線是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之間的對比。物象的體積是從色調準確的相互關係中表現出來。」1879年他離開巴黎，回到法國南部故鄉後，便以此主張進行探索，從形、色、節奏和空間等要素表現質感的多樣，探索事物內在的奧祕。 塞尚生前作品鮮為人賞識，參加官方沙龍年年落選。但是今天，塞尚早已被舉世公認為西方藝術的重要大師。他一生留下近千幅油畫和五百幅素描及水彩畫。1995年9月巴黎大皇宮舉行「塞尚回顧大展，法國文化部長伯勒濟指出：「塞尚的藝術成就獲得一致的肯定，已有一個世紀，世界各地美術館以典藏其作品為榮。這個世界性的光榮，事實上有一部分是由塞尚體現出他那孤獨完美藝術家的神祕性形象，以及他那深深讓我們感動的使命感所造成的。」塞尚的偉大，在於提出一個時代權威的理論，讓後世引用和推崇。本書以淺白的文字與百來張作品圖片，追溯塞尚做為現代繪畫之父的歷程與代表作品。
後現代藝術大師：勞生柏
後現代主義藝術大師、「集成繪畫」代表藝術家──羅伯特‧勞生柏藝術生涯與作品之追溯名列美國二十世紀戰後現代五大畫家之一的羅伯特‧勞生柏（Robert Rauschenberg, 1925-2008），在20世紀60年代美國普普藝術興起時在藝壇嶄露頭角，對多種材質與新觀念的揉用創作也被稱為「新達達藝術家」，勞生柏在媒材運用上無所不可，藝術造形上更是無奇不能，藝術的創造力持續不斷，積極進取的人生觀，加上對世界人文的關懷，促成他的影響力廣泛，聲名無遠弗屆。從他一生的藝術作品與時代趨勢來論定，勞生柏在美術史上應是「後現代主義」藝術大師。勞生柏生於美國德州的亞瑟港，曾在巴黎朱利安學院求學，又於黑山學院就讀。他揚名後世的「集成繪畫」，把不同物體黏貼作畫的畫布或木板上，成為一種立體特性作品，畫作與物件的並置形成新景觀。這樣的創作概念與形式成為現今裝置藝術的源頭之一，這種多件式集合創作得自約翰‧凱吉的觀念，藝術家能創造出封閉畫面以外的視覺空間，觀者更能全面體驗作品彰顯的意涵。〈可樂計畫〉、〈Monogram（姓名縮寫）〉輪胎山羊）等都是他著名代表作。勞生柏的藝術像其他後現代藝術一樣，反映了當代的社會人生。70年代時他以美國現代畫家的身份揚名海外，90年後勞生柏把世界各地的藝術融化成一身。本書是勞生柏藝術生涯與作品之追溯，以百張彩色作品圖片，為這位美國藝術大師的生涯提供詳盡解讀。
心的色鉛筆塗繪世界名畫【明信片式隨身版】
以塗畫為起點，轉換情緒，舒緩壓力，激盪腦力找回專屬自己的心靈色彩！本書收錄梵谷、莫內、克林姆、達文西、拉斐爾、米勒、秀拉、盧梭、雷諾瓦、塞尚10位藝術大師傳世經典畫作16幅*獨特明信片式設計*16幅精緻彩圖+16幅自畫線稿=32張明信片*最具個人風格*送禮自用最佳選擇 ■你覺得煩燥得快要爆炸了……你覺得很blue，心情低落到不行了……趕快翻開這本色鉛筆塗畫書、拿出色鉛筆畫畫吧！你將會發現，其實一切真的沒你想像得那樣糟，好心情指數立刻直線上升！ ■本書獨特的編排方式──清楚簡單的示範教學＋精緻原彩畫＋原彩畫的線稿圖，貼心設計成精巧尺寸，滿足畫者隨時隨地都能塗畫的需求！ ■本書收錄梵谷、莫內、克林姆、達文西、拉斐爾、米勒、秀拉、盧梭、雷諾瓦、塞尚10位藝術大師傳世經典畫作16幅+ 塗繪線畫16幅，特別設計成精巧明信片尺寸，方便喜愛著色者隨身攜帶，或放在包包裡、或放在辦公室抽屜，想要抒發情緒、平靜心靈時，立刻就能拿起色鉛筆塗畫。
