凝視約翰．伯格：我們這個時代的作家
他，顛覆整個世代觀看世界的方式。 與蘇珊˙桑塔格、羅蘭˙巴特齊名； 歐洲二戰後最具影響力思想家之一。 從憤怒青年到說故事的人—— 回溯約翰˙伯格思考源頭、觀測其書寫抵達之邊界， 探究半個世紀以來人文地景的面貌。 【影像評論人˙政治大學傳播學院教授｜郭力昕｜專文推介】 「除了當畫家之外，我也努力思考藝術，同時為藝術而思考。不過我努力超越畫筆之尖來思考，結果，主要是我對藝術的關懷催生了我整體的政治信仰和社會信念。根本不是我把政治拖入藝術裡，而是藝術把我拖入政治裡。」——約翰·伯格 約翰˙伯格是戰後歐洲舉足輕重的左翼人文思想家和創作者之一。身為小說家，他贏得一九七二年的布克獎，卻於領獎時大力抨擊該獎項，並把他一半的獎金捐贈給左派政治組織「黑豹黨」；身為電視節目主持人，他以《觀看的方式》改變了人們觀賞藝術的方式；身為說故事的人和積極參與政治的行動者，透過他的著述捍衛勞工、移民和全世界受壓迫者的權利和尊嚴——直至二〇一七年一月過世，他始終如一是屬於我們這個時代的革命家。 藝術及受壓迫者是約翰˙伯格終其一生最重要的關懷主題，並深遠地影響其生命及作品。《凝視約翰·伯格：我們這個時代的作家》（A Writer of Our Time: The Life and Work of John Berger）圍繞著一系列既關於個人又屬於大時代歷史的分水嶺事件建構，追溯伯格的發展，從早年為英國報刊撰文的文化批評鬥士，歷經一九六〇革命年代意氣風發的歲月，直到晚近伯格重塑自己成為鄉間說故事的人。 本書作者——約書亞˙史柏林（Joshua Sperling）爬梳大量資料與原始檔案，利用未曾發表過的第一手訪談，旁徵博引撰寫約翰·伯格生命軌跡的細節，陳述與論評深入挖掘爭議的關鍵，完整揭露出伯格這位異常複雜且韌性十足的人物。伯格的思考及關懷從何而來？又將引領眾人往哪去？終將成為我們叩問困擾整個世代宏大命題的關鍵。
臺灣畫廊產業史年表(1991-2000)
畫廊之於藝術產業，不只是關鍵角色，也是中流砥柱。 「藝術產業史」涵蓋了藝術家的發展史，因此，畫廊發展史也可稱得上是臺灣藝術史的一部分。 早期許多臺灣畫廊都是亦步亦趨地伴隨藝術家成長，藝術家在與畫廊機構互相學習、磨合、調整的關係下，漸漸培養出獨特的創作習慣，雙方之間的良性關係也有助於藝術產業的健全發展。 本書聚焦於1991-2000年代的臺灣藝壇，當時正是鄉土意識抬頭的關鍵年代，藉由爬梳完整的年代與資訊，期能提供讀者有別於傳統以藝術家個人生命經驗為主的書寫視角與藝術史觀，以特殊的切入視角，重新看見過往輝煌的產業史面貌。 本書特色 第一套臺灣畫廊史專書，深入分析藝術產業發展脈絡
費洛蒙：遠距離
本書以「費洛蒙 Pheromone」為題，以海報書為概念，邀請讀者共同探尋埋藏在氣味中的愛情祕密。全書邀集十多位來自不同領域的女性藝術家，包括新生代演員饒星星、3D視覺團隊Dorairolg、中日跨國情侶Amber與Tomo、攝影師鄭文絜與郭品君、花藝師李濟章、插畫家LI YA WEN、甜點師Doris、女性情慾研究者馬天娜以及王安頤本人，潛入意識，挖掘深藏的複雜慾望與獨白，透過實驗性的編輯手法，打破視覺與閱讀的慣性，將刊物以海報的方式呈現，總共11張22面的內容，每一頁都是獨立完整的藝術品，再現新一代女性的想像。 封面故事〈HER〉，透過王安頤與饒星星的演繹，Dorairolg拆裂重組圖像，以意像的無盡想像，開啟愛與她的思索。由馬天娜主筆的單元〈費洛蒙自傳〉，結合有聲書的概念，透過QR Code聽到作者本人的超親密呢喃。刊末另附贈〈獻給遠距離的〉A3大小明信片，有別於一般明信片尺寸，供讀者典藏或寄出。 本書特色 華人首本女同志感官藝術特刊《費洛蒙 Pheromone》，集結超過10位女性藝術家，以海報方式呈現，每一頁都是獨立完整的藝術品。刊末另附贈〈獻給遠距離的〉A3大小明信片，有別於一般明信片尺寸，供讀者典藏或寄出。
藝術鑑賞：導覽與入門（第五版）
本書著重於實用與導覽入門性質的藝術鑑賞，以淺顯易懂的文字，配合豐富的圖片，帶領讀者進入藝術的殿堂，領略藝術與人生息息相關的淵源。 全書分為三大部分，第一部份包含2章，先引導讀者思考「何謂藝術？藝術與人生有何關聯？」繼而以「藝術的基本要素」、「藝術形式原理」兩節引導讀者瞭解「如何鑑賞藝術？」所謂「外行看熱鬧、內行看門道」，透過本單元，讓讀者從看熱鬧學會如何看門道。 第二部份共5章，順時序導覽西方藝術的發展，從史前時期到中世紀、近代、現代、當代各時期重要思潮與流派的均加以扼要介紹，也介紹許多最新的新時代藝術發展，例如：抽象表現主義、普普藝術、環境藝術、地景藝術、後現代主義等等，讓讀者對於生活周遭正在發生的展覽、表演、影劇、視聽、環境等種種藝術活動，有較完整的認識。 第三部份共6章，對中國藝術的發展做一導覽，從史前時期到各朝各代，最後專章介紹台灣近代藝術的發展，讓讀者對台灣本土藝術的傳承脈絡有更全面的認識，以及更開闊的眼光。 藝術欣賞是現在通識／博雅課程中很重要的一環，不管是哪個專業領域，有了藝術的涵養，對生活、對事業、對自己、對全世界都會有不同的看法。本書除了適合在學生作為教科書使用，亦適合對藝術作品有興趣的人士，從認識藝術的特質、如何鑑賞、到中西方藝術及臺灣藝術作品的介紹，融合日常生活所見所聞，進而開闊視野達於宏大的世界觀。 第五版在書末的附錄增加了世界各大城市博物館、美術館及臺灣當地各藝術展覽場地的資料及網址，可提供愛好文化藝術休閒活動的讀者，自行上網查閱更多有興趣的藝術之作，同時也能利用空閒時光親自參觀各博物館、美術館或藝廊，欣賞不同藝術作品時也同時進行一番身心靈的洗滌。
翱翔的大冠鷲：臺灣當代原住民藝術演講與論述
趙慧琳 Chao Hui-Lin 伊祐．噶照& Iyo Kacaw 林介文 Labay Eyong 東冬．侯温 Dondon Hounwn 瓦旦．塢瑪 Watan Wuma 彼勇．依斯瑪哈單 Biung Ismahasan 撒可努．亞榮隆 Sakinu Ahronglong 饒愛琴 Rao Aiqin 達卡鬧．魯魯安 Dakanow Luluan 2003年，藝評人許瀞月來到都蘭，靠著一張紙條上的電話，開啟了探訪在地原住民創作者之旅。這些連結土地意識、部落認同的作品充滿原創力，令她一再往返臺北、花蓮與臺東，甚至曾待在港口部落學習族語，就為了更認識這些創作。 & 十五年後，任教於臺北市立大學的許瀞月，邀請原住民藝術、文學與音樂界中，具代表性的十位菁英到視覺藝術系演講，並將其中九位的精彩內容精縮收錄於本演講集中。這包括了── & 以行為藝術表達社會文化行動的瓦旦．塢瑪；講述東海岸環境公共議題與抗爭事件的饒愛琴；從祖母的衣櫃與織物挖掘出家族故事的林介文；彷彿理解魚群語言、以作品呈現海洋民族觀點的伊佑．噶照；多年來為部落發聲、發表長篇小說《大肚城歸來》的趙慧琳；以《山豬、飛鼠、撒可努》享譽國際、創辦「獵人學校」的撒可努；活躍於國際的當代藝術策展人彼勇．依斯瑪哈單博士；身兼部落巫醫與藝術家的東冬．侯溫；名字意為「大冠鷲」的唱作人達卡鬧⋯⋯ 本書不僅匯聚了多樣性思維，也在傳統與創新、變與不變之間，找到節點。期許能以此拓展讀者對當代原住民藝術的視野與想像。
黃贊倫設定集
「我曾用了十年時間，逼迫自己去承認『我是個藝術家』。十年過去了，如今覺得其實『我只是個藝術家』，也沒什麼好大不了，這樣蠻好的。」——黃贊倫自述。& & 平時我們認識藝術家，似乎只在乎嚴肅的論述，忽略了他平日的思考，以及階段性的領悟。 原來創作是一件令人懊惱又掏心的事？原來不斷挖掘自身並把自己放入世界比照會多麽令人恐懼又目眩神迷？《黃贊倫設定集》不只是一本有關藝術家與其作品的書，而是一本黃贊倫的歷練濃縮集，更是一件黃贊倫的新作。 & 那些沒有看書就不知道的事： ‧有血有肉有怨嘆——黃贊倫的創作（成長）小日記。 ‧作品怎麼來？——精美草稿、創作過程側寫、作品沙龍照、更多更多精美草稿。 ‧藝術家到底怎麼想？——黃贊論創作論述精要大全，一字一句告訴你！ ‧專業人士怎麼看？——各路名筆評論與分析！ ‧與合作夥伴、主編大大的私下會談——有料也有笑料，不同議題輕鬆聊聊～
用年表學藝術史
～跟隨Book cafe店主，走讀藝術史～ 從古代女神崇拜，到百變的瑪麗蓮・夢露， 以一杯咖啡的時間，透視真與美的進程 藝術的歷史，有如一條時間的長河。 史前遠古於洞窟中留下的壁畫、先人以雙手捏塑的豐饒女神與生殖崇拜、揭露王權雛型的宏偉陵墓，再到宣揚宗教教誨的莊嚴裝飾畫、傳達人心內在騷動的印象模擬，最後則是強化五感刺激的情境體驗。涓涓滴流匯集，無數分支交集繼而匯流成廣闊的大河，並且因應各地域的歷史文化民情，共同譜出世界各國斑斕殊異的藝術體系。 本書正是以西洋美術與東洋日本為主，俯瞰這兩處流域的藝術演遞史。 ◤巡禮要點1：藝術史是循環的 西洋藝術史的「流行主題」經常反覆上演，例如文藝復興與新古典主義崇尚古希臘羅馬文化，立體主義與現代雕刻則是回歸最原始的藝術作品，試圖探索新的表現手法。 無論何時，藝術史都走不出永恆回歸的循環宿命。 ◤巡禮要點2：畫家本身即是藝術史 每一種藝術風格，都是藝術演進脈絡的節點。 然而每一個時期盛行的主義，卻也是由許多位藝術家共襄盛舉才得以蔚然成風。 本書選錄200多位的藝術家，介紹其代表作及生平簡歷，更精選8位人氣西洋畫家，根據他們各時期的藝術發展，繪製生平事業表，看圖即懂藝術家生涯的巔峰與低谷。 ▸▸▸拉斐爾：英才教育薰陶下的畫家之子，短短37年的人生究竟因何而結束？ ▸▸▸梵谷：職涯與戀情皆不順遂的27歲，宣告轉行投入畫家之路。 ▸▸▸高更：35歲前是人生勝利組，35歲後矢志成為畫家，卻賣不出畫而生活落拓。 另外更以獨家手法，徹底剖析印象派以降的現代畫家畫風。畫家究竟如何確立自己的風格？其中又保有多少前人風格？期待各位一同思索光憑常識也難解的創作之謎。 ◤巡禮要點3：繪畫之死？藝術史將前往何方？ 繪畫的抽象化是以畢卡索作為起點，並以此為分水嶺，分成「溶解的畢卡索」與「未溶解的畢卡索」兩派。超現實主義積極運用潛意識與無意識，使得畫紙作為聯結現實與創作的媒介逐漸被消解，藝術家以行動繪畫、無形式藝術、即興創作，衝撞傳統體制的框架。 另一方面，保存構圖與色彩、融合抽象與具體，跳脫歷史包袱而大量描繪日常的具象藝術，儘管至今評價仍在插畫與藝術之間搖擺不定，卻也拯救了繪畫。 隨著時代與技術而一再變化的藝術，將來又會進化出什麼樣的新樣式？ 如同「歷史是不斷循環的過程」這句史家格言，繪畫也同樣持續在「抽象」與「具象」之間持續循環。就由書店咖啡店主、同時也是村上迷的中村邦夫作為引路人，從藝術家觀點出發，娓娓道來真與美的思辨。 本書特色 ◎100%純手繪肖像＋世界名畫，私家觀點詮釋藝術史 不只是藝術教科書，更是一本藝術書！作者親手繪製近400張插圖，搭配簡短說明，引導你沉浸在藝術史的溫度之中。 ◎單一主題搭配圖表，不同時代藝術運動全集中解析 北方文藝復興、後印象派、表現主義，似懂非懂的藝術名詞全都獨立解說，搭配年表、樹狀圖與連結圖，一眼讀懂藝術風格的系譜。 ◎穿梭古今東西，一本掌握西洋藝術與日本藝術的輪廓 全書分為「西洋藝術」與「日本藝術」兩大脈絡，追溯古代先民美感意識的萌芽與流變，並介紹當代值得注目的藝術家。
世界、東亞及多重的現代視野：臺灣藝術史進路
本書是國立臺灣美術館「2019重建臺灣藝術史」國際學術研討會後，重新改編、收錄的專書。透過繪畫、建築、美術／博物館研究、文化資產保存和原住民藝術等研究視角，觀察臺灣做為世界體系脈絡的一部份，藝術如何與外部產生連結？又在內外異質文化的交疊互映下，逐漸演化出何種獨特面貌？全書以兼容本土性、國際性與現代性的多重觀點，探詢臺灣藝術史的未來發展。 & 本書特色 & 兼容本土性、國際性與現代性的臺灣藝術史專書。
