後期印象派大畫家：梵谷名畫五百選
梵谷五百件畫作選集，大開本蒐錄梵谷四個時期之畫作：〈食薯者〉、〈向日葵〉、〈鳶尾花〉、〈隆河星夜〉、〈夜間咖啡館〉等另附介紹與評論專文，帶領讀者進入梵谷充滿生命力的藝術心靈 梵谷不僅是一位偉大的畫家，也是一位出色的作家與哲學家。他用濃重的色彩、跳動的筆觸，表達內心的感情，正如他自己所說，是用他的心來畫畫的。因此梵谷的畫富有強烈的感染力，他筆下的樹像在伸展，土地像在翻騰，給人以生氣勃勃的印象。而那像燃燒著的向日葵，則高唱著生命的贊歌。直到現在，梵谷的〈向日葵〉仍是美術史上最受歡迎的靜物畫。 梵谷的繪畫，帶給我們無限的美、幻想與豐富的感情。欣賞充滿熱情的梵谷油畫，就像眼前展現一個嶄新的美麗新世界。正如梵谷的一位崇拜者嘉塞醫生所說的：「……他的愛，他的天才，他所創造的偉大的美，永遠存在，豐富著我們的世界。」 梵谷的多產，為他艱困的37年生命，在藝術史上留下一條五彩繽紛的飾帶。本書以大開本蒐錄梵谷一生中共500幅重要畫作，依藝術家生涯的四個時期排列，並附上數篇國內外評論梵谷的專文，帶領讀者在〈食薯者〉、〈向日葵〉、〈鳶尾花〉等傑作的導引下，進入梵谷熾熱耀眼、充滿生命力的藝術心靈。
世界著名圖像的秘密
假如你喜歡藝術，你需要這本書幫你充實藝術知識；假如你不喜歡藝術，你更需要這本書，它能讓你不知不覺中就愛上藝術，並很快熟悉一切西洋美術史該有的常識。我們欣賞一個藝術品時，很自然的就會先看標題或創作者的名字，接著在標題與作者中找出與作品間的關聯，幫助我們理解藝術品裡的意境。如果圖像的背後沒有那些故事，我們還能欣賞這幅圖像嗎？世界著名的圖像裡，都隱含著許多不為人知的秘密。按著「解密」的原則，本書分為七個單元，讓讀者發現：1.古人藏在圖像裡的秘密2.藝術家與人體模特兒間的秘密3.圖中人或雕像背後的秘密4.藝術家與藝術家間的秘密5.藝術與政治間的秘密6.藝術與國界的秘密7.藝術家構思時的秘密創作者留在世間的不只是藝術品本身，也隱藏著創作者希望讓人知道，或是害怕讓人知道的各種故事。無論你的藝術知識如何？審美常識如何？只要你愛看故事，就請你開懷放膽，進入作者所為你營造的藝術世界裡。本書特色：一本帶你解開175幅世界著名圖像裡的秘密，讓你走進圖像創作者內心世界的奇妙導覽！＊ 《最後的晚餐》裡真的藏有女人嗎？《蒙娜麗莎》會是達文西的自畫像嗎？梵谷《割耳後的自畫像》是為了高更而自殘嗎？世界著名的圖像裡，隱含著許多不為人知的秘密，秘密一解開，你就會在不知不覺中愛上藝術。 ＊ 市面上討論名畫或雕刻的書籍雖多，但讀者看懂卻很難。原因一是文字太深、過於理論，非藝術科系出身的人難以理解；二是不合國情，在講解希臘神話或聖經人物時一筆帶過，對東方讀者來說並不合用。＊ 怎樣看懂名畫？要看懂故事下手。本書是針對東方社會的讀者，講述175幅世界名畫與雕刻背後的的精彩故事，文字簡練、條理清晰，配合彩圖，詳加解說，讓你很快就能熟悉品味西洋美術史的法門。本書能讓各階層的讀者更了解藝術內涵，更知道如何欣賞世界著名圖像，以下是出版前網友搶先閱讀後的心得推薦節錄：＊ 這本書讓我懂得在課堂上，怎樣對沒興趣上課的學生，說明「藝術家不是藝術工匠，而是能把自己的思想和理念，巧妙地嵌合在圖像中。」讓我們在欣賞藝術品的同時，也一起解讀藝術家的故事。＊ 藝術背後的故事，就像我們身上的溫度。一座最真、最美的雕像，若是沒有溫度，依舊只是雕像。在閱讀本書時，我感受到很多世界名畫創作者的溫度，我想，這也就是這些名畫會永遠流傳的原因。＊ 這本書能在介紹世界著名藝術品時，還能兼顧知識性、資料性、故事性與趣味性，對喜歡藝術的讀者，是值得珍藏的圖解藝術發展史。對一般讀者而言，也是一本輕鬆易讀的藝術入門書。＊ 我就是書中所說那種「不懂構圖、光影、色彩、比例等技術的人」，原本我也認為自己今生都要跟藝術品「絕緣」了。沒想到透過好看的故事，讓我的藝術常識增加不少。對於即將來台展出的梵谷畫展，我也有勇氣在同學間談論這個話題了。＊ 我從青少年時就很喜歡欣賞名畫，卻買不起昂貴的藝術鑑賞書籍，這本書滿足了我的需求。尤其是讀完後我推薦給孩子一起閱讀，接著再圖文對照著討論，讓我我覺得親子關係更融洽了。
梵谷傳
梵谷的畫生前沒人看得起，死後沒人買得起。梵谷的藝術，高度上傳宗教，廣度遍及人性，深度則逕探生命的焦點。他對我們的震撼，正在神人相接的焦點。詩人之中唯霍普金斯的〈星光夜〉(The Starlight Night)能與梵谷的同名傑作相比。霍普金斯的其他詩篇如〈斑斕之美〉(Pied Beauty)與〈歡頌秋收〉(Hurrahing in Harvest)，情緒之高昂、意象之繁富、節奏之亢奮，幾與梵谷之畫不謀而合。梵谷一生有兩大狂熱：早年想做牧師，把使徒的福音傳給勞苦的大眾，卻慘遭失敗；後來想做畫家，把具有宗教情操的生之體驗傳給觀眾。他說：「無論生活上或繪畫上，我都可以完全不靠上帝，可是我雖然病著，卻不能沒有一樣比我更大的東西，就是我的生命，我的創造力......在一幅畫中我想說一些像音樂一樣令人安慰的東西，在畫男人和女人的時候，我要他們帶一點永恆感，這種感覺以前是用光輪象徵，現在我們卻用著色時真正的光輝和顫動來把握。」「光輝和顫動」(radiance and vibration)正是梵谷畫中呼之欲出的特質。本書特色★十九世紀最偉大藝術家之一的梵谷，集狂人、詩人、情人於一身。★2010年為梵谷逝世一百二十週年，全球再度掀起梵谷熱。★本書於一九五七年由重光文藝出版社初版，此為余光中教授最新的修訂版。★史博館與聯合報系主辦「燃燒的靈魂──梵谷」特展，從2009年12月11日至2010年3月28日，是華人世界首見最完整的梵谷個展。★與「燃燒的靈魂──梵谷」特展合辦余光中演講活動★全書近35萬字，百年難得一見的奇書。★余光中總論梵谷、手繪梵谷行程地圖、詩作★欲了解梵谷的人、畫作、評論，這是最完整的一本書★唯一用小說形式還原梵谷的一生。
梵谷為什麼是大師梵谷？
每位畫家的創作各有巧妙不同，但不同處究竟在哪裡？雖然要認出一位畫家的作品，一開始可能會有摸不清方向的感覺，但事實上也可以像辨認朋友的簽名般的易如反掌。 藉著本書中對梵谷十二幅精心傑作所做的深入探討，從色彩、線條、造型、構圖和主題，全面掌握梵谷創作中與眾不同的特色，幫助我們一眼認出梵谷作品的種種線索，發掘大師梵谷不為人知的小秘密。本書特色 ★生動而深入的解說大畫家的生活點滴、創作動機、背景故事及藝術成就。 ★以圖文對照、條理分明的方式，闡釋大師之所以成為大師的原因及其風格。 ★用不同欣賞角度和細部放大的透視效果，讓讀者領略大師精妙之處。 ★集結典藏於九國二十三個博物館內的名作，並詳細註明畫作收藏地點及尺寸，便於讀者檢索查閱。 ★義大利印刷廠原版精印，世界級品質色彩清晰且準確，完整保留原畫作高品質、高格調的風貌。
