王者．大器．黃銘哲(附DVD)
1948年，黃銘哲出生於宜蘭平原的農家，對耕作不感興趣的他，卻對廟宇中的民俗藝術充滿興趣，成為最初的藝術啟蒙。身為臺灣戰後第一代的藝術家，黃銘哲前期的創作歷程，從宜蘭來到了臺北，之後再遠赴英美，風格經歷了多次的演變，他以鄉土寫實主義繪畫為開端，之後轉換至象徵主義的畫風，更使他連續在「省展」中奪魁。 & 1980年代中期，黃銘哲放棄客觀的審美角度，轉向主觀的審美表達，開始了抽象藝術的創作。1991年起，他的視覺風格漸趨穩定，對人物主題的偏愛傾向，逐漸建立了在臺灣抽象繪畫的定位。此時，運用抽象表現主義的手法，表現內心的意識，尤其線條是其造形思維的重要思考。1996年，黃銘哲成立了立體作品工廠，隔年起暫停平面繪畫，全心投入立體創作，藝術生涯邁向另一段歷程。之前就曾嘗試使用現成物，加以彩繪拼裝，讓畫布中的形體立體化。而立體作品是由金屬材質打造而成，洗鍊的線條與飽滿的色彩，搭配離地的呈現方式，走向了完全視覺的表現。 & 1999年後，黃銘哲承接許多地標性公共藝術的製作，讓他必須走出自我的國度去和外界接觸，如此的歷練和轉變，驅使他創作出「面對現實」系列，從立體作品得來的經驗，回頭影響其繪畫創作。而後，他再度割捨所有的積累，獨身遠赴全然陌生的北京發展，在北京中國美術館的展出，受到了廣大的迴響與肯定。2010年，黃銘哲回到宜蘭定居，他逐漸從情緒波瀾中緩慢沉澱，投入精神意象的表達，十年磨一劍，迎來了藝術生涯的新一波高峰，創作出「生生不息」系列，是其思想與形式的深度契合。從入世到出世，黃銘哲不停追尋個人內心和外在世界相應的形式，如今純粹又嚴謹的抽象元素，宛如一種絕對的宇宙定律，構成了黃銘哲的造形系統，跨越了時空，飛越了紀元。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
中道．常新．謝棟樑(附DVD)
王清霜1922年出生於臺中州豐原郡。從小和機械接觸的經驗，萌生了對工藝喜愛的初心。1937年考上「私立臺中工藝專修學校」，畢業後前往日本東京美術學校進修，經山中公的介紹，進入河面冬山的「體漆工坊」，正式學習日本正統的漆工藝「蒔繪」。 & 1944年因戰事緊迫，王清霜被迫中斷學業，回到臺灣母校執教，又因戰局的影響，還未及教授專業，就要協助收拾關校。後來轉職到新竹漆器工廠，同樣面臨關廠的變局。到了1949年王清霜成立「美研漆器工藝社」，並獲得顏水龍的邀請，共同策辦「南投縣特產手工藝指導員講習會」，於是毅然決定加入。 & 1956年王清霜前往日本，以竹籐製品的設計為題進行考察。歷經八個月之後，帶回尿素胎的開創性技術，得以解決當時臺灣木胎漆器生產的困境。 & 除了工藝產業的貢獻，繪畫方面王清霜也堅持創作不歇，他運用留日期間習得的膠彩和雕塑為媒材，創作出具有臺灣在地風土情感的作品。因受到畫家李澤藩的鼓勵，多次參加省展並獲得獎項。1991年受邀參加「從傳統到創新――臺灣工藝展」，展出作品〈雄獅〉獲得很高評價，自此決定全心投入漆藝創作。 & 七十歲以後，漆藝創作成為王清霜的重心，作品〈登高遠眺〉、〈天人合一〉廣受矚目。〈辟邪〉更獲得明治神宮「漆之美展」特別獎。這樣的成就，必須歸功於最忙的時候，也從未停止過繪畫與漆作，始終維持以寫生與攝影，紀錄周邊環境的習慣。從綿密觀察的曇花之蘊、悠然的田園風光，到壯闊的玉山峰巒，傳達的正是臺灣風土中領受的獨特生命震動。 & 如今，百歲高齡的王清霜，家族漆藝的傳承已經第三代，可謂是臺灣不可多得的工藝家族。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
南方．彩度．簡嘉助(附DVD)