達文西為什麼是大師達文西？
生動而深入的解說大畫家的生活點滴、創作動機、背景故事及藝術成就 以圖文對照、條理分明的方式，闡釋大師之所以成為大師的原因及其風格 用不同欣賞角度和細部放大的透視效果，讓讀者領略大師精妙之處 集結典藏於九國二十三個博物館內的名作，並詳細註明畫作收藏地點及尺寸，便於讀者自行查檢 世界頂尖義大利Mondadori印刷廠原版精印，色彩清晰且準確，完整保留原畫作高品質、高格調的風貌
從0開始圖解梵谷
以圖解的方式解讀後印象派大師 [梵谷] 燃燒的靈魂‧1888年世人都說他瘋了‧100年後卻有人以10億台幣買下他的名畫「向日葵」不到四十歲即自殺身亡，投入繪畫創作短短十年，完成將近九百幅油畫、上千幅素描，還寫下七百封多封書信……全面剖析「梵谷」的一生及其作品的風格與技巧梵谷是十九世紀後印象派的畫家，也是二十世紀表現主義的先驅，他的畫作筆觸厚重，色彩鮮豔，多在抒發內心的情感世界，讓觀畫者感受到深深的震撼力，如今他的作品廣受大眾喜愛，一幅畫往往是上億台幣的身價，堪稱現代家喻戶曉的偉大藝術家，然而梵谷生前卻被當成笑話、瘋子，畫作更是乏人問津，導致他抑鬱而終，無緣親眼見證日後世人的肯定與讚美，讓人不禁為之嘆息。要述說梵谷的生平好像很容易，他和拉斐爾一樣，不到四十歲就撒手人寰，其中投入繪畫創作的時間，也不過短短十年，與其他長壽藝術家動輒五、六十年的創作生涯相比，梵谷的生平和創作似乎相當短暫。但是他在十年的創作時間中，卻完成將近九百幅油畫、八百多幅素描，還寫了七百封多封書信，和親友大談他的理想與熱情，這份毅力與創造力實在耐人尋味。我們忍不住要問： 明明沒有買家青睞，是什麼力量讓梵谷拼命作畫，一畫就是整整十年？是多麼孤寂的靈魂，讓梵谷每天作畫之餘，還要拿出紙筆，寫下一頁頁心情心事？是如何激動的心情，竟讓梵谷割去一邊耳朵，甚至割捨最寶貴的生命？曾經滿懷理想，一心拯救貧苦眾生的梵谷，最後還是無法拯救自己。在欣賞「向日葵」的黃、「鳶尾花」的藍，感受「星夜」和「麥田烏鴉」的暗潮洶湧之前，不妨先大略瞭解一下梵谷是如何度過他傳奇、悲劇性的短暫人生。本書以圖解的方式，讓您瞭解梵谷的作品，為何直至今日仍不斷放射出奪目的色彩與熾熱的情感，吸引眾人的目光。本書將透過作者陳彬彬的帶領，讓您～．結合梵谷生平與畫作，讓您欣賞梵谷畫作的同時，同時瞭解作品背後的故事。．完整而全方位地介紹梵谷短暫而璀璨的一生，也同時認識梵谷所有重要作品。．梵谷彩圖細部解說，詳細說明圖上重要、值得注意的部分，讓您對畫作有更深的體會。．「視野延伸」讓您從梵谷的畫作中伸出觸角，認識印象派以及其他名家的重要作品。一步步，走進梵谷的世界。
台灣少年世界夢