希臘羅馬神話：神話101
101則希臘羅馬神話有趣故事與名家畫作，活靈活現遠古希臘羅馬時代人神共處的奇妙神話世界，讓諸神傳奇栩栩如生的躍然紙上。
德國文藝復興最偉大畫家：丟勒
歐洲文藝復興時期最偉大藝術家之一──丟勒百幅以上自畫像、風景畫、版畫作品與生涯介紹十五世紀的德國美術，與法蘭德斯同步，從中世紀開始屬於都市同盟的繁榮商業都市為根基而蓬勃發展。在繪畫方面，最著名的代表人物就是阿爾布里希特．丟勒（Albrecht Durer 1471-1528），他被稱為十五世紀德國文藝復興的代表藝術家。丟勒的繪畫，初期學習法蘭德斯細密描寫的技法，從宗教畫的傳統題材，逐漸轉而關心現實的景物，充滿了自然與人的情感。丟勒早期很顯著受到義大利美術的影響，22歲訪問威尼斯，驚訝的發現藝術家與與哲學家、科學家受到同等的尊敬。因為當時的德國，藝術家尚未脫離職人的領域，畫家等同匠人。他不僅學習義大利繪畫，也吸收有關藝術方面的知識，傳回德國。丟勒先後作過數幅自畫像，在1500年所作的一幅〈自畫像〉，顯示了他對「義大利的憧憬」，如攝影一般逼真的自畫像，正面向端正的姿勢，描繪出左右均衡完璧的三角形構圖，顏面擬似基督，這是丟勒把藝術家的才能賦予神化，自比成義大利的人文主義者，一種理想化的造型。畫中的毛皮質感的寫實緻密表現，繼承自尼德蘭繪畫大師楊．凡．艾克的法蘭德斯繪畫的傳統。此畫被譽為歐洲美術史上最早期「獨立」的自畫像。這幅丟勒的〈自畫像〉現藏於慕尼黑國立古美術館，藝術史家哈以塞看了這位深得民愛戴的藝術家的本來面目給人們的印象是：「丟勒是一位誠實、真摯、不負使命，值得誇耀的藝術家典範。」丟勒的早期風景畫作品，與達文西的風景畫併為先驅者。〈亞科景色〉，描繪富饒趣味的山景，〈一大片草地〉描繪茂盛而生機盎然的野草，好像一首草葉和蘆梗演奏的交響樂，〈卡西魯斯村〉則是一幅寫實的村落景像，淡淡的靜謐氣氛令人悠然神往。這都是丟勒的風景畫名作。十五世紀的德國盛行民眾藝術的版畫，丟勒是一位著名的版畫家，代表作品有〈啟示錄〉、〈憂鬱〉、〈騎士、死神與惡魔〉、〈馬利亞的生涯〉等系列連作，運用交錯躍動的線條刻畫，對象描寫非常精緻動人，使得他的版畫作品深入影響到民眾的心中。丟勒的晚年是農民戰爭的年代，在這動亂之際，人們的不幸使他創作了很多驚世的繪畫，最著名的是〈四使徒〉油畫，描繪四位使徒有如?士般的哲人，是丟勒從生活的時代中尋找出來的理想的人間造像。丟勒的藝術在中世紀的德國佔有最高峰的地位，他也被後世藝評家推崇為歐洲文藝復興時期的偉大藝術家。
洛可可繪畫大師：福拉歌那
福拉歌那（Jean-Honore Fragonard 1732-1806），十八世紀法國畫家，以盈溢纖細線條、豐富色彩、優雅氣氛的風格，與布欣、華鐸等畫家同被歸屬洛可可代表畫家。本書是福拉歌那的生平、藝術特點與代表作品介紹，書中追溯福拉歌那一路堪稱平順的求學過程、他與布欣的師生之誼、至歐洲各地與其藝術風格的旅行，及他的肖像畫和風景畫因之產生的變化，和他在題材上的探索。全書並附以百張彩色作品圖片，藉以引領讀者體會福拉歌那時而細緻輕盈、時而奔放灑脫的藝術表現。
新書 西洋繪畫史上最具影響力的五十位畫家（精裝 ）
這是一本適合一般藝術愛好者、也是和美術科系學生的讀物，當然也適合許多覺得美術史世界深奧複雜、每次看展覽時只能走馬看花、滿心徬徨的藝術門外漢。本書也明確的寫作架構，將文藝復興時期到當代藝術中的五十位最具影響力的畫家，做了精闢的解析。國內大部分美術史相關書籍，都將內容重心放在作品解析上，但這本書則是「過程」與「結果」並重，為讀者開起一扇完整的藝術之窗：作者提出「影響說」，將影響了這五十位畫家的元素一一陳列。
現代主義色域繪畫大師：羅斯柯
用簡單的語言表達複雜的思想，用宗教的語彙昇華現實的創傷紐約畫派代表畫家馬克‧羅斯柯的生涯與藝術追敘探索現代主義時期色域繪畫的靜穆、靈光與禪性馬克．羅斯柯（Mark Rothko 1903-1970）為紐約畫派領導畫家之一，在1940年代末期開創色域繪畫風格，對美國二次大戰後現代主義抽象表現繪畫的發展影響深遠。羅斯柯1903年出生俄羅斯，是猶太裔，原名馬克斯．羅斯柯維茲（Marcus Rothkowitz）。1913年十歲時隨家人移民美國。1919年獲獎助學金在耶魯大學讀人文科學，後來遷居紐約，進入藝術學生聯盟，投入繪畫創作，此時受教於麥克斯．韋伯，結識畫友高爾基、史提爾、紐曼、杜庫寧與馬查威爾。這群美國年輕藝術家在第二次世界大戰後形成紐約派，並在紐約現代美術館舉行「美國十五位藝術家展」，得到全美與國際的注目。羅斯柯被評為紐約畫派的「神學」派中最完滿的畫家。羅斯柯於1938年歸化美國，1940年他37歲時在畫廊建議下，將原姓改為羅斯柯（Rothko），表示他改變風格的欲望，他與畫友葛特萊布在《紐約時報》發表聲言：「我們喜歡把複雜的思想用簡單的語言來表現。我們選擇大號的尺幅是因為它的衝擊力毫不含糊。我們希望重新建立繪畫的層面。我們使用平面的圖象，因為它能毀滅幻覺、表現真理。」開頭的一句──「把複雜的思想用簡單的語言來表現」，可說是羅斯柯一生繪畫追求的理念。羅斯柯的繪畫在四○年代受超現實主義影響，從古典神話與新舊約聖經故事中找尋他繪畫語彙的形體和題材，表現神秘的主題，並且對悲劇特別感興趣。歐洲猶太民族遭受的恐怖迫害，帶給他的精神創傷，引發他畫作主題的改變，羅斯柯視這項轉變為對救贖經驗的探索。1947年起，開始創作以色面的輪廓中浮游著長方形的抽象繪畫。1949年他發展出成熟的繪畫風格，在巨幅的直式畫布上，數個長方形色塊，或是不同彩度的薄染色層，相互平行排列，色域邊緣模糊而不平整，使朦朧色塊產生一種律動感。羅斯柯運用單純構圖，藉由色彩與光暈的交融，創造出引人凝神靜思心靈體驗。他的色域繪畫成就，是美國當代繪畫和歐洲畫壇分家的契機，很多人喜愛羅斯柯富有禪性，具有靈光的色域畫面。他避開了描繪細節的線條和任何暗示具體形象的造形，五彩繽紛色塊游移在空間，繪畫性的筆觸把形象簡化到只剩下色彩和筆跡。他的抽象畫都是浩瀚的尺幅，「我畫得大，正是因為我要它親密而有人性，畫得小就等於你把自己關在經驗的外面，如果你畫得大，你就在裡面了。」他畫出了宇宙的渾沌的感覺。羅斯柯著名的代表作，是1964年至1967年時為休士頓的梅尼爾家族委託創作的一組油畫，陳列在休士頓萊斯大學的一所小教堂，被稱為羅斯柯教堂，巨大的油畫，或黑、或藍紫和紫紅，表現生命的神秘與靜穆，追尋人生的終極哲學──赤裸又神聖的宗教體驗與感情。藝評家羅伯．休斯指出：進入羅斯柯教堂而不動感情是很困難的，……究竟是神秘主義者瞥見的「太虛」呢，還是一種令人難忘的戲劇性的空洞，要視每個人的希望而定。從功效來說，羅斯柯教堂是浪漫主義的最後沉默。羅斯柯一生創作八百多幅油畫，兩千件紙上作品，被推崇為二十世紀頂尖大師，他的繪畫為我們提供了一個冥想的立體空間，渾沌色域激盪了無數當代藝術家的心漪。