簡嘉助1938年出生在雲林縣的農村家庭，父母早逝，受兄長和養父的撫養長大，從小養成刻苦耐勞的個性，但很早即顯露出對藝術的天分。 & 在臺中師範求學的期間，簡嘉助有幸遇到林之助、張錫卿、呂佛庭等師長的指導，奠定他未來藝術生涯的基礎；1962年考進師大藝術系，在馬白水、李澤藩、李石樵、劉文煒等良師的薰陶與指導之下，成為傑出的臺灣水彩畫家。 & 臺灣亞熱帶氣候陽光明亮熾熱，濃郁的色彩以及從泥土中醞釀的情感，培育出鄉土的美術觀。簡嘉助熱愛純樸的臺灣農村，夾雜著都會景觀的景象，筆下的臺灣風光顏色彩度飽和，明暗反差強烈的調子，形成極為明快的畫面節奏及視覺效果。同時擅長人體畫和人物畫，在良好的素描基礎上，畫面色彩顯得比較厚重，尤其高彩度色域和暗渾的色彩相互對比，形成有韻律的色彩樂章。 & 簡嘉助的風景畫和人物畫，也受日本畫家的影響，在頗具差異性的臺灣風景之光與熱，和日本風景中的灰白色調，琢磨自己與日本洋畫家之間的藝術見解，建立了他個人的繪畫風格。 & 1967年回到母校臺中師範擔任助教，至2003年以教授身分屆齡退休，簡嘉助任教的時間長達三十六年，可謂桃李滿天下。1976年時，與畫友組成「具象畫會」，總共辦了十八屆畫展。而他在體育方面的表現也很傑出，尤其擅長羽球，這與他學體育的夫人陳淑婉不無關係，兩人婦唱夫隨，令人稱羨。 & 笑口常開，熱情幽默的簡嘉助，還喜愛收藏世界各地的民俗藝品，尤其鍾愛蘊含獨特文化的木製面具，這些他珍藏的異國文化藝品，不僅潛藏著每次旅行的回憶，也成為簡嘉助靜物畫的美好題材。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
蒔光．漆蘊．王清霜(附DVD)
王清霜1922年出生於臺中州豐原郡。從小和機械接觸的經驗，萌生了對工藝喜愛的初心。1937年考上「私立臺中工藝專修學校」，畢業後前往日本東京美術學校進修，經山中公的介紹，進入河面冬山的「體漆工坊」，正式學習日本正統的漆工藝「蒔繪」。 & 1944年因戰事緊迫，王清霜被迫中斷學業，回到臺灣母校執教，又因戰局的影響，還未及教授專業，就要協助收拾關校。後來轉職到新竹漆器工廠，同樣面臨關廠的變局。到了1949年王清霜成立「美研漆器工藝社」，並獲得顏水龍的邀請，共同策辦「南投縣特產手工藝指導員講習會」，於是毅然決定加入。 & 1956年王清霜前往日本，以竹籐製品的設計為題進行考察。歷經八個月之後，帶回尿素胎的開創性技術，得以解決當時臺灣木胎漆器生產的困境。 & 除了工藝產業的貢獻，繪畫方面王清霜也堅持創作不歇，他運用留日期間習得的膠彩和雕塑為媒材，創作出具有臺灣在地風土情感的作品。因受到畫家李澤藩的鼓勵，多次參加省展並獲得獎項。1991年受邀參加「從傳統到創新――臺灣工藝展」，展出作品〈雄獅〉獲得很高評價，自此決定全心投入漆藝創作。 & 七十歲以後，漆藝創作成為王清霜的重心，作品〈登高遠眺〉、〈天人合一〉廣受矚目。〈辟邪〉更獲得明治神宮「漆之美展」特別獎。這樣的成就，必須歸功於最忙的時候，也從未停止過繪畫與漆作，始終維持以寫生與攝影，紀錄周邊環境的習慣。從綿密觀察的曇花之蘊、悠然的田園風光，到壯闊的玉山峰巒，傳達的正是臺灣風土中領受的獨特生命震動。 & 如今，百歲高齡的王清霜，家族漆藝的傳承已經第三代，可謂是臺灣不可多得的工藝家族。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
民藝．躍動．林智信(附DVD)