梵谷的傳人、聯合國文化大使 陳錦芳自傳 他是《小王子》中文版首位譯者，他是第一個拿到法國巴黎大學藝術史博士的東方人，他被譽為梵谷的傳人，也是聯合國的和平文化大使。 對於作為藝術家的我來說，雖然我已經是一個「大人」，還是「老大人」，但我無須「返老還童」，因為我始終保有這樣的赤子之心，始終用最單純、真摯的眼光，用無私、無邪、無我的心靈來觀察、涉處於這個大千世界。 我雖曾涉足海外民主運動，並且被列為禁止返鄉的黑名單，但一直以來，我都自認是文化人，而不是政治動物。我始終無黨無派，一生只想當一個藝術家。我認為文化乃萬業之本，缺少人文的社團活動容易俗化、物化，尤其是政治運動，往往走向偏激而常以爭權奪利告終，違背早年的理想。人文修養則使人高瞻遠矚，虛懷若谷，兼容並包，並且珍視在追求理想過程所帶來生命的提昇，更甚於目標達成的獲利。藝術的追求何嘗不是這樣呢？ 「人生苦短，藝術永恆。」我十四歲被梵谷感動，立志到巴黎當畫家。二十八歲在義大利文藝復興的聖地得到啟示而決心促成台灣成為全人類「新文藝復興的聖地」而奉獻，我今年已七十歲，但藝術家無退休的權利，我除了繼續創作外，也持續推動「為人類而藝術」世界巡迴活動，同時為台灣發聲。 出版這一本紀錄自我生平與思想的小書，並不是要博取任何的讚美，也不是要大家的掌聲。我大半生的創作與思考已成結晶，然而在人類偉大的歷史長河中，我所作的仍然只是一個拋磚引玉的工作。希望透過這本小書，能夠獲得讀者的了解與意見的交流。更期待相互衝擊激蕩，創新整合而成的一個新台灣文化誕生，再次引領全人類的新文藝復興。 這是陳錦芳的故事，也是台灣的故事，也是寫給所有台灣少年的故事。 他是道地的台灣少年，曾經在海外從事民主運動，被列為黑名單，21年無法回到家鄉，他以台灣出身的畫家，卻在世界藝壇揚名。 陳錦芳，一個台灣人不能不認識的名字，一個用少年情懷擁抱世界夢的藝術家。
VAN GOHO不朽的印象派巨擘：梵谷
對於許多梵谷迷來說，是這樣坎坷波折的道路，造就出美術史上亮麗璀璨的巨星；還是梵谷狂熱燃燒的性格與堅持，早就選擇了自己與眾不同的道路，而成為今日跨時代的畫壇巨匠，相信誰也無法拍板定案。但是一位生前僅拍賣出一幅400法郎畫作的畫家，卻在死後成為國際拍賣市場的嬌客，其拍賣金額屢屢創下當時交易的天價，這是命運作弄梵谷，命中注定無縁親自享受榮耀加身的幸福嗎？ 梵谷一生流浪遷徙、瘋狂崩潰，最後甚至以舉槍自殺來結束生命，幾乎找不到哪方面可以慰藉孤獨的心靈，沒有愛情、家庭、事業與財富，卻也阻擋不了梵谷熱愛繪畫的執著。而這些生命的轉彎處，正是梵谷浴火蛻變的起點，代表每一次的挫折打擊，都將梵谷推向更上樓層，一步步邁向榮耀之門。◎本書詳細介紹梵谷每個轉捩期的時代背景、地理環境、畫作由來、繪畫特色，瞭解梵谷如何在惡劣的外在條件下，還能繼續充滿熱情的努力創作。◎想要快速瞭解梵谷最有名的畫作，不必到處收集資料查看，紙上畫廊讓你快速充電、迅速掌握梵谷的畫作精華。◎如果認為梵谷只是風景油畫成名，那就大錯特錯了！梵谷的素描、仿畫、人物及靜物等畫作主題，才是真正的繪畫功力展現！◎十九世紀後期藝術史上興起了許多劃時代的趨勢風潮，梵谷與他的朋友們一起締造了輝煌且影響深遠的革命運動，你可能到現在仍身處這些影響中。◎一生窮困潦倒的梵谷，絕對沒有想到自己的畫作會成為日後拍賣市場的天價保證，想知道究竟是哪些畫作拍賣出創紀錄的高價？金額又是多少呢？絕對讓人瞠目結舌！◎梵谷的高知名度經常成為博物館號召藝文人士參觀的利器，許多博物館則以專門展區展出梵谷的畫作自豪，這裡提供梵谷迷瀏覽畫作的博物館藏資料。本書特色◎ 快速瞭解梵谷一生，有效掌握各期畫作的重點與特色賞析◎ 畫作種類完整豐富，油畫、素描、仿畫、人物及靜物畫蒐羅齊全◎ 圖文介紹影響梵谷的十二位大師，完整串聯印象派時期畫壇盛事◎ 屢創拍賣天價紀錄的知名畫作一次到位，教導讀者如何看出門道◎ 全球博物館風靡梵谷熱，本書帶您博覽梵谷館藏畫作專區
