給未來的藝術家（2017增訂新版）
藝術，作為一種志業 凡有志自我追求藝術的欣賞、研究與創作的朋友，本書為你而寫。 增訂新版增加〈藝術的異化〉〈憂思與期望〉兩章及21張圖片 任何世代總有許多熱愛藝術的朋友，懷著對藝術的渴慕與追求的熱忱，希望得其門而入。然而不少踟躕、徬徨，無所適從，甚至焦慮、失望。這本書試圖幫助這些朋友解開困惑。 藝術之路都是靠自己努力追求，一步一腳印走出來的。不過，創作雖不能「教」，但有用的觀念與經驗可對學習者提供有效的幫助，有啟蒙、指引、輔導之功。這本書就是希望對未來的藝術家從觀念、知識、經驗與方法上提供幫助。 本書不為淺嚐輒止的人而寫，而要寫給未來的藝術家與愛藝術者。藝術是創造的志業，我當然要以藝術創造的最高宗旨，最高理想為標的來立論。不過，本書不是藝術專門理論，我將在談到觀念性問題時，力求做到深入淺出，親切具體。這本書，既非技法入門，也不專談理論；既非藝術導賞，也非藝術趣談，而是專為自我期許的未來藝術家提供誠懇的建議，經驗的借鑑，觀念的切磋，實例的啟發。 不論是在學的學生，失學的青年；不論年紀老少，尚未入藝術之門者或已有某些成績而希望更上層樓者；不論是創作者或教育工作者；也不論所學所畫的是哪種畫。凡有志自我追求藝術欣賞、研究與創作的朋友，這本書就是為你而寫的。 ——摘自〈自序〉
橋的角色：畫廊風雲四十年
★【東之畫廊創辦人】劉煥獻的四十年文化觀察！ 每個人，自當扮演「橋」的角色。 我在臺灣美術的園地，落地耕耘。 我有一個夢，想搭起一座美麗的橋， 交織建構，雙向進行論藝術， 因為有方橋，平行無距離。 橋的縱橫方向意味著， 這是一場學術與市場雙向的橋樑。 文化傳承與自由演化，進行交流， 畫廊或許正扮演著平行與交叉的半個角色。 & & 在藝術經紀的語境中，畫廊為觀眾與藝術品搭起了一座平易近人的溝通橋樑。作為東之畫廊的創辦人與經營者，劉煥獻築橋四十年，今以從事畫廊經營四十年的人生閱歷，現身說法，為讀者講述臺灣畫廊發展的成長故事！ & & 全書集結51篇精采短文，收錄包括藝術家展出前的來回協調、達官政要冠蓋雲集的開幕趣談，以及沒沒無聞畫家一夕變身巨匠的藝界經緯。劉煥獻以第一線文化人的觀察視角，透過珍貴的親身見聞，帶領讀者回顧畫廊經營的箇中滋味，以及縱橫臺灣藝術市場四十載的高潮起伏，為目前仍餘留大片空白的臺灣藝術市場歷史，繪上經過年歲淬鍊的動人彩筆，是本值得細細品讀的藝術產業發展回顧史。
巨人的神話－俄羅斯藝術導覽
認識一個國家的歷史從文學，認識一個民族的偉大從藝術，俄國擁有了不起的文學家，從普希金、杜斯妥也夫斯基、托爾斯泰到契訶夫…，還有耳熟能詳的音樂家魯賓斯坦、柴可夫斯基…，更廣為人知的俄國畫家是列賓、馬列維奇、康丁斯基與夏卡爾，很難想像短短兩百年，這個民族與他們締造的輝煌歷史，因為實在是巨大且炫目，就說這是巨人的神話吧! 我的專業是藝術賞析，認為要認識一個民族從這個國家的美術館收藏品開始，了解他們創造文化、紀錄文化與保存文化的歷程，如此可以更清楚知道這個國家的民族性與價值觀，初見俄羅斯藝術，只能用驚艷形容，一見難忘，並且徹底改變過去學習藝術的看法，藝術其實並不難懂，走訪一個國家如同閱讀一本巨作，如果有個導讀，相信大家可以很快融入與體會，這本書所記述的就是我的導覽紀錄。空間的藝術—繪畫，以為很容易一眼望盡，其實裡面藏了許多生命的故事與哲理，我嚐試用畫家本身的生命經歷去分析畫面的筆觸與色彩、從文學與哲學的角度去探討畫家想表達的思想，再用眼睛去驗證畫面是否誠懇，是否可以深刻地感受到作品中交織的情感，選擇性地把這些藝術品作為生命歷程的收藏品，收藏進我心中的美術館。 我每年都帶學生們去旅行，因為教的是藝術鑑賞，希望大家能從原作中看到感動，放下身段、用心去欣賞別人的文化，錯過美術館，也錯過機會了解各國對文化認知的觀點，當旅行回到家，你將會更珍惜自己擁有的，國際觀不是一個口號，要成為實際行動，就從認識別人的文化開始。 會喜歡藝術、ㄧ起旅行的朋友都很相似，每次帶團出國時，觀察學生們發現大家的共通點是： 自律，把自己的生活打點得很好 好奇，對新事物都熱情且充滿求知慾 優雅，不論幾歲都保持良好體態與活力 節制，提倡50之後是減法人生 這樣的生活很美好，在有限的生命中開拓所有的可能性。 本書特色 本書盡可能把「不可錯過」、「絕對經典」的畫作做明確扼要的解析，在台灣出版一本談藝術的書籍相當不易，然而，在台灣大專院校裡，40多所藝術科系，每年培養出上千位藝術專業人才，應該對自己的文化素養有信心，筆者十年來從事美術鑑賞市民教育，明顯發現參觀展覽的人數大幅提高，更需要專業、客觀的知識提升鑑賞能力，雖說美醜是合理的主觀，知識可以讓觀者發現從不同角度去認知，美的形式不拘限於色彩或主題，從心感受的將會帶領觀者更深入體會生命的價值。 希望這本導覽書，可以成為大家在遊歷俄羅斯時最美好的印記。
台灣美術家一百年：潘小俠攝影造像簿
★藝評家謝里法 潘小俠把人物造形之特徵和行為動作所表現的性格，組合成一種比文字語言更具說服力的閱讀機制。 ★國立成功大學歷史系教授蕭瓊瑞 潘小俠對拍攝對象、畫作特色與性格的深入瞭解與掌握。……以鏡頭述說美術史，他未以攝影家強烈的風格為主導，而以藝術家個人的創作為前提，不改他寫實主義的本色，必能為歷史的建構，留下有力的基礎。 ★國立台北藝術大學博物館研究所教授廖仁義 潘小俠以符合所拍攝的美術家的個人特色來布置畫面。換言之，他的作品能夠保留美術人物呈現在日常生活中的個性與姿勢，使之真情流露，而不是將他們從生活中切割出來，成為名人的沙龍照片。 & & 《台灣美術家一百年：潘小俠攝影造像簿》為潘小俠歷時三十年的攝影紀錄成果，收錄其自1987年至2017年間持續拜訪、拍攝的二百二十四位藝術家身影。曾任《自立早報》及《自立晚報》攝影記者的潘小俠，一如史家提筆書寫歷史，以資深媒體人的敏銳洞察力及熱愛台灣土地的社會關懷，透過鏡頭書寫一部「影像版」的台灣美術史，以鏡頭捕捉台灣藝術文化的豐富底蘊。 & & 本書以七個章節：（1）日據時代台灣前輩畫家與雕塑家、（2）大陸來台美術家、（3）戰後台灣美術家、（4）台灣素人畫家、（5）台灣原住民美術家、（6）政治受難者美術家、（7）旅居巴黎美術家，介紹先後在台灣藝壇活躍的畫家與雕塑家，透過肖像攝影搭配精簡文字介紹，呈現美術家們的經典作品及創作身影。其中，「台灣原住民美術家」一章記錄三十三位原住民藝術家與經典作品，將過去長期為台灣美術史書寫所忽略的原住民藝術做豐富收錄，冀求能建立起研究、欣賞原住民藝術的堅強礎石；而「政治受難者美術家」一章則結合作者長期關注的人權議題，深具當代藝術的社會觀察與參與性質。當欣賞一幅幅的攝影造像，就如是在傾聽美術家藝術生命中的豐盛與甘苦。 & &此外，全書每一章引言皆邀請專家撰寫專文，使讀者能透過藝術影像與文字資料，一窺台灣近百年美術發展的風貌及美術人物的風采。 & & 本書結合藝術圖像的欣賞性、資料性，十分推薦給喜歡美術的研究者珍藏。
藝術與生活－－－－視覺美學之翱翔
本書讓我們了解藝術與生活的關係，尤以視覺美學為主。藝術與生活之間相互影響，本書內容包含：藝術的起源與人類的生活--舊石器、新石器時代及古文明藝術（美索不達米亞、古希臘、古羅馬）；藝術的意涵與分類；西洋各大藝術流派；藝術與生活中的模仿、遊戲與自我表現--為藝術而藝術之心理學說；藝術與生活中的宗教（古埃及、敦煌的宗教藝術）、勞動與裝飾--為人生而藝術之心理學說；色彩創思與生活中的美；藝術的形式原理與生活中的美；藝術與生活中的愛情、身心健康；藝術與生活精神--體認西方、東方藝術等。內容多元豐富，讓我們以藝術怡情養性、美化人生，使生活更加充滿美的氣息。
關於傳世壁畫的100個故事
壁畫不是單純的名詞，更是一種藝術的展現，一種文化的傳承。 & & 跟著西方大師的腳步， 與達文西共進《最後的晚餐》； 看米開朗基羅如何《創造亞當》； 隨《東方三博士》朝拜伯利恒的明星；&&&&& 來到古老的東方，參拜玲瓏剔透的《法海寺水月觀音》； 再來趟驚心動魄的《鴻門宴》之旅， 接著展開輕蹄，遠征絲路，跟著《張騫出使西域》…… 走完一趟關於壁畫的深度之旅…… & 100幅壁畫100個故事， 它們生動地揭示了曾經昌盛的古代文明， 表現不同於書本典籍的歷史真相， 等你來一探究竟…… 走進畫裡看故事，讓故事活出畫中。 & 壁畫的歷史約可追溯至史前時代，相傳是人類的祖先在狩獵時，沿途追逐獵物蹤跡，發現野獸出沒，而於附近的洞穴、山壁做上記號，以提醒同伴小心。 &&&&&&& 隨著時代演進，壁畫更紀錄了神話傳說、宗教儀式、歷史戰爭、生活景況等，成為傳達訊息的媒介，保存了歷史的共同記憶，凝聚了人們彼此間的認同感。 & 塵封於歷史長河中的那些壁畫，不只是單純的名詞，更是一種藝術的體現，一種文化的傳承。 & & 本書根據地域環境以及壁畫形式內容的區別，將追求美感與藝術的壁畫分為東西方兩個部分，從兩種角度剖析壁畫藝術。 & 無論是歷史典故，神話傳說，宗教奇蹟，人文情懷，本書都將為大家一一道來，相信這些神奇的故事能讓讀者感受到藝術的無窮魅力，讓歷史「活了過來」，讓壁畫「重獲新生」。 以圖像敘述歷史，用色彩傳遞思想， 讓故事人物一個個活出畫中，開啟一扇歷史與藝術對話的大門。 穿越時間和空間，感受傳世壁畫背後，有血有肉的故事溫度。