用不同的觀點和你一起欣賞世界名畫
這是一場親子共享的藝術饗宴，從嶄新的角度體驗藝術的趣味！仰頭看名畫，總是讓人脖子痠疼、心生敬畏今天，不再正襟危坐，不再仰望名畫我們要從生活的角度，以不同的觀點解放名畫中的N個祕密！為什麼畫中的人比帆船還要大？為什麼有些畫看起來熱呼呼，有的看起來冷冰冰？不只從星座可以看出人的個性，從肖像畫也可以看得出來！ 本書是設計給親子共讀的藝術書，以18個單元與讀者分享西洋經典名畫中的美學元素。從聲音、色彩、形象、空間、時間、生活、創意等題目著眼，以孩子也能懂的方式將繪畫技法、色彩學、透視法等加以解說。藉著簡單的文字，清晰的圖片，讓父母親可以和孩子藉著閱讀，一起進入畫家筆下的奇妙世界。書中的文字沒有艱澀的技巧說明、沒有太多的奇聞軼事，只想引導大家懂得直接去欣賞作品。 美學的教育應該從孩子的教育開始做起，從閱讀、欣賞、觀察、比較、創作，然後點點滴滴在生活中實踐，才有機會轉化、滋養，而後卓然有成。當我們都能看懂了那些偉大的畫家們，在畫作中想告訴觀賞者他們的創作想法開始；或者是觀畫者都能用自己的詮釋方式，去說明自己的感動開始，美學的因子才能真正在人們的心中發芽，長成屬於台灣孩子的美學覺醒。
藝術練習簿：26位大師創意精華
●激發藝術想像力，加上自己的創意，完成每一幅藝術塗鴉。●趣味無限，適合各種年齡。●入門介紹26位世界級大師風格，啟發性十足。畢卡索/塞尚/北齋/夏卡爾/馬諦斯/梵谷/哈林/莫里斯沃荷/米羅/馬克/林布蘭/杜魯斯─羅德列克/席勒/竇加/廣重/康丁斯基/莫內/考菲爾/格里斯/克林姆/莫迪里亞尼/波希/達文西克利/雷捷喜歡塗鴉嗎？想過要成為藝術家嗎？ 不論何者，《大師練習簿》都能帶給你新的啟發。而且一點也不困難，只要完成書裡的圖畫就行了。從兒童到成人，適合各種年齡；從塗鴉生手，到準藝術家，適合各種程度。 《大師練習簿》能激發你的創作潛能，同時帶你認識一些偉大藝術家們的作品和技巧。 本書有超過80幅作品等著你來創作和完成，它能為你的繪畫和創意提供各種入門起點，而且每一個起點都有一位專屬大師為你提供靈感。透過與大師名作的互動，很快的，你會發現，原來自己在技術、技巧和創意上竟然有這樣的潛能。
破解高更
大師蔣勳 從巴黎到大溪地的美學漫遊高更，原本是巴黎股票市場的白領新貴 他卻放棄人人稱羨的職位、家庭、婚姻、妻兒、財富 一步一步走向棄絕文明的瘋狂藝術創作 從生命潛伏的本質角度，解讀神秘異域的原始荒野 高更，曾是巴黎股票市場的經紀人，一年有四千法朗的高薪收入，來往於上流中產階級社交圈。妻子梅娣，來自丹麥哥本哈根路德教派大使家庭，五個兒女，幸福美滿。然而，高更選擇放棄人人稱羨的職位、家庭、婚姻、妻兒、財富，一步一步走向他瘋狂藝術創作的過程。 當梅娣負擔著兒女，負擔著家庭，甚至負擔著背叛她的丈夫，高更卻從大溪地寄回了他與土著女子新婚的畫圖。為什麼他要出走？是什麼主導了他的生命選擇？在與文明決裂的信仰上，高更要走得並不順暢，為什麼卻愈走愈遠，至死無悔。十九世紀整個白種歐洲殖民主義的優越感被高更的美學徹底粉碎了。 高更在妻子與大溪地土著中的選擇隱喻著後殖民的趨勢的反撲。高更在美學上的顛覆也成為後殖民論述裏重要的一環。事情只是如此嗎？ 這本書，蔣勳由生命潛伏的本質的角度，解讀神秘異域的原始荒野，如何讓美學重新找到起點？ 困惑於物質追求與精神品質的兩難的人，如何真正從內在的精神上轉換自己，變成不再只是藝術形式的革命，而更是生命信仰上巨大的顛覆的人。充滿爭議性的高更，用他的生命實踐著值得人類省思的事，更藉由畫作，丟出了更多「天問」。
美國著名大眾畫家：洛克威爾
「世界名畫家全集」第一○五本推出以插畫著名而獲得重新定位的大畫家諾曼．洛克威爾（Norman Rockwell）。這是一本以繪畫見證美國歷史與社會生活的書，也是一個偉大畫家對生命的紀錄，以及對人文深刻關懷的畫集。 洛克威爾誕生於1894年的美國紐約，從小喜愛繪畫的他，很早就開始了他的繪畫生涯。十八歲就已經在《男孩生活》（Boy’s Life）擔任藝術主編，描繪了無數膾炙人口的童子軍圖像；二十二歲開始為當時最受歡迎的雜誌《星期六晚間郵報》繪製封面插圖，之後毫無間斷的畫了四十七年，共刊載了三百二十二張封面，成為美國最為人所熟知大眾畫家；四十八歲的他，更達到了人生的藝術顛峰，繪製了「四大自由」系列繪畫，分別是〈言論自由〉、〈宗教自由〉、〈免於匱乏的自由〉、〈免於恐懼的自由〉，傳神的表達出美國立國最初的理想。 洛克威爾的畫包含了美國所有的階層，上自總統、議員，下自販夫走卒，並涵蓋了各式各樣的繪畫題材——家庭生活、童軍精神、公司廣告、運動健身、城市景致、戰爭英雄、各行各業、聖誕節慶等都是他筆下所描繪的主題。除了描繪日常即景之外，洛克威爾也記錄了美國二十世紀的重大事件—二次世界大戰、總統的當選與更替、著名的種族問題、人類第一次登入月球等。洛克威爾的一生跨越了美國史上最多變化的時代，而他的畫不僅寫實的記錄了當時美國人民的生活，也傳達了人們的心聲，即追求自由、民主、平等、博愛的精神。 本書精選洛克威爾最膾炙人口的兩百多幅精彩油畫，栩栩如生的寫實插畫名作，加上作者生動的引導與解說，讓讀者宛如走入時光隧道，重返二十世紀的美國社會生活。
新寫實主義藝術家：克萊因