梵谷 Van Gogh
對於成為藝術家、成為畫家的執著，已將梵谷變成一個傳奇和神話：而正是這種執著和癡迷將他推向絕境，疾病和瘋狂。這個神話的衝擊力有多大很難測量，今天只有在他描繪的向日葵的黃色中、在阿爾他的房間不可思議的空間中、在那些夜空下令人驚異的美景中顯現出來。梵谷是表現主義的先驅，並深深影響了二十世紀藝術，尤其是野獸派與德國表現主義。梵谷的作品，如《星夜》、《向日葵》與《有烏鴉的麥田》等，現已擠身於全球最具名、廣為人知與昂貴的藝術作品的行列。本書特色 1.本書為2010年最新完整版，為蒐羅梵谷一生最經典、最完整的畫作集。2.本書呈現每幅畫作，都深刻描述畫作背後令人動容的故事。3.本書特別敘述梵谷一生中最重要和廣泛的創作期，就是從1880年到1890年飲彈死亡的這最後10年，而且此時期他大量創作了1000多幅作品。4.因為他的一生處於歐洲社會和歷史動盪時期。這位荷蘭藝術家尋求的是最出其不意，他總是樹立新的目標，這種特質造就了梵谷革命性的畫風，在繪畫史上留下重大的影響性。5.從梵谷27歲開始，展開其繪畫的人生，本書從其初期創作、中期轉型至晚期巔峰，有規畫的呈現其繪畫生涯，堪稱當今梵谷畫冊圖籍中最為完整和翔實的一本。
達文西 Leonardo
達文西是一位義大利文藝復興時期的多項領域博學者，同時他也是建築師、解剖學者、藝術家、工程師、數學家、發明家，他無窮的好奇與創意使得他成為文藝復興時期典型的藝術家，而且也是歷史上最著名的畫家之一。達文西以其畫作寫實性及具影響力聞名，前者如《蒙娜麗莎》、《最後的晚餐》以寫實著稱，後者像《維特魯威人》對後世影響深遠。本書特色 1.本書畫作賞析內容，可展現出達文西是畫家，建築學家，機械學家，科學家，自然研究學者，繪畫理論家，地質學家以及物理學家。2.本書展現了達文西充沛的想像力，在其繪畫作品中的得以體現，當然其中也有數百件畫滿了奇思妙想的草圖，充分展示了他對所有科學門類超前的洞察力。最終，這些科學門類殊途同歸，歸納為對於生命的觀察，並通過繪畫藝術獲得和諧與平靜。3.本書蒐羅達文西一生最精采的創作、最豐富的作品，堪稱2010年最新完整版的達文西創作集。4.本書所搜集的作品，都會附上背後曲折的故事，宛如一本生動的達文西畫作自傳。
世界著名圖像的秘密
假如你喜歡藝術，你需要這本書幫你充實藝術知識；假如你不喜歡藝術，你更需要這本書，它能讓你不知不覺中就愛上藝術，並很快熟悉一切西洋美術史該有的常識。我們欣賞一個藝術品時，很自然的就會先看標題或創作者的名字，接著在標題與作者中找出與作品間的關聯，幫助我們理解藝術品裡的意境。如果圖像的背後沒有那些故事，我們還能欣賞這幅圖像嗎？世界著名的圖像裡，都隱含著許多不為人知的秘密。按著「解密」的原則，本書分為七個單元，讓讀者發現：1.古人藏在圖像裡的秘密2.藝術家與人體模特兒間的秘密3.圖中人或雕像背後的秘密4.藝術家與藝術家間的秘密5.