媒體．藝術．新潮：江凌青藝評集
江凌青就讀研究所後，即開始進行現、當代藝術、新媒體藝術與電影美學理論的書寫工作。赴英國留學時，她每個月定期撰文並發表於《藝術家》與《藝術收藏+設計》雜誌，與讀者分享英國舉辦的藝術展覽內容及相關文化發展現象與趨勢。 & & 本書收錄江凌青所有發表於《藝術家》與《藝術收藏+設計》雜誌的藝術展覽報導與文化觀察評論，以及數位藝術評論獎入選及得獎文章，附錄並收錄江凌青的繪畫作品。這本書是江凌青以藝文記者與藝評人身分所書寫匯集的著作，而對於未來有心從事藝術評論與報導書寫工作的年輕人，也是一個極佳的範本。
石濤合集 （石濤書畫＋看懂石濤）
M127 張大千 vs. 石濤書畫M130 張大千 vs. 四僧書畫4 看懂石濤2本書的合集
共振與獨白：談台灣文化創意產業運動—一個四十年工藝人的觀點
傳統工藝的文化， 手工業研究所業務的主要精神 就在設計與技術的研究創新， 如深入了解工藝的本質與社會功能， 特別要了解台灣社會文化與產業的發展歷史， 就會體會 工藝在當前文化創意產業的時代意涵與重要性。 文化創意產業是「文化」+「創意」+「產業」三者結合缺一不可的產業，文化是文創產業的靈魂與精神所在，創意只是基本的能力與策略，文化則是要靠長期修養的整體社會力與品質的展現，現代產業要靠科技與人文結合的設計創新，所形成產品的文化風格與品牌形象，但它也要具備優良的產業生產能力，包括材料應用、生產技術、生產管理、品質管理、組織管理、市場行銷等。
希利爾講藝術史
維吉爾．希利爾： 「只要有創意，塗鴉和堆雪人也是藝術！」 奇才達文西 1452年4月15日，達文西出生在義大利佛羅倫斯附近的美麗村莊。在他呱呱墜地的時候，誰也沒有想到這個可愛的男嬰將會對藝術和科學產生重要的影響。 達文西有很多身分，他是思想深邃的哲學家，還是才華橫溢的音樂家，也是學識淵博的科學家。同時，他還是一位天才的畫家。多種才華和多樣身分，導致達文西在繪畫上投入時間不多，只有寥寥幾幅畫作流傳。但是誰也不會否認，他的每幅畫作都是偉大的藝術品。 發生在法國羅浮宮的名畫竊盜案，曾經震驚世界。人們不禁猜測，到底是誰有飛簷走壁的本領，竟然可以順利通過羅浮宮的嚴密防衛。被盜走的繪畫作品中，有一幅畫作叫做《蒙娜麗莎》，就是出自達文西之手。雖然這幅畫作已經被找回，並且被妥善珍藏於羅浮宮，但是偷竊者依然逍遙法外。 這幅畫作最令人驚歎的地方是：蒙娜麗莎臉上露出的「神秘微笑」。不同的觀賞者在不同的時間去看，她的笑容似乎會發生變化，有時候溫柔羞澀，有時候略顯憂鬱，有時候顯得嚴肅，有時候嘴角似乎帶著譏誚和揶揄。這名義大利貴婦彷彿活在畫布上，似乎是洞察世間所有奧秘，才可以露出那種笑容。 除了「神秘微笑」以外，這幅畫作還有很多細節值得細細品味。 例如：達文西瞭解如何運用陰影和光線，以及如何處理從明亮部分到陰影部分的過渡，所以畫中人物逼真，不像其他畫作那樣扁平。 再如：細看蒙娜麗莎身後的風景，近景比遠景更清晰，山谷和河流就像真實風景向遠處延伸。可以達到這樣的效果，是因為達文西考慮到空氣對近景和遠景的影響：隨著空氣增多，透過它看到的事物就會越模糊。 在達文西之前，從來沒有人使用這兩種繪畫技巧，他為繪畫藝術開創全新方法，後世畫家紛紛學習借鑒。 《最後的晚餐》也是世界美術寶庫的典範作品。很難想像，這幅畫作最初是被畫在義大利一個修道院裡低矮潮濕的房間牆壁上。 人們對這幅畫作的內容不陌生：耶穌得知自己被門徒猶大出賣，在晚餐的時候說：「你們之中，有一個人出賣我。」這句話讓在座眾門徒感到震驚。達文西選取這個瞬間作畫，十二位門徒反應完全不同：有些向耶穌表示忠誠，有些迷惑不解地向長者詢問，有些強烈要求追查是誰……整個場面騷動不安。叛徒猶大由於情緒緊張，露出驚恐的神色，他的身體稍微向後仰，一隻手裡還緊緊握著出賣耶穌獲得的酬勞——一個裝有三十塊銀幣的錢袋。 在這幅畫作中，各種情緒交織碰撞，有憤怒、有驚惶、有恐懼、有傷心……達文西透過對人物的表情和坐姿與手勢等細節的準確掌握，成功描繪這個複雜的場面。為此，他拜訪很多聾啞人士，細心觀察他們表達情緒的方式。 《最後的晚餐》真是一個倒楣的傢伙！很長一段時間裡，這幅畫作無法進入美術館，因為達文西把它畫在牆壁上。一般來說，畫家會選擇剛粉刷還沒有乾透的石灰牆創作，顏料才可以滲進石灰，長久地保存。但是，喜歡嘗試新方法的達文西，把這幅畫作畫在乾石灰牆上。事實證明，這是一個錯誤的選擇。 我們之前已經說過，這幅畫作誕生在一個低矮潮濕的房間。幾年之後，畫作開始從牆壁上脫落，雖然其他畫家及時對其進行修補，但是整個壁畫還是失去原本風貌。更讓人心痛的是，後來修道院的修士在這面牆壁上開一扇門，門的頂部就在這幅畫作底部的正中央，耶穌和三個門徒的腳遭到破壞，而且鑽牆修門的巨大力量，讓這幅畫作很多地方成為碎片。 禍不單行，拿破崙的軍隊攻入義大利，壁畫所在的房間不幸淪為馬廄。那些士兵為了取樂，竟然把叛徒猶大當作目標，紛紛朝他扔靴子，讓壁畫更殘破不堪。 值得慶幸的是，一位義大利人找到讓壁畫永遠保存在牆壁上的方法，挽救這幅珍貴的作品。這個義大利人盡力清理其他畫家留在壁畫上的痕跡，恢復它以前的模樣。經過他的努力，這幅畫作已經比之前幾百年更好。 達文西還有一幅作品，名字叫做《岩間聖母》：聖母瑪麗亞在畫面中央，右手抱著嬰兒耶穌，聖約翰和天使圍繞在聖母身邊。達文西將他們置身於有花草點綴的岩洞之間，從岩石的縫隙中，可以看到美麗的藍色瀑布和綠色植物。擁有自然科學知識的累積，達文西比他同時代的任何人更瞭解植物。從《岩間聖母》這幅畫作上，我們可以清楚地辨別銀蓮花與紫羅蘭和蕨類植物，讓畫作顯得更樸實而生動。 文藝復興時期是一個人才輩出的時代，他們就像許多顆星辰，點亮黑暗的夜空。達文西，這位時代的巨人，是其中最耀眼的一顆。 【長畫廊】——蒙娜麗莎微笑的「成分」 500多年以來，人們一直在探尋蒙娜麗莎的微笑背後到底隱藏什麼神秘的力量，讓一代又一代的人們陶醉其中。她時而溫柔，時而惆悵，時而嚴肅，時而譏誚，微笑轉瞬即逝，卻又亙古永恆。 後來，荷蘭阿姆斯特丹一所大學的研究者，對蒙娜麗莎微笑的內容進行分析，認為其中包括83%的高興、9%的厭惡、6%的恐懼、2%的憤怒。如此理性的資料，未必可以得到所有人的認同，但是卻提供一種研究蒙娜麗莎微笑的新思路。 本書特色 ■《紐約時報》高度讚賞，全世界最受歡迎的藝術讀物！ 本書介紹三個部分的內容——繪畫、建築、雕塑。針對這三個部分，作者都是按照編年體的形式，描述世界各地的繪畫、建築、雕塑歷史，將家喻戶曉的藝術作品以生動有趣的形式呈現在我們面前，讓這些看似距離日常生活十分遙遠的藝術變得觸手可及，使我們對古今的藝術作品有全面的認識，從不知變為行家。本套書被歐美國家譽為「最受歡迎的藝術讀物」，已翻譯成20多種語言，全球銷售超過1000萬套！ ■美國外交部鼎力推薦，媒體票選「影響一生的十大圖書」之一！ 作者詳細介紹那些赫赫有名的藝術家和他們流芳千古的作品，並且透過許多生活中的故事，講述作品的誕生過程。本書收錄上百幅最具代表性的藝術作品圖片，包括：古埃及、古希臘、義大利、德國、荷蘭、西班牙、法國、英國、美國等國的名家作品，集知識性和趣味性於一體，目的在於：將藝術世界以生活化的姿態呈現在讀者面前，喚起讀者對藝術的熱愛。 ■維吉爾．希利爾――「卡爾維特學校」第一任校長，影響美國教育百年的人物！ 哈佛大學畢業以後，希利爾投身於中小學教育。1899年，成為「卡爾維特學校」第一任校長。作為教育家的希利爾，一直在思考如何把複雜知識變得簡單有趣。因此，他結合自己的教學經驗以及人類成長的規律，為讀者編寫一套妙趣橫生的讀物，就是這套叢書的由來。
張大千 vs. 四僧書畫4 看懂石濤
石濤的創作是踏遍大江南北，作畫寫生悟出對大自然的一切韻動生機，是倘佯於名山大川之間的心內感懷。他除了「搜盡奇峰打草稿」非常經典的辭彙，樹立近代繪畫大師之席；也在每個階段都有新名詞出現在他的畫論基礎上，像16 歲到44歲的「我自用我法」；45歲至50歲的「不立一法，不舍一法」；51歲至66歲「無法而法，乃為至法」。此三階段論述，就讓研究近代繪畫史學者，鑽研再三，從他的畫上找到可依據的根源，也為「自我風格」樹立了標準。 比之於八大山人的冷抽象，石濤的畫卻有另一番浪漫的熱情。石濤把筆墨奉為書畫至高無上要旨，也唯其如此，恣意曼妙的水墨畫，無論花鳥山水，都充滿直率淋漓的美好，他自己也說：精神燦爛，出於紙上。 近代的張大千從石濤畫藝中，領會筆意暢快、墨韻多變的風神氣韻；然後努力學習，並在層層細緻皴法，在碎苔密點、積墨相疊之間，鑽研宋畫山水精華所在，學得王蒙、追尋董源，那屬於中國山水意匠的經營精神；他的銘言「直造古人不到處」，故能承先啟後，也為自己在藝術史上建立不動搖地位。本書正是精湛表現出這倆位大師的書畫源流暨精髓！
台灣美術新思路：框架、批評、美學