〈無題藍單色畫〉（IKB 1）賣出17,401,000美元〈無題金單色畫〉（MG 9）賣出23,561,000美元 蘇富比拍賣會上，高居前三名的法國新寫實主義畫家伊夫．克萊因首本中文畫集兩萬八千字介紹，一百七十幅彩色圖版，完整呈現藝術家的生平與作品五○年代從巴黎畫廊初露頭角的伊夫‧克萊因，是「國際克萊因藍」（International Klein Beu, I.K.B.）的專利發明人，從早年就著手研發並運用仿如蔚藍海岸海天合一的藍色──以及後來的金色、紅色、黃色──等色彩製作單色畫，接著又跨足創作單音交響曲、用人體壓印成「人體測量圖」、表演騰空、製作火之雕塑和空氣建築等，在六○年代便以別無分號的前衛風格，迅速名噪一時，日後亦被史家視為七○年代以後「身體藝術」、「偶發藝術」、「行為藝術」等前衛藝術型態的先驅。 原為柔道教練、未接受過正式學院藝術的克萊因，對於人們投予單色畫的質疑眼光，曾以一個波斯故事巧喻道：有個吹笛人，二十年來只吹一個長長的單音，當他的太太問他說為什麼不多些變化時，他回說：「我已經找到了我要的那個音，不像其他的吹笛人還在找。」在克萊因眼中，單色畫是最能表達其純粹冥想的方式，看似單調的單一色彩，其實隱含了豐富微妙的筆觸變化，所有的猛烈、溫柔、粗糙、滑潤、喧鬧、平靜，都蘊藏其中。換句話說，一種色彩，就是一個世界。單色畫概念的極端性，使得克萊因亦對「極限藝術」影響甚深。 曾說藝術家一生只須畫一件傑作的克萊因，一生中僅發表了一千餘件作品，舉辦三十個展覽，就在34歲時心臟病發去世。本書以分章方式追敘克萊因的生平與作品特點，輔以一百七十多張作品照片，文末並附上藝術家年譜，以呈現其跨足繪畫、音樂、行為藝術、音樂、地景藝術等領域，於十年間即達成的藝術成就。
農夫般的畫人：粟海Plowing in the field of painting
在性靈與繪畫大地苦心耕耘的畫家──粟海 粟海（1945-2006）從小喜歡畫畫，年輕時學畫於畫壇清逸李德門下，深受愛才的李德器重，繼學畫於李德的業師陳德旺，自此潛心繪事，把繪畫當成養心、洗心，探尋真理的個人修持，而終其一生。他曾在台北、新竹兩地教畫九年，三十六歲那年偕妻退隱林野，過著簡靜自在的生活。他以文才（筆名「粟耘」)、隱士清修之名聞於世，散文集《空山雲影》獲新聞局最佳優良圖書金鼎獎，然則，粟海深心卻始終視繪畫探索為最敬謹、莊嚴的大事，是日日的篤行，也是終生的苦行。 六十一歲那年，粟海因肝癌辭世，留下二百多幅從未公開的油畫，以及治印、水墨、刻石、雕木等藝術雜項。粟夫人謝顗強忍哀痛，在學生翁健、趙少鷹、施恆德協助下，將其油畫作品編年歸類，連同相關文字、照片資料提供粟海入室弟子王偉光參考，而有此書之編撰。 王偉光撰著此書，以「油畫編年」方式，按照作品年代一幅一幅探精抉微，意圖揭露粟海在性靈與繪畫大地的苦心探索與豐碩收成。粟海的繪畫世界，不只是視覺性的，也不只是心靈性的，這其中，還包含造形語言的本質性探討。粟海的師公陳德旺曾說：「在繪畫裡，情感是私人的事情，造形是共通的，有一定的標準，這兩樣事情要分得很清楚。評論一件美術作品，我們只能要求造形的深度。」本書藉由這把量尺，來度量粟海的藝術深度。 書中對於粟海傳奇性的隱居生活，也略有著墨，附錄並收集翁健與粟海往來書信和生活紀實，信函中粟海多層面發抒其繪畫理念、內心修持之進境，彌足珍貴；此外，還有施恆德相關文字、友人劉醉奇致粟海抒懷長詩、生活圖片等。本書確為了解、欣賞粟海繪畫世界與心靈秘境的首選畫集，文字深入淺出，提供有心探索深刻人生的青年學子，一本可以伴讀一生的良師益友。
米勒名畫150選
〈晚鐘〉、〈拾穗〉、〈播種者〉的創作者──法國田園畫家米勒的150幅繪畫選大開本展現米勒藝術的情感內涵、十九世紀的田園韻致、農家生活的寫實面向 自然主義畫家尚‧法蘭斯瓦‧米勒（Jean Francois Millet, 1814-1875）是法國最偉大的田園畫家，以徹底寫實地描繪農村生活而聞名。米勒的畫室在巴黎近郊的巴比松村，楓丹白露森林的邊緣，他與一群喜愛描繪自然風景與農民生活的畫家柯洛、胡梭、迪亞茲、杜培、特洛楊、杜比尼，被稱為美術史上著名的「巴比松七星」。米勒於1857年所畫的〈晚鐘〉、〈拾穗〉和〈播種者〉三幅名畫，使無名的農民，居然一躍而與達文西筆下的貴婦〈蒙娜麗莎〉同為法國的國寶，供世人瞻仰，聞名全球。米勒出生於法國諾曼第半島的農家，他的家庭是當時仍保有崇高道德與高尚思想之貧窮人家的典型。母親是富裕農家之望族出身，家族中不乏卓越的人才；父親則是有驚人藏書及富藝術家氣息的貴族農夫；影響米勒最深的祖母是虔誠的天主教清教徒，曾囑咐米勒要「為永恆的生命繪畫」。米勒身為長子，協助父母耕作而精於農事且熱愛地土，以至於後來表現田園生活時，顯得毫不造作。十八歲至瑟堡習畫，二十三歲獲得瑟堡獎學金至巴黎藝術學院，進入德拉羅須（Delaroche）的畫室，然因不耐一成不變的學院派畫法而於兩年後離開。以學院風格的肖像畫與歷史畫起家，沙龍展屢次落選，直到1948年爆發二月革命，共和政府將沙龍展改成免審查收件，米勒才有機會展出以勞動者為題的〈播種者〉。厭惡巴黎的他在敦厚賢慧的妻子的支持下於1949年移居巴比松，從此以田園生活為創作題材。 育有九名子女的米勒，肩負沉重的家計，終生與窮困搏鬥，甚至無車資見摯愛母親的最後一面。對這一切他都默默承受不發怨言。他所描繪的那些「汗流滿面才得餬口」的勞苦大眾也總是帶著沉默的感傷，卻又有詩般的神秘與莊嚴。作品於1850年中期漸受重視，1860年才漸脫貧困的米勒，終於在1870年代得到應有的聲望，然而尚不及接受政府萬神殿壁畫的榮譽請託，已因心力交瘁而於1875年1月結束了苦短的一生。生前的最後一句話是：「太可惜了！我希望能繼續工作！」《米勒名畫150選》是藝術家出版社推出的新書，書中有何政廣撰寫的「前言—－自然主義畫家米勒」、藝評家亞力珊卓‧墨菲著「序論──重新觀看米勒」敘述米勒的生平與時代、米勒筆下的四季系列名畫、安特衛普皇家美術館策展人赫爾維克‧托茲所撰〈從米勒到十九世紀的自然主義畫家〉專文，書中最重要的篇幅是以彩色精印的米勒名畫150幅，包括：米勒夫人畫像、自畫像、拾穗、晚鐘、播種者、牧羊女、剪羊毛的女人、放鵝少女入浴、冬—揹柴女人、持炬獵鳥等，米勒一生的重要名畫全部蒐集在這本國內首次出版的米勒名畫集。所有米勒的名畫收藏者，包括：美國波士頓美術館、紐約大都會美術館、佛格美術館、鹿特丹波寧根美術館、奧塞美術館、格拉斯柯美術館、日本中村美術館、山梨縣立美術館、西洋美術館、法國波爾多美術館、美國普林斯頓大學美術館、洛杉磯市立美術館、威爾斯國立美術館。《米勒名畫150選》，為菊8開版本，並以特銅紙彩色精印，是第一本中文版米勒繪畫精品選集。