林智信1936年出生於臺南歸仁鄉紅瓦厝聚落，祖父為當地知名道士，擅長糊紙厝及年畫等技藝，使他從小就沉浸在豐富的民間藝術氛圍中。田野與巷弄間的回憶，成為日後創作的靈感。& & 林智信畢業於臺南師範學校藝術師範科，在學期間向張麟書學習版畫，也積極投稿《豐年》雜誌，受到楊英風的啟迪，版畫作品充滿農村寫實主義的嚮往。之後擔任小學美術教職長達37年。當時教職人員生活清苦，只好兼職副業，開牛舍，飼鳥養鱉、種菇及鳳梨，嫻熟於農畜漁業。1973年獲得政府選派，前往日本、韓國考察美術教育，結識日本著名版畫家吹田文明並參觀美術館，眼界大開，回臺後毅然放棄副業，投身藝術創作。 & 他的「迎媽祖」連幅版畫，可謂版畫界的傳奇。從1975年開始構思，歷經20年之後，終在1995年大功告成。「迎媽祖」全長124公尺，突破版畫藝術的世界紀錄，以東方的多視點畫法，將藝術、風土、信仰熔於一爐，並在國內各地及世界多國巡迴展出，迴響熱烈，成為臺灣形象的代言人。 & 1989年五十四歲的林智信，萌生彩繪臺灣的想法，於是前往日本學習油畫，並造訪臺灣各地寫生。七十九歲時終於完成巨幅油畫「芬芳寶島」，北起基隆，南至鵝鑾鼻，102幅油畫拼接成臺灣西海岸人文變遷與山川風貌，為1950年代臺灣留下桃花源般的回憶。 & 林智信也勇於跨越媒材，學習交趾陶，從事青銅翻模，還創作泥塑和琉璃，藝術領域廣泛且卓然有成。晚年皈依佛教，成為佛光山佛陀紀念館駐館藝術家，以版畫「八相成道」描繪佛陀一生，流露晚年的虔誠心境。 & 林智信的創作力旺盛，大地是他創作的熱情來源，傳統生活建構起夢幻綺麗的記憶。其作品中樸實的農村景象以及躍動的生命力，已然成為臺灣精神的表徵。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 & &
清妍．鶴苑．陳永森(附DVD)
陳永森1913年出生於臺南市永樂街，幼時父母雙亡，促使他養成獨立剛強的性格。之後考入臺南私立長老教中學，受到留日返臺美術老師廖繼春的啟發，並跟隨膠彩畫家黃靜山學藝。1933年遠赴日本進修，考入日本美術學校日本畫科，先後師事日本畫名家兒玉希望等人。畢業之後，又考進東京美術學校油畫科就讀。 & 1945年與吳楓錦女士結婚，婚後生活穩定，陳永森展現更加旺盛的創作能量。戰後又於1949年，再度考入東京藝術大學附屬工藝技術講習所。在長達十多年的學習過程中，陳永森以半工半讀的方式，完成多元習藝之旅。 & 陳永森在日本期間，參與官展與在野展的競技比賽，表現優異，在一向排斥外國人的日本畫壇，憑藉個人的藝術成就，累積聲譽與名望，可以說是得來不易。陳永森於1953年、1955年，以作品〈山莊〉、〈鶴苑〉，先後獲得「日展」的白壽賞，兩度受到裕仁天皇親自接見與勉勵，並於1955年榮升為日展「無鑑查」畫家。然而在日本畫壇已達登峰造極的陳永森，並未因此而志得意滿，從1950年代至1970年代初期，持續尋找東、西方繪畫，創新與融合的最大可能性。 & 1970年代中晚期，轉向對東方「詩思情法」理念與精神的探索，藉由「詩情墨法」、「物我兩忘」等觀念的開展，在宗教、戲曲及風景等主題中，表現出內在的精神性，超越外在物質性的晚期風格。 & 陳永森所創造的特殊膠彩畫風，超越日本、臺灣、中國，以及西方的地域界線，不但給予日本的畫界，也刺激臺灣的畫壇，跳脫了地方的局限，尋求跨域性的創作語彙。陳永森一生的畫業成就，承擔起發揚民族文化、臺灣美術的重責，實有不可抹滅的影響力。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
翻轉．能量．鐘俊雄(附DVD)