前台大社會學系教授葉啟政 中央研究院社會學研究所特聘研究員、總統府資政蕭新煌 本書收錄廖新田教授2011年到2016年發表的豐富學術研究專論及文化點評短文，全書擷取新「思路 / 絲路」的雙重意義──個人的思維方向與取徑 / 歷史大遷移，以「過去 / 探索台灣美術史書寫的機制與框架」、「現在 / 美學批判介入藝術事件」、「未來 / 開拓台灣藝術家的深度批評視野與創新路徑」三大主題，透過作者一貫台灣本位、批判性、連結現實的書寫風格，擲地有聲的叩問台灣美術史研究的既有面貌，並探索台灣美術內部發展和回應外在全球化衝擊的新思考與新路徑。
別預期爆炸：洪席耶論美學
當代法國哲學家洪席耶的美學論述以歷史宏觀，左打現代主義，右劈後現代主義，影響甚鉅，其追隨者甚至以「哥白尼革命」形容他的成就。他有什麼貢獻？推翻了哪些舊說？顛覆了哪些成見？本書一篇篇討論洪席耶重要著作，細部引介、分析其核心觀點。 現代戲劇學者紀蔚然的「洪席耶論美學」十講，析論觀看的弔詭、批判的困局、文學的挑釁、藝術與政治與生活的關係，以及三種藝術體制的脈絡與影響等。導讀當代藝術思潮，輔以自身劇場經驗，搭建理論與實務之間可理解的橋梁。書中對於流派如前衛藝術、現代主義、抽象派；人物如席勒、康德、阿多諾、柏拉圖；體制如倫理體制、美學體制；概念如藝術自律、他律、異識、共識、平等、可感配置等，均有詳盡的討論。 ．歷史已經很清楚地告訴我們，藝術的政治效應往往因使命過高，賦予的運動過多而以失敗告終；然而，洪席耶認為，我們獲致的教訓不應是讓藝術從此與生活絕緣，擺出崇高姿態，而是該重新審視藝術與生活的關係。 ．平等，是洪席耶哲學的核心，貫穿於他的政治與藝術思考：平等不該是世人竭力謀求的終點，而是設想政治、藝術或任何事的起始。 ．天天都有新作問世，但它們不一定是藝術。藝術可貴之處在於讓不見的可見，讓聽不見的耳聞，甚或反轉人們認為理所當然的比例或位階，使得主流論述聽起來像是千篇一律的廣告，使得雜音變成值得聆聽、開啟視野的話語。 ．「美學」不是一門學科，它不過是指認藝術的方式。 ． 藝術所展現的自由、無所求本身就是一種實現，而美感經驗可以讓人們於出神之剎那體會了解放的深刻意涵。 ．藝術很「有用」，就是不能強求；它的影響力無遠弗屆，天空才是極限，但無論如何、無論何時何地，無法預期爆炸。
石階上的腳步
「將自己的生活視為正文，將書籍視為註解。」――愛默森。 獨白、對話、筆記是重要的，因為總有困乏之時。 藝術家薄茵萍以「圓」的形變，將生命中遇到的哲思話句， 砌出一層層的自我思辨之路。 本書節錄編著者30多年的日記及讀書筆記，以「封閉點」擴至「散發體」的概念，將書中看似無因果排列的章句，劃分出自我抽象思考的四個階段。彷彿提供分鏡畫面的圖像作品，也結合了藝術家朗讀情境，讓讀者一面摸索薄茵萍的辯證輪廓；一面也啟動對任一隨機話句，得以自由地思索並對應，甚至詮釋出全新的意義。 如果，藝術創作可拆解隱喻符碼，撥開僅是眼見之物，那生命河流中邂逅的眾多他者之言，說的當然不只是愛默森、蘇格拉底或托爾斯泰，而是真真實實的――「我」。一步步探索的路上，石階腳步下的溫度與印記，欲化為一場又一場的精神對話，成為你我的無形力量。 本書使用方式： 1、被記下的每一句，富當時的情境意義，因此無須考據式的追根究底。 2、若閱讀臉書是一種習慣，那就用眼用耳用心地滑著﹙划著﹚感受這本書吧！ 3、書末附有線上朗讀音檔的QRCode，隨藝術家口吻氣息更貼近生命的字句。
請回答吧，藝術！謝謝你說看不懂：森村泰昌的藝術問答室
藝術如何創作？我們如何觀看？ & 《請回答吧，藝術！》 為你戴上鬼才藝術家現聲導覽的耳機 & 這是一本讓大眾擁抱藝術的「深度藝術書」。故事從哲學家、攝影家、藝廊經紀、精神科醫師、主播、高中生等三十三人拋出心中對於「藝術」或「美」的問題展開，接球的藝術家開始義無反顧一一誠實應答。 & 一如森村泰昌長年來在創作中對藝術經典的反思、解構，以及建立新的連結，若要找人剖析與回應關於美、藝術、藝術史的提問，並為觀者建立藝術鑑賞新次元，很少有人能比這位在三十多歲就注定名留藝術史的攝影家還要合適。 & 當精神科醫師問道：「抽象畫要怎麼畫？」森村泰昌的回答是：「罪魁禍首是達文西。」十五世紀的全才留下了巨大詛咒，讓六百年來無數藝術家陷入苦戰，「抽象畫」成了解放下的產物，但也是缺乏確切目的地的「藝術恐怖行動」，因此無法獲得大眾理解……「畫＝具象畫，逃脫、反抗此一定義，就是抽象畫。」 & 藝術好難懂……作品到底在表達什麼？美跟不美、藝術跟非藝術的界線在哪裡？ & 帶上這些疑問，森村泰昌領讀者踏上一趟橫亙古今東西的藝術之旅，抵達他親自深入過（或說「成為」過）的藝術現場： & 走進17世紀林布蘭開的畫室，看到藝術家跟追求乾淨無瑕的時代格格不入的創作堅持。 站在日本第一幅公開展示的裸體畫前，辯論這是春宮圖還是藝術？ 站在杜象「在街上買來的」小便斗前，一窺自哥雅的時代以來，藝術家不斷跟藝術苦戰的歷史。 蹲在芙烈達的輪椅旁，感慨創作者如何從缺陷苦痛中獲得愉悅解放…… 聽顧爾德彈晚年版本的《郭德堡變奏曲》…… & 那些瘋狂、失序、模糊、充滿破綻的藝術的問題，因此有了凝視焦點，我們還看到不合時宜、追求自我的創作者姿態，如何為美學與世界充實了血肉。藝術不是八卦討論，「藝術的本質就是難懂，所以才有趣」。藝術的深度與難解，一如人生。 & 「藝術是驚奇、發現、想法的轉換，是小孩以上大人未滿的混沌時光。真正的藝術之都，是你自己，也是我自己。」
醜聞博物館
一位滿懷宗教虔誠的雕塑家所創作的聖特蕾莎像， 一幅描摹露天舞會場面的印象派繪畫， 幾頭被紋身的豬，這些事物之間有什麼共同之處嗎？ 答案是，它們都曾引發醜聞。 《醜聞藝術博物館》精選十五世紀至今 陷於爭議風波的六十餘部驚世駭俗的藝術名作， 它們或者褻瀆神聖、越界違規，或者導致政治紛爭、觸碰道德底線， 以全新的視角追溯風雨如磐的歷史時期， 探索其深處的禁忌、恐懼及熱望，從而發掘整個時代的精神實質。 誰規定，藝術只能或必須是一種審美的沉思， 除此之外，就絕無其他可能？ 數百年來，藝術家們都在突破社會規範的藩籬，而擴大藝術邊界的努力，其表現形式可以是一種新技法、一個新主題或新的觀念。十五世紀，馬薩喬的一幅溼壁畫描繪了亞當和夏娃被逐出伊甸園。此作採用了透視技法，令人震驚不已。五百年後，莫里齊歐‧卡特蘭的裝置作品《他》因表現出希特勒的脆弱、無力而引發人們強烈的抗議和譴責。 本書所收錄的代表作，包括油畫、版畫、照片和裝置，在問世之初，都曾引起轟動。色彩逼真的大幅畫面之外，還配以簡潔深刻的文字，探尋藝術家的創作意圖，解說作品的歷史情境和社會背景。藝術家的職責就是啟迪心智，將觀者引向新的思維模式，而本書中的作品，便構成一次發人深省的探索和嘗試，闡釋了「藝術家」這種角色的責任。它能引導讀者屏棄先入之見和俗套窠臼，重新審視藝術的價值。
反轉地圖：跟170位當代藝術家學習觀看的方式
「這個世界，由我定義！」 & 170位當代藝術家╳ 360幅私房風景 最衝撞觀念的視覺資料庫！ & 你有沒有想過…… ►用小時候的舊課本，拼貼出幻想的世界？ ►用石頭上苔蘚，種植出世界地圖？ ►用清代寺廟搶救出來的柱子，雕刻成立體地圖？ ►用 CIA中情局的資訊，畫出全球的利益關係平面圖？ & 本書整理全球近五十年來以「地圖」為主題的設計創作軌跡，並以族群衝突、全球化、生態、身體政治、認同、烏托邦等七大議題論述，收錄了三百多件跨領域經典作品，有普普藝術先鋒若夏、觀念藝術大師巴代薩里、地景藝術家隆恩、設計越戰紀念碑的建築師林瓔，還有世界各地的新銳藝術家、素人創作者，以各式各樣意想不到的媒材，呈現對社會的批判與關懷、多元的思維和創造力。 & 本書獲《歐普拉雜誌》、《紐約時報雜誌》等媒體讚賞，豐富的視覺元素給你源源不絕的靈感，讀了會讓人有動手製作地圖的衝動，就像《美國藝術》雜誌說的：「這本書會顛覆你的世界！」 & 本書特色 & 影像 █ 全彩呈現170多位當代藝術家、建築師、設計師360件地圖作品記錄 定位 █ 整理近1960至今的地圖藝術創作軌跡，與近代藝術發展的歷史相對照 議題 █ 以七大議題將地圖作品分門別類，表達族群衝突、全球化、生態、身體政治、自我認同、烏托邦等多元論述的思考 故事 █ 每一件作品都有創作的背景簡介，看藝術家如何以各式媒材定義這個世界 資源 █ 附有年表、藝術家索引與參考書籍，提供地圖策展與地圖藝術的創作網站等資訊
藝術家的煉金術：三十三位頂尖藝術家的表演論