LOOK！米勒爺爺的名畫
米勒個認真生活、認真務農、認真創作的「全人」，他有專業的繪畫技能，更有悲天憫人的高尚情操，在價值體系混亂的現今社會，期待我們的孩子，在米勒的繪畫中看到生命的美麗和尊貴，也希望各位師長和家長們，一起帶領孩子，看藝術與人文的美和善，淨化孩子的性靈，提昇他們的品格，創造屬於他們的「新時代」。
前普普繪畫大家：理查‧林德涅
既污穢又浪漫的現代都會顯影「普普藝術的精神之父」──林德涅安迪．沃荷（1928-1987），二十世紀普普藝術的代表性人物；而活躍於同時代的理查．林德?（1901-1979）則被藝術史家視為「普普藝術的精神之父」。出生於德國、穿梭於紐約與巴黎的理查．林德?，雖不認同「普普藝術的精神之父」這樣的稱號，但他坦承「我的所有繪畫想法來自我在這裡（指紐約）看到的。」他的作品充斥著紐約都會的現實、混亂、綺麗與色情，在幾近平塗與玲瓏浮凸的飽滿螢光色面中，完美又詭譎的呈現了這個城市閃亮霓虹燈下的龍蛇混雜。有人說他表現了現代生活「污穢的浪漫」，還有人給他加上「後浪漫派者」的標籤，無論何種描述或歸類，閱讀《里查．林德?》，將會帶領我們再次回返現代主義藝術在大時代中的繽紛呈顯。出版前言──理查‧林德涅（Richard Lindner,1901~1978），是二十世紀出生的現代畫家，他的繪畫風格獨特奇異，早在二十世紀五○年代，他就常常刻畫都市裡生活的奇裝異服時髦男女；男人造形像是市儈士紳，女性的神態形似性感風騷的神女，穿著暴露奢浮的服飾。當六○年代中期，安迪‧沃荷、李奇登斯坦、維塞爾曼等畫家的普普藝術出現興盛之際，林德涅曾被列為普普藝術家。事實上，他是一位普普前期的畫家，今日的美術史家都把林德涅歸為「前普普畫家」。林德涅自己說過：「我很崇拜安迪‧沃荷，他不僅是位大畫家，更是一位了不起的啟發者，打開了美國的眼睛，讓我們看到每日生活的東西與功利主義社會的美。我尊敬安迪‧沃荷、李奇登斯坦、奧登堡，不過我不是他們那群的一份子，從來都不是。」林德涅在自述中指出：他的繪畫反映出二○年代的德國，那時是德國比較好的時候；而在另一方面，他的藝術創作的養份則是來自紐約，從美國雜誌上的圖片、電視，他得到很多靈感，他認為美國是一個很棒的地方。至於真正影響他繪畫觀念的卻是義大利的喬托、法蘭西斯卡、林德涅經常欣賞他們的繪畫，讚美他們是沒有時間性、歷久彌新、不會變老的藝術家，他追求他們繪畫中的某種力量，包括結構上的堅實以及從中產生的力量。因此，林德涅的藝術，看似紐約都會生活的反映，事實上他比美國的普普藝術早了十多年即從都市生活中取材，從中產階級生活中找到創作的動力。當時他被美國藝術家認為是個局外人，他的繪畫形式深植於結構性的，甚至是幾何抽象的結構形體。然而他在主題表現上的感性，被納入普普風格，進入了美國藝術的前端。
金庸說部情節：董培新畫集
以「金庸武俠元素中的各個主題」，貫串、帶引整部畫集。主題包括：「陰謀」、「酒」、「義」、「情」、「小時候」、「智勇」、「激盪、迂迴、曲折」等等。（※首創！非按小說順序，而是打破各部藩籬，將相同的情節元素聚焦。） 「右翻直排」方式編排，並在每一幅畫作旁，放一段與金庸原著相對應的小說原文摘錄，體現金庸小說中獨特且濃郁的古典蘊味！（※首創！一般畫冊皆為左翻橫排。） 全書共有70餘幅畫作，橫跨金庸十五部小說，取其膾炙人口的場景與人物。董培新以其最擅長的水墨人物畫，精準掌握金庸人物的型態與動作，並以「故事情節」為作畫底調，讓場面充滿動感與立體感，不但牢牢抓住了小說內容的神髓，更表現出每個人物的性格特色，筆觸細膩，情感洋溢，「一幅畫訴說了多樣風情」。（※首創！金庸的繪畫作品幾乎都以人物為主，而「以情節的動感來表現人物、體現故事」，董培新為第一人。） 不止是畫集的畫集，它同時也是一本： 「金庸小說的視覺書」──讀者在閱讀金庸小說的同時，都會希望手邊能有這樣一本書，讓文字的想像空間得以實現，獲得滿足！ 「金庸小說的導讀書」──全書皆以圖帶文，點到為止，卻又搔到癢處，讓讀者忍不住會想要把金庸小說再拿出來重溫全貌。 「圖式小說」──內容由陰謀到酒、由酒接義、由義續情……，畫面呈現則由點而面，由特寫拉至全景。每一張畫作的串聯，就像在閱讀小說一般，叫人想趕快翻看下一頁。 「金迷的尋寶書」──董培新對金庸小說中情節、人物、場景等等細節的掌握，真實又細膩。舉「聚賢莊大戰圖」為例，全圖除主要人物（蕭峰、阿朱、馬夫人）外，畫中還有數十餘人，在其中細找誰是譚公譚婆、誰是趙錢孫、誰又是鐵面判官，帶給金迷欣賞之餘的無窮樂趣！ 風格：「典雅與氣勢」。前者表現在不至於太過花俏、錯落的編排；後者則以滿版、拉頁來表現。「聚賢莊大戰」（《天龍》）、「乾隆西湖點花魁」（《書劍》）、「張無忌中毒長卷」（《倚天》）等巨幅創作，其筆力萬鈞、氣魄懾人，讀者翻開拉頁，將視覺享受做到最足，氣勢伴隨感動油然而生。 金庸先生撰序、劉天賜先生（《小寶神功》作者）撰推薦文。書後並收錄董培新的創作草圖、繪畫過程，以及與金庸失之交臂又結緣的因由。
希臘羅馬神話：愛情、英雄合訂本
「奧林匹斯神山」諸神明跟凡間男女， 愛戀情事與男歡女愛，加上英雄事蹟與浪漫情節，這是「愛情」和「英雄」二書合訂，是千年流傳的物語。神話的悲歡離合，驚心動魄，永遠那麼引人入勝，最難能可貴的是這本書近650幅世界名畫配圖，是任何希臘羅馬神話書籍不容易看到的。
黃金英雄榜：希臘羅馬神話英雄
．荷馬寫的「伊里亞德」與「奧德賽」 是寫誰的故事？．珀耳修斯靠何方聖神，才能斬除蛇髮女妖的魔頭？ ．海克力斯完成不可能的十二項重任，為什麼全是命換來？ ．鐵修斯殺死牛頭人身怪獸，為什麼是人牛所生？．特洛伊戰爭打了十年，為什麼最後卻「木馬屠城」獲勝？
浪漫主義風景畫大師：菲特烈
「世界名畫家全集」推向德國浪漫主義的高峰探索菲特烈沉鬱敏感的性格、空靈孤寂的繪畫風格和從中結晶而成的浪漫主義繪畫藝術十九世紀初，當浪漫主義由文學蔓延至音樂、繪畫和建築，以主觀感受和叛逆精神衝破古典風格的中規中矩時，來自德國小海港的菲特烈正在大學美術系摸索自己的藝術方向。在浪漫主義的洗禮下，菲特烈逐漸憑著對風景的敏銳感受力，用畫筆引出眼前所見各種景色--森林、山巒、海岸與雪地--所召喚的情感，描下一幅幅孤寂、靜謐、充滿冥思意象的風景畫。本書以菲特烈的浪漫派出身為始，追溯畫家如何在個人氣質的引導下，開闢出具空靈風格的繪畫語言，而成為德國最主要的浪漫派風景畫家。其充滿氣氛的畫作，不僅對應著畫家獨特的心理風景，更映證了歌德為浪漫主義揭竿時所言：「感情勝於一切！」