鐘俊雄1939年出生於臺中市，自幼成績優異，原可進入臺大醫學院就讀，卻因堅持對文學、藝術的熱愛，轉學多校後，於輔仁大學英語系畢業。 & 1957年，他拜入「臺灣現代繪畫導師」李仲生門下，秉持著「世界觀、東方性、個人觀」的創作理念，發展結合素描與水墨韻味的超現實作品。1964年加入「東方畫會」和「現代版畫會」，為創作技法和觀念帶來深遠影響，日後更與摯友陳庭詩，於臺中成立「現代眼畫會」，成為中部極具影響力的現代藝術團體。其精闢博學的論述，也讓他成為現代藝壇重要的發言人。 & 鐘俊雄作為李仲生第二代弟子，比起前輩的傳統樸實，更有多元靈活的創意思維。1972年，鐘俊雄與林美凰女士結婚，婚後到丈人的木材工廠雕刻部任職經理，並開始接觸木雕創作。1982年起展開兒童畫教學，作品融入率真的童趣元素，形成新突破。隨後又受邀教導自閉症患者繪畫，長達二十五年，可說是臺灣藝術治療領域的先鋒者。1999年起，邀請模特兒前來工作室創作，共十年的水墨實驗，累積了超過千件私藏作品。此外，他的創作領域也跨足立體裝置，參與過多項公共藝術計畫，如臺中新市政中心的〈彩虹之夢〉、清水休息站「歷史之鋤」等裝置藝術。 & 鐘俊雄晚年涉入《金剛經》的研究，「應無所住而生其心」，是他後期創作的追求與體認。六十年來，作品歷經寫實到抽象，往往能見到如孩童般，灑脫不造作的筆觸，洋溢著臺式的普普風，鮮明而饒富童趣。 & 鐘俊雄一生充滿了話題性的傳奇，跨域繪畫、公共藝術、評論、教育等，提攜後輩與籌組畫會的統御能力，使他成為臺灣中部不可多得的藝術健將。令人遺憾的是，這位「藝術頑童」於2021年與世長辭，享年八十三歲，其精神卻永存於後輩的心中。 & 「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書 精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家 細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就 全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式 為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物 &
我在洪水中失去的一切：關於圖像、語言及符碼
「這是我的夢體——我用它在夢中行走。」 前衛音樂教母、多媒體實驗家、文化間諜、藝術情報員， 她是全方位的藝術天才，也是一部美國當代藝術的發展史。 蘿瑞・安德森 Laurie Anderson 親撰、收錄700張珍貴圖照， 回顧逾40年藝術生涯的重量圖文大作！ 特邀新媒體藝術家、蘿瑞・安德森創作夥伴黃心健專文推薦 這本書是穿越我漫長藝術家生命的一場旅行。 是關於我所失去的以及我所找到的事物。 小樹（StreetVoice 音樂頻道總監）、李明璁（社會學家、作家）、耿一偉（策展人）、馬世芳（廣播人）、張世倫（藝評家、作家）、陳德政（作家）、黃聖哲（台灣藝術與文化社會學學會理事長）、魏琬容（OISTAT國際劇場組織執行長）——跨域推薦 「我能看見未來，那是一個地方。」 身為當代最受尊祟、最具創意的多媒體藝術家之一，美國前衛音樂教母蘿瑞．安德森身兼音樂家、表演藝術家、作曲家、小說作家與電影導演等多重身分，在音樂和純藝術之間自在遊走，本書為安德森首度完整回顧其逾四十年的創作生涯，親自挑選並詳述最具代表性的個人作品。 早在二十一世紀高科技勃興多年之前，安德森就因為對新媒體深感興趣，成為使用科技創作出嶄新藝術形式的先驅者。但不論她使用何種媒介，對語言和說故事的探索才是安德森真正的擅長。安德森在近幾前開始重新瀏覽過去四十年來的作品檔案，其中包括大量的文件、筆記本和速寫本。在這個過程中，她有了新的發現，並以全新的眼光審視了許多作品，進而促使她提筆書寫，思索語言如何融入她的視覺作品，並對語言如何受到政治、科技、詩歌所影響，以及故事與歌曲的差異，提出引人深思的評論，也讓讀者透過藝術家本人的文字，對其作品進行更私密的解讀。同時間拍攝的長片《犬之心》（Heart of a Dog）省思生命、生死和周遭所愛之人事物，片中令人動容的旁白許多便收錄於本書中。 