—————藝術界的人類學家————— 《藝術市場七日遊》作者莎拉‧桑頓最新力作 藝術真是一種表演？ 你只要說服得了自己，就能夠說服這個世界 & 大多數藝術家都不認為自己扮演了什麼形象特殊的角色，更未戴上面具或虛設門面，但他們心知肚明的是，一旦做了藝術家，他們的一言一行都有點像在表演。—————莎拉‧桑頓（Sarah Thornton） 傑夫‧昆斯 Jeff Koons、艾未未 Ai Weiwei、加百列‧奧羅茲科 Gabriel Orozco、路青 Lu Qing、曾梵志 Zeng Fanzhi、辛蒂．雪曼 Cindy Sherman、拉希德•強森 Rashid Johnson、馬西米利亞諾‧吉奧尼 Massimiliano Gioni、達米安‧赫斯特 Damien Hirst、草間彌生 Yayoi Kusama、加百列‧奧羅茲科 Gabriel Orozco、艾薩克‧朱利安 Isaac Julien ……33位頂尖藝術家，從銀行帳戶到心靈角落，最體無完膚的一次深度訪談！ 『 藝 術 家 的 工 作 室 是 他 們 排 練 自 我 信 念 的 私 人 舞 台& 』 一項藝術作品的尺寸大小和構圖固然重要，藝術家的言行同樣要有說服力，而且不僅僅是說服他人，更要說服的是藝術家自己。不管他們有的是多彩的、大尺碼自我，抑或極簡、低調的個性，能夠取信於人的藝術家總是主角，絕不會甘於擔任形象千篇一律的配角。本書中的大多數藝術家都不認為自己扮演了什麼形象特殊的角色，更未戴上面具或虛設門面，但他們心知肚明的是，一旦做了藝術家，他們的一言一行都有點像在表演。也是基於這個理由，《藝術家的煉金術》一書將藝術家的工作室看作為他們的私人舞台，每日在此排練自我信念；將三十三名藝術家分散在「三幕劇」（3 Acts）中，探討當今專業藝術家的性質，查訪藝術家如何看待他們的作品、如何應付藝術世界守門人的期望。 & 『 藝 術 創 作 的 意 義 為 何 ？ 』 什麼是藝術家？ 是一種激進形式的企業家？ 抑或像教士一樣是出自聖職的呼召？ 是一種哲學思維的延伸？ 抑或一種從娛樂探出的枝蔓？ 在彼此相扣卻又各自獨立的三幕劇——政治（Politics）、情誼（Kinship）、技藝（Craft），知名藝術記者／評論家莎拉‧桑頓（Sarah Thornton）對眾多在世界舞台佔有一席之地的藝術家進行了數百次訪談，拋出一項簡單卻深奧的提問：「什麼是藝術家？」並針對他們的答覆加以比較、觀察、對照，洞悉他們在當今世界不同角落「從事藝術創作的意義為何」。 & 桑頓有如一位一流導覽和值得我們信賴的內線，她的採訪錄如同一連串的電影經驗——進到藝術家的工作室、住所和個展中探尋，從藝術家的銀行帳戶進項到臥室陳設之種種，她無所不寫，讀者彷彿也跟著她的腳步直擊第一現場，看到這些藝術家難得一見的生活點滴。 & 本書的文字鋪陳與敘述生動活潑，作者拋出的問句，在章節結束時的點睛之論讓讀者頓時撥雲見日，而在讀者眼前一字排開的眾多大牌藝術家，思維無時不受挑動，形象被徹底解剖，藝術家加百列‧奧羅茲科（Gabriel Orozco）說：「我們都被剝到只剩下內衣褲！」 & 《藝術家的煉金術》透過政治、情誼、技藝有力的三屏圖，三十三位頂尖藝術家的深度探訪，針對藝術真理、藝術家之角色、氣度等方面的反專題性著作，探討當今專業藝術家的性質，查訪藝術家如何看待他們的作品、如何應付藝術世界守門人的期望，誠乃所有對當代藝術有興趣之人必讀。但凡有心了解創作藝術生活的讀者，必能從此一高明的敘述中回味無窮。 『 本 書 特 色 』 第一幕：政治 探討藝術家的工作倫理、對權力與責任的態度，尤其注意人權和言論自由。 & 第二幕：情誼 調查藝術家與其同儕、繆斯和金主之間的關係，著眼於競爭、合作與惺惺相惜。 & 第三幕：技藝 關乎藝術家的技巧和藝術品製造的所有面向——從觀念、執行，再到行銷策略。
塞納明珠：奧塞美術館
塞納河左岸明珠—奧塞美術館 奧塞美術館有一個比較特殊的歷史背景。它的前身是一座火車站，約100年前這座為了世界博覽會而興建的奧塞火車站，原來是建立在舊審計部的廢墟上，從原本的火車站到現在的藝術收藏展覽中心，本畫冊就其成立的歷史因由及收藏細節作出具體描述。 介紹十九世紀下半葉以來的各個時期的藝術典藏品，從學院派、浪漫主義、印象派、後印象派、自然主義與象徵主義等藝術作品。定期展示雕塑、繪畫、素描、裝飾藝術與家具，從平面藝術到建築、城市規劃及電影等相關的現代作品，都被一一呈現。 十九世紀後期那些被學院沙龍展摒除在外的畫家，如馬內、雷諾瓦、莫內、畢沙羅和塞尚等，後來都成為影響現代藝術的印象派大師；還有寫實主義畫家如米勒；難以歸類卻令人驚嘆的藝術家──夏凡納、羅德列克；讓世人至今仍醉心的梵谷畫作。這些藝術史上的大師至今仍影響著熱愛藝術的人的鑑賞品味。 畫冊以奧塞美術館收藏的十九世紀後期的重要藝術家為對象，逐一介紹其作品，並透過對比與歷史資料的專業解說來闡述畫作。
塞納翡翠：羅浮宮
塞納河右畔—塞納翡翠羅浮宮 羅浮宮是世界知名藝術收藏中心，它就像一個活生生的有機體，累積幾個世紀逐漸壯大至今，而且盡可能地展示從新石器時代到十九世紀的藝術品，企圖展示所有人類的藝術全貌。 羅浮宮一開始是存放法國歷代統治者收藏的繪畫及雕塑作品，但幾經歷史與革命的衝擊，帶出羅浮宮作為藝術收藏品的反思，故在法國大革命後，才由「國家畫廊」轉變為「國立美術館」，而開始只是接收拿破崙時期從戰爭中獲得的戰利品，後逐漸大量接收不同種類的藝術品，企圖將羅浮宮的收藏品成為代表法國強大國力與文化優越性的象徵。 擁有八個收藏展示部門的羅浮宮，有橫跨世界各個藝術體系的典藏品，從遠古藝術與東方藝術、埃及與古希臘藝術、古羅馬與宗教藝術等，其歷史背景與文化特徵都是本書的敘述重點，介紹各個人類文明發展的歷程，也介紹作品的歷史與輾轉收藏故事。 本畫冊就其歷史及傳說背景為主軸，再將幾個世紀以來，部分重要藝術家的雕塑或繪畫作品，穿插其中做局部性解說與對比性的介紹。
塞納藝術瑰寶(奧塞美術館+羅浮宮)
塞納河右畔—塞納翡翠羅浮宮 羅浮宮是世界知名藝術收藏中心，它就像一個活生生的有機體，累積幾個世紀逐漸壯大至今，而且盡可能地展示從新石器時代到十九世紀的藝術品，企圖展示所有人類的藝術全貌。 羅浮宮一開始是存放法國歷代統治者收藏的繪畫及雕塑作品，但幾經歷史與革命的衝擊，帶出羅浮宮作為藝術收藏品的反思，故在法國大革命後，才由「國家畫廊」轉變為「國立美術館」，而開始只是接收拿破崙時期從戰爭中獲得的戰利品，後逐漸大量接收不同種類的藝術品，企圖將羅浮宮的收藏品成為代表法國強大國力與文化優越性的象徵。 擁有八個收藏展示部門的羅浮宮，有橫跨世界各個藝術體系的典藏品，從遠古藝術與東方藝術、埃及與古希臘藝術、古羅馬與宗教藝術等，其歷史背景與文化特徵都是本書的敘述重點，介紹各個人類文明發展的歷程，也介紹作品的歷史與輾轉收藏故事。 本畫冊就其歷史及傳說背景為主軸，再將幾個世紀以來，部分重要藝術家的雕塑或繪畫作品，穿插其中做局部性解說與對比性的介紹。 塞納河左岸——塞納明珠奧塞美術館 奧塞美術館有一個比較特殊的歷史背景。它的前身是一座火車站，約100年前這座為了世界博覽會而興建的奧塞火車站，原來是建立在舊審計部的廢墟上，從原本的火車站到現在的藝術收藏展覽中心，本畫冊就其成立的歷史因由及收藏細節作出具體描述。 介紹十九世紀下半葉以來的各個時期的藝術典藏品，從學院派、浪漫主義、印象派、後印象派、自然主義與象徵主義等藝術作品。定期展示雕塑、繪畫、素描、裝飾藝術與家具，從平面藝術到建築、城市規劃及電影等相關的現代作品，都被一一呈現。 十九世紀後期那些被學院沙龍展摒除在外的畫家，如馬內、雷諾瓦、莫內、畢沙羅和塞尚等，後來都成為影響現代藝術的印象派大師；還有寫實主義畫家如米勒；難以歸類卻令人驚嘆的藝術家──夏凡納、羅德列克；讓世人至今仍醉心的梵谷畫作。這些藝術史上的大師至今仍影響著熱愛藝術的人的鑑賞品味。 畫冊以奧塞美術館收藏的十九世紀後期的重要藝術家為對象，逐一介紹其作品，並透過對比與歷史資料的專業解說來闡述畫作。
藝術精神
媲美達文西和雷諾茲，影響了近百年繪畫者的藝術啟蒙經典！ 全球發行唯一中文版！ 水彩名家簡忠威審定推薦‧專文解說 每個人心裡都住了一位藝術家， 若沒有這些內心藝術家，世界將會停滯不前 ──從技法到心法，寫給所有藝術學子的美學手札── 真正理解藝術就會知道，藝術其實是每個人平常都會涉及的領域。 藝術，說穿了，就跟把任何把事情做得更好有關。 唯有讓藝術精神進入人們的生活，讓藝術不是生活附屬品， 而是每個人生活最不可或缺之物，才得以彰顯藝術的偉大。 羅伯特．亨萊，美國藝術家暨藝術教育家。深信藝術與生活密切相關，也與每個人相關。最為人所知的事蹟是，帶領「八人畫派」（The Eight）這群寫實主義畫家，開創「垃圾桶畫派」（Ashcan School）。以都市日常生活的習俗為題材，將視角移轉到各社會階層，反映了一個「真實的美國」。對於美國藝術的發展具有深刻的意義，體現了美國藝術的獨立性與創新性。 這位充滿熱情、在藝術指導上天賦過人的老師，他所提倡的藝術理念，啟發了不計其數的知名畫家。他心懷偉大願景，帶領藝術學子認識法國畫壇、卻提醒學生要有藝術家的自重、努力發現自我、別害怕擁有個人觀點與風格。並集結有限資源，舉辦第一個美國獨立畫展，給年輕的獨立藝術家有機會公開展示畫作，不再受官方掌控限制。在那個年輕藝術家四處碰壁的時代，亨萊所爭取的藝術自由，可謂是美國畫壇的一大進步。 而他對學生最常的要求與提醒就是：以藝術是作為盡情生活的工具。畫出你的感覺，畫出你心中所見，畫出你所認定的真實──讓創作「引起世界的騷動」！ 我想談論的是美與快樂 欣賞生活的美好並不容易 藝術的存在就是為了讓你盡情生活，活出自我 本書收錄羅伯特‧亨萊的隨筆文稿、信箋片段，以及與學生的對談語錄。完整呈現亨萊對藝術的教學脈絡，主題涵蓋繪畫創作的概念與技法，一般藝術研究與藝術鑑賞。處處可見亨萊寶貴的專業建言與智慧見解。 本書集結書信與隨筆分為五部，全方位洞悉「藝術精神」── 。美，始於感動｜美無法複製，卻無所不在。美就是觀看者心中的愉悅感。 。技法，始於觀看｜先回應自己的主題與感動，忘記技法存在，自然綻放光芒。 。藝術，始於生活｜從生活中發現真理，以藝術作為盡情生活的工具。 。風格，始於找到自我｜大膽探索、勇於冒險，當一個真正的學生。你可以跟自己學到更多！ 。大師，始於自我學習｜善用天賦，全心投入。欲成就大師者，以善用本身所有為先。