博涉．問道．杜忠誥(附DVD)
杜忠誥（1948-） & 杜忠誥，臺灣彰化人，日本筑波大學藝術學碩士、臺灣師範大學文學博士，為臺灣著名書法家。1982年獲得中山文藝獎、吳三連先生文藝獎，1993年獲頒國家文藝獎，2016年又獲總統府頒授「二等（大綬）景星勳章」，可謂譽滿寰中。 & 杜忠誥十六歲時受呂佛庭老師啟蒙，始習書畫，後專攻書法，醉心於書法天地逾半個世紀之久。而他學習書法的方式幾近「細大不捐」，除了師法古人、長時間浸淫在歷代經典碑帖裡，不斷地自我精進；早期更勤訪明師，如同一位學武者遍訪天下武林高手一般，他學習、請益的師長包括有：朱玖瑩、屈萬里、王愷和、王壯為、王北岳、傅狷夫、謝宗安、奚南薰、南懷瑾等人，以探求書藝創作之本質，故其作品講究用筆縝密精微、線質遒厚勁澀，氣脈貫串連綿、造形錯落均衡，謀篇變化和諧，以求達致傳統典範之高度。加以真、草、篆、隸，各體兼善，他運用個人在古文字及篆草書上之特長，漸次發展出別具一格之自家風貌。 & 書藝之外，杜忠誥還孜孜矻矻於歷代書論、傳統辭章、文字學、儒釋道之學、東西美學，以求充實書法創作之人文內涵。由於出身師範體系，亦曾多所中學、大學裡教過書；同時，又開設「養龢齋」書法教室，教授門生，佳評如潮，迅速拓展了他在民間從事書法教學的能量與地位。 & 年逾七十的杜忠誥，在文化藝術的表現上，是兼具國學與書藝的大家，國學方面，他凝煉生命哲學；書學方面，他幻化書藝美學。打自知天命之年起，更是在扎實的傳統基礎上，大步走向書藝探索的自我風格型塑之路，實為國內當今藉由書法來匯集時代之大成中，最經典的標竿人物。 & 本書特色 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
生命．大覺．曾培堯(附DVD)
曾培堯（1927-1991） & 曾培堯出生於日治時期的臺南。二戰結束後，他在臺糖擔任會計之餘，經常四處寫生，並追隨前輩畫家顏水龍、郭柏川習畫，因為財務會計專業加入「臺南美術研究會」長達三十餘年，是推動南臺灣現代畫發展的重要畫家。 & 1950年代，曾培堯除了苦練素描與寫生，藝術表現也逐漸強調變形的抽象發展。他從不賣弄技巧，不拐彎抹角，總是以最誠懇直接的態度作畫，更擅長用畫作表達無形的情緒和精神，傳達他從宇宙或人生中獲得的啟示。尤其熱愛大自然的曾培堯，創作時經常以細胞繁殖、生命孕育的奧妙為靈感，從此衍生出個人的知名代表作──「生命」系列，直到最終走入佛學哲思的境界，畢生都以畫筆討論生命的課題。 & 曾培堯用功於畫業，能寫也能畫，邏輯清晰的他也致力於藝術哲論，在1960年代後逐漸浮出檯面，於海內外廣辦展覽，在電臺主持藝術專題，四處演講，同時成立「曾培堯畫室」和「世代畫會」等，積極培養後輩新秀。 & 1991年，曾培堯因直腸癌逝世。在臺灣盛行東西結合的現代畫潮流中，他不隨波逐流，自始至終保有自我的主體性，和南臺灣現代畫運動相繫相伴，是臺灣美術史不可忽略的關鍵人物。 & 本書特色 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
南島．熾情．吳炫三(附DVD)
吳炫三（1942-） & 吳炫三出生於臺灣宜蘭，就讀淡江中學期間，受到畫家陳敬輝的啟蒙，開始專注於美術。就讀師大美術系時，吳炫三深受恩師廖繼春的幫助和引導，拓展了學習視野。大學畢業後，前往西班牙皇家美術學院深造，隨後轉往美國紐約，接受前衛藝術的洗禮。 & 1979年起，熱愛自由，不受拘束的吳炫三，為了效法他崇敬的畢卡索、馬諦斯等西洋藝術大師，深入非洲的撒哈拉沙漠、中南美洲的亞馬遜河、南太平洋群島的原始森林和洞窟等地探險，從沙漠的熾熱陽光、原住民的樂舞、巨石雕刻與面具紋飾等異文化風采中，獲得更澎湃的創作養分，作品從此轉變成更具爆發力與狂放的風格。 & 多年來，吳炫三創作出可觀數量的作品，且類型豐富多變。1995年起，他以臺灣排灣族的百步蛇圖騰為靈感，發展出專屬的紅、黑、白圖騰與陰陽符號；1997年，他開始採用工業材料的廢鐵、五金，結合自然界的獸骨，創作出獨創一格的雕塑，藉此表現人類文明與大自然之間互相辯證的深層寓意；2013年後，吳炫三更跨足水墨領域，以狂寫墨，結合東方哲學的「氣」與「道」概念，展現別具個人風格的磅礴氣勢。 & 吳炫三歷年來獲獎無數，包括「吳三連先生文藝獎」、「國家文藝獎」，以及法國文化部頒發「藝術與文學騎士勳章」等多項榮譽。半個世紀以來，他已在臺灣、美國、日本、德國、法國、西班牙、北京等地舉辦過海量個展，作品更廣受海內外各知名機構典藏。 & 作為一名享譽國際的全方位藝術家，吳炫三身體力行，他用自己的雙腳走過世界上最偏遠的角落、最冷僻的島嶼後，以強勁而騷動的狂筆捕捉異國大地與文化多采多姿的精髓，揮灑出隱含在人類文明中那強烈飽滿的生命能量。 & 本書特色 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
歲月．心痕．楊識宏(附DVD)
楊識宏（1947-） & 楊識宏出生於中壢。建中畢業後，進入臺灣藝術專科學校，學生時期的作品充滿人道主義關懷和哲學的影子，深受《梵谷傳》啟發的他，從此決定投身藝術創作。1970年，楊識宏在國立臺灣藝術館舉辦首展後，便多次成為「全省美展」常勝軍，引發藝壇矚目。 & 1976年，楊識宏前往日本、美國，接觸許多西洋名作，進入紐約普拉特版畫中心研習現代版畫，並投入攝影，發展出一系列廣受好評的複製觀念系列作，藉此批判都會生活中如同機械一般不斷重覆的生活步調。隨後，楊識宏更毅然放下已然穩定的工作，舉家遷往紐約，重新開始。當時紐約藝壇已經揮別觀念藝術和照相寫實的高峰，迎來新表現、超前衛藝術、自由具象的新時代，楊識宏適逢其盛，迅速融入這波時潮，也迅速竄出，獲得廣大的肯定。1984年，楊識宏成為首位獲得美國P.S.1國家工作室獎助計畫的臺灣藝術家，進入「植物美學」時期的他，作品風格從悲愴、粗獷，帶著較多對死亡的思考，轉為一種對生命的歌頌，顯見這位藝術家心中那份年少輕狂，已逐漸轉化為成熟的圓融與沉潛。 & 2003年，楊識宏參展韓國「世界書藝雙年展」時，首次以東方媒材的水墨創作，深受好評，促使他在2007年後嘗試將水墨融入繪畫，發展出「意識流」系列。以狂草書法的快速揮掃偵測心靈的底蘊，留下最本質、最真實的生命情境之痕跡。 & 楊識宏立基於探討生命的創作歷程，橫跨東西文化、傳統與現代，在優雅與粗獷、雄勁與典麗之間，成為臺灣藝術史上成功融合「心象思維」與「物象思考」的代表人物。 & 本書特色 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
觀遊．諧趣．夏陽(附DVD)
夏陽（1932-） & 夏陽，本名夏祖湘。1948年畢業於南京師範。隔年隨軍抵臺灣，隨後進入李仲生畫室學畫。1957年，他和畫友共同組成東方畫會，是推動臺灣現代藝術運動的關鍵人物。 & 1963年，夏陽初訪歐洲，旅居巴黎期間，他致力於摸索東西融合之道，發展出獨創的毛毛人系列。移居紐約後，夏陽加入O.K.哈里斯畫廊，在蘇荷區參與了當時風行歐美藝壇的照相寫實風潮。1992年，夏陽返回臺北，藝術閱歷豐富的他，回歸傳統民間宗教、神話、寓言故事，以顫動線條重新構成畫面中裂解的毛毛人形，將一切轉變成似是而非的物象。 & 1999年後，夏陽開始嘗試用鐵片形塑立體雕塑，成為一名全方位的創作家。2000年，夏陽榮獲國家文化藝術基金會第4屆國家文藝獎，隨後與妻子吳爽熹移居上海至今，活躍於大陸藝壇。夏陽晚期的毛毛人作品風格，顯得更加機鋒、幽默、詼諧，色彩鮮活，充滿時尚的節奏感。 & 「觀遊．諧趣」指的是夏陽的幾項藝術特色。觀，是歷經滄桑，冷眼觀事，夏陽始終對朋友保持一份熱眼觀心；遊，是一生漂泊，夏陽總是期許自己在困苦中樂於遊藝；諧，是苦中作樂，保持童心，和煦寬容；趣，是他在寫實中變焦的一貫風格，畫面場景充滿逸趣。夏陽個性堅毅、和睦、寬容、機巧、童趣、淳樸，他將一生苦澀化為毛毛人符碼，以介於嚴肅與遊戲之間的創作態度，顯現出「畫別人故事，講自己人生」的趣味，作品常使人觀賞後，頗能心領神會箇中旨趣，寓意繚繞而深遠。 & 本書特色 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
博物館營運新思維
時至今日，為了應對新世紀、新時代的變化，許多博物館在既有的基本功能──收藏、研究、展示、教育之外，也逐漸採用綜合性或企業化的管理與營運模式，基於跨領域的整合原則，納入新興的行銷，以行政法人獨立營運的方式，持續堅守博物館的公共利益，為大眾服務，臺灣第一座臺南市美術館便是其中一佳例。與此同時，隨著現今的多元化與在地化思潮，博物館的領域和範疇也隨之改變，包含生態博物館、無牆博物館、社區博物館、虛擬博物館等。 & 本書各篇章將以多元化發展、文化外交、虛擬實境、文創行銷、管理經營、教育推廣等主題，討論各種博物館經營的具體實踐。作為國內第一本行政法人美術館專書，本書不僅具有劃時代意義，也希望能伴隨美術館行政法人化的熱潮，持續推展新世紀博物館營運的全方位思維。 & 本書特色 & 國內第一本行政法人美術館專書。 &
展覽與時代：藝術展覽研究與臺灣藝術史
過去學者對於臺灣藝術展覽的研究多為針對單一展覽或某項展覽機制的思考，較缺乏全景式的脈絡呈現。本書嘗試為臺灣的藝術展覽研究，這個已然成形但尚未有明確脈絡的知識體系，做專題性的爬梳整理。其中精選十一篇過去曾出版或為本書新撰之國內外學者專文，透過「有關展覽研究的前置思考」引出對於展覽史的思索，同時以「臺灣近代藝術史裡的展覽」回望日治時期到1990年代之後的發展脈絡，由各篇不同的角度為臺灣展覽研究提供更為全面的觀瞻。 & 本書特色 & 臺灣藝術展覽研究的全景式呈現
普普藝術，有故事：100個有梗怪咖&酷藝術，為什麼讀廣告、學設計、玩時尚、做藝術，一定要認識它？
為什麼讀廣告、學設計、 玩時尚、做藝術，一定要認識它？ & 不只Andy Warhol，普普怪咖如雲 20世紀最吸睛、最多人知道的藝術運動 現代藝術第一課 讀過這本，就像看過一場精心策劃的超級大展 拼貼｜拍立得｜二創｜塗鴉｜獨立音樂｜龐克｜變裝 因他們發揚光大 & 第一本同時教會你── 賞析必看名作｜背後軼事＆時代影響｜認識今天仍愛玩的頂尖創意 漫威｜電視｜可口可樂｜廣告｜時尚｜電影｜香菸｜汽車｜迪士尼 都是藝術 普普藝術＝流行文化史 100個當代創意的經典傳奇，送到你眼前 & ▌你不知道的普普藝術家故事 ▸杜象在七○年代起便熱衷用拍立得大玩變裝性別遊戲。他的最後一件力作揭露偷窺快感，甚至預現六○年代廣為流行的色情作品，他毫無疑議是指引普普藝術的「真正燈塔」。 & ▸李奇登斯坦七歲大的兒子指著迪士尼漫畫，故意激爸爸：「我打賭你一定畫不了那麼好！」接受兒子戰帖的李奇登斯坦，把唐老鴨化身為普普藝術的理想題材。 & ▸紐約普普藝術的超級經紀人，格爾扎勒用B級片形容普普藝術的起源：「就像一部科幻片裡，彼此不認識的普普藝術家來自城市各個角落，從爛泥巴裡冒出，搖搖晃晃地往前走。」 & ▸勞森伯格和瓊斯不只是成功的事業夥伴，他們為Tiffany做出廣受好評的櫥窗設計，兩人也是親密伴侶，但當年同性戀情（沃荷也不例外）足以讓他們坐牢，因此勞森伯格和瓊斯隱瞞了六年的戀愛關係。 & ▸當1964年的《生活》雜誌做了李奇登斯坦的國際專刊，封面斗大的問句寫道：「他是美國最糟糕的藝術家嗎？」比推銷員還更推銷員的李奇登斯坦，愛死了這句台詞。 & ▸藝術家歐登柏格1961年自租、自宣傳、自賣，開店賣藝術品。商品都是他在店鋪後方的工作室裡完成的，一賣出就補上新貨，訂價十分親民，價格在20到500美元之間。 & ▌普普藝術，別只知道安迪‧沃荷 關於普普藝術，你了解多少？