「看著文字、看見文字、閱讀文字、理解文字， 並把它們連結到思想與事物。 有些文字是由光、由記憶所打造出來——而當它們被大聲朗誦出來時——則是由聲音與空氣所構成。」 在這本具有里程碑意義的著作中，安德森匯集了她迄今為止最全面的藝術作品集，其中有一些文字與作品過去從未公開亦未曾出版。這本書涵蓋了素描、畫作、手稿、多媒體裝置、表演藝術和電影等各類型作品，內容豐富，貫穿了她開創性的40年藝術生涯，包括她和台灣新媒體藝術家黃心健合作、於2017年在美國麻州當代藝術博物館（Mass MoCA）所展出的虛擬實境（VR）作品《粉筆之房》（Chalkroom），其擴增版本《沙中房間》（La Camera Insabbiata）也曾於2017-2018年在台北市立美術館展出。 每一章都包括安德森本人撰寫的評論，通過藝術家自己的話提供對她作品的深入理解。八章中的每一章都包括安德森撰寫的發人深省的評論，她在其中探討了政治、技術、詩歌對語言的影響，以及故事和歌曲之間的區別。個人文章探討語言與圖像的關係，並提出關於美、時間、現實和記憶的問題，通過展示這些理論在她的作品中的表達方式來闡明這些理論。 「語言是關於失去，在某種程度上，字詞就是對東西和狀態的紀念物。」 正如她在序言中所述：「我是從畫家和雕塑家起步，這四十年來我曾創作過素描、音樂、繪畫、裝置藝術、影片、雕塑、電子設計、電腦軟體、歌劇與舞台劇等各種作品。這些作品的根源都是故事。它們才是真正的引擎。故事和字詞是我的最愛。這本書就是關於我要把故事和字詞放進作品裡時，曾經使用過的許多不同手段。 由於世界上並沒有故事博物館或者敘事藝術博物館，我有很多件視覺作品曾被當成純視覺藝術作品展出，卻忽略了這些作品實際上與字語有著密切的合作關係。這本書所寫的就是這種創作的發展過程，以及圖像與故事間的相互催化作用，還有我們用來呈現這個世界的多種符碼。」 「當下即是一切，所有曾經有過的一切，其餘不過只是狂夢囈語。」
游藝．逸遊：日本名畫家的世界 2
《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》從率先登場的土佐光吉及其源氏繪樣式的討論，入門大和繪自10世紀平安時代國風文化至16世紀下半葉桃山時代「破格之美」的發展，進而探討秉持粉本主義的狩野派在桃山時代至江戶時代寬永文化展現的過渡性格和轉折歷程。隨後焦點推移至以及時享樂、豪爽灑脫的庶民文化著稱的江戶時代，此時期的畫家擅長融會貫通各式新舊表現技巧，創作出帶有機智詼諧、奇思妙想的畫面。 進入明治時代後，伴隨各種「文明開化」的舉措，新式美術制度引進的西洋風氣席捲日本畫壇，繪畫範疇出現洋畫／日本畫之分；此時的繪畫作品，一方面成為庶民表現自身文化水準的擺設，另一方面因殖產興業政策致力於將日本傳統工藝推向國際市場，成為陶器、染織織品等工藝設計的參考圖騰，做為日本製品的象徵。經由高橋由一乃至青木繁等人的洋畫表現，可以察覺日本的文化意趣和美學意識與歐美繪畫技法及學理的融合；藉由柴田是真等藝術家的花鳥構圖，理解歐美人士對滿溢動植物生命力的華美畫面愛不釋手的原因；通過竹內栖鳳等人的日本畫形象，觀察受到西洋繪畫風尚刺激的日本畫逐漸掙脫江戶時代的模樣，在寫實的基調上注入古典、浪漫的情懷，並在官辦展覽的推波助瀾下百家齊鳴。 到了個人解放、民主主義、女性意識等思潮泛濫的大正時代以降，日本都市文化帶動現代消費社會的規模，各式刊物模糊純藝術與設計、工藝等實用美術的邊界。在調融異國情調的曖昧、飄渺、迷離氣氛裡，鏑木清方、上村松園等透過畫筆下群芳姿態內蘊的情感，剖白個人生命的感知和心聲；又或者像是川瀨巴水、奧村土牛等，在旅行中凝視日常，進而在畫面裡抒發哲思及眼界。 