安迪．沃荷 the Trip
『重點不在於你是什麼樣的人，而是他們認為你是甚麼樣的人！』 一趟還原安迪沃荷當年在六十六號公路的自駕旅程， 一路讓安迪長驅直入開進星光熠熠的好萊塢── 準備好了嗎？ 我們和安迪一起坐上六○年代最潮的福特「獵鷹」， 就要上路了喔！ POP推薦：工頭堅．旅行長、Miss Anita．御姊愛、「個人意見」格主陳祺勳 「當我們開得愈遠，在公路上所看到的一切就愈有『普普』味。」 載著安迪．沃荷疾駛的福特「獵鷹」（Falcon）化身為我們的時光機器，帶著我們擺脫沉悶的艾森豪（Eisenhower）時期遺風，進入充滿爆炸性、令人興奮的六○年代。透過深入、具有獨創性的研究──黛博拉．戴維斯讓我們對這位藝術界不朽的名家有了新的認識，也以沃荷為中心，為我們留住了一九六○年代的美國最迷人的一刻。 原本重新還原安迪的旅程一直是個抽象的概念，直到有一天，我在一本關於沃荷的大事記書中看到一整頁翻拍的單據…… 我在九月二十四日出發，就和安迪四十九年前出發的日子同一天。 安迪花了四天半的時間，但是他和他的旅伴們一路上總有一些六○年代典型常見的藥物幫助他們維持亢奮的狀態。 我預計要花七天的時間，我打算從紐約出發，一路開車經過紐澤西州（New Jersey）、賓州（Pennsylvania）、俄亥俄州（Ohio）、印第安那州（Indiana），然後接上六十六號公路──屬於文藝青年的懷舊公路──直接穿越密蘇里州（Missouri）、堪薩斯州（Kansas）、奧克拉荷馬州（Oklahoma）、德州（Texas）、新墨西哥州（New Mexico）、亞利桑那州（Arizona），一路抵達加州的最西邊，聖他莫尼卡碼頭（Santa Monica Pier）。 我們和家人、朋友、還有小狗告別之後，就先往紐約市東邊開十三哩，這樣我們才能和安迪從同一個地點出發──那是他位於萊辛頓大道（Lexington Avenue）1342號的透天住家。 由於上天安排了這個停車位與屋子的裝修工程，我得以用與安迪四十九年前出發時的相同姿態展開我的旅行。我在階梯的平台上停住腳步，接著走下台階，推開前門，走向停在路邊的汽車──一如安迪當年。 『有時候，一些你在當下並不以為意的短暫時光，後來卻會在你的人生歲月中留下痕跡。──安迪．沃荷』 我一直對安迪．沃荷深感著迷，他不但是藝術家、導演、格言家、媒體大亨、趨勢領導者，而且堪稱是二十世紀最具真知灼見的不朽天才，甚至到了二十一世紀猶然為當紅炸子雞。假使安迪知道這些事，雖然他不見得會有多驚訝，但他肯定會被逗得樂不可支：他在一九六三年被評論家們視為笑話的畫作──包括那些頗具爭議性的金寶濃湯（Campbell’s Soup）罐──在今天已經價值上億美金；有一間博物館致力於收藏他個人的生活樣貌與作品；安迪．沃荷相關展覽經常在各地巡迴展出；他的反傳統文化電影為今日的主流電影奠下了基礎，獨立電影在今日已經發展為數十億美元的產業；他被推為「自拍」（selfie）的始祖；還有眾多粉絲們，包括藝術家與作家，都視「聖安迪（Saint Andy）」為他們的繆斯。 &&&&八○年代早期的時候，我也是眾多崇拜安迪的粉絲之一。有一回我去參加了一場紐約現代美術館（Museum of Modern Art）所舉辦的電影活動，發現我的位子正巧就在安迪的前方。他的出現讓我興奮不已，但我當時實在是太害羞了，以至於我根本不敢轉頭和他說話。後來那天稍晚，我先生跟我聊起了安迪的假髮，我問他，「什麼假髮？」年輕又天真的我一直以為他頭上誇張的銀髮是真髮。後來，我開始慢慢了解關於安迪．沃荷的所有一切，而當我成為一名作家之後，我也思考著要以他做為著作的主題。我想我需要知道更多真實的故事。 &&&&《普普主義》（POPism）一書是安迪對於自己在一九六○年代的生活體驗所做的記錄。在書中，我瞥見他提到一九六三年他做了一趟公路旅行，當時他和一群密友駕車一路從紐約橫越美國直到洛杉磯。我很快便認定，這趟冒險旅程－雖然在大部分沃荷的傳記裡只會出現在註腳──實際上是他一生當中重要的關鍵時刻，同時也猶如一扇觀景窗，讓人得以一窺當時美國正遭逢的巨大變遷。這趟六○年代模式的公路之旅後來成為一次心靈探索的旅程。他興高采烈地一路行經美國心臟地帶的公路、加州海灘、舊好萊塢（Hollywood）、新好萊塢、拉斯維加斯（Las Vegas）、和其他典型的美國城鎮，同時以流行世俗的角度探索美國文化──藝術、文學、電影、電視、廣告、音樂、運動、藥物、和新的性意識，全都透過旅途中的體驗滲入安迪．沃荷的內心世界。 &&&&安迪第一次動身前往西岸時的年紀是三十五歲，但更廣義地來看，他的旅程其實打從出生的時候就開始了。他一九二八年出生於蕭條衰敝的匹茲堡（Pittsburgh），到一九六三年展開這一場六十六號公路（Route 66）上的疾風之旅，這期間安迪．沃荷從一個貧窮又體弱多病的小男孩搖身而為新銳藝術家與導演，這樣的蛻變本身就是一場精彩萬分的旅程。就在我埋首研究他的生平與他所處的年代時，我愈發覺得，如果我真的想要了解那個關鍵時刻的安迪，我就應該要跳上車子，親自走一趟同樣的旅程。 於是我開始規劃我的公路之旅。像這樣的旅行，通常人們不是在十八歲那種毫無懸念的年紀風風火火地上路，就是反過來，會等到退休後才開著休旅車閒散逍遙地展開旅程。 原本重新還原安迪的旅程一直是個抽象的概念，直到有一天，我在一本關於沃荷的大事記書中看到一整頁翻拍的單據。安迪是個出了名的收集狂，他會把所有東西都收進被他稱為「時間膠囊」（time capsules）的硬紙盒裡。時間膠囊裡甚麼稀奇古怪的東西都有，包括派對邀請函、食物、指甲刀、還有處方藥。在第五十五號膠囊當中，安迪收藏了我心目中的至寶──他在橫越美國公路之旅途中所收集的所有單據。 一張單據就是一個故事。 加蓋了紐約港務局（Port of New York Authority）戳印的卡片記錄了他離開紐約市的確切時間。比佛利山莊飯店的帳單列出了客房餐飲服務（room service）的費用與撥打長途電話的記錄。還有許多單據來自加油站、汽車旅館、餐廳、相機店、以及他沿途停留的據點。就像撒落的麵包屑所留下的軌跡一般，這些細瑣的資訊帶領我到安迪所佇足的每一處，同時也告訴我他到那些地方的時候從事了哪些活動。這珍貴的點點滴滴讓安迪彷彿重回世間，也讓我得以親歷他當時所看見的世界。 至此，我對於展開這趟公路之旅已經充滿了興奮與期待。
設計摺學全書：建立幾何觀念，強化空間感，激發設計師、工藝創作者想想像力和實作力的必備摺疊觀念與技巧
暢銷書《設計摺學》最新修訂完整升級版，創作者一生受用不盡的必備參考指南。 讓時尚、建築、珠寶、家具、陶藝、室內設計等各種領域的讀者各取所需，以織品、塑膠、金屬或木材等各式材質達成目的。 Pleat（摺），是一種共通的設計語彙，常運用於建築、服裝與配件、工業設計，乃至裝置藝術或工藝品。透過摺疊概念將平面素材形構成為立體的轉化過程中，設計師能得到意想不到的靈感及創作養分，也在不知不覺中培養出穩固的幾何觀念與良好的空間感。集35年教學功力，摺紙界強人保羅．傑克森（Paul Jackson）繼《設計摺學》系列暢銷書後，將畢生教學心法整理成這本終極摺紙教材，看得到觀念、學得到技巧，搭配精采絕倫的全彩作品實例，是各個領域的設計師與創作者不可錯過的經典工具書。 ★全球讀者無負評，異口同聲「本書助我良多」。 ★7款基礎摺疊，3款進階摺疊，交織出無數結構形態。 ★特別載錄運用於織品的摺疊技法。 ★收納超過60件精采範例，來自全球建築、時尚及工業設計界優秀代表作。 ★內附二十三個關鍵摺紙技巧示範影片連結。 「我嘗試以系統化方式，解析傳統的摺疊技巧，進而衍生出當代的利用形式。無論是時尚、建築，或是珠寶、家具，甚至陶藝或室內設計領域的讀者，都可以各取所需，以織品、塑膠、金屬或木材等任何材質達成目的。我將不厭其煩解說基本技巧，繼而發展出一系列開放性的變化，讓讀者得以學習並創造出無窮無盡的新設計。」──本書作者
教育美學：靈性觀點的藝術與教學