轉角遇到美：淡彩街景寫生
您是否和我一樣，都是喜歡旅遊的人呢？如果能夠以吟詩作對的浪漫感覺來沿途寫生，旅遊的收穫將更豐碩，回憶也將更深刻。 本書將傳授最簡單實用的素描手法與上色技巧，教您如何在旅行途中把觸動人心的景物，以最短的時間輕鬆描繪下來。別想的太難，只要培養將眼睛所看到的都試著畫下來的習慣就好。完成的作品還可以製成獨創的風景明信片或卡片，寄給朋友們分享旅遊的心情呢！就這樣，把迷你的寫生簿和全套用具放入口袋，出發旅行去吧！
尋找山中的塞尚（精裝）
生命的存在永遠大於哲學的表現！本書榮獲2007年金鼎獎最佳圖書！ 詩人思想者史作檉以其畢生浸淫哲學美學之心得，完成塞尚追求究極之境的探討，孤獨不是因為虛無，而是跳脫人為與環境束縛，從自然界學習「真實」的形上美所經之路，如同史氏所說：「哲學是為文明而寫，詩歌卻是為生命而書。」書內的文辭言論中，史氏不單指出塞尚的心靈極境，也為你我的心靈悄悄闢出一條小徑。十九世紀末，法國南方普羅旺斯蔥蒼的鄉間，隱居著一位畫家，他不善與人來往，經常背著畫架獨自在山林間穿梭寫生，創作出一幅又一幅現代繪畫中深刻而偉大的作品。他是塞尚。一位孤獨、深思而又情感真摯的藝術大師，畢生窮究永恆的自然，追求藝術上真實的感覺，他向我們揭示出，藝術真正要展現的，並非是我們眼睛所見的世界，而是我們眼睛所看不見的，即自然世界背後的永恆性，也是一種人的永恆性。著名哲學思想家史作檉透過空間性藝術中，關於時間與空間的美學思辨的角度，切入塞尚藝術創作的深層內涵，探討塞尚所堅持追求的人與自然之間的種種面向，並分析塞尚作品中的色彩、繪畫空間與圖形結構的意義，向我們指出，塞尚是現代藝術中一位偉大的視覺與心靈的統合者，他以一種由色彩與堅實結構而創造出的寧靜感與恆定性，展現出深刻的精神感召力與高度的哲學內涵，突破了時代藝術的觀念框架，創造出古典而恆久的藝術經典，並徹底影響了現代繪畫的發展。
世界100大畫家：從喬托到安迪．沃荷
神祕的拉圖爾、織夢的克利、野性的高更、尚美的雷諾瓦、犀利的安迪沃荷 天才的達文西、寫實的庫爾貝、狂恣的馬諦斯、魔幻的馬格利特、多彩的林布蘭特 在十三至二十世紀的一百位世界名畫家繽紛多變、表現繁異的豐富想像中 了解每位藝術家的獨特思維、貼近每顆心靈呈現的藝術真實 只有藝術家在其作品中所顯示的個性，才是藝術中的真實。一一義大利藝術史學家里奧奈羅．文杜里 《世界100大畫家》介紹自十三世紀的喬托至二十世紀普普藝術大師安迪沃荷，八百多年來活躍在各時代的先驅藝術家一百位，包括文藝復興的米開朗基羅、拉斐爾、達文西，巴洛克風格的卡拉瓦喬、魯本斯，十七世紀的荷蘭畫家林布蘭特、維梅爾，十八至十九世紀的風景畫家泰納、康斯塔伯，二十世紀初期的馬諦斯、康丁斯基、蒙德里安，以及六○年代的普普藝術大師安迪沃荷。 本書對每一位在藝術史具有影響力的名畫家之生平及藝術風格，均以簡明的文字介紹，同時為每位藝術家選出一至二幅代表作品圖片與自畫像或照片，以豐富的圖文對照，為讀者提供進入每個獨特的藝術思維、同時貼近藝術真實的捷徑，可作為一百位在藝術史上舉足輕重的畫家的入門介紹。
繞道而行：畫家曾俊雄的彩繪人生
一個人面臨生涯抉擇時，往往受到客觀因素的限制，經常不是自己當初的理想。這時候一般只有兩條路可走：不是放棄現在所走的路重新另闢途徑，便是順著現實走下去，完全忘掉初衷。而令人扼腕的是，幾乎百分之九十以上的人突不破現實的枷鎖，最終選擇了後者。繞過多少迂迴路，終於可以完全追求自己鍾愛的藝術。本書主角曾俊雄，年輕時徬徨於理想與現實中，偶然讀到一篇〈繞道而行的人生〉的文章，在頓悟下逕採「繞道而行」的態度面對人生---當我們為了達到一個目的地直走行不通時，只有繞道而行。所謂「山不轉、路轉，路不轉、人轉，人不轉、心轉。」
藝術主題圖像百科：天使
☆ 國內首次出版《藝術主題圖像百科：天使》，蒐集美術史名作中的天使圖像310幅彩色精印精裝，並有詳細文字敘述。 ☆ 不只是天使，是歷史、宗教史，亦是藝術史的廣度認識。 天使（Angel）向來是宗教世界的神祕象徵，他們是常在上帝之旁，或聖母馬利亞身邊，守護著天堂與人間，有著崇高品德的聖潔使者。而在色彩繽紛的藝術天地裡，天使從來也不曾缺席。古代文化中，有翼的生物，是天神派遣的正義的使者。西元前1000年的美索不達米亞，即有傳說天使是有翼的善靈。希臘羅馬時代的藝術作品，出現了更多長著雙翼的神像，例如最著名的勝利女神，就是展翼的女神。羅馬神話中的邱比特，也是有翼的童子。 這本書集結了三百一十幅西洋美術史名作中出現的天使像，包括繪畫、馬賽克和雕刻作品。多彩多姿的圖像，聖潔純真、輕盈飄逸，是人類豐富的精神資產。
藝術主題圖像百科：花卉
豔麗的、嬌俏的、可人的、靜美的…… 在藝術和科學中，嗅吻百花的馨香 ◆ 以植物學美術和世界藝術名畫中的花卉為主題，蒐集世界名作花卉圖像360幅、解說文字3萬多字 ◆ 8 開本彩色精印精裝，具有閱讀與典藏價值的精美百科書 美的事物是永恆的喜悅。——浪漫主義詩人濟慈 花卉是繪畫史上的常見題材，諸神的林間盛會、鳥獸的嬉遊追逐、山水的遠近漸層、書頁的妝點修飾，經常少不了爭奇鬥豔的各式花朵。它們或者大搖大擺地佔據中心，成為傲視群倫的主角；或者端莊嫻靜地窩居一旁，襯托字裡行間的主題。但無論是何種形式或面貌，它們幾乎可說是人類心中所有關於美的想像的靈感泉源。 本書是一本包羅百花萬象的圖譜和花卉名畫百科。它進入東西方自古至今的藝術創作和植物學繽紛多彩的圖譜中，依年代呈現360幅包含油彩、精細描繪、染繪、水墨等各種手法，表現東西方花卉眾生相的著名作品，另佐以各篇細述花卉繪畫之起源與發展的文章，使讀者在豐富的圖文對照下，逐步踏進予人永恆喜悅的百科花卉庭園。
鑑賞大美術家系列：文生．梵谷
☆ 國內首次出版大開本精裝鑑賞大美術家系列第一冊國際中文版《文生．梵谷》巨型圖文對照集。每一幅梵谷名畫都可剪貼欣賞。 ☆ 精選國內外評介梵谷名畫文章，介紹梵谷藝術特質、與季節關係、生平，及每一幅畫的解說，彩印116幅梵谷名畫，提供讀者仔細鑑賞。 一個勞動者的形象，一塊耕地上的犁溝，一片沙灘、海洋與天空，都是重要的描繪對象；這些都是不容易畫的，但同時都是美好的；終生從事於表現，隱藏在它們之中的詩意，確實是值得的。──文生．梵谷 天才畫家文生．梵谷（Vincent van Gogh，1853 ~ 1890），以短暫的37年，打造出永恆的藝術榮耀，他的傳奇，世人始終無法停止傳唱，只因他的「心」，是如此的奔放在極短的筆觸、強烈的色彩與眼前的事物上。再一次的貼近梵谷，會有更多的感動再現。本書匯集多篇由國內外專家、學者撰寫文章，評介與介紹梵谷的人、事、物與藝術作品，並附上116件名作，以大八開本，每一頁彩印一幅名畫，近似原作，詳細為讀者導覽作品原娓，彷若紙上博物館般，瀏覽一幅又一幅，令人心生澎湃的畫作。