羅珮慈的書寫不僅止於知識的載體，她以彼時落筆的節令或個人經驗做為引子，筆下生命片段的來龍去脈，更能成為「逸遊」的指南，使讀者可以透過文字，踏尋這些已化作星辰的畫家影蹤，漫步於古今生命的浮光掠影交織而成的獨特日本藝文之旅。 本書分成1、2兩冊，四十二個畫家輪番上陣，按照出生先後順序排列，展現各自活躍的時代。這些日本藝術史上的名家傑作如何與作者當代的生活交集，也成為叩問歷史的一種對話方式。 本書特色 《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》彙集《藝術家》雜誌執行編輯羅珮慈於2018年10月號至2022年3月號「名家傑作」單元連載介紹的日本名畫家，作者從個人生活經驗出發，分享日本藝術史上的名家傑作與其的當代交集，進一步在踏尋畫家生命影蹤、分析作品內涵之際，傳達歷史做為一種有知有覺的生活方式的可能性，而各自精采的他們聚合拉出的時間軸，使人能夠掌握日本藝術流變的脈絡。 &
游藝．逸遊：日本名畫家的世界 1
《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》從率先登場的土佐光吉及其源氏繪樣式的討論，入門大和繪自10世紀平安時代國風文化至16世紀下半葉桃山時代「破格之美」的發展，進而探討秉持粉本主義的狩野派在桃山時代至江戶時代寬永文化展現的過渡性格和轉折歷程。隨後焦點推移至以及時享樂、豪爽灑脫的庶民文化著稱的江戶時代，此時期的畫家擅長融會貫通各式新舊表現技巧，創作出帶有機智詼諧、奇思妙想的畫面。 進入明治時代後，伴隨各種「文明開化」的舉措，新式美術制度引進的西洋風氣席捲日本畫壇，繪畫範疇出現洋畫／日本畫之分；此時的繪畫作品，一方面成為庶民表現自身文化水準的擺設，另一方面因殖產興業政策致力於將日本傳統工藝推向國際市場，成為陶器、染織織品等工藝設計的參考圖騰，做為日本製品的象徵。經由高橋由一乃至青木繁等人的洋畫表現，可以察覺日本的文化意趣和美學意識與歐美繪畫技法及學理的融合；藉由柴田是真等藝術家的花鳥構圖，理解歐美人士對滿溢動植物生命力的華美畫面愛不釋手的原因；通過竹內栖鳳等人的日本畫形象，觀察受到西洋繪畫風尚刺激的日本畫逐漸掙脫江戶時代的模樣，在寫實的基調上注入古典、浪漫的情懷，並在官辦展覽的推波助瀾下百家齊鳴。 到了個人解放、民主主義、女性意識等思潮泛濫的大正時代以降，日本都市文化帶動現代消費社會的規模，各式刊物模糊純藝術與設計、工藝等實用美術的邊界。在調融異國情調的曖昧、飄渺、迷離氣氛裡，鏑木清方、上村松園等透過畫筆下群芳姿態內蘊的情感，剖白個人生命的感知和心聲；又或者像是川瀨巴水、奧村土牛等，在旅行中凝視日常，進而在畫面裡抒發哲思及眼界。 羅珮慈的書寫不僅止於知識的載體，她以彼時落筆的節令或個人經驗做為引子，筆下生命片段的來龍去脈，更能成為「逸遊」的指南，使讀者可以透過文字，踏尋這些已化作星辰的畫家影蹤，漫步於古今生命的浮光掠影交織而成的獨特日本藝文之旅。 本書分成①、②兩冊，四十二個畫家輪番上陣，按照出生先後順序排列，展現各自活躍的時代。這些日本藝術史上的名家傑作如何與作者當代的生活交集，也成為叩問歷史的一種對話方式。 本書特色 《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》彙集《藝術家》雜誌執行編輯羅珮慈於2018年10月號至2022年3月號「名家傑作」單元連載介紹的日本名畫家，作者從個人生活經驗出發，分享日本藝術史上的名家傑作與其的當代交集，進一步在踏尋畫家生命影蹤、分析作品內涵之際，傳達歷史做為一種有知有覺的生活方式的可能性，而各自精采的他們聚合拉出的時間軸，使人能夠掌握日本藝術流變的脈絡。 