就「美學」言，包括靈性美學、心靈繪畫、合一經驗、崇高感受、審美經驗、審美歷程、自我創造、精神流變、靈性救贖。 就「教育」言，包括全人教育、人格教育、藝術教育、審美教育、道德教育、課程與教學、教學藝術、協同合作、另類教育。 因此，重視美感經驗、追求靈性成長、喜歡哲學思考、關心教育改革的讀者，尤其藝術／文化工作者、美學／教育研究者、各級學校教師／教育行政人員、有志成為教師的人，相信都能從中開展美學視野、豐富人文素養！
海鷗
創作於一八八七年的《伊凡諾夫》是契訶夫第一部四幕長篇足本劇。 伊凡諾夫本來是個才華出眾，懷抱極大社會改革理想與熱情的年輕人，卻在幾年內，不敵庸俗的社會舊勢力，氣力用盡，變得落寞潦倒。伊凡諾夫身家處於破產邊緣，同時他的妻子安娜也因肺癆不久人世，雖有崇拜者，年輕姑娘莎夏不顧一切愛著他，一心想幫助他重新站起來，但他卻深陷苦惱，自覺失去生活的一切目標和意義，最後，在心魔的作弄下，在他與莎夏的婚禮上舉槍自殺。 史塔帕新譯本於二〇〇八年春於倫敦溫德翰（Wyndham）劇院首演。 一八九六年十月《海鷗》在聖彼得堡亞歷山大劇院首演，慘遭失敗；兩年後，一八九八年十二月，《海鷗》二度上演，由丹欽柯和史坦尼斯拉夫斯基聯手打造，在莫斯科藝術劇院推出，叫好又叫座，就此奠定契訶夫在劇壇的地位。 《海鷗》以鄉下莊園為背景，寫出了上一代與下一代，藝術，愛情及世俗的多重衝突。下一代的康斯坦丁厭惡「充滿俗套和偏見」的傳統劇場，他寫出内容形式都極具實驗性的作品，找一心想進劇場的戀人妮娜擔綱演出，但這次演出卻因他母親，著名演員阿卡蒂娜的挑剔而中斷。妮娜緊接著離去，投入母親情夫，名作家特里果林的懷抱，康斯坦丁兩頭落空，備受打擊。兩年後，康斯坦丁在一事無成的絕望中舉槍自盡。 史塔帕新譯本於一九九七年春於倫敦老維克（Old Vic）劇院首演。
歷史、藝術與台灣人文論叢(11)
本論叢成立的目的，是提供歷史、人文、藝術教學或研究者展現思考的園地：一個奠基於學術方式，胡思亂想的刊物。我們深信教學就是面對學生的思考，既然有思考，就有想法，只要再配上根據與參考他人相關成果的雙翼，就是合格的研究。衷心歡迎以教學為主體的老師，敞開胸懷，邁出最後一步，提供你/您的思考結晶，豐富本刊內容，進而超越心中的憂慮，釋放人文、藝術的魅力。
藝外風景：30對談錄 Heart to Heart
謹以本書獻給30年來，為臺灣舞台付出的所有工作者及觀眾 30篇經典對談．60位精采人物 帶您深入音樂、戲劇、舞蹈、文學等藝術核心 探究親情、愛情、人生觀等舞台之外的生活點滴 國家兩廳院30周年．PAR表演藝術雜誌25周年鉅獻 瞭解藝術家的創作意念．深入他們的內心世界 【康寧漢×林懷民】 康寧漢：我不希望重複用過的概念，我相信永遠都有新的東西在等待著你，只要你懂得怎樣去尋獲它。 林懷民：我們喜歡面對難題，也必須喜歡難題，否則我們就不會進這一行了。 【張艾嘉×羅曼菲】 張艾嘉：生命無法控制，太多事無法料到，我學會將很多事情「交出去」。 羅曼菲：我常比方人生是個party，我只不過是累了先回家睡覺，朋友不必為我悲傷。所以會比較豁達，因為真的沒什麼好計較的。 【侯文詠×許芳宜】 許芳宜：舞者這麼漂亮、這麼短暫的生命卻不會被記住，所以舞者要很自私、很現實地滿足自己，在這麼短暫的時間中，我希望可以做最多的事情。 侯文詠：舞者想的是怎樣使用身體，醫生想的則是怎樣不讓身體壞得那麼快。跳舞真是一件很奢侈的事。從醫學的觀點來看舞台上的舞者，他們實在是幸運到不行。 《PAR表演藝術》的「藝次元曼波」單元，多年下來邀集許多知名人物進行對談，談話過程中不時激盪出各種智慧的花火和幽默機智的言語，令讀者更加深入了解藝術家們的內心世界和創作意念，向來都是最受歡迎的單元之一。 今年正逢國家兩廳院30周年暨《PAR表演藝術》25周年，為此特別精挑集結30篇、共60位藝文人物的精彩對談，與讀者共享他們在步出劇場、舞台之外，不為大家所熟知的另一面。
張大千vs.四僧書畫3看懂八大山人
號稱「明末四僧」之一的八大山人，其作品尤為世人所重視。身為舊王孫之後的八大，天賦異稟，惜亂世流離，只能以繪畫自遣，書畫寄意；從怨憤到平淡，用詩文寫出心中蒼涼與落寞。 是以八大之畫用筆簡練淋漓、神韻奇古、筆簡形具、神形溢出；無論孤鳥、蘆雁、八哥、松鹿、孔雀、眠鴨、魚石、花卉、雪景……，都以「冷」寫畫面，以「簡」寓情懷，但灑脫縱肆、清新出眾，一筆一畫盡是抅勒生命的軌跡。 再見大千先生仿八大山人山水畫作品，深具文人畫基礎，氣韻生動，磅礡高遠，展現出純粹的藝術生命，也完全表露從倣元四大家暨董源，一脈宗中國傳統山水畫，高簡逸趣的畫風。 看此書您將可「看懂八大山人」！
普普就是一切都很好：沃荷的六○年代
普普教皇安迪．沃荷撰述美國普普文化最迷人的黃金十年（1960-1969）。 「這是我對一九六○年代發生在紐約的普普風潮的個人觀點⋯⋯它是一個回顧，回顧我的朋友和我當時的生活情景——回顧繪畫、電影、時尚以及音樂，回顧超級巨星以及人際關係，它們構成了我們在曼哈頓閣樓裡的場景，我們管那個地方叫工廠。」 一場文化風暴席捲了1960年代——普普藝術、迷幻文化、巴布．狄倫、地下電影——而風暴核心就是安迪．沃荷。他的工作室，名為「工廠」的一間曼哈頓閣樓，是60年代文化場景的中心，就在這個銀色工廠裡，他創造出界定普普藝術的康寶濃湯罐頭以及許多的文化偶像。從地下絲絨、滾石樂團，到伊迪．塞奇威克，也都在這裡串門子、打轉、揮霍青春——這些特立獨行的年輕人，構成改變世界的一場青年震憾（youthquake）。沃荷在本書毫無保留、幽默地閒話這黃金十年的內幕故事。 青春爆炸的沃荷六○ ◎迷人的年輕人是不工作的 ◎聰明而缺乏紀律 ◎比起十年前許多人看起來都更顯窈窕和漂亮 ◎睡眠變得過時，因為有太多事情要做 ◎所有東西都需要「宣傳」，幾乎什麼都能免費弄到手 ◎強調事物的真實本質 ◎不必去讀一本書才能成為這種文化的一部分，只需要去購買它就可以了 ◎任何人不管他們是誰、穿著如何，都有權利去任何地方去做任何事 ◎衝突不斷的年代，最後直到所有社會障礙都受到衝撞為止 ◎跑歐洲是時髦事兒，每個人要不是剛從歐洲回來，就是正要去，或是正設法要去 ◎擅長廢物利用是一門技能、能引以自豪的本領 ◎在習以為常的東西裡看到它新的一面 要是沒有這群瘋狂的嗑藥者，在我身邊喋喋不休，做一些他們的瘋癲事兒，我可能會失去創造力。──安迪．沃荷
安迪如何穿上他的沃荷：普普教皇的哲學絮語
「我覺得現實生活才是假的。」 安迪．沃荷的複製與貼上哲學 & 在這本語錄式的自傳裡，A（安迪）喃喃絮語還有與他的B（朋友）們高談闊論不同話題，或小題大作或大題小作，坦誠地表達他對愛、美、性、工作、時間、死亡、經濟學、氣氛、成功、藝術、名氣、內褲、真實與虛無等等等的看法，言語流露他的尖酸幽默、糾結又神經質。 這位普普教皇已然去世三十年，但他對流行文化洞見觀瞻，使得他的哲學超越時空，在現今網路媒體與物質消費的年代仍然鮮活、適切。 & 【沃荷跨時空語錄】 & A說愛 我第一次買電視之後，便不再執著於與人親近。〉〉〉〉宅男 & A說美 各種瑕疵全部刪除，它們並不屬於你想畫的那幅美圖。〉〉〉〉美圖秀秀 & A說性 幻想的愛勝過現實的愛，不做愛最令人興奮。而最令人把持不住的引力，就是明明相吸，卻永遠不得碰頭的兩極。〉〉〉〉Cybersex & A說氣氛 也許到時候會有派對的實況轉播，任何人想要身歷其境，只要靠全息攝影就能達成，在家也能舉辦3D宴會，假裝自己人就在現場和大家一起出席，甚至可以自己租一個派對，安排自己坐在名人旁邊，想要哪個名人就安排哪個名人。〉〉〉〉虛擬實境 & A說名 要是我也可以光靠對方的節目就完全摸透一個人，那就太棒了，如此一來我就可以洞悉他們的人生出了什麼問題〉〉〉〉真人秀 & A說刺刺的感覺 我把大部分的時間都拿來和這個B或那個B講電話。我把這個行為，叫作「查勤」。因為我很想知道這些B們從前一天早上開始所做的每件事，我問他們去了哪些我沒去的地方，見了哪些我沒見到的人。〉〉〉〉臉書News Feed
我的，台灣家書