有多少今天玩的二創，其實來自他們？有多少看似荒誕的言論，卻是我們今天生活的現實？有多少軼事＆icon，仍是每一代音樂界、設計圈和藝術界喜好者的必備常識？你看得懂普普藝術嗎？賈斯培的美國國旗有何諷刺？李奇登斯坦只是單純複製漫畫？安迪‧沃荷的瑪麗蓮夢露版畫，原來藏了深刻暗喻？ & 普普藝術玩世不恭，從1950年代在倫敦出現，熱潮持續至今，從視覺文化、街頭藝術到時尚，從出版、廣告到電影。普普藝術家是第一群完全融入廣告語言的藝術家，熱愛消費文化，普普藝術家發明了一套藝術新定義，把經手的東西都變成搶手形象，從濃湯罐頭到漫畫不一而足。他們宣稱人人都可以成為藝術家，任何東西都能成為藝術。《普普藝術，有故事》由泰德現代館、MoMA和威尼斯古根漢美術館的藝術文化講師撰寫，說了100個有梗的關鍵故事＆經典傳奇，推崇他們創造力的多樣性──包括從倫敦到洛杉磯，從布雷克到對巴斯奇亞的戀物崇拜，更少不了沃荷的工廠。 & ▌越嘲諷，流行文化越愛他們 早在1956年4月，美國的諷剌雜誌《瘋狂》就惡搞了萬寶路香菸在1954年以粗獷的牛仔風格重新打造出極為轟動的品牌形象。萬寶路是數以百萬計抽菸者的愛菸，香菸跟它獨樹一格的品牌塑造方式，毫無例外地被吸納為普普藝術的代表意象。例如普普藝術家湯姆．衛塞爾曼在六○年代後期創作的一系列《嘴唇》畫，後來發展為《吸煙者》系列。這些畫中微開的雙唇叼著香菸，嘴唇塗著鮮紅口紅──直指性聯想。正如廣告界所通曉的事實，有性，就好賣。 & 幾位普普藝術家被德國車廠BMW收攬為獨家「藝術車」系列的彩繪設計師。羅伊．李奇登斯坦最早受邀。大衛．霍克尼在1995年的設計，看起來像是混合特立獨行的立體主義畫家費爾南．雷捷（Fernand Léger）的抽象畫和他自己較具象、也較可親的約克郡風景。普普藝術在還沒被藝評家正式界定之前，就已經以商業藝術的形式存在了。即使到了八○年代，沃荷仍然聲稱：「我仍然是一個商業藝術家。我一直都是商業藝術家。」 & ▌還有什麼比拍立得更普普 遠在iPhone發明之前，安迪．沃荷就知道如何捕捉酷炫。1958年他買了第一台拍立得相機，也很快就以拍攝當時的文化要角，體壇人物、上流社會人物而馳名。很難說出從六○年代末、七○和八○年代有哪個名人沒被沃荷拍過的。他的拍立得快照充分捕捉了現代名流的魅力。沃荷的普普相機也許想變成，如他本人曾說過的名言：「我想變成一台機器。」被拍者的臉被閃光燈的強光照得慘白，但是在他們眼中、沃荷，這位普普「首席偷窺狂」真正補捉到的──是成名的力量和脆弱性。 & 拍立得相機於1948年在市場推出，它用合理的價錢，在一分鐘之內即完成照片拍攝和沖洗。即刻擁有，還有什麼比拍立得影像更普普？很快，拍立得就成為沃荷的代名詞。他拍攝的名人情侶包括米克．傑格及約翰．藍儂夫婦；作家和藝術家有威廉．柏洛茲（William S. Burroughs），約瑟夫．波依斯（Joseph Beuys）和羅柏．梅普索普（Robert Mapplethorpe）；歌手有黛比哈利，戴安娜羅斯，服裝設計師聖羅蘭、凡賽斯，當然也少不了法拉佛西，葛莉絲瓊斯，阿諾史瓦辛格，拳王阿里，和瓊考林斯。此外還有一些不像沃荷會拍的對象但卻出現的，包括美國總統吉米．卡特，和伊朗最後一位皇后法拉．黛巴．巴勒維。 & ▌普普之王 or 之神？ 1957年，正處於個人生涯和藝術轉型的關口、29歲的商業插畫家安德魯．沃荷拉（Andrew Warhola）──不久就成為家喻戶曉的安迪．沃荷──做了鼻樑矯正術，治療鼻子上的皮膚傷，雖然這項決定毫無疑問是出於讓自己的臉部線條更漂亮的渴望。沃荷拉從來就不喜歡他的鼻子，他在1940年代晚期的學生畫作《挖鼻孔的人》，已充分暗示鼻子的大小和形狀帶給他的焦慮。就像夢露看到自己不喜歡的照片會把臉塗掉，沃荷更絕，甚至還修改護照上照片，用一枝鋼筆把鼻子收窄，降低髮線。從藝術上來講，沃荷一直著迷於美麗與痛苦、以及變形間的牽連。1960至1962年間，他從《國家詢問報》上刊登的鼻子整型廣告獲得靈感，創作了一系列名為《之前與之後》的圖像。沃荷當時被同事喚作「邋遢安迪」（Raggedy Andy），對自己的鼻子整型成果不滿意，很快便開始有意識塑造自己的公眾人物經典形象，這個形象跟黑框眼鏡，白金色假髮，和寬鬆的衣服密切相連，再加上故作姿態的防衛式言詞、單音節的說話音調。 & 沃荷故作挑釁地宣稱：「我愛好萊塢……每個人都被雕塑過。我想成為被雕塑的人。」沃荷作為美國神話代表人物──從一個勉強稱得上的「正常」人，變為極度突出──他本身就是一個觀察者，躲在一張面具之後，這張面具成了他最偉大的創作，很快，也變成了普普藝術的同義詞。 & ▌三大巨星聯手，締造超級能見度 紐約馳名百貨公司「邦維．泰勒」曾在三○年代請來馬格利特和達利等藝術家的作品來裝飾櫥窗。1951年，百貨顧用了兩位新人設計師來負責櫥窗：23歲的插畫家安迪．沃荷和26歲的美術系學生羅伯特．勞森伯格。三年後，從韓戰退役的軍人賈斯培．瓊斯加入他們的櫥窗團隊，沒過多久，瓊斯就變成勞森伯格的浪漫情人。 & 勞森伯格和瓊斯成為成功的商業合作夥伴，為Tiffany Co.等公司做出新穎且廣受好評的櫥窗設計。他們創立客製化的廣告佈展公司。沃荷沒有傳統的英俊，見光死的生活方式也讓他陷入焦慮，加上對自
共時的星叢：風車詩社與新精神的跨界域流動(限量發行，精裝珍藏版)
通往日治台灣前衛──最豐富的文藝圖文史料 橫跨 文學∣電影∣美術∣攝影∣劇場∣音樂∣舞蹈 《日曜日式散步者》企劃編輯＋設計團隊，再次合作 & 輻射台灣文藝現代性的胎動 繼《日曜日式散步者》，以風車詩社為透鏡、為輻輳起點， 看見人與思潮如何移動、交會、共振，創造百年台灣新文藝表情 【特別收錄】台灣主題大展──「共時的星叢」展覽主題┼作品 見證「台製現代」，一個美得前衛、有個性的台灣 & ▌邀集跨領域名家聯手撰述 金馬獎紀錄片《日曜日式散步者》團隊企劃，歷時七年的追尋與籌備，內容收錄百年台灣前衛文藝史料精選及橫跨歐亞洲各國展品，並由《日曜日式散步者》一書主編陳允元邀集當代跨領域專家聯手撰述，《日曜日式散步者》導演黃亞歷與策展團隊聯手書寫，以豐富的文字及圖像內容，讓我們看見彼時台灣獨有的新文藝表情，重現各自璀璨，又相互輝映的時代。 & ▌所謂時差，其實是脈絡問題，台灣文藝自主意識的起點 書中所輻射的面向，一方面可看見風車詩社和同時代、跨國境、跨民族、跨藝術領域的藝文交流狀況，同時也反身辨識台灣如何在殖民地的條件下，在文藝路線的辯論、也在與東亞乃至與世界文藝思潮的接觸中，逐步發展出台灣文藝的自主意識。 & 雖然「現代」的概念來自西方、並經由殖民母國日本引入，但台灣的新文藝發展，無疑是一種經由台灣創作者重新理解、組裝、詮釋而生成的「台製現代」。這一個部分的思考，呈現在本書第一章「兩種前衛：東亞現代主義／左翼網絡中的殖民地台灣」及第二章「新浪潮湧至：東亞跨界域共振」的文章之中。撰稿的學者們，除了談台灣與世界的接點，毋寧更把重點放在台灣在各種藝術領域與世界的「共振」與在地實踐。 & 這本書並不停留在前衛藝術爆發的1920、30年代，更向後延展至戰爭期的1940年代，透過戰時台人、在台日人藝文圈及國策電影的案例，討論國家機器對於戰時藝文場域的影響（第三章），以及終戰之後因政權交替、二二八事件及白色恐怖等因素一度隱沒的台灣文學風景及其復權（第四章）。在星叢共時的輝映之間，一條蜿蜒、起伏而愈來愈清晰的台灣藝文大河，在歷史的迷霧中逐漸顯影。 & ▌「共時的星叢」特展特輯，重現展覽主題與展品焦點 除了上述內容，還有第五章「跨媒介映射：歷史的回望與對話」──實際上，它也是「共時的星叢：風車詩社及跨界域藝術時代」特展的特輯，本展覽是黃亞歷導演將電影《日曜日式散步者》帶入美術館，以大量複製品與真跡同台對話，結合影音裝置、各種跨領域媒材檔案，加以揉合及延展的結晶。作為一個發生於2019年的展覽，它既是百年來台灣新文藝萌生、發展、一度隱沒而終於復返的「結果」，同時也是許多台灣讀者藉以認識風車詩社及跨界域藝術時代的「起點」，兼具「結果」與「起點」的雙重性格。 & 除了文字，書中更放入大量史料圖片，包含展覽完整介紹、作品圖錄及史料影像。此次，延續《日曜日式散步者》備受矚目的設計風格，再度邀請金曲獎、金蝶獎設計師何佳興操刀，展現最極致的台灣設計風格。 & ▌屬於台灣人共同的記憶資產，只希望歷史讓人記住 回顧1930年代的台灣文藝界，一股以「風車詩社」為代表的前衛主義在台灣萌芽，他們是目前所知，最早引進超現實主義的文學團體。然而在主流文化的脈絡下，這支獨特的文學支流，或因為群體小眾、或因為政治與語言隔閡，逐漸消失在歷史的舞台。《日曜日式散步者》導演黃亞歷，於2012年投身研究風車詩社，除了拍攝電影，舉辦講座、出版專書等，透過各種方式去探問這段在台灣發生，卻鮮為人知的藝文史。 & 醞釀了七年，集結跨國際如東京國立近代美術館、福岡縣立美術館、東鄉青兒記念損保ジャパン日本興亞美術館等的館藏原作，與風車詩社成員後人的傳家寶出借；並邀請巖谷國士、孫松榮共同策展；與豪華朗機工成員陳志建、知名設計人何佳興，聯手打造展覽裝置與設計。不只展品本身，展場呈現也將帶給觀眾獨特的觀展體驗！一同重現日殖時期的台灣與世界的前衛文藝特展。本書為此次特展專書，精心策畫，邀集包括日本、台灣等多位相關領域學者及研究者撰寫，用精采圖文，及精緻裝幀，見證一個曾經美得前衛，美得有個性的台灣。 & 本書特色 & ●日治台灣文藝現代性的圖文史料，一次典藏！ ●跨領域逾20位專家，首度共同撰述，探尋東亞藝文現代性的萌生與連動 ●精裝精印限量，錯過展覽，別再錯過專書，售完即絕版 ●繼《日曜日式散步者》，金蝶獎、金曲獎獲獎設計師何佳興年度代表作 多重紙材｜銀黑精印｜特別拉頁｜全程修色監印 經典限量珍藏！最極致的台灣設計 & & & &
梵谷兄弟
我們終於讀到一本平易近人、有人情溫度的梵谷傳記 經過人生的起伏，他們仍舊緊緊相繫。 超越了兄弟，超越了朋友。 他們是命運的伴侶。 & 或許你認識的文森‧梵谷，是瘋狂的梵谷，是割下自己耳朵的梵谷。 但你可能沒想到也不知道，在成為世人皆知的「梵谷」之前，他先是一個家庭裡的孩子，一個在社會中浮沉的小人物、跌跌撞撞的愛人、豪邁的朋友……最重要的是，他是一個哥哥──西奧的哥哥。 文森：情感奔放、意志堅定，但在人生道路上深深迷失。他的弟弟西奧：穩重、忠誠、可靠，卻很寂寞。 西奧是文森的支持者，文森是西奧的啟發者。兩人跟彼此分享一切，愛戀情仇、成敗悲喜，還有各自的夢想和抱負。他們始終守護彼此。兩兄弟的感情既熱烈又堅定，既激起風暴，又密不可分。其本身就是一件藝術作品。 沒有西奧，這個世界就不會有文森。 作者清楚爬梳了梵谷相關的文獻資料，以優雅的散文細膩地織出梵谷兄弟的人生故事，不僅刻畫出梵谷滿腔熱情卻被人視為古怪的性格、他受難的歷程、他的鄉愁、兄弟深刻的情誼與奇妙的命運，也帶領讀者一窺藝術傑作誕生的背景、梵谷如何揚名於世，以及精神病患在那個時代的處境。細細讀來，時而引人深思感嘆，時而令人動容。 本書特色 ￭ 梵谷一生的完整精華重點 ￭ 小說般的清新筆觸 ￭ 名畫背後的故事 ￭ 解讀梵谷其人其畫的新觀點 ￭ 紮實的文獻整理與考證
臺灣畫廊．產業史年表(1981-1990)
1980年代開始，是臺灣本土意識抬頭的時刻，也是臺灣藝術政論的百花齊放時期。當時的臺灣畫廊產業正處於百家爭鳴、蓬勃發展的繁榮期，各式的藝術展覽、藝文講座絡繹不絕，為了整合藝術產業，並打造與國際接軌的藝術環境，因此臺灣畫廊主們積極響應，正式於1992年6月8號成立「社團法人中華民國畫廊協會」。 & 本書為「臺灣畫廊．產業史年表」系列叢書之第二本專書，透過爬梳1981至1990年間的臺灣藝文生態，呈現畫廊協會成立的時代背景、條件及意義，期待透過畫廊產業史的資料爬梳與整理，建構一個更完整的臺灣藝文產業史面貌。 & 本書特色 & 透過中華民國畫廊協會的成立過程，了解1980年代的臺灣藝術史生態！ &