龐均Pang-Jiun70
龐均自序：藝術不能停止 我從來就沒有想過要舉辦一次「回顧展」。冥冥之中，總是有一種新的東西在等待我，藝術就是這樣無止境；沒有「回首」，只有希望！永遠追求一個不可知的理想境界。 今次的展出（2006年8月於北京）對我深具意義；我的作品二十六年沒有同北京觀眾見面了。五十二年前的「創作室」已不在，老畫家大部分斯人已去。齊白石的故居──「北京畫院」已經遷移，我已是「陌生人」！但從「中央美術學院」至「畫院」，至少有六處我曾經創作過的畫室仍舊牢牢留在我心中……。每個階段都有不同的歡樂、苦惱與悲傷！ 因為距離與時空的困難，我選的作品百分之九十是未曾面世的新作。我的習慣就是這樣：只有在大量新作的展示中，才能思考自己的明天是什麼。倘若不斷展出舊作，我認為是一種倒退和「失敗」，藝術靈感已死。 在北京舉辦三百幅油畫大展，是我渴望的理想。我真希望少小離家老大回，見見闊別數十年目前在世的老朋友，讓朋友們了解近三十年我在做什麼，分享我的努力與成果。 二○○六年開始，正當我有創作一系列巨幅油畫的計畫時，不慎於二月二十日早七時滑倒，左臂粉碎性斷裂！當我在十分鐘裡無法站起來之時，在極端痛苦的第一秒，想到的是雷諾瓦（1841～1919）和梵谷（1853～1890），他們都是在病痛中畫出超凡的傑作，好在我是左臂而已，醫療中難忍的痛苦就不必提了。六天後（二十六日）在獨臂的情況下，我畫了一幅簡單的線條畫〈斷臂一號（星辰花）〉；二十八日畫了175×175cm巨幅油畫靜物〈斷臂二號〉，近三小時完成，全程錄影。這一切只是為了今後作畫的信心，不甘願倒下！ 六十年繪畫生活，始終追求一條創作之路──尋求個人靈感的藝術「符號」。走得辛苦，但方向明確。終於在漫長的歲月中形成了我自己。沒有畫什麼特別的東西，只是畫自己的「心」，對任何平淡事物的感覺，不是由「形式」決定的，而是由感覺與情緒決定的。不管別人怎樣看，我只知道：任何表現形式與技巧手法都是從一時的感覺而生，別無他求。 藝術就是如此，非常主觀！十分個性化！充滿情緒化！難道不是這樣嗎？這就是藝術生命之所在！ 藝術不能停止，創作必在自我。 藝術除任何形式與技術外，「精神元素」是藝術中的藝術。二○○六年二月至三月斷臂期間的省思
聆聽原始的畢卡索
著名詩人哲學家史作檉探討美與藝術，乃至人生的哲理的沉澱，是一部解讀現代與原始藝術不可不讀的經典之作。 畢卡索其幾何性不但不是西歐傳統性的（如西歐源自希臘幾何學），反而與原始或非洲有著不可分的關係。 1907年，畢卡索發表了〈亞維儂的少女〉，這幅有著類似非洲原始雕刻面具的少女面孔，在當時不被接受、甚至被嘲諷，但後來卻成為標誌立體主義藝術開始的里程碑，並成為二十世紀現代藝術中一永恆的經典。而這樣劇烈的轉變，原因究竟為何？ 著名哲學思想家史作檉為我們作了解答——答案就在於與歐洲文化遙遙相異的非洲原始藝術中。 他指出，二十世紀現代藝術中有一種大趨勢，亦即反一切既有的文字性紀錄的故事、規範或造型，希冀透過幾何抽象的表現，給予觀者直接而深刻的感動。而這種動力，即是來自於非洲原始藝術的呼喚。在生活越簡單的時代中，人距離自然與人存在的感覺越近，原始藝術透過純粹的造型，散發出此種真正屬於人毫無修飾而自由的感覺，直及人心最深處的感動，而這也正是畢卡索，甚至是現代藝術所亟欲重新尋找回的精神。
名畫會說話：悠遊西方的歷史、宗教與神話
★80幅名畫，全彩，厚度適中，僅兩百多頁，每章一幅名畫共三頁篇幅。★與市面上之一般藝術類入門書籍不同，本書另闢蹊徑，集名畫賞析、畫家簡介，以及神話、宗教、歷史知識於一爐，非常難得。
海彩，紫瀾：石川欽一郎
石川欽一郎，一八七一年生於靜岡市淺間神社附近，年輕時代學習英國傳統水彩畫，三十六歲赴台北擔任台灣總督府陸軍部翻譯官，五十三歲再度來台任教台北師範學校。石川在台灣推廣水彩畫的貢獻卓著，學校教育方面，他也為許許多多台灣青年，特別是那些有幸受師範教育的菁英分子，打開了西洋美術文化的視野，豐富他們的人生觀，培養他們終生對美術創作與欣賞的愛好。這些師範生畢業後，分發到各地教書，繼續散播現代美術的種子，影響迄今。
獻祭美神：席德進傳
「做一名戰士，要死在戰場；做一名畫家，要倒在畫架旁。」席德進這個人，粗頭亂服，不修邊幅，天生是來當藝術家的。這位有著蜀人辣椒性格的畫壇怪傑，愛憎分明、直言無忌，敢於做自己。他出生四川南部縣，歷經對日抗戰、國共內戰，在動盪的大時代裡成長、壯實。他曾經狂飆現代藝術，鼓吹抽象畫，卻在由歐美回國後，大力提倡最不為人重視的台灣民間藝術與台灣古建築，帶動日後各界對本土文化的認同。他的身分證職業欄填的是「畫家」，他無妻無子，孑然一身。即使晚年因胰臟癌需一日三飲苦膽汁，他仍然拖著膽汁瓶南征北討，畫出他眼中「不朽的台灣」。他將短暫的一生完全奉獻給藝術，留下無數美麗的畫作，成就不朽的傳說。
現代主義雕刻先驅：布朗庫西
關於《布朗庫西》 羅馬尼亞藉的康斯坦丁‧布朗庫西（Constantin Brancusi, 1876-1957）被美術史家譽為現代主義雕刻的先驅，現代雕刻創始人之一。藝評家吉斯（Gidney Geist）指出：「跨立於19世紀和20世紀的布朗庫西，以其作品證實他是一位屬於新紀元的現代藝術家，對現代藝術本身懷藏一種憧憬。他主張藝術即喜悅的信念，認為創造藝術應該表現喜悅的情愫。」 布朗庫西是羅馬尼亞雕刻家，出生於克萊奧瓦小鎮。1902年在布加勒斯特美術學院學習雕刻。1904年到巴黎進入美術學院梅西（Mercie）教室，從1906年起進入羅丹工作室學雕刻，做羅丹的助理。接著，他加入了以藝評家阿波里奈爾為中心的藝術家朋友聚會，活躍於巴黎藝術圈。 1908年布朗庫西開始創作〈吻〉，成為此一時代最抽象的雕刻。之後，創作〈睡著的繆思女神〉（1910）、〈新生〉（1915），達到完全非具象的抽象雕刻。