德國紅點設計、日本G-Mark設計大獎評審， 台灣最具國際知名度的平面設計大師林磐聳， 持續10年不間斷繪寫「我的台灣家書」， 描畫的主題只有一個：台灣； 傳達的也只有一個：對故鄉土地的深刻感情。 被列為「世界100位平面設計名家之一」的林磐聳，是台灣首位以設計領域獲頒「國家文藝獎」（美術類）獎項的藝術設計大師，過去10年來他一直持續在做同一件事，那就是：用明信片書寫台灣家書。 至今，這些明信片已經累積超過2000多張。 & 每一張上面畫的都是台灣，每一張都是了他生命旅程的見證。 「雖然之前陸續畫過台灣圖象的作品，但動機和意識並不強烈，但在勾勒黃金葛圖像時，思緒卻在一筆一畫中，逐漸清晰了起來。」 2005年春節返鄉時，林磐聳看到已逝父親生前種植的黃金葛依舊蓬勃茂盛，綠意盎然，對於父母的思念之情油然而生，百感交集之下，以手邊自來水毛筆與影印紙，細細畫下滿佈青翠綠葉的台灣島嶼圖像，畫完後大感暢快，也興起更大的創作熱情。 此後他便開始採用最簡易、單純的工具，如毛筆、針筆、鋼筆，以最簡樸的技法，將每天所見、所聞、所思、所感，一一畫成台灣島嶼的圖形，以和尚抄寫經文般專注的虔敬的精神，日復一日進行日記式的圖像記錄。 經由這樣的創作歷程，林磐聳有了不同的體會，常常在受邀出國參加各種活動時，對於故鄉有更深刻的情感：他發現，越是人在他鄉的時刻，越是會深刻注視自己的原鄉。 在旅途中最容易攜帶與取得的媒材便是明信片，林磐聳於是將心中總是思念的「台灣」為圖形，用簡單的畫筆，將現場瞬間意象的感受或想法，結合當地特有的圖像元素，畫在明信片上、寫在明信片上，然後郵寄回台灣給自己，以郵戳上的日期和地點，做為一種時空的見證。 本書詳述林磐聳創作上凝聚於內在的意念感受，如何具現於外在風格的表現形式，並剖析他的「台灣家書」的內在意涵，闡釋他對於創作的信念，同時收錄他多幅精彩的作品，分享他所「看見」的台灣圖像，還有供讀者試畫的頁面，希望邀請所有讀者一起來加入台灣家書的書寫行列，一同完成屬於生活在這個島嶼上你我的記憶。 & 本書特點 & 【解析大師的藝術思考】 被譽為當代台灣設計界教父的林磐聳，在本書說明自己在藝術設計上的思考模式，例如「簡單的事，做久了就不簡單」，以及如何尋找靈感的「發現」三段式創作想法。 & 【闡釋對於藝術的信念】 作者特別闡述了自己的信念，以及為什麼他堅持要做這件事，如何把自己的生命、時間全部放入，不停地用細密小點畫著，讓每個點點都是累積。 & 【說明台灣家書的概念與內在意涵】 從早期以視覺傳達訊息的設計目的，衍生至深層自主體現內在的思維過程與感情底蘊，台灣家書發展的歷程與作者內心深處細微的全幅感受，一一呈現。 【與自己家鄉建立連結】 作者多年來點滴累積的作品，包括寄自全世界各地的台灣家書明信片，地點遍布歐洲、中亞、非洲、美洲、東南亞、日、韓、大陸等，不管身在何方，全是以台灣島嶼圖形，結合當地特有的元素，既是一種與故鄉建立的連結方式，也是由台灣輻射自全球各處的印記。 【生命記錄的呈現】 蓋有全世界各地的郵戳，上面註明著地點與日期，可以藉此有時間與空間的記錄，確認自己與現場的時空關係，加上手寫文字與圖像，這等同於一種生命的記錄，不論是開心的、抑鬱的、抒發胸懷的、崇敬的、喟嘆的，瞬間的心思意念都被保留下來。 【創作手法大公開】 介紹從素描開始的點畫法、如何應用毛筆本身的特性畫出濃淡深淺，以及彩色暈染與拼貼的創作密笈。 【傳遞手繪的溫度】 作者的台灣家書主要用個人的手寫文字，搭配徒手描繪的方式，將花草植物、雲層、海浪、山脈、裝飾圖案、抽象造型、地理景觀、民俗美術等元素，以寫實風格、超現實風格、表現主義、神秘主義、拼貼風格等呈現，其中有大量結合台灣特有元素的圖形，包括百合、朱槿、蝴蝶蘭、中央山脈、東海岸石頭等。 【建議與示範】 作者特別示範幾款容易上手的台灣島嶼造型的畫法，並建議也想書寫台灣家書的讀者，只要採取行動，寫下自己「感動」、想要與人分享的話語，因為「感動」就是他本人創作最重要的原動力。
藝術解析！典藏50大師精選作品訪談筆記
書中內容包括來自全球50位元頂尖數位藝術家的600多幅創意佳作、設計理念分析介紹，以及編者對每位藝術家的特別專訪。 作品中詳細展示了一些主要作品的繪製流程和細節處理，而專訪內容，讓藝術家們對“你最欣賞的藝術家是誰？”“在你的從業經歷中，對你和你的作品影響最大的是什麼？”“你覺得電影或遊戲中是否有某個角色可以象徵你自己嗎？”“近期在看哪些書或電影？”“你有什麼有趣或特別的愛好嗎？”等此類問題做出的新穎、別緻而又充滿趣味的回答，也能讓讀者在欣賞與學習畫作的同時，深刻瞭解藝術家創作背後的獨特個性、豐富多彩的經歷和他們眼中的藝術世界及對數字藝術的獨到見解。
臺灣公共藝術學Ⅱ藍海.公共美學
首部臺灣經驗的公共藝術進化論 公共美學所帶動的後公共藝術時代！ 群策群力的「共學」聯結為跨地域、跨文化背景的「共學圈」，公共美學即將創新出城鄉美學的主流趨勢！ 每個城鄉聚落都需要「被看見」，透過彼此接納、平等交換訊息，來述說、推廣與傳揚在地獨特的人文價值，並促進地方意識的凝聚，成為地方再發展的動能。 本書所提出的「公共美學」，並不只是藝術成果的完成，而是透過不限形式的美學行動，來引導出一條走向社會生產的路徑；美學創作轉由在地的文化回顧，透過訴說、聆聽與體驗等公共論述過程，讓地方意識藉由創作者的視覺物件與活動議題滲透於生活場域中，以更多元的住民論述，藉以達成公共想像的再生產，使「空間」轉化為「地方」，而地方更加值為行動者的「故鄉」，在故鄉意識能量的持續運作下，新社會的「能動力」於是得以被逐步培育成熟。
時代、生活與環境的流變－城南文學地景藝術行動
「城南文學地景藝術行動」是由一個主概念分成的兩個藝術行動計畫，分別獲得2016年文化部「藝術浸潤空間計畫」與「文化創意產業計畫」補助。是以台北城南文學為本，發展出特定場域的繪本故事、壁畫創作、裝置行動與VR數位整合。 希望以藝術性的方式，重新思考關於閱讀的失落與地方歷史的遺忘，在此時此刻的境況中，能夠做出什麼樣的改變與策略。 內容分做五大類別— 藝術教育、在地知識、環境閱讀、對話創作與數位整合。 本書特色 用文學書寫， 留下社區故事， 城南文學地景藝術行動。
有聲畫作無聲詩：陳庭詩的十個生命片段
臺灣現代藝術巨擘 陳庭詩 & 陳庭詩的雕塑與版畫，完美結合東方文化精髓與西方現代藝術精神，1999年法國出版的二十世紀藝術史鉅著（英譯本為Art of the 20th CENTURY），亞洲以藝術創作被收錄者只有陳庭詩一人，奠定了他在世界藝術史上的地位。 & 陳庭詩生命中所經歷的曲折，和他在藝術創作上不斷嘗試自我突破的姿態，在臺灣藝壇算得上是絕無僅有。除了傑出的藝術成就以外，陳庭詩與臺灣現代詩壇文友的深厚交誼，經常以詩畫交流創作，也為臺灣文學締造了當代藝術光芒。 & 無論做為一位藝術家，或是單純將他看作一個有故事的人，放在臺灣歷史的脈絡裡來看，他既有某幾個時代裡人物的典型特徵，又因為耳疾和官宦世家出身的背景，具備了和他同代人不一樣的質地。 & 本書簡介 & 本書以流暢的文字篇章，帶領讀者瀏覽藝術家的生命故事，從認識陳庭詩開始，窺見臺灣當代藝壇的一隅光景。 & 陳庭詩，1916年生，福建長樂人。1946年來臺，是臺灣現代藝壇前行輩的代表人物之一。作品包括木刻版畫、甘蔗板版畫、彩墨、布上壓克力、現成物雕塑、書法、水墨、古典詩詞，擅長以各種藝術形式展現孤寂而強韌的生命姿態。 & 曾參與「現代版畫會」、「五月畫會」、「五行雕塑小集」、「現代眼畫會」等藝術團體。1970年先後獲頒中華民國畫學會版畫金爵獎、韓國國際版畫雙年展首獎（又稱《東亞日報》大獎）。出任大獎評委的英、法、日、德四國藝評家，一致認為陳的作品沉凝洗鍊，有潛藏的力量，評為「穿破黑暗的光明」。 & 本書特色 & 有聲的詩，畫作無聲的畫， 讓畫中有詩，詩中見畫。 & 那是一個高度戒嚴，卻煥發著詩魂靈動的年代， 一個即使困頓壓抑，仍騷動著無限創意的人生。 & 本書引領讀者，重新認識臺灣藝術界和詩壇中， 那些看似溫厚，卻深具社會反省力，充滿思想韌度的文藝俠侶故事。 & 每一篇故事都包含藝術大師陳庭詩的全彩畫作和手稿，全書文如其畫，真摯動人，讓讀者彷若身歷其境，窺見藝術家的生命光景。
臺北、德里與舊金山的小人物．大夢想
一位google工程師，在三座城市遇見動容的生命 微暗幽光中，最珍貴的側顏 捷運上望著乘客發呆，公車裡偷瞄隔壁手機 在十字路口避開發傳單的手，穿越斑馬線時與路人匆匆對望 「歡迎光臨！」、「甜度冰塊？」短短句子、微小相遇，建構了每日生活。 這些與我們擦身而過的人，有著什麼樣的故事與夢想？ 透過鏡頭捕捉市井小民的生活與夢想 宛若《Humans of New York》的小人物故事 二○一四年，一位咖啡師的燦爛笑容讓索納莉踏上蒐集夢想的旅程。 來自印度的她，揹著相機穿梭在臺北、德里與舊金山的大街小巷，捕捉街角小民的豐沛情感與故事，展現三座大城市的多元性格與樣貌。 世界各地的小人物們，有著截然不同的人生，卻都在圓夢路途上，或許徬徨、掙扎與不安，但腳步從未停下！ 72 則人生故事，僧侶、裁縫、魔術師、服務生、家庭主婦、計程車司機…… 小人物的夢想，讓城市有了靈魂。 〈臺北篇〉 廟裡賣金紙的婆婆靜觀人生百態；家庭主婦燦爛笑容背後的辛酸；櫃檯後的女孩有著創業夢。 在臺灣，我們習以為常的風景中埋藏的動人故事。 〈德里篇〉 印度首都德里，古老與現代並存的繁雜都市。 描繪Henna的手繪師、拋亮寺廟金頂的技藝傳承者、廟宇中的沉靜僧侶……，他們對未來有著截然不同的想望。 〈舊金山篇〉 為一解移工的思鄉之苦，皮包店老闆娘轉行開網咖；網站工程師兼差當Uber司機，只因不想宅在家；喜歡扮家家酒的女孩成為動畫設計師。 種族文化多元的背景讓舊金山充滿豐富色彩，而科技業的進駐，也讓城市風貌逐漸改變。 本書特色 宛若《Humans of New York》的小人物故事
臺灣公共藝術學Ⅰ黑色.公共藝術論