藝術松創刊號：VR這回事 ARThon No. 1：VR Matters
《藝術松》（ARThon）的創刊號以「虛擬實境」（Virtual Reality）為主軸命題，廣邀台灣相關領域對虛擬實境有深入涉獵的專家學者，從哲學、美學、虛擬藝術創作、產業、個案研究、訪談等不同視野與面向切入，探究虛擬實境的多元可能性。 《藝術松》是財團法人數位藝術基金會《數位藝述》系列（2011年～2015年）精神的延續，作為台灣數位藝術相關知識生產的新園地。藉由台灣數位藝術中心的民間機構力量，創辦藝術松學校影音導讀、Podcast與期刊出版，引薦更多數位藝術的當代思潮。我們強調，數位藝術（或科技藝術、新媒體藝術）不單是科技創新，更不僅是科技展示，更重要的是藝術實踐與人文思潮的齊肩並進，讓實踐與理論、研究平衡發展，共築論述與實踐的共構平台。 本書特色 站在此創新藝術實踐浪潮的2020，本《藝術松》（ARThon）的創刊號便以「虛擬實境」（Virtual Reality）為主軸命題，廣邀台灣相關領域對虛擬實境有深入涉獵的專家學者，從哲學、美學、虛擬藝術創作、產業、個案研究、訪談等不同視野與面向切入，探究虛擬實境的多元可能性。
生き甲斐：在當下，發現美與不美
從日裔語言學家＆英國攝影大師之眼，穿透日本從生到死的究極美學 43個日本美學關鍵詞 × 30幅極簡主義攝影圖像 & 沒有事物是永恆或無瑕的。 從出生到死亡、從醜陋到優雅、從殘缺到完美，生命的每一層次都如實存在。 透過這種獨特的美感意識，那些既脆弱又殘缺的事物，最終都成為了美。 你如何定義「美」呢？在西方文化中，完整、對稱、青春與活力都是美的基本要素，人們往往被這些象徵「完美」的正面積極特質所吸引。 然而，日本的傳統美學與此逆向而行，不會以「不完美」為不美，相反地，生命的每個面向，即使是自然界或我們自身的陰暗面，如悲傷、軟弱、孤獨和死亡，都存在美麗之處。 書中的43個關鍵詞，每一個都呈現了日本思想中對於美、靈性與無常的的深刻意境，引導我們去探索和體驗一種以心為本的生活態度。透過這些詞語，我們得以認識日本文化中重視且強調的美感意識，引領我們從日常的細微事物中，窺見深邃的美學世界。 書名「生き甲斐」，意思是：存在的價值、每天早晨起床的動力、我們為之而活的事物。打開這本書，重新去發現、探索「美與不美」的深層涵義，在深刻思考之後，或許就能用全新眼光去看待生命中種種事物，進而找出屬於自己的「生き甲斐」。
日本的傳統【首刷限量加贈：遮光器土偶鉛字印章兩款】
●以「侘寂」、「陰翳」之外的另一視角，看待日本的美學與文化傳統的顛覆之作！ ●岡本太郎衝擊戰後日本的「繩文土器」論、「枯山水」論，完整大公開！並親自拍攝書中所有照片！ ●《20世紀少年》、《半澤直樹》、大阪萬博公園人氣景點－「太陽之塔」、澀谷車站巨型壁畫－「明日的神話」，藝術家岡本太郎帶我們重新認識「傳統」。 若問起何謂日本美學，一些人可能馬上會想到「侘寂」（wabi-sabi），無論京都的寺廟、庭園，還是東京的建築、茶碗、服飾，在日本處處可見「侘寂」概念的延伸。還有一些人可能會想起谷崎潤一郎所提出的美不在於物體本身，而是在物體與物體形成的陰翳、明暗這一「陰翳」美學。除此之外，日本還有其他美學觀嗎？ 答案是有的，因為日本還有岡本太郎！岡本太郎這位前衛藝術大師嘗試從日本的傳統中，抓出日本美學中的明亮傳統，這一過程就體現在《日本的傳統》一書。 在《日本的傳統》中，岡本以繩文土器、畫家尾形光琳的屏風，以及日本中世庭園的「枯山水」來印證他的看法相。對於「彌生土器」，帶領我們欣賞「繩文土器」之美，這澈底改變了日本人看待歷史的態度，改寫了日本藝術始於彌生土器的論述；相對於宗達、浮世繪，他提出光琳的前衛、無情與真空之美；相對於當時所謂的造園師、學者、風雅之士慣用的庭園討論，他開展出獨特的庭園論，提出「枯山水」之美。岡本的顛覆性思考，可說翻轉了一般人對日本美學的認識， 如今，岡本在書中所分析的事物，都在日本文化中占有重要地位。他提出的「繩文土器論」澈底改變了日本人看待歷史的態度，改寫了日本文化始於彌生土器的論述；他對光琳作品的闡述，讓人們得知江戶時代竟已有這樣一位完美結合抽象畫造型的畫家；他觀看中世庭園「枯山水」既前衛又現代之視角，迥異於當時所謂的造園師、學者、風雅之士的固定討論模式，開創出屬於岡本太郎的獨特庭園論。 而岡本在書中最後提出的新傳統論，更是嶄新。他認為，傳統不同於舊習，它存在於我們的生活與當下的審視與評估中，唯有我們能以全新的視角詮釋傳統，並將其轉化為現實的根基，這才能使過去成為真正的傳統。 岡本在《日本的傳統》中重新審視傳統的方式，給予我們對日本美學與傳統進行重新思索的可能。在認識岡本之前，我們花了很長的時間，待在「侘寂」、「陰翳」的世界。現在，藉由岡本的牽引，我們終於可正視日本的太陽。
印象派全書：一本書看懂代表畫家及300多幅傑作，依時序了解關鍵事件與重要觀念，全面掌握一場藝術革命運
全面收錄印象派大師畫作， 以時間、空間、人物、事件陳述出完整時代場景， 立體化呈現一場改變西方藝術的運動 莫內、雷諾瓦、竇加、羅丹、塞尚、梵谷等印象派藝術家在19世紀下半葉紛紛登上舞臺，他們用行動反抗學院派對藝術的種種僵化把持。時逢工業時代來臨，人們紛紛渴望走向新世界，這些被稱作「印象派」的藝術家，即使其作品受到歐洲主流壓迫，卻在新世界得到掌聲。 印象派在一個全新的時代中崛起，影響了後來眾多產業的審美發展如攝影、音樂等，同時也大大改變了展覽、畫廊、經銷商和作家，甚至是城市的發展和休閒活動。本書將從歷史的面向，帶給讀者全新的印象派觀念，以及數個在藝術史中激勵人心的時刻，並以極具代表性的畫作對應整個印象派的發展，不僅是欣賞藝術大師的經典之作，更透過歷史背景深入理解在舊時代下，如何為「新思維」發聲、反抗。書中充滿你從沒看過的印象派圖像及故事，以及關於「解放」的定義。 「眼睛、情感、純粹感受可以且甚至應該成為真正的藝術家唯一的指引。這便是印象派教給我們的一課。學位、獎章、畫得好都與藝術無關，藝術要的不是一隻博學的狗而是一種靈感，一個『靈魂』。」 「這就是才華，洋溢的才華。這些年輕畫家擁有一種理解自然的方式，既不無聊也不平庸。這是何等的靈光一閃，何等有趣的筆觸！的確，這很簡略，但多麼一針見血！」 「印象派畫家是現代主義畫家，擁有與眾不同的敏銳雙眼，忘卻數個世紀以來積累在博物館裡的畫作，忘卻學院的視覺教育（線條、透視與色彩），透過在自然明亮的場景裡——也就是離開畫室，不管是在路上、鄉野或是居家室內——持續直接而原始的體驗與觀看，他們得以重塑其自然之眼，自然地觀看，天真且直白地畫出所看到的一切。」 【本書重點】 印象派與它的時代 ◆19世紀下半葉，拿破崙三世開始巴黎改造計畫。寬闊的馬路、精準系統化的「奧斯曼」建築、污水排放系統、水和天然氣瓦斯輸送到各個樓層，而公共照明使得夜間活動熱絡起來，人們不再有半點恐懼。整座城市煥然一新，新興富有的資產階級也開始崛起。 〈雨天的巴黎街道〉古斯塔夫･卡耶博特，1877年。 當多數印象派畫家關注的繪畫主題轉向娛樂或大自然，卡耶博特充滿興趣的則是身邊的新興都會風景。這幅畫猶如一張照片，捕捉瞬間，概述了19世紀的世界，而奧斯曼的巴黎即是其嶄新的布景。 ◆幾個世紀以來，風景在美術學院所奠定的類型裡一直處於次等地位。但一種風景新視野的革新於焉展開，隨著「畫你所見、所想、所感受的那些」口號，在印象派中引爆。 〈瓦茲河上的日落〉查爾斯．弗朗索瓦．多比尼，1865年。 弗朗索瓦對風景提出一種新的觀點，預告了印象派的到來，他正是其中的先驅者。 印象派，一種新的視野 ◆印象派畫家毅然決然地拋棄宏大主題與雄偉巨畫，將注意力集中在微不足道的小事、日常的平凡及暫停、懸置的時光。傾聽圍繞在他們周遭的一切，他們專注於這些細微的片刻，思索如何表現其中的詩意與情感。 〈鞦韆〉奧古斯特．雷諾瓦，1876 年。 一個背對著的男人、一個女人眼光望向另一邊、一張臉從後面背景露出來、一個小女孩站在角落觀察這景象⋯⋯印象派畫家拒絕偉大的主題，偏好這些如攝影瞬間般被捕捉的微不足道。 ◆比起在畫室裡重組題材，印象派畫家擁有的是對描繪對象那直接而敏感的體驗；透過這樣的挑戰，一種新繪畫很快相應而生。所有關於美術的規則，無論是學校或學院裡教的，統統捨棄。在激動而快速的筆觸下，色彩取得主導，重新詮釋了形式、調性、印象，一切只剩下震盪、色彩、生命力、流動感。 〈國會大廈，霧裡光影一隅〉克勞德．莫內，1904年。 莫內有系統地將筆觸碎化為大量色點，表現出籠罩於霧裡的倫敦在光線衍射裡的景致。一切彷彿逐漸消逝、瀰漫開來，就算是堅固的國會大廈也不例外。 印象派，一種分歧的系統 ◆獨立藝術家在官方沙龍之外，亦千篇一律吃了閉門羹，彼時的法國藝術圈幾乎不給他們任何立足之地。這些未來的印象派畫家，不願意被既定範本所約束，決定自由實踐他們的藝術，想辦法讓大眾認識他們的繪畫。於是印象派第一次展覽於1874 年4月15日開幕，可惜後續一片兵荒馬亂，這種新繪畫遭到大量而毫不留情的嚴厲批評，各種尖酸刻薄的議論四面八方湧來。 〈印象．日出〉克勞德．莫內，1872年。 這幅於1874年印象派第一次展覽時展出的作品，被認為是「印象派」一詞的源頭，自此被拿來指稱這個藝術團體。 ◆印象派多年來遭到蔑視，還得面對暗無天日的悲慘，對於這些鬥志激昂、選擇打破學院規矩與原則的年輕畫家而言，藝術之路既漫長而痛苦。在展出的困難、幾近侮辱的評論暴力之外，他們一部分的人還要面對一貧如洗的現實。 〈睡蓮〉克勞德．莫內，1914-1918年。 &1918 年停戰協定簽訂後不久，莫內決定將睡蓮系列數件作品贈送給國家。經過長時間的交涉談判，在友人、也是後來的部長會議主席喬治．克雷蒙梭那堅定不移的支持之下，終於在1922年簽署這8件作品的捐贈證明。而這8幅畫在1927年莫內過世後不久，在橘園美術館兩個由莫內親自設計的橢圓廳裡展示。 驚人的影響 ◆作為各個領域的革命者與創新者，印象派孕育且帶來了許多豐富的進展，且將烙印在後來持續湧現的前衛風潮裡。1886年印象派第八次展覽，出現了新成員秀拉、 西 涅 克。新印象派是由秀拉開始的，他將筆觸的分割與純色的運用推展得更遠。秀拉的點描派，幾乎是逐字逐句地，執行著科學家謝弗勒的色彩同步對比理論——印象派原本即是受到他的啟發。 〈大碗島的星期日午後〉喬治．秀拉，1884-1886年。 展出於印象派第八次也是最後一次展覽，這幅巨畫顯示了秀拉在繪畫上的追尋。分割的筆觸，恪遵謝弗勒分解色彩的科學理論，畫布上的純色小點，最後形成藝術家想要的色調。星期日的水邊休憩活動原本就是印象派的主題，然而造型上的處理，點出新的取向。
當高更遇上塞尚 對決套書
「我很清楚，我是偉大的藝術家。因為我所經歷的苦難成就了我。」——保羅．高更 「我想要畫到死為止。」——保羅．塞尚 一八六○年代，在法國興起的新畫風──印象派，名稱由來雖出於藝壇主流的反諷，卻意外成為席捲當時的風潮。塞尚、高更生長於這樣的時代，在藝術之路上，自然受印象派影響不小。塞尚、高更都曾參與過印象派畫展，但後來他們逐漸走上有別於印象派的畫風，更強調創作者的主觀情感表現。 而高更與梵谷、塞尚之間的競爭、相惜、模仿、批判可說是剪不斷、理還亂，甚至是引發梵谷「割耳事件」的重要關鍵。而塞尚也曾嚴厲批評高更剽竊了他的風格。不過，最終三人都有自己獨特的取向，也產生重要的影響：塞尚注重理念、結構，孕育了立體主義。高更、梵谷著重感情，強調色彩的美和藝術表現的象徵意義，影響了野獸派和表現主義。 本書特色 ★塞尚、高更是「後印象派」的代表人物，雖然都受到印象派影響，但全都走出自己的路，更強調創作者的主觀情感。 ★塞尚被尊為「後現代藝術之父」；高更對後來的象徵派和野獸派影響極深，他作品中讓人看見了世間喜悲。兩人之間有相當程度的瑜亮情節，可說亦敵亦友。 ★每一本書只有八十頁篇幅，能使讀者迅速掌握藝術家的生命歷程、藝術特色、成就與重要作品賞析，大人小孩都適合。 ★國際知名插畫家繪製的插畫，細緻呈現藝術家的精采生活圖像。 媒體好評 《This is 高更》讀來輕鬆，內容豐富，並且非常有趣。整本書中的插畫，也讓這本非小說的紀實類書籍讀起來像故事書般，讓任何人都能容易進入，即使是從未閱讀過藝術類書籍的讀者也不會有門檻。聚焦於高更繪畫生涯中重要作品，並且詳細的分析與討論畫作主題與靈感，對原先可能不太認識高更的人來說，相當具有洞見與啟發。－－插畫家協會（Association of illustrators）