藝術與政治間的秘密6.藝術與國界的秘密7.藝術家構思時的秘密創作者留在世間的不只是藝術品本身，也隱藏著創作者希望讓人知道，或是害怕讓人知道的各種故事。無論你的藝術知識如何？審美常識如何？只要你愛看故事，就請你開懷放膽，進入作者所為你營造的藝術世界裡。本書特色：一本帶你解開175幅世界著名圖像裡的秘密，讓你走進圖像創作者內心世界的奇妙導覽！＊ 《最後的晚餐》裡真的藏有女人嗎？《蒙娜麗莎》會是達文西的自畫像嗎？梵谷《割耳後的自畫像》是為了高更而自殘嗎？世界著名的圖像裡，隱含著許多不為人知的秘密，秘密一解開，你就會在不知不覺中愛上藝術。 ＊ 市面上討論名畫或雕刻的書籍雖多，但讀者看懂卻很難。原因一是文字太深、過於理論，非藝術科系出身的人難以理解；二是不合國情，在講解希臘神話或聖經人物時一筆帶過，對東方讀者來說並不合用。＊ 怎樣看懂名畫？要看懂故事下手。本書是針對東方社會的讀者，講述175幅世界名畫與雕刻背後的的精彩故事，文字簡練、條理清晰，配合彩圖，詳加解說，讓你很快就能熟悉品味西洋美術史的法門。本書能讓各階層的讀者更了解藝術內涵，更知道如何欣賞世界著名圖像，以下是出版前網友搶先閱讀後的心得推薦節錄：＊ 這本書讓我懂得在課堂上，怎樣對沒興趣上課的學生，說明「藝術家不是藝術工匠，而是能把自己的思想和理念，巧妙地嵌合在圖像中。」讓我們在欣賞藝術品的同時，也一起解讀藝術家的故事。＊ 藝術背後的故事，就像我們身上的溫度。一座最真、最美的雕像，若是沒有溫度，依舊只是雕像。在閱讀本書時，我感受到很多世界名畫創作者的溫度，我想，這也就是這些名畫會永遠流傳的原因。＊ 這本書能在介紹世界著名藝術品時，還能兼顧知識性、資料性、故事性與趣味性，對喜歡藝術的讀者，是值得珍藏的圖解藝術發展史。對一般讀者而言，也是一本輕鬆易讀的藝術入門書。＊ 我就是書中所說那種「不懂構圖、光影、色彩、比例等技術的人」，原本我也認為自己今生都要跟藝術品「絕緣」了。沒想到透過好看的故事，讓我的藝術常識增加不少。對於即將來台展出的梵谷畫展，我也有勇氣在同學間談論這個話題了。＊ 我從青少年時就很喜歡欣賞名畫，卻買不起昂貴的藝術鑑賞書籍，這本書滿足了我的需求。尤其是讀完後我推薦給孩子一起閱讀，接著再圖文對照著討論，讓我我覺得親子關係更融洽了。
後期印象派大畫家：梵谷名畫五百選
梵谷五百件畫作選集，大開本蒐錄梵谷四個時期之畫作：〈食薯者〉、〈向日葵〉、〈鳶尾花〉、〈隆河星夜〉、〈夜間咖啡館〉等另附介紹與評論專文，帶領讀者進入梵谷充滿生命力的藝術心靈 梵谷不僅是一位偉大的畫家，也是一位出色的作家與哲學家。他用濃重的色彩、跳動的筆觸，表達內心的感情，正如他自己所說，是用他的心來畫畫的。因此梵谷的畫富有強烈的感染力，他筆下的樹像在伸展，土地像在翻騰，給人以生氣勃勃的印象。而那像燃燒著的向日葵，則高唱著生命的贊歌。直到現在，梵谷的〈向日葵〉仍是美術史上最受歡迎的靜物畫。 梵谷的繪畫，帶給我們無限的美、幻想與豐富的感情。欣賞充滿熱情的梵谷油畫，就像眼前展現一個嶄新的美麗新世界。正如梵谷的一位崇拜者嘉塞醫生所說的：「……他的愛，他的天才，他所創造的偉大的美，永遠存在，豐富著我們的世界。」 梵谷的多產，為他艱困的37年生命，在藝術史上留下一條五彩繽紛的飾帶。本書以大開本蒐錄梵谷一生中共500幅重要畫作，依藝術家生涯的四個時期排列，並附上數篇國內外評論梵谷的專文，帶領讀者在〈食薯者〉、〈向日葵〉、〈鳶尾花〉等傑作的導引下，進入梵谷熾熱耀眼、充滿生命力的藝術心靈。