打著「公共」口號卻不公共的公共藝術！ 原本應該是全民共享的藝文參與機會，因為缺乏公正性與客觀性，導致許多藝術家逐漸卻步，而流喪了原有公共性的本質。 學者專家是公共藝術推動執行上的助力？還是亂源？ 「法定公共藝術在臺灣發展上最大的問題關鍵，就在於法令授予學者專家極大的操控權力，使得原本應是公共性的引導者，卻成為另一種空間的霸權者。」 專業領域原是社會進步的動力，但在法令架構的層層禁錮中，卻促使公共藝術在不合情理，但卻完全合法之程序操作下，長期為少數人所掌控，反而成為臺灣公共藝術進化過程中的阻礙者；種種假公共的現象，更鮮明地道出臺灣公共藝術的層層隱憂！面對環境的再發展，「公共」或「美學」該如何尋求到最佳解答？ 本書作者親身在公共藝術創作者、個案之執行與徵選委員、縣市政府審議會委員等各種角色中，真實經驗了公共藝術相關工作的無奈與困境，更深入各環節，剖析各地個案操作與審議機制上的種種弊病，歷經十多年時間的觀察心得中，匯整出第一套講述臺灣公共藝術發展現象的完整記錄。
藝術.創造.時代：中國當代藝術家訪問錄
集結36位中國當代藝術家採訪實錄， 薈萃中國當代藝術發展之精華。 李山／余友涵／王懷慶／崔如琢／宋滌／趙准旺／艾軒／潘公凱／韓書力／王明明／王沂東／洪凌／毛旭輝／馬樹青／張培力／汪建偉／唐志岡／袁武／蘇新平／林天苗／丁乙／尹秀珍／王華祥／張大力／郭晉／張洹／張恩利／喻紅／何云昌／向京／邱志傑／尹朝陽／鄭國谷／何岸／劉韡／劉俐蘊 藝術創造與社會思潮往往互為因果，這點在中國近四十年的藝術史上尤為顯著。本書所收錄之36位中國當代藝術家，年齡橫跨不同世代，讓不同年齡、不同背景、不同創作形式及理念的藝術家，在這個平台進行一場場間接的對話。 全書以細膩的文字與攝影紀錄，刻劃當代藝術在中國的發展進程，藉由藝術家的個體創作意識，連結不同年代、不同地區的群體活動與發展狀態，呈現中國當代藝術四十餘年的豐富藝術網絡。透過採訪者與藝術家深入淺出的問答對談，自然呈現藝術家的創作理念，使讀者如親臨現場般了解藝術家的藝術思維，內容真實感性。
傳奇再續：行動藝術家林世寶的集夢人生
一名來自台灣鄉下的放牛班，師長眼中的不良少年， 成功翻身、揚名海外的成功故事！ 旅居美國的藝術家林世寶，藝術創作上長達30年的堅持。多次受邀回台灣展覽，並期待將自己的奮鬥歷程分享給台灣有夢等待實踐的年輕藝術家。 30年來林世寶的藝術創作涵蓋廣泛，包括繪畫、裝置藝術、行動藝術，並受企業界聘請為大型商場戶外空間創作鎮館的戶外雕塑。林世寶的作品最與眾不同的是，其裝置藝術作品的創作結合行動藝術，每件作品並非獨立完成，而是和數萬人心靈交流的過程，從仕紳豪貴、名人、到街頭流浪漢，甚至罪犯等，這些人物的心靈為他的創作注入了感人的生命力。對他而言，每一件行動藝術的過程比完成作品還要重要，他個人對藝術的詮釋是：花費一段青春歲月去證明一件事，去完成一個夢，作一個追夢的人。 本書續寫林世寶過去十年的故事，這一段故事很精采，卻沒有留下隻字片語，包括林世寶在商業掛帥和現實考驗下，如何堅持和變通，裝置與行動藝術的走向，他如何堅持以物易物來募資拍攝他的「集夢計畫」電影；另一方面，和作家劉馨蔓過去十年來類似的生命經驗中所激盪出的故事，以作家的筆寫藝術家的心靈，為生命帶出再一次感動，並以此鼓勵台灣日漸蓬勃的文創事業和工作者。
疼痛是一道我穿越了的牆
＊本書為行為藝術教母，瑪莉娜・阿布拉莫維奇的自傳。 ＊本書有「三個瑪莉娜」：戰士的、靈性的，還有狗屁一樣的瑪莉娜，這部自傳是她50年以來最赤裸、最疼痛的自我審視。 ＊斯巴達式軍人家庭長大，紀律比愛重要；意志力造就了她的藝術生涯，渴求愛影響了她的人生。 ＊昔日與同是藝術家的情人共同創作，又戲劇性地分手；在表演現場再度重逢彷彿宣告和解，然而最終還是要對薄公堂；六十歲時再次被另一個藝術家情人背叛，終於醒悟「藝術家應該避免愛上另一名藝術家」。 ＊她的《藝術家在現場》於2010年為紐約現代藝術博物館創下開館以來觀展人次的最高紀錄。她的「阿布拉莫維奇方法」如可讓她成就每次長延時的表演藝術、連Lady Gaga都成為她的學生？ ＊全球售出13種語文版本 ＊獲得2016年《書目雜誌》年度好書（Booklist Editors' Choice）、亞馬遜當月選書 ＊2014年瑪莉娜・阿布拉莫維奇被《時代雜誌》選為百大最具影響力人物 你以為你會從地球的邊緣墜落，結果你發現了新大陸。 「我必須把自己丟入這種狀況之中，給我自己帶來這麼大的情感傷痛，才能擺脫這一切，才能把他從我的生命中驅除。而我確實這麼做了⋯⋯在那一刻我不再喜歡他的氣味。而當我不再喜歡他的氣味以後，一切都結束了。」阿布拉莫維奇（Marina Abramović, 1946-）再度選擇以疼痛的方式去表達自己，只是這次不是明刀明槍的藝術表演，而是要離開她的情人，也是她藝術上的合作伙伴烏雷（Ulay）。這本自傳的心臟是一齣歌劇般的愛情故事，而他們的故事終於在中國長城畫下戲劇性的句點。 愛與痛一直佔據了阿布拉莫維奇生命的重要部分，父親離家出走，與別個女人另組家庭；她那當過解放軍、有嚴重潔癖的母親，從不曾親過或擁抱過她，以斯巴達方式進行管教與精神控制。當阿布拉莫維奇將躋身國際藝術家行列時，她還是得遵守每晚十點回家的宵禁。她才剛用刀割自己、用火燒自己，但這些都得在晚上十點前完成。 阿布拉莫維奇以身體作為媒介，進行各種觸目驚心的表演，挑戰了社會認知。「我體驗到了絕對的自由——我感到自己的身體毫無束縛、毫無限度；痛楚一點也不重要，什麼都不重要⋯⋯那一刻我知道我找到了自己的媒介。沒有任何繪畫、或是我能夠做出來的物件曾帶給我這樣的感受。」她繼承母親「穿牆」般的意志，超越身體與精神的極限，拋出生命議題邀請觀看者共同參與、思索。 選擇自殘的表演方式，不代表她無所畏懼，恰恰相反，但是「去做我感到害怕的事、去做我不懂的事、去沒有人到達過的領域。如果你用同樣的方式去做事，不斷地重複自己，什麼事情都不會發生。」阿布拉莫維奇的故事時而觸動人心、時而轟轟烈烈，帶有冷冷的幽默，道出了一段將自己推向恐懼、痛苦、筋疲力盡的極限，所成就的無人能敵的藝術事業；以及追求情感與靈性轉化、絕不妥協的危險旅程。本書就是一個傑出的表演，清晰有力地描述了一名超凡藝術家的傳奇人生。
原住民族藝術教育論：理論方法、工藝展示、圖像研究
原住民族藝術教育，是近年來深受重視的教育核心，著者以其藝術史博士背景，投入相當多的心力在第一線教學，並在學術上的研究與發表卓有成果。本書即為其成果的集結。 這本學術論文集，以原住民族與藝術教育做為主軸，共有三大面向：族群藝術課程設計與當代原住民藝術研究、原住民工藝展示與博物館課程、十八世紀西方旅遊札記中的原住民圖像與意象的研究。著者除了有理論上的探析，也有從實務面的操作來印證理論，並且透過課堂上與學生共同的實作，來達到藝術教育的目的。因此，本書實為理論、實作與實務上的多面向結合。 著者的主要研究，為藝術史與人類學交集的領域，本書價值實有助於拓展國內原住民藝術與文化研究的新視野，並且將理論實際應用於原住民族的藝術教育。
凝視的身影：37位台灣當代藝術家的生命歷程與藝術創作
凝視著他們，同時看到了那個未曾經歷的時代； 那些並未親自見證的人生，於敘述的過程，逐漸凝聚成延續的風景。 在交錯的身影中，彷彿看見了自己的表情。 本書共訪談了三十七位台灣中生代藝術家。 書寫出他們因創作而不平凡的人生，以及因際遇而淬煉出的透徹思維； 而他們獨特的生命史，拼湊出的是台灣半個世紀以來的文化風景與時代輪廓。 內容除了文字，同時搭配藝術家的照片——這些在採訪當中進行的跟拍攝影， 讓讀者得以親睹藝術品背後，屬於創作者的獨特身影與姿態。 在本書中，人物是鏡頭的關注所在，他們的生命際遇是主要的情節； 而過去經常被當成論述主題的藝術作品，於此換位成為描寫藝術家故事的背景， 透過如此編寫的角度，我們得以細膩的感受，並真切的理解， 藝術家內在的喜怒哀樂與悲欣交集。 ●「創作就是一種自我開發，這是不會終結的。」── 莊普 ●「你必須先承認自己的弱，才有變強的可能。」── 陳界仁 ●「創作是我的絕對之境，是我認定自己的方法。」── 薛保瑕 ●「藝術家沒有成名很苦，但成名後又是另一種苦。」── 于彭 ●「我喜歡河堤，河堤隔絕了河流和土地，有一種告別的感覺。」── 吳天章 ●「田野本身不是藝術，要靠藝術家想辦法才能變成藝術。」── 李俊賢 ●「有時候我覺得，不是我在創作藝術，而是藝術在帶著我跑。」── 涂維政 ●「其實藝術家碰到創作瓶頸，只要回頭看看自己就會有答案。」── 林鉅 ●「世界和人生其實都是舞台，每個人都有上台的機會，但也總有下台的時刻。」── 李小鏡 ●「有了藝術，我才發現到自己存在的真實─不是誰的影子，也不是誰的附屬品。」── 楊世芝 ●「我一直覺得人和動物都一樣，人類就是社會裡的動物，都會你爭我奪和爾虞我詐。」── 蘇旺伸 ●「現在我覺得我不需要一個偉大的男人，因為我覺得自己已經很有才華，不需要在男人身上找才華了。」── 賴純純 ●「從鏡頭觀察人，你幾乎可以看見皮膚底下跳動的頻率。就算是枕邊人，可能都沒有辦法觀察得這麼細緻。」── 全會華 ●「藝術是一個工具，它不能凌駕於我的生活。同樣做一件事，它可以是生活；但當我需要表達，它就成為藝術。」── 石晉華 ●「要判斷一個藝術家好不好，就要看他的工作室，因為從中可以發現他的氣度和人格。人的狀態和他的藝術是同一件事。」── 朱嘉樺