裸樹與非雲：藝術創作腦中渾沌的曝光
一邊創作，一邊思考創作！透過邏輯辯證思考，探討渾沌思考形態與藝術能量的展現！ ◎一位新生代藝術家提供對藝術創作思考的專業剖析及相關作品。 ◎將自己處於技術的極限之上，用不同思考方式審視創作題材，再以經歷和論述做出對照。 ◎探討「空」的概念裡無自性和自性的辯證，虛和實之間的交集思考。 除了藝術本身的模糊外，創作者的個人因素部分也相對渾沌， 且往往是在尚未明白之前就啟動了創作行為，產生了實驗性的目的？ 藝術還真是「看不懂」？ 到底，什麼原因讓我們看不懂藝術？ 到底，創作的「感覺」是什麼？ 到底，藝術創作者的頭腦裡又都在思考些什麼？ 到底，創作者在面對事物時的看待方式又與我們有什麼不同？ 其實，我們可以從最普遍的繪畫創作開始看起。 本書涵蓋現象學、存有論、心理學， 以及作者對日常生活與藝術的發現，除了做了統合性的表達， 也從創作者的本位角度釐清思考對峙與融合的軌跡。 本書是一本以藝術創作融合形式思考和觀念的類作品集， 以不同的方式透過形式語言，依創作者的立場所做的發聲， 透過研究「非& 雲」的邏輯辯證思考， 揭示創作者在看待素材、主題、材料與文本時的渾沌思考形態， 以及在渾沌之中又如何從僵固的縫隙中產生出創作能量的裂縫。 在當代藝術發展不斷走向菁英主義的過程中， 深度的探索與複雜的文本也不斷地拉開它與大眾之間的距離， 我們太需要這樣一本專業但能看懂的藝術論述和賞析專書。 真心推薦 ‧陳柏源能處於複數和素意筆跡的進行式，善用圖像之象與在「意轉譯」的軌跡之間，辯證出事物內部哲思的祕意。 ──阿卜極教授 ‧我認為當一個人的修養和能力越是進步和紮實，就會越返璞歸真，讓形式越簡單，裡面的思想世界卻越強大。「非& 雲」就是他成功的例子。──藝術家朱威龍 ‧一種國族身分混搭之狀態，這樣的搭配視覺衝擊與語彙，表達藝術家藉由飛機所產生國家之間的移動、遊走和身分模糊狀態。── 藝評人彭康家 ◎代理經銷：白象文化 更多精彩內容請見 www.pressstore.com.tw/freereading/9789865559182.pdf
This is 高更
「我很清楚，我是偉大的藝術家。因為我所經歷的苦難成就了我。」——保羅．高更 對高更而言，藝術家是能夠透徹地看穿事物表象，並提煉出其中生命奧秘的人。 一八九○至九一年間，他繪製了一幅自畫像，畫中，他深色的雙眸炯炯有神，凝視著畫外的世界，彷彿想要看進我們的靈魂深處。 高更一生孜孜矻矻，在塵世中尋覓天堂，為此，他數次遠離歐洲文明，遠赴大溪地，親眼目睹歐洲殖民破壞當地的純樸民風，於是更向深山行，企望找到心中的天堂。野性的高貴，是他筆下濃烈色彩欲反映出的世界。 雖然被稱為「後印象派三傑」之一，與梵谷、塞尚之間的競爭、相惜、模仿、批判可說是剪不斷、理還亂，甚至是引發梵谷「割耳事件」的重要關鍵。但高更堅持自己的創作路線，建立強烈的自我風格，儘管在世時未如願聞名，卻在藝術史上留下重大的影響。 本書特色 ★高更是「後印象派三傑」的代表人物，對後來的象徵派和野獸派影響極深，可說是現代藝術的啟蒙大師。 ★高更一生汲汲營營，在塵世中尋覓天堂，他作品中讓人看見了世間喜悲。 ★八十頁篇幅，能使讀者迅速掌握高更的生命歷程、藝術特色、成就與重要作品賞析。 ★國際知名插畫家繪製的插畫，細緻呈現藝術家的精采生活圖像。 媒體好評 《This is 高更》讀來輕鬆，內容豐富，並且非常有趣。整本書中的插畫，也讓這本非小說的紀實類書籍讀起來像故事書般，讓任何人都能容易進入，即使是從未閱讀過藝術類書籍的讀者也不會有門檻。聚焦於高更繪畫生涯中重要作品，並且詳細的分析與討論畫作主題與靈感，對原先可能不太認識高更的人來說，相當具有洞見與啟發。－－插畫家協會（Association of illustrators）
超現實主義宣言
「當超現實比現實還現實，發表一份破時代的宣言也是剛好而已。」 &「超前幻想部署」第一人，催動新世紀藝術革命的經典文獻！ 達利的扭曲時鐘、米羅的點線鳥群、畢卡索的幾何女子 都「超」越了「現實」！ 今年夏天，所有的玫瑰都變成藍色，樹木也變成玻璃的了。 裹在綠色植物裡的土地並未給我留下深刻印象，它倒更像一隻幽靈。 無論是生活，還是放棄生活，這都是想像中的解決辦法。 生活在他方。 & 【本書特色】 ★鳴響超現實主義的先驅者布勒東革命級文獻，點燃世界文藝浪潮的宣誓書，超現實主義運動的綱領式號召，引領先鋒藝術的革命性創新！ ★超現實主義對二十世紀西方文學、繪畫、電影和日常生活皆產生巨幅影響。理解西方現代文化發展必讀書！ ★麥田「時代感」書系第11冊：李明璁選書＋耿一偉導讀＋王志弘設計！ & 【超現實主義小字典】 源起：始於法國的文化運動，原是詩人阿波里奈爾創造的詞語，直接源自達達主義，於1920年至1930年間盛行於歐洲文學及藝術界。其理論背景為佛洛伊德的精神分析學說和帕格森的直覺主義。強調直覺和潛意識的藝術風格，徹底顛覆傳統藝術觀念。該主義在理論家布勒東於1924年發表第一篇宣言之後，確立為一種思潮。 基本定義：超現實主義，名詞，純粹的精神自動主義，企圖運用這種自動主義，以口頭、文字或其他任何方式去表達真正的思想過程。它是思想的筆錄，不受理性的任何控制，不倚賴任何美學或道德的偏見，超現實主義將夢境與現實之間的衝突消解，創造出一種絕對的現實——也就是超現實。 風格特色：強烈反差物體的並列、反邏輯。藝術上的表現以探索潛意識和世界的矛盾為主，如生與死、過去和未來等，表現想像與真實世界的扭曲，採用精細而寫實的手法表達超現實的世界。 主要影響：1920年代以後，超現實主義思想蔓延至各大領域，最終影響全球多種文化與語言的藝術、文學、電影及音樂，乃至於政治思想、政策實施、哲學及社會理論。 & 【內容簡介】 超現實主義：純粹的精神無意識活動。透過這種活動，人們以口頭或書面形式，或以其他方式來表達思想的真正作用。在排除所有美學或道德偏見之後，人們在不受理智控制時，則受思想的支配。超現實主義建立在相信現實、相信夢幻全能、相信思想客觀活動的基礎上，它忽略了現實中的某些聯想形式。超現實主義的目標就是最終摧毀其他一切超心理的機制，並取而代之，以解決生活中的主要問題。 & 本書共收錄三篇重要文獻—— & 登高一呼的藝術革命喊聲〈超現實主義宣言〉 針對第一宣言的補充回響〈超現實主義第二宣言〉 由布勒東親自示範的超現實主義文本實驗〈可溶化的魚〉 & 這些時代篇章一錘定音，點燃了超現實主義運動的革命火炬，使布勒東成為該藝術革命的先鋒宗師，影響遍及二十世紀美學觀念、文哲思潮、影像創作，乃至全盤的現代社會生活。超現實比現實更現實，它是達利的扭曲時鐘、米羅的交織點線，也是畢卡索的幾何變奏，但它更是我們日日夜夜全面啟動的精神夢境。超越現實，才能抵達真實。 ////////////////////////////////////////////////////////////// & 雨果在腦子清醒時是超現實主義者，韓波在生活實踐中是超現實主義者， 馬拉美在吐露隱情時是超現實主義者，波特萊爾在道德方面是超現實主義者， 韋爾迪在他家裡是超現實主義者，聖瓊佩斯從遠距離看是超現實主義者， 雅里在喝苦艾酒時是超現實主義者，瓦爾莫在愛情方面是超現實主義者， 貝特朗在過去的時代是超現實主義者，拉博在死亡之中是超現實主義者， 愛倫坡在冒險中是超現實主義者，努沃在行親吻禮時是超現實主義者， 波爾魯在象徵方面是超現實主義者，康斯坦在政治方面是超現實主義者， 法爾格在環境方面是超現實主義者，瓦謝在我心裡是超現實主義者， 魯塞爾在逸聞趣事方面是超現實主義者，綏夫特在作惡方面是超現實主義者， 夏多布里昂在抒發異國情調方面是超現實主義者⋯⋯ & 只要人們依然相信生活，相信生活依然很不穩定，真正的生活會和睦相處，最終這個信念就會變得迷茫。作為永久的夢想者，人對自己的命運越來越感到不滿，於是便艱難地全面檢查自己所運用的對象，那是漫不經心的心態或努力為他提供的對象。他一直十分努力，因為他願意工作，至少對拿自己的運氣去冒險並不反感⋯⋯ 他在這種幻覺中難以自拔，只想去體驗所有事物那既短暫又特別的安逸狀態。每天早晨，孩子們毫不擔心地離開家門。所有的一切都在附近，最差的物質條件也很不錯。樹林是白色的或黑色的，人們總也睡不著⋯⋯ & 【麥田「時代感」書系】➔重讀過去，連結此刻，想像未來 〔已出版書目〕 《共產黨宣言》 《墮落論》 《符號帝國》 《單向度的人》 《愛因斯坦自選集》 《現代生活的畫家》 《學做工》 《物體系》 《空間物種》 《愛神之淚》 & ＝為什麼此時此地，我們必須重讀此書？＝& 這是「時代感」系列最初的發問。不同領域的大師留下傳世之作，描繪當時他們所處社會樣貌、遭逢處境，並據此思考人們改變的可能和方向。將這些廣博深刻的討論置放於當前臺灣與華人社會，透過重量級知識人的轉譯詮釋和細膩導讀，「時代感」系列試圖全方位地回答：「重讀此書，我們將從中獲得定位自身、前進未來的重要線索」。 ＝策劃主編／李明璁＝ 英國劍橋大學國王學院社會人類學博士，曾於臺大社會學系任教並三度獲優良教師獎，論文見於《臺灣社會學刊》、《新聞學研究》等重要學術期刊。現於臺北藝術大學及臺北教育大學執教，並擔任探照文化執行長與公視節目《我在市場待了一整天》主持人，獲 2020 金鐘奬「節目創新奬」與「生活風格類節目奬」等三項大奬。曾參與創辦《cue》電影雜誌，現亦為《屏東本事》總編輯。著有散文集《物裡學》、《邊讀邊走》。統籌編著《時代迴音》等多本音樂與聲響文化專書。
今日的藝術
●戰後日本前衛藝術巨匠──岡本太郎著作，首次繁體中文版出版！ ●在《二十世紀少年》、《半澤直樹》中不斷出現的「太陽之塔」、澀谷車站巨大壁畫〈明日的神話〉，背後藝術觀大揭密！ ●啟發藝術家橫尾忠則、打開台灣抽象藝術大師陳正雄的現代藝術大門的重要著作！ ●語言犀利又詼諧，是給對藝術有興趣、卻又對藝術有所畏懼的人的藝術指南！ & 我要大聲宣布： & 今日的藝術， 不能精巧， 不能漂亮， 不能舒服。 & 因為我堅信，這是藝術之所以是藝術的根本條件。 ──岡本太郎 & 還記得在《二十世紀少年》、《半澤直樹》中不斷出現的「太陽之塔」嗎？ 想知道這個奇妙的「太陽之塔」的設計發想是怎麼來的嗎？ & 「太陽之塔」的設計者，正是戰後日本夙負盛名的前衛藝術巨匠──岡本太郎，《今日的藝術》一書也正是岡本闡述自身獨特的藝術論的重要著作。 & 在書中，岡本認為，現代人已經習慣依據常識與既定邏輯去理解藝術，無法純粹地享受藝術帶給人的樂趣，因此，唯有清除那些固有觀念，才能自由地享受藝術帶給生活的喜悅。這本書就是要破除「懂不懂」、「新不新」、「美不美」這些阻擾我們欣賞藝術的障礙，岡本甚至認為，唯有實際參與藝術，我們才會真正享受到藝術。 & 在《今日的藝術》出版當時，岡本犀利詼諧的言談、獨特的個人魅力、不給自己留後路的自信，及其欲以他特殊的藝術觀改革當時日本藝術界與教育大眾何謂藝術的野心，震動了日本戰後社會。此後該書暢銷多年，成為無數對藝術有興趣的人的啟蒙書、年輕藝術家的必讀書。不少藝術家如美術家橫尾忠則，就曾表示自己深受該書啟發，台灣抽象藝術大師陳正雄也曾說過這本書在他20多歲時，開啟了他的現代藝術大門。 & 事隔半個世紀以上，我們拾起這本書，發現這本書迄今未曾過時。想想我們現在還是無法放下對藝術的刻板印象，經常看到藝術作品就喊難，就說看不懂，一談起去美術館就舉步維艱，一說起畫畫就創作艱難，這不就可看出我們始終都還是沒有解決岡本當年所提出的問題。由此足見，岡本的這本書及他所提出的藝術論，至今對我們還是具有提醒與指導作用。 &