梵谷傳
梵谷的畫生前沒人看得起，死後沒人買得起。梵谷的藝術，高度上傳宗教，廣度遍及人性，深度則逕探生命的焦點。他對我們的震撼，正在神人相接的焦點。詩人之中唯霍普金斯的〈星光夜〉(The Starlight Night)能與梵谷的同名傑作相比。霍普金斯的其他詩篇如〈斑斕之美〉(Pied Beauty)與〈歡頌秋收〉(Hurrahing in Harvest)，情緒之高昂、意象之繁富、節奏之亢奮，幾與梵谷之畫不謀而合。梵谷一生有兩大狂熱：早年想做牧師，把使徒的福音傳給勞苦的大眾，卻慘遭失敗；後來想做畫家，把具有宗教情操的生之體驗傳給觀眾。他說：「無論生活上或繪畫上，我都可以完全不靠上帝，可是我雖然病著，卻不能沒有一樣比我更大的東西，就是我的生命，我的創造力......在一幅畫中我想說一些像音樂一樣令人安慰的東西，在畫男人和女人的時候，我要他們帶一點永恆感，這種感覺以前是用光輪象徵，現在我們卻用著色時真正的光輝和顫動來把握。」「光輝和顫動」(radiance and vibration)正是梵谷畫中呼之欲出的特質。本書特色★十九世紀最偉大藝術家之一的梵谷，集狂人、詩人、情人於一身。★2010年為梵谷逝世一百二十週年，全球再度掀起梵谷熱。★本書於一九五七年由重光文藝出版社初版，此為余光中教授最新的修訂版。★史博館與聯合報系主辦「燃燒的靈魂──梵谷」特展，從2009年12月11日至2010年3月28日，是華人世界首見最完整的梵谷個展。★與「燃燒的靈魂──梵谷」特展合辦余光中演講活動★全書近35萬字，百年難得一見的奇書。★余光中總論梵谷、手繪梵谷行程地圖、詩作★欲了解梵谷的人、畫作、評論，這是最完整的一本書★唯一用小說形式還原梵谷的一生。
梵谷為什麼是大師梵谷？
每位畫家的創作各有巧妙不同，但不同處究竟在哪裡？雖然要認出一位畫家的作品，一開始可能會有摸不清方向的感覺，但事實上也可以像辨認朋友的簽名般的易如反掌。 藉著本書中對梵谷十二幅精心傑作所做的深入探討，從色彩、線條、造型、構圖和主題，全面掌握梵谷創作中與眾不同的特色，幫助我們一眼認出梵谷作品的種種線索，發掘大師梵谷不為人知的小秘密。本書特色 ★生動而深入的解說大畫家的生活點滴、創作動機、背景故事及藝術成就。 ★以圖文對照、條理分明的方式，闡釋大師之所以成為大師的原因及其風格。 ★用不同欣賞角度和細部放大的透視效果，讓讀者領略大師精妙之處。 ★集結典藏於九國二十三個博物館內的名作，並詳細註明畫作收藏地點及尺寸，便於讀者檢索查閱。 ★義大利印刷廠原版精印，世界級品質色彩清晰且準確，完整保留原畫作高品質、高格調的風貌。
希臘羅馬神話：神話101
101則希臘羅馬神話有趣故事與名家畫作，活靈活現遠古希臘羅馬時代人神共處的奇妙神話世界，讓諸神傳奇栩栩如生的躍然紙上。
德國文藝復興最偉大畫家：丟勒