他的作品以象徵性的極端抽象與微妙的造形為特色，他關注自然的理想化形象，同時又能把真實中的鳥、魚、蛋和人體結構的本性表達出來。在材料上，他偏好採用大理石、木材、銅鑄，表現材質的生命與單純形態，透過磨光的精緻處理技巧，展現石頭或青銅的優美造形曲線，風格像水一樣的清澈，無限純淨，被尊稱為徹底抽象與單純化的前衛雕刻代表人物。 布朗庫西說：「東西外表的形象並不真實，真實的是東西內在的本質。」為了體會世界的本質，他一生只選擇少許主題，以不同材質去創作，圍繞著男女之吻、繆思、鳥、公雞、柱子等主題，尤其是鳥的系列，最能顯示他與這個世界的關係，表達生命之飛翔。而他的〈無止境的圓柱〉，將地面累積能量的支柱推向一個無盡的空間，像他童年在羅馬尼亞鄉村聽到「世界之軸」的傳說，是一個可以支撐天空連接天地的支柱。 布朗庫西非常重視他的工作室，他認為工作室是一個具有創造力，有意識的空間，陳列在工作室中的每一件雕刻和日用品，他都親自擺設，如有作品賣出之後的空位，他會補上相近的一件新作。晚年的布朗庫西，甚至堅持在工作室做為個展的展場，而拒絕在藝廊展出。他並且用照相記錄工作室情景，後來這些照片成為研究布朗庫西作品的貴重資料。 布朗庫西從1904年到1957年去世時都在巴黎度過。這位偉大雕刻家作品大部分都是在巴黎十五區的倫薩路八之十一號工作室製作出來的。1956年他立下遺囑，將工作室中的全部作品、家具、圖書捐贈給法國政府，並註明巴黎國立現代美術館要再現他的工作室。1977年，龐畢度藝術中心建設完成，布朗庫西工作室設在建築物北側角落，但它座落在巨大建築物旁未能引人注目。1997年，廿周年大改建時，龐畢度中心的設計者之一畢亞諾設計的布朗庫西新工作室開幕，它給人在寧靜中顯現光明的氣氛中，呈現這位大雕刻家工作室的不凡之處，讓後人感覺到彷彿布朗庫西才剛剛走出工作室，可以一窺他畢生作品的精華。
開啟巴洛克榮光的大師：卡拉瓦喬
古典繪畫大師尼可拉‧普桑自法國來到羅馬，看了卡拉瓦喬（1571～1610）的作品後說：「卡拉瓦喬生來為摧毀繪畫的。」卡拉瓦喬沒有摧毀繪畫，他是不因循舊有藝術規矩作畫。他一反當時矯飾派藝術的風尚，回歸一種寫實的藝術。 他深入平民生活之中，不畏他們的粗俗，藉描繪他們來抒發自己毫不容情的威力。他能在平民的日常生活中看到充沛的生命力、美麗的青春和親切的事物。他將當時義大利少年化為古代神話人物，烘染平凡的物件，讓它們發出異彩，他又把生活的通俗面轉化，來繪寫宗教題材。 卡拉瓦喬的寫實同時帶給視覺一種神妙，他捕捉並釐析眩目的光和不可測度的如夜的暗影，它們之間的變化反差，創造出光影、明暗層層對比又咄咄逼人的嶄新繪畫。這樣的繪畫震盪了大半個歐洲藝壇，其特質形成卡拉瓦喬風，啟動出歐洲巴洛克藝術。
西班牙黃金時代繪畫大師：牟里尤
牟里尤（1617～1682）是西班牙黃金時代的繪畫大師，也是十七世紀藝壇巨匠。在繪畫風格上，深具西班牙畫家固有的寫實主義傾向，描繪聖者的容姿，伴有活生生的個性與真實感。他與維拉斯蓋茲同為巴洛克風格的代表雙雄。牟里尤精湛的繪畫技巧，對色彩與光線掌控極佳，畫面呈現柔和甜美及抒情，令人發自內心同感。在基督教題材的繪畫上獨占鰲頭。牟里尤一生畫了大量宗教畫、風俗畫、風景畫和肖像畫。 牟里尤還有許多典型創新，他的聖母畫兼備溫柔慈母特徵，具年輕安達露西亞地方女子美；他又將「孩童畫」獨立一門，描繪街頭流浪乞兒的畫更受到熱烈讚賞，名聲擴及全歐洲。至今流傳他有記錄的〈聖母與聖子〉有三十一幅，及約二十一幅〈聖母純潔受胎〉畫作。 十八世紀牟里尤享有偉大聲望，十九世紀曾為國際藝術市場身價最高的西班牙畫家，聲名如日中天，二十世紀卻被淡忘及貶低，還好近十年來，他又還復原有大師的頭銜與榮耀！本書作者旅居西班牙鑽研牟里尤多年，深入淺出帶您認識這位不可不知的偉大畫家。
擴大藝術觀念的德國前衛藝術家：波依斯
提起德國前衛的藝術，就會讓人聯想到波依斯（1921～1968），他已經成為德國前衛藝術的象徵。恩賜於他那種思考性造形美學，透過尖銳的抗議、激進的開拓，解除歷史的禁忌，波依斯似乎成為現代進步主義激進的代言人。其作品湧現一種新感覺和日耳曼民族獨具的特質，在文化的自覺中，就這樣使戰後德國的藝術起死回生，充滿一股活力與新希望，深深影響著德國藝術與世界其他地區藝術的發展。 波依斯，可謂是20世紀藝術裡最傳奇、最為顛覆性、最為深奧難懂、最著名的藝術家之一。他宛若當代藝壇中最具徵兆性的一位英雄，是西方最後一位烏托邦的理想主義者，也是後現代藝術的啟蒙者。他以藝術做為社會革命的工具，並認為藝術確確實實能改變世界，非此不可的才能起死回生並與自然靈氣對話。 波依斯的作品經常呈現出人與動物及自然生態的關懷，使用眾多自然有機的元素。在眾多行動展演藝術中，動物經常扮演他行動過程非常重要的角色。 二次世界大戰期間，波依斯成為飛行員，1943年冬天在一次轟炸行動中，在蘇聯西伯利亞荒漠上他駕駛的飛機被擊落，波依斯則無意識地在墜落飛機的殘骸中度過好幾天，傷勢嚴重，後來被草原上的游牧韃靼人拯救照料，以油脂替他敷傷口，並讓他臥捲在毛毯中保溫。這件人生中的意外，成為往後波依斯整體創作的神話及核心。油脂、毛毯、銅、紅十字架，都成為他藝術創作的最愛，以及最具生命記憶象徵性徵兆的素材。 1965年，波依斯最具代表性的一場展演：〈如何向一隻死野兔解釋繪畫〉，也是在這個時候開始建構「擴大藝術」之概念，至「社會雕塑」，並提出「每個人都是藝術家」的觀念，並以傳教者的信念賦予每一個人類可能的新生。之後，他一生的創作，似乎都意圖著對人類精神的治療，他相信痛苦才能真正幫助人類，唯有經過痛苦，藝術才會產生高層次與神聖的東西來。 六十六歲的波依斯因心臟病身亡，他一生的傳奇比明星還明星，光輝燦爛後留下餘音裊裊，迴盪在歷史空茫的天地中，令人低徊。
蒙馬特風景畫家：郁特里羅
摩里斯．郁特里羅（Maurice Utrillo 1883～1955）是巴黎畫派最著名的風景畫家。他筆下的巴黎蒙馬特街景、聖心堂、煎餅磨坊等，平凡中充滿詩意，洋溢著濃濃的情感。到了蒙馬特，就使人聯想起郁特里羅；而欣賞郁特里羅的風景畫，也就彷彿到了蒙馬特。許多人在看他的畫時，不知不覺進入了他的風景畫中。郁特里羅是雷諾瓦和竇加的模特兒——後來成為畫家的蘇珊．瓦拉東的私生子。他本來在銀行工作，後來在母親的勸勉下開始學畫，初受到畢沙羅影響，1913年舉行首次個展，得到畫商史波羅夫斯基資助，勤奮作畫，確立在畫壇地位。在美術史上，郁特里羅是二十世紀法國的大風景畫家。