世界名畫鑑賞入門：品味101幅西洋藝術經典之美
畫家故事×創作背景×專業賞析66位畫家、101幅你不能不知道的大師作品一網打盡跨越7個世紀的藝術經典之作！本書精選101幅必須看懂的世界經典名畫，上自14世紀解放與覺醒的文藝復興時期，下至20世紀實驗與顛覆的現代藝術風格，從達文西、米勒到畢卡索……，從〈蒙娜麗莎〉到〈吶喊〉……，讓你一次掌握上下700年、絕對不容錯過的藝術瑰寶！平易近人的寫作方式、循序漸進的賞析過程，讓你不用擔心自己是否具備足夠的美學素養，只要專注學習如何欣賞作品、理解創作的靈感與時空，就能看懂藝術家所欲傳達的真正含意，走進藝術鑑賞世界，輕鬆打造美感辨識力和感受力。「繪畫」是人類記錄生活最古老的方式，從宗教、皇室走入平民日常，繪畫也一直是人類藝術生活中不可或缺的重要存在。從神畫到人、從別人畫到自己，從教堂、皇宮、豪宅畫到尋常百姓家的日常生活，每一幅世界名畫，都是藝術大師用畫筆回應時代和社會、與人生最精采的溝通對話，也是值得傳頌千古的經典作品。就讓這本快速入門鑑賞指南為你敲開藝術的大門，一窺世界名畫最撼動人心的風景，讓你不只看熱鬧、也學會如何看門道，徹底提昇美學素養力！讀完101幅你會發現，原先覺得有距離感、神乎其技的名畫們一下子變得親切近人，再也不會遇到看不懂名畫的尷尬窘況了！本書特色◎以一頁文字、一頁圖片的形式呈現，一次看懂101幅世界名畫，0距離欣賞西洋藝術之美◎按照畫派風格與時間線索進行排序，不管文藝復興、印象派還是現代藝術，再也不會霧煞煞！◎名畫原來這樣看！精簡的文字說明搭配101幅全彩大圖，秒懂畫家創作背景與畫作欣賞重點
藝術博物館的理論與實踐
《藝術博物館的理論與實踐》是國立台北藝術大學博物館研究所所長廖仁義累積研究與教學，結合理論與實務，針對藝術博物館（包括美術館）撰寫的專書。首先，闡述人類社會之所以成立藝術博物館的核心價值；其次，闡述藝術博物館為了實現核心價值而建立的專業方法；其三，闡述藝術博物館基於公共責任應該參與的社會實踐。 全書共分三篇，第一篇為核心價值論，分為五章：藝術創造、公共領域、文化資產、文化認同、知識詮釋；第二篇為專業方法論，分為五章：典藏、維護、研究、展示、教育；第三篇為社會實踐論，分為五章：文化政策、社會平權、空間建構、創意產業、文化觀光。這本書，既有思想觀念，也有經驗事實，學理層次分明，文字深入淺出，適合於學術研究、教學閱讀、行政歷練與初學入門。 本書特色 結合藝術工作者觀點與博物館工作者觀點的藝術博物館論述
美力拜拜 游孟書作品集 Mei Li Bai Bai Meng－shu You
「美力拜拜」為藝術家游孟書2015年在台灣發表的系列作品，曾受邀至台灣多個藝術空間及單位展出，並獲台灣藝術銀行收藏。本書以畫冊的形式，收錄「美力拜拜」系列完整作品圖片及資料、藝術家的創作論述、澳洲學者Christen Cornell博士所撰寫的文章，討論藝術家因為自身的台灣身份，在美國、澳洲、以及中國所經歷的美國經驗，作品中所呈現的當代藝語序與政治氛圍，如何在國際局勢轉變的今日，反覆搓揉。本書同時也收錄藝術家從2003起的作品，從中窺視創作的發展與累積。
中華傳統拼布經典Chinese traditional patchwork classic
「中華民族的傳統哲學：天人合一的宇宙觀、陰陽變化學說和生生不息的精神，是中華民間美術的核心思想。」 中華傳統拼布藝術分佈於56個民族之中，在歷史的長河中，逐步發展出各自的特色，自然就產生了多元的拼布風格。每一種風格都是某一個民族或其支系，她們的祖先歷經數百年甚至千年的智慧結晶，是集體意識的傳統文化，而非個人創作。中華傳統拼布的技法不但精彩多變，還有一些獨步全球的特殊技法，令人激賞，堪稱世界拼布之最。 本書收錄以拼布為主的揹兒帶、揹帶心與包被共計118件精品。其中又以西南少數民族的生活用品為大宗，但願能將這些精美的拼布藝術品，有系統的逐一介紹給廣大的愛好者，同時建立中華傳統拼布藝術基因庫，將它們發揚光大。 另外，也為了讓拼布藝術愛好者好者能深度探討中華傳統拼布的奧妙，故出版本書《中華傳統拼布經典》，將作者收集近三十年來蒐藏的更多民族不同風格的拼布，挑選其中的精品，讓大家一窺中華傳統拼布之美，同時也將他們的文化內涵以民間美術考古的方式進行深入剖析，因為各類民間美術的文化內涵都是相通的，希望對於研究其他民間美術的專業人士，也可起到借鑒作用。
守．破．離：日本工藝美學大師的終極修練
▓日本工藝美學大師的深度對話 隈研吾│深澤直人│枡野俊明│宮崎駿 秋山利輝│小川三夫│川瀨敏郎│長艸敏明│塩野米松 ▓動畫│建築│設計│美學│工藝 守=堅持傳統，破=脫出常規，離=昇華境界 ▓推薦人 李清志 實踐大學建築設計學系副教授、作家 凌宗魁 建築文資工作者 謝哲青 作家、知名節目主持人 （按姓名筆畫順序排列） ▓賭上了一切，一代又一代 「……這個智慧既不能用資料計算，也不能用文字記載，也不能用語言表達， 只能被一雙手傳遞到另一雙手。這樣手的記憶，傳了一千三百年。」 ▓人應該如何生活？ 大量生產單一製品的工業社會所帶來的衝擊，讓日本傳統工藝歷經多時的困阨與矛盾，這些與日本人生活息息相關的手工藝、建築與美學，在時代的變革中，將會步上什麼樣的命運？匠人大師與手工藝的話題，在現代社會裡的意義，和美學一樣，實際上指向了人的內心。 作者走訪建築、木工、枯山水、民藝品保存、動畫、刺繡、花藝等領域，深入九位日本國寶級匠人與美學藝術大師的世界，這些巨人們，不僅代表著歷史的傳承軌跡，也傳達了日本文化中難以訴諸文字的核心意識：對於傳統的堅持，為了生存而突破限制，進而昇華出嶄新的境界；「守」、「破」、「離」的精神之道，在千年建築裡、在草木流水中、一刀一刨、一筆一畫、一針一線；超越了時間與空間，貫穿了人心。 ▓法隆寺宮大匠 小川三夫 「讓木材接觸你的手，進入你的身體，變成大腦。你替樹思考，建築替它活著。」 ▓花藝大師 川瀨敏郎 「永遠沒有一個作品是完成的，因為自然是在不停流轉著的。」 ▓枯山水大師 枡野俊明 「枯山水本身沒有得失，得失在於人心。」 ▓建築設計大師 隈研吾 「對建築的追求不是為了看著好看，而是人經過體驗，感覺到住著舒服。」 ▓日本民藝館館長 深澤直人 「美的東西就像一碗白米飯，沒有各種調料之雜味的衝突和抵消。」 ▓動畫大師 宮崎駿 「動畫世界能撫慰受現實壓迫的心靈，激勵萎靡的意志，化解紊亂的情感，使觀者擁有平緩輕快的心情，以及受到淨化後的澄明心境。」 ▓木工大師 秋山利輝 「如果手工藝衰落了，說明不是技術，而是人心衰落了。」 ▓京繡大師 長艸敏明 「日本人需要在藝術品中欣賞自然。」 ▓手工藝採訪作家 塩野米松 「夏目漱石曾說，賣豆腐的人邊走邊賣，想的並不是國家，而是為了自己的一日三餐。」
美學與藝術生活（第二版）
本書介紹西方美學思想上的主要的五大美學理論學派與引申的藝術風格，作為內容在縱向發展設計上的首要特徵，再從多元化的藝術類型中，去觀察體驗這些藝術風格與美學思想的橫向普遍聯繫。 作者在書中精心規劃的作業設計，可引導讀者從實際生活中體驗這些無所不在的美學思想與藝術風格，提供審美的鑑賞判斷能力相關思考，期待能在最經濟的時間內感受領悟到統整貫徹的美學思想與藝術鑑賞體驗，達到具有統整創意與融會貫通的學習目標。 第二版在第五章〈美在關係說：唯物主義的美學思想〉第二節「外在於我的美與關係到我的美，以及真實的美與相對的美的意義」，和第三節「美在關係說與現實主義藝術理論的關係」皆增訂了相應的內容，俾利讓讀者對於其中的美學理論與觀念及其引申的藝術風格，獲得更深刻精確的理解。
形象科學：視覺文化研究大師W. J. T 米契爾，探索形象本質經典之作
▌超越自然科學與人文學科的巨大鴻溝 ▌ ▌開闢觀看世界全新視野 ▌ 當代視覺文化研究權威W. J. T. 米契爾 極具開創性的形象剖析論著──繁體中文版首度問世！ W. J. T. 米契爾教授的經典著作《圖像學》（Iconology）開啟了跨學科領域的視覺文化研究，現已成為人文學科核心之一。隨後在《圖像理論》（Picture Theory）、《圖像要什麼？》（What Do Pictures Want?）等論著中，引入視覺文化研究的四個重要概念：圖像轉向、圖像與形象的區分、後設圖像、生物圖像。 這四個概念，標誌了藝術史與視覺文化研究的突破──真正將「形象」作為研究主體。觀者可自「接收端」回溯創作者的思想世界，「觀看」與「被觀看」具有互動性，而非單向傳遞。圖像或物件的意義，會因觀者不同而異。 在本書中，米契爾進一步探求：形象是什麼？形象做了什麼？形象如何產生意義？形象想要什麼？若要建立一門關於形象之科學，又會是什麼樣的科學？首先要理解形象流通於多重領域：既有心理與數學與言詞的形象，也有圖像與視覺的形象。形象可在不同媒介間挪移，顯現成等式、圖解或是一段敘事形貌，更可以一幅敘事畫的姿態呈現。其次，形象是我們心理社會世界的構件，用以處理客觀現實的科學模型。而「形象科學」將鉅細靡遺審視形象本身，深入探討思想與現實關係的邊界現象。 《形象科學》收錄W. J. T. 米契爾自二〇〇八年以來關於媒介美學、視覺文化、象徵主義之專論。既回顧圖像學、視覺文化、當代媒介美學研究的崛起脈絡，論及形象物理學和形象生物學、數位攝影、寫實主義、建築、新媒體，以及當代群眾抗爭的空間占領等議題，也為視覺藝術研究的未來提出展望──形象科學確實能以實證科學的方法及態度處理圖像議題，跨越自然科學與人文學科之間的巨大鴻溝。 【注目推薦】 《形象科學》為米契爾繼長期而卓越地深入藝術史和視覺文化研究領域之後，又增添之新篇章。米契爾主張形象科學是一種跨人文學科、社會科學與自然科學的學門，不僅涉及物件客體本身，還牽涉物件在人類經驗扮演的角色及感知作用，頗具說服力。這是一本令人振奮且具有理論挑戰性的著作。 ──凱斯‧墨克希（Keith Moxey），哥倫比亞大學巴納德學院藝術史與考古學系教授 《形象科學》令人著迷，精采地說明一位著名學者的豐富研究成果。米契爾的作品一如往常博學、引人入勝且富有挑戰性；他的思想兼具細緻與令人振奮的特質，其論點令人眼花撩亂，獨具慧眼，令人吃驚。 ──馬奎德‧史密斯（Marquard Smith），倫敦大學文化、傳播與媒體學系教授 書中收錄文章跨越科學、藝術、電影、數位媒體等新領域，涉及範圍廣泛，提出之精準概念與政治息息相關，展現作者的深刻反思。本書完善說明了為何米契爾能成為一位美國頂尖的影像哲學家。 ——蘇珊‧巴克-莫爾斯（Susan Buck-Morss），紐約城市大學研究生中心政治學教授 米契爾以令人振奮的方式結合形象，並建立具有邏輯性的歷史情境，而非單純簡化……在《形象科學》中，我們能充分理解他對於形象作用的期許，且展現出色例證。 ──《洛杉磯書評》 《形象科學》全面介紹米契爾的圖像學修正概念，說明藝術史、視覺文化及媒介研究等更具創新性領域所面臨的挑戰……同時也是對米契爾跨學科研究貢獻之詳盡回顧……強烈推薦。 ──《Choice》 &
她們的創作日常