歐洲文藝復興時期最偉大藝術家之一──丟勒百幅以上自畫像、風景畫、版畫作品與生涯介紹十五世紀的德國美術，與法蘭德斯同步，從中世紀開始屬於都市同盟的繁榮商業都市為根基而蓬勃發展。在繪畫方面，最著名的代表人物就是阿爾布里希特．丟勒（Albrecht Durer 1471-1528），他被稱為十五世紀德國文藝復興的代表藝術家。丟勒的繪畫，初期學習法蘭德斯細密描寫的技法，從宗教畫的傳統題材，逐漸轉而關心現實的景物，充滿了自然與人的情感。丟勒早期很顯著受到義大利美術的影響，22歲訪問威尼斯，驚訝的發現藝術家與與哲學家、科學家受到同等的尊敬。因為當時的德國，藝術家尚未脫離職人的領域，畫家等同匠人。他不僅學習義大利繪畫，也吸收有關藝術方面的知識，傳回德國。丟勒先後作過數幅自畫像，在1500年所作的一幅〈自畫像〉，顯示了他對「義大利的憧憬」，如攝影一般逼真的自畫像，正面向端正的姿勢，描繪出左右均衡完璧的三角形構圖，顏面擬似基督，這是丟勒把藝術家的才能賦予神化，自比成義大利的人文主義者，一種理想化的造型。畫中的毛皮質感的寫實緻密表現，繼承自尼德蘭繪畫大師楊．凡．艾克的法蘭德斯繪畫的傳統。此畫被譽為歐洲美術史上最早期「獨立」的自畫像。這幅丟勒的〈自畫像〉現藏於慕尼黑國立古美術館，藝術史家哈以塞看了這位深得民愛戴的藝術家的本來面目給人們的印象是：「丟勒是一位誠實、真摯、不負使命，值得誇耀的藝術家典範。」丟勒的早期風景畫作品，與達文西的風景畫併為先驅者。〈亞科景色〉，描繪富饒趣味的山景，〈一大片草地〉描繪茂盛而生機盎然的野草，好像一首草葉和蘆梗演奏的交響樂，〈卡西魯斯村〉則是一幅寫實的村落景像，淡淡的靜謐氣氛令人悠然神往。這都是丟勒的風景畫名作。十五世紀的德國盛行民眾藝術的版畫，丟勒是一位著名的版畫家，代表作品有〈啟示錄〉、〈憂鬱〉、〈騎士、死神與惡魔〉、〈馬利亞的生涯〉等系列連作，運用交錯躍動的線條刻畫，對象描寫非常精緻動人，使得他的版畫作品深入影響到民眾的心中。丟勒的晚年是農民戰爭的年代，在這動亂之際，人們的不幸使他創作了很多驚世的繪畫，最著名的是〈四使徒〉油畫，描繪四位使徒有如?士般的哲人，是丟勒從生活的時代中尋找出來的理想的人間造像。丟勒的藝術在中世紀的德國佔有最高峰的地位，他也被後世藝評家推崇為歐洲文藝復興時期的偉大藝術家。
洛可可繪畫大師：福拉歌那
福拉歌那（Jean-Honore Fragonard 1732-1806），十八世紀法國畫家，以盈溢纖細線條、豐富色彩、優雅氣氛的風格，與布欣、華鐸等畫家同被歸屬洛可可代表畫家。本書是福拉歌那的生平、藝術特點與代表作品介紹，書中追溯福拉歌那一路堪稱平順的求學過程、他與布欣的師生之誼、至歐洲各地與其藝術風格的旅行，及他的肖像畫和風景畫因之產生的變化，和他在題材上的探索。全書並附以百張彩色作品圖片，藉以引領讀者體會福拉歌那時而細緻輕盈、時而奔放灑脫的藝術表現。
新書 西洋繪畫史上最具影響力的五十位畫家（精裝 ）
這是一本適合一般藝術愛好者、也是和美術科系學生的讀物，當然也適合許多覺得美術史世界深奧複雜、每次看展覽時只能走馬看花、滿心徬徨的藝術門外漢。本書也明確的寫作架構，將文藝復興時期到當代藝術中的五十位最具影響力的畫家，做了精闢的解析。國內大部分美術史相關書籍，都將內容重心放在作品解析上，但這本書則是「過程」與「結果」並重，為讀者開起一扇完整的藝術之窗：作者提出「影響說」，將影響了這五十位畫家的元素一一陳列。