創意人最愛的經典《創作者的日常生活》作者梅森‧柯瑞 最「心」力作！ 窺探143位女性藝術家 如何繪畫、寫作、表演、導演、編舞、設計、雕刻、作曲…… 如何迫使世界為她們和她們的成就，騰出空間！ 她們的作息、迷信、恐懼、飲食的習慣，和其他精準或不那麼精準的儀式， 召喚她們的意志力和自我紀律， 讓她們保持樂觀和戰鬥力，創造她們的作品。 「她們究竟是怎麼辦到的？」請看看這143次嘗試回答的答案。 《她們的創作日常》所寫的女性來自各種的背景，她們大多數都是在忽略或排拒女性創作的社會中長大的，許多人的父母或配偶強烈反對她們努力把表現自我置於傳統賢妻良母和家庭主婦的角色之上。書中的許多人物都有子女，她們在平衡家人的需求與自己的雄心壯志之間，面臨艱難的選擇。 她們所有的人都面臨觀眾和各自專業把關者的性別歧視，其中包括編輯、出版商、策展人、評論家、贊助人，以及其他引領時尚的人士，這些人無論如何就是覺得男性的作品比較出色。甚至都還沒有考量到女性藝術家內心的障礙，她們要強迫世界為她們和她們的成就騰出空間，並忍受隨之而來的種種憤怒、罪惡感，和怨恨。 書中介紹的女性創作者如：由尤多拉．韋爾蒂、琳．方登、潘妮洛普．費滋傑羅這些在各自專業獨領風騷的翹楚，到備受讚譽的洛琳．漢斯伯里、查蒂．史密斯；由家庭生活中拼湊出零碎時間的克拉拉．舒曼和雪莉．傑克森，到拒絕家庭生活的伊莎多拉．鄧肯和艾格尼絲．馬丁；柯瑞讓我們看到這些女性為她們的藝術所做的各種大大小小（而且始終不渝）的抉擇。 引導這些藝術家的慣例（不論日常與否），琳琅滿目：伊莎貝．阿言德每一本書都選在一月八日開始動筆……希拉蕊．曼特爾靠淋浴來突破文思枯竭的瓶頸（「我是就我所知最乾淨的人」）……黛安．阿布絲做「嚙咬我心」的事……潔西．諾曼厭惡任何例行儀式，視之為「拐杖」……奧克塔維亞．巴特勒不論如何，每天都要寫作（「去他的靈感」）。 讀者將在她們的生活中，看到璀燦的心靈如何運作，為了要創作而做出的種種選擇──拒絕傳統，竊占（或偷藏）夫妻、子女，或該盡種種義務的時間。又如何影響了她們的創作。
![永井荷風江戶藝術論：收錄鈴木春信的錦繪、龔固爾的歌及北齋傳等[新譯]](https://cdn.kingstone.com.tw/book/images/product/20190/2019070019117/2019070019117m.webp "永井荷風江戶藝術論：收錄鈴木春信的錦繪、龔固爾的歌及北齋傳等[新譯]")
永井荷風江戶藝術論：收錄鈴木春信的錦繪、龔固爾的歌及北齋傳等[新譯]
《江戶藝術論》出版一百周年紀念。 日本小說家、隨筆家－－永井荷風， 用浮世繪表白對「逝去的江戶」的迷戀， 感慨歐化風潮下的日本社會。 & 永井荷風，日本著名作家。師承廣津柳浪學習小說創作，亦學習尺八、俳句，甚至成為歌舞伎作家的門徒；留洋見識、西樂鑑賞、江戶音曲入門，乃至琴棋書畫的家教輔導、師從戲劇創作者學藝等，這些經歷深深影響著永井荷風的文藝生涯。他曾先後赴美、法遊學，五年的跨洋之旅接觸到新世界，也正是在大洋彼岸巡訪各地博物館、美術館期間，荷風才注意到了自己母國的浮世繪。 & 懷抱見證最後的江戶的迫切使命感，荷風重遊舊江戶，寫下了懷舊導覽－－《日和下駄》，以及堪稱是江戶文化殿堂的入口、發掘日本浮世繪魅力的名著－－《江戶藝術論》。浮世繪做為日本江戶時代廣為流行的一種藝術形式，深刻描繪了當時的市井百態、放蕩日常；「浮世」一詞本身就說明了取材自紅塵俗世，包羅萬象、無奇不有。為大眾文化所著迷的永井荷風，目光自然不會錯過充滿生活風、現實感的浮世繪。 & 本書收錄了〈浮世繪的山水畫及江戶名所〉、〈歐美人的浮世繪研究〉等多篇永井荷風針對浮世繪的介紹與評論，不但涉及浮世繪的興衰、傳承，也論及浮世繪的製作方法、題材種類，甚至創作者、流派，更從中看見永井荷風如何說「畫」，讓讀者儘管不見畫、畫卻如在眼前。透過這一系列永井荷風的藝術論述，得以認識浮世繪在當時、現時的不同價值。 & 〈鑑賞浮世繪〉 －－這門特殊的藝術，出自飽受壓迫的江戶平民之手，不斷遭受政府的迫害，卻能成長茁壯。 〈浮世繪的山水畫及江戶名所〉 －－當時的藝術，不僅針對那個時代以及那些風景，而是針對一切事物，抱著讚美及感謝之情。 〈歐洲人眼中的葛飾北齋〉 －－他自始至終都秉持寫生的天賦，……展現了將映入眼簾的宇宙萬物寫生下來的氣魄。 〈歐美人的浮世繪研究〉 －－費諾羅沙在編纂的目錄中，為每一張浮世繪版畫標上出版年份，著實教人驚奇，他標示的年份猶如發現者現身說法。 〈浮世繪與江戶戲劇〉 －－江戶的城市人對演員抱著一股不可思議的熱情，他們不僅以欣賞戲劇為樂，更把他們畫成繪畫來賞玩。 & 本書特色 & ◎ 重量級文人評論【文學理念下的浪漫情懷──話說永井荷風……】 ◎ 生平小傳與年譜【沉迷江戶風俗的生活實業家──永井荷風小傳與重要著作年表】 ◎ 跟著手繪地圖散步東京【走一趟淺草文化、嚐一口江戶風味──永井荷風文學散步】 & 名人推薦 & 【專文導讀】瀧本弘之（作家、中國版畫研究家） & 顧盼（國立成功大學歷史學系副教授） 徐繪珈（廣達文教基金會執行長） & 專文導讀 & 《江戶藝術論》在浮世繪論之外，還收錄了狂歌論、戲劇論，以及關於江戶音曲、西洋音樂的鑑賞論。 每一篇荷風都以其親身經驗、體驗立論，結果就有了這部頗具說服力的「江戶文化論」。——瀧本弘之（作家、中國版畫研究家）
博物館怪奇事件簿：鬧鬼、詛咒、珍奇藏品?解開最不可思議的博物館之謎！
昏暗燈光、強化玻璃櫥窗、動物標本、泛黃手稿和古代衣物及器具 你以為博物館只有這樣？事情沒那麼單純...... 博物館標示錯誤、戰爭造成的文物損壞、白宮裡借來的名畫作 那些導覽員沒告訴你、書本上沒寫的博物館真相，一口氣全面公開！ 如何定義一間博物館？ 博物館的收藏原則是什麼？ 比電梯還小的博物館在哪裡？ 參觀漢普頓宮會聽到哭喊聲？ 《蒙娜麗莎》被偷之後才成為世界名畫？ 大英博物館的「神祕密室」裝著什麼？ & 「Museum」一詞取自希臘文「mouseion」，最初指的是向九位代表各藝術領域的繆思女神致敬之地，今天則指提供我們靈感、學習並感受藝術之美及文化歷史深度的空間。這些空間不僅帶給人們知識、藝術與文化，更是一處能夠自由解讀、探索這些物件於我們自身有何要義、滋養心靈的寶地。 & 從擁有多件世界名作的羅浮宮、大英博物館，到保有作家過往生活環境樣貌的故居博物館、讓人得以親近偶像的蠟像博物館以及紀念過往愛情的失戀博物館，本書收錄各博物館鮮為人知的驚奇祕辛，包括博物館的奇聞軼事、有趣的數據統計、著名藏品介紹、知名特色博物館歷史簡介以及幕後大小知識，讓我們在書頁中穿梭時空，遊覽古今中外的博物館之餘，也向這些迷人的寶地致敬。
聽．寫霍剛
《聽｜寫 霍剛》這本書，一開始就定調在⋯從霍學剛到霍剛，而不是在提論他的藝術創作。 時間；在霍剛身上似乎都很緩調。有誰會像他？他33歲赴歐，再回到台灣是83歲，整整50年；他生活在義大利米蘭。他18歲離開故鄉南京，47歲才再回到老家探望老母親與其他家人，這一趟路足足走了近30年。這一代或更年輕的世代很難去想像，一個人想回家；竟然得等待了那麼長的時間。對於霍剛這個世代的長輩來說，時代；何嘗不像是篩子，篩得人流離失所、篩得人只能將他鄉當故鄉，米蘭；一待就是50寒暑。誰的人生像他，每一次的轉身與回首，都是倍數的倍數與倍數。時間，好緩、好不焦躁；在霍剛身上。 這本書從霍剛3歲開始說起，展開回憶的竟然是香味⋯！這本書不是傳記；而是敘事，它是首度由霍學剛來談霍剛，與其說；談的是記憶，毋寧說談的是一位藝術家在成為一位藝術家之前；他是怎樣做好一個人。
直擊！森美術館數位行銷現場：活用IG、推特、臉書社群媒體推廣展覽的第一線實戰筆記
金石堂強力推薦書 ! & 第一本徹底介紹美術館的數位行銷策略專書 社群帳號追蹤人數和觀展人數都高居日本美術館之冠， 日本當代藝術重鎮森美術館如何運用數位工具吸引觀者與傳達理念？ 好評推薦 何承育／勤美璞真文化藝術基金會執行長 林平／臺北市立美術館館長 駱麗真／台北當代藝術館館長 2018年在日本國內美術館舉辦的展覽，參觀總人次前兩名都被森美術館一舉拿下，當代藝術一向給人較難親近和理解的印象，為何以當代藝術為展覽主角的森美術館，能超越深受日本人喜愛的梵谷、葛飾北齋等經典人氣畫家之大型企畫展的人次呢？秘訣就在數位行銷的運用精準度。 在網路時代經營社群必然會面臨「如何增加追蹤人數」、「如何增加『讚』或『轉推』」、「如何才能夠讓組織理解社群網路的重要性」等問題，但最終成效，仍是「是否能喚起用戶願意起身前來美術館這座實體空間」，將網路人氣化為實際上的來客數這件事。因此，發文時必須思索受眾需要的究竟是什麼樣的內容。 本書介紹森美術館經營SNS（社群網路服務）時的關鍵核心策略，包括針對IG、推特、臉書等社群媒體的不同特性與受眾進行分析以找出適合的推廣方式、舉辦過的各式展覽運用的行銷手段與效果分享，以及為何在向來不允許拍照的日本美術館界，他們卻領先並致力於讓展覽開放拍攝、鼓勵觀者上傳發文背後的思考等。 森美術館是位於東京六本木的森塔最上層，以「打造多采多姿的社會，在生活隨手可得之處都能夠享受藝術」為宗旨的當代藝術推廣重鎮，曾舉辦叫好叫座的各種重量級展覽，例如「村上隆 五百羅漢圖展」、「塩田千春 撼動的靈魂展」等，藉由書中詳細的案例分析說明，除了能了解現代展覽如何運用數位工具推廣的第一手資訊，更有許多對社群網路本質的思索與珍貴實務建議。 ------ 東京六本木一直是我心中的理想的街區，藝文、生活與經濟商業的綜合體，對未來充滿無限活力與動力。作者任職於森美術館，成功推廣許多展覽。他觀察與類比國內外藝文場所、甚至是其他商業體系，不畫地自限。以「文化性貼文」純粹介紹、分享藝文、進行提案與建議、掌握網路使用者心態、認真觀察與製作，兼顧了基本態度與實用技巧。 森美術館長期深耕社群，懂得靈活運用趨勢、嘗試新技術與工具、以現場第一線客服人員回饋的態度，把每一位網路群眾當作一位單獨的客戶、而非集合體來服務與回應。也正如此，回應了森美術館的成立初心、對於國際與時代性的使命，一路走來始終如一。當代藝術需有人欣賞、感動大眾，才具價值。對於藝文工作者，是一本很值得參考的行銷實戰作品！。──何承育／勤美璞真文化藝術基金會執行長 森美術館以小博大，在網路時代理解經營SNS的本質，以民間機構創造當代社會影響力。面對疫情，數位科技指向博物館營運的未來挑戰，是危機，也蘊含轉機。唯有掌握人心，創意思考與科技才是王道。──林平／臺北市立美術館館長 本書以社群與觀眾的角度來思考展覽如何被觸及、閱讀到，並與群眾產生互動。經由數據與重要案例，一步步帶領讀者了解分眾與精準行銷、集客與數位行銷之間的關係，其中羅列的工具新穎實用，所舉展例也都精彩有趣，是近年來藝術經營管理者不可不讀的的重要工具書。──駱麗真／台北當代藝術館館長 &
在途中：21位俠女的藝術青春夢
橘園策展(股)公司董事長簡丹以她敏銳的觀察、獨具的慧眼，細膩的筆觸，為藝文圈及藝術界二十一位在這個文化產業生態中努力超過三十年的女性朋友做下紀錄，記錄下那個年代所經歷的點點滴滴，深具意義，她們個人的才能、努力和付出，也映照了生命的軌跡和時代的脈絡，對社會、政治、經濟與文化創造了實屬不易的價值。
美感365
4季美感練習x 48組生活提案& 6大美感原則x 48個美感行動& 5感感官體驗x 48句美感小語 培養美感的第一步，就從翻開本書開始吧！ & 什麼是美？請把眼睛、心和感情打開，就能讓美萌芽。 & 本書以「美感」為核心，運用精美圖文，從春夏秋冬出發，連結五感、色彩、質感、形貌、飲食、衣著、居住空間、節慶等，幫助我們從日常生活中發現美、掌握美、透過引導與練習實踐美。現在就翻開本書，種下美的種子，培育美感發芽、成長、扎根、茁壯，一年365天，天天與美同行。 & 本書特色 & 美感365 12年國教的「美感教育」受到各界關注。知名時尚手繪作家羅安琍ANLY，以平易近人的圖文抒發日常事物之美，鼓勵讀者發現美、實踐美、經營美感生活，是國內第一本為青少年乃至普羅大眾設計的美感培養入門讀物。 & ．貼近生活：四季為主軸，日常景物為素材，發現365日生活之美。 ．圖文並茂：優雅時尚的手繪插圖搭配簡練文字，令人愛不釋手、一讀到底。 ．深入淺出：精選四季不同風景事物引介美感原則、分析美感體驗，讓美更易尋易懂。 ．老少咸宜：一主題說明一概念，青少年、家長及一般讀者皆易讀易用，潛移默化培育美感。 ．「美感行動」設計：全書所有主題均精心規劃對應活動，將所學、所感、所得化為實際行動，落實美感教育。