現代主義色域繪畫大師：羅斯柯
用簡單的語言表達複雜的思想，用宗教的語彙昇華現實的創傷紐約畫派代表畫家馬克‧羅斯柯的生涯與藝術追敘探索現代主義時期色域繪畫的靜穆、靈光與禪性馬克．羅斯柯（Mark Rothko 1903-1970）為紐約畫派領導畫家之一，在1940年代末期開創色域繪畫風格，對美國二次大戰後現代主義抽象表現繪畫的發展影響深遠。羅斯柯1903年出生俄羅斯，是猶太裔，原名馬克斯．羅斯柯維茲（Marcus Rothkowitz）。1913年十歲時隨家人移民美國。1919年獲獎助學金在耶魯大學讀人文科學，後來遷居紐約，進入藝術學生聯盟，投入繪畫創作，此時受教於麥克斯．韋伯，結識畫友高爾基、史提爾、紐曼、杜庫寧與馬查威爾。這群美國年輕藝術家在第二次世界大戰後形成紐約派，並在紐約現代美術館舉行「美國十五位藝術家展」，得到全美與國際的注目。羅斯柯被評為紐約畫派的「神學」派中最完滿的畫家。羅斯柯於1938年歸化美國，1940年他37歲時在畫廊建議下，將原姓改為羅斯柯（Rothko），表示他改變風格的欲望，他與畫友葛特萊布在《紐約時報》發表聲言：「我們喜歡把複雜的思想用簡單的語言來表現。我們選擇大號的尺幅是因為它的衝擊力毫不含糊。我們希望重新建立繪畫的層面。我們使用平面的圖象，因為它能毀滅幻覺、表現真理。」開頭的一句──「把複雜的思想用簡單的語言來表現」，可說是羅斯柯一生繪畫追求的理念。羅斯柯的繪畫在四○年代受超現實主義影響，從古典神話與新舊約聖經故事中找尋他繪畫語彙的形體和題材，表現神秘的主題，並且對悲劇特別感興趣。歐洲猶太民族遭受的恐怖迫害，帶給他的精神創傷，引發他畫作主題的改變，羅斯柯視這項轉變為對救贖經驗的探索。1947年起，開始創作以色面的輪廓中浮游著長方形的抽象繪畫。1949年他發展出成熟的繪畫風格，在巨幅的直式畫布上，數個長方形色塊，或是不同彩度的薄染色層，相互平行排列，色域邊緣模糊而不平整，使朦朧色塊產生一種律動感。羅斯柯運用單純構圖，藉由色彩與光暈的交融，創造出引人凝神靜思心靈體驗。他的色域繪畫成就，是美國當代繪畫和歐洲畫壇分家的契機，很多人喜愛羅斯柯富有禪性，具有靈光的色域畫面。他避開了描繪細節的線條和任何暗示具體形象的造形，五彩繽紛色塊游移在空間，繪畫性的筆觸把形象簡化到只剩下色彩和筆跡。他的抽象畫都是浩瀚的尺幅，「我畫得大，正是因為我要它親密而有人性，畫得小就等於你把自己關在經驗的外面，如果你畫得大，你就在裡面了。」他畫出了宇宙的渾沌的感覺。羅斯柯著名的代表作，是1964年至1967年時為休士頓的梅尼爾家族委託創作的一組油畫，陳列在休士頓萊斯大學的一所小教堂，被稱為羅斯柯教堂，巨大的油畫，或黑、或藍紫和紫紅，表現生命的神秘與靜穆，追尋人生的終極哲學──赤裸又神聖的宗教體驗與感情。藝評家羅伯．休斯指出：進入羅斯柯教堂而不動感情是很困難的，……究竟是神秘主義者瞥見的「太虛」呢，還是一種令人難忘的戲劇性的空洞，要視每個人的希望而定。從功效來說，羅斯柯教堂是浪漫主義的最後沉默。羅斯柯一生創作八百多幅油畫，兩千件紙上作品，被推崇為二十世紀頂尖大師，他的繪畫為我們提供了一個冥想的立體空間，渾沌色域激盪了無數當代藝術家的心漪。