藝術的故事（暢銷10萬本．維拉斯奎斯名畫〈宮女〉紀念書衣版）
暢銷萬冊世紀經典，全新書衣紀念版！ 封面圖說： 選用西班牙畫家維拉斯奎斯著名作品〈宮女〉（Las Meninas, 1656）為主視覺，其以透視法呈現的構圖，精巧、複雜而難解，是歷來最多詮釋、分析的名畫，帶給後世無窮的賞析樂趣，也代表藝術的趣味與美不會因時間的流逝消亡，會隨著時代的遞進不斷新生。 ──謹以此選圖，獻給所有熱愛藝術的讀者── & 學習藝術是沒有止境的，總有新東西要你發掘。我們站在偉大的藝術品前，每次觀感都會不同，好像活生生的人類般不會竭盡，不可預測。 ──宮布利希，〈導論 藝術與藝術家〉 & 《藝術的故事》是世界藝術史的最佳入門書，其經典地位無可取代，享譽超過半世紀。 宮布利希教授娓娓道來，清晰闡釋了藝術潮流與藝術概念，讓我們看到藝術史在傳統中不斷重組與變化的過程。當代世界看似與打造金字塔的年代距離遙遠，實則當中有生生不息的傳承。他指出藝術史環環相扣、緊密牽連，彷彿漫流數千年的一條大河，河灘上每一粒細小的沙子，都是歷經淬鍊的結晶，都擁有過去的靈魂，又遙指未來。 《藝術的故事》的書寫風格和架構也迷人而可貴，宮布利希教授以直接、簡潔的語言明晰、銳利地剖析各時代的背景、作品、特色，以及對後世的影響，結合知識、智慧與特殊天分的解說，讓讀者得以自最深層之處明白何以經典為經典、永不褪色。 我們何其幸運，得以透過大師之筆，進入藝術的美好世界。 我們何其幸運，可以搭乘藝術之船，瞻望歷史的新航向。
臺灣畫廊產業史年表(1960-1980)
畫廊之於藝術產業，不只是關鍵角色，也是中流砥柱。 「藝術產業史」涵蓋了藝術家的發展史，因此，畫廊發展史也可稱得上是臺灣藝術史的一部分。 早期許多臺灣畫廊都是亦步亦趨地伴隨藝術家成長，藝術家在與畫廊機構互相學習、磨合、調整的關係下，漸漸培養出獨特的創作習慣，雙方之間的良性關係也有助於藝術產業的健全發展。 1980年代末期，臺灣經濟奇蹟的年代，畫廊數量激增、藝術市場活絡，許多畫廊界及藝文界的相關人士紛紛表示有意組成畫廊協會。1992年，中華民國畫廊協會正式成立，除每年定期舉辦畫廊博覽會和專業講座，與公部門合作執行研究計劃，也致力於推動相關產業法條，在全球化的浪潮之下，仍積極扶植國內畫廊，建立國際收藏與市場合作網絡，廣結藝術家與藏家的關係網，活絡臺灣社會的創作能量與藝文發展，同時提高臺灣藝術市場的國際競爭力與吸引力。 本書以1960-1980年代的早期畫廊發展為主，爬梳完整的年代與資訊，期能提供讀者有別於傳統以藝術家個人生命經驗為主的書寫視角與藝術史觀，重建更完整的產業面貌。 本書特色 第一套臺灣畫廊史專書，深入分析藝術產業發展脈絡
侘寂：追求不完美的日式生活美學
侘寂是對美的直覺反應，反映人生的本質。 侘寂是接受與欣賞萬物不恆常、不完美與不完整的本質。 侘寂是承認簡單、緩慢與自然生命的賜予。 貝絲•坎普頓(Beth Kempton)在《侘寂：追求不完美的日式生活美學》(Wabi Sabi: Japanese Wisdom For a Perfectly Imperfect Life)裡，邀請讀者一起在異地當一個好奇的探險家。她試圖藉由文字所勾勒出的地圖指引人們離開常人走的路，走進曲折的小徑，穿過古老的木門，進入遠古森林，沿著蜿蜒的河流，深入群山之中。 在貝絲的引領下，讀者偶爾會停在路邊的茶室，稍做停留與沉思；或是搭上陌生人的車，追尋未知的新風景；抑或與新朋友聊天，從他們那裡獲取意想不到的智慧。有時候邊走路邊唱歌；有時候覺得疲憊。也許會停下來把酸痛的身體泡進溫泉，或者因為降雪而安靜下來。有幾天，和太陽一同在晨光中醒來；有幾天，和影子一同在星光下漫步。 過程中，讀者將遇見熟悉與未知、全新與故舊。書中有些事物將挑戰我們一直信以為真的基礎。慢慢地前進，上窮碧落下黃泉，經由《侘寂：追求不完美的日式生活美學》，貝絲與讀者分享「侘寂」這個古老的日本智慧，也邀請讀者在任何時刻，歇息於自己的生命之美中，卸除所有不必要的負擔，發現藏於當中的事物與智慧。 「這本書是運用侘寂原則，轉化生命的每個領域，並從當下找到幸福快樂的終極指南。」 ――中田英壽（日本知名足球球星）
生來已逝的愛德華‧高栗：「死小孩」圖文邪教教主的怪奇人生
耗時二十年、藝術家生命文化史巨作 「圖文邪教教主」愛德華 • 高栗定本傳記 為黑暗立碑，為高栗作傳 華麗荒誕、無厘頭的黑旋風 席捲人人的內心暗角！ 「高栗的書迷在他 2000 年去世後流傳的一個笑話──在高栗的一生中，大多數人都以為他是英國人、維多利亞時代的人，而且已經去世了。現在，以上至少有一項是對的。」 【重要特色】 þ 作者豁盡全力，耗時近二十年，「圖文邪教教主」、「哥德風暗黑教父」高栗唯一權威傳記！出版時成為美國文化界盛事，各大出版社高價搶標。《衛報》、《波士頓環球報》、《華盛頓郵報》、《紐約時報》等頂尖媒體票選「2018 年度最佳圖書」！ þ 影響力從繪本、童書、圖畫書、圖像小說、書籍設計、哥德藝術、黑色幽默、電影、建築、時尚乃至死亡觀，灌溉數十年來美國與全球文化圈的異想奇才，開拓陰鬱荒誕風靈感的一代宗師！ þ 鬼才名導提姆波頓（經典作品《聖誕夜驚魂》、《地獄新娘》、《怪奇孤兒院》）；青少年文學名家史尼奇（怪誕傑作《波特萊爾大遇險》）；傳奇科幻推理作家尼爾蓋曼；紀實漫畫名作《歡樂之家》作者；創作《三個強盜》的童書大師溫格爾：他們都是死心塌地的高栗狂粉！ þ 腦洞大開，開創《死小孩》的各種荒謬死法，形塑一整個世代「無厘頭」與「無意義」的死亡人生觀！ þ 「高栗式的」（goreyesque）已成為英語中形容相關風格的常用字彙；其繪本與作品的收藏，已成為一門專業的「高栗學」！ þ 全書依時序寫就，以詩性語言，細細分析高栗作品的符號意義、隱喻故事，與其人生故事連動呼應！ þ 收錄四十多幅高栗珍貴生活照、手稿、部分作品圖像！ þ 繪本作家馬尼尼為七千字專文導讀！ 【本書看點】 þ 對身兼作家與藝術家的高栗一生的詳細報導。國內又譯「戈里」，畫風頹廢、復古，充滿華麗的黑色幽默，有「優雅的黑旋風大師」之稱。他生前發表的絕版繪本，在拍賣場或網路上動輒喊價兩、三千美金，對高栗作品的收藏儼然成為專門學問。本書從高栗的童年、求學、服役與後來從美編到創作者的藝術生涯，以及高栗與友人的交往，有非常詳盡的敍述。 & þ 對高栗作品的詳細解析。高栗一生著作等身，本書對高栗作品有相當詳盡的介紹，全盤勾勒他的創作軌跡。 & þ 側寫美國近代文化圈與文化人。高栗從事出版業，與美國文化圈交往甚密。本書也間接介紹了美國當代的文化人與大眾流行現象。 & þ 近代藝術家的典範。高栗的藝術家生涯從出版社的美編開始，最終成為一位具全球影響力的創作者。他所經歷的人生與創作過程，可供欲投身創作者做為寫實的參照與啟發。 【內容簡介】 從《死小孩》到《猶豫客》，愛德華•高栗邪惡有趣的小書在許多方面影響了我們的文化，從提姆•波頓和尼爾•蓋曼的作品到雷蒙•斯尼奇。有些人甚至稱他為「哥德式超現實主義之父」。高栗與兩萬多本書和六隻貓住在一起，就讀哈佛大學期間，曾與弗蘭克•奧哈拉為室友，在 1940年代後期，大家都知道他穿著全長的皮大衣、戴著叮噹作響的手鐲、留著愛德華七世時代的鬍子。外人看他是一位古怪的、神祕病態作品的神祕主義者，但是他到底是怎樣的一個人？他出版了一百本書，並為多位著名作家畫插畫。同時，他也是一個非常複雜和矛盾的人，他的藝術反映了他對令人不安和黑暗搞笑的痴迷。這本書是根據新發現的信件，以及對多位人物的採訪，揭開高栗古怪的天才和神祕生活的內幕。
五十堂國寶級美學課：日本藝術史權威高階秀爾帶你遨遊東洋美術世界
日本藝術史界第一人高階秀爾教授 全方位解析日本人審美意識與文化心理的美學鑑賞論 對照西方與東洋藝術表現，提煉出「日本人眼中的美」 追溯「日本人特殊的審美意識所為何來」 深入淺出，圖文並茂，既生動又具系統性 堪稱以「複眼般」的觀點構築成最多元的日本文化論 超越了「美術」領域探討日本人審美觀的傑作 ‧「和歌」即是「大和之歌」，以人心為種子孕育靈感，成就各式各樣的文學表現。有別於漢詩與西洋詩歌，採集日本和歌的著作《古今和歌集》，堪稱日本美學的獨立宣言。 ‧豐臣秀吉曾經興沖沖地前往千利休的庭園賞牽牛花，沒想到利休卻提前將花朵摘盡，僅留一株在茶室──捨棄「數大便是美」，集中反襯出焦點，正是日本藝術「餘白」的力道。 ‧「鳥居」是區隔神域與俗世的界線，一旦跨入鳥居，便是進入神之領域。和巴黎聖母院不同，沒有門鎖、得以任意穿行的鳥居，其實是在意識與概念上呈現日本人的信仰。 ‧日本人絲毫不排斥機器人取代人力，甚至親暱地為機器人取名，連無機質的日常事物都視為心靈相通的夥伴，這樣的自然觀正源自視萬物皆有生命的「萬物有靈論」。 日本的美學設計聞名世界，也有很多與眾不同的藝術作品，但要是問起究竟「哪裡不同」，能明確回答出來的人卻少之又少。形塑日本文化這份難以言喻的「特別」，其本質到底來自何處？ 畢生貢獻於美學教養的日本國寶級藝術史家高階秀爾教授，在本書中以繪畫、和歌、音樂、文字、書法、建築、機器人、旅行等日常事物和藝術作品為切入點，運用自身專業與西洋的藝術表現相對照，生動細緻又系統性地講述日本文化與藝術特質，試著探究「日本人眼中的美」，追溯「日本人特殊的審美意識所為何來」，深入淺出，圖文並茂，堪稱以複眼般的觀點構築成最多元的日本文化論。 名人推薦 高階教授像是利用帽子戲法變出鴿子那般，一一舉出連日本人自己都沒有意識到的、有別於西方的獨特性，本書標榜是「以複眼般的觀點構築而成的日本文化論」，而這所謂「複眼般的觀點」，指的不正是日本人的感性嗎？ 我最感興趣的是日本與西方自然觀的差異，相對於西洋對可視之物的物質信仰，日本則關注物質背後不可視的神靈，也就是「泛靈信仰」，日本人的宇宙觀是將人類與自然併同思考，其中便蘊含著日本的獨特性，而這也正是本書所揭示的重點。──橫尾忠則（日本美術家、設計大師），引自《朝日新聞》書評專欄 讀者好評 日本亞馬遜書店讀者五星推薦 ★★★★★ 這本書對於非正統美術教育出身的人來說也非常受用。如果你是日本人，就算平常都穿西裝、吃麵包，想必也能透過本書察覺到存在於你內心深處的、日本人獨有的美學；如果你不是日本人，那麼這本書可說是引領你了解日本人思想的最佳讀物，我敢說不管誰來讀肯定都會有新的發現。 ★★★★★ 除了書法、建築、繪畫、工藝等正統美術領域，也提到手機的表情符號、漫畫等貼近現代生活的藝術表現形式，透過大量的例子具體簡明地講解日本人的審美觀，非常好懂又平易近人。 ★★★★★ 堪稱從多方考察日本美學的名著。雖然作者是專攻西洋美術的權威，但這本書可以說是超越了「美術」領域探討日本人審美觀的傑出之作。透過與外國油畫等藝術的比較，更加突顯了日本美學的獨特與本質。 ★★★★★ 第一次的五顆星就獻給這本書了。透過高階教授的解說我才首次深入了解日本人如何覺察所謂的美，讓人茅塞頓開，豁然開朗。寺院屋簷的反翹、率性描繪的畫作中所鋪陳的文字、日本畫中餘白的含意，乃至歌舞伎等傳統藝能中的襲名文化等。不但讓我意識到自己的無知，同時也初次發覺日本文化出色的美學意識，真的受益匪淺。請大家務必讀讀這本書，汲取高階教授所分享的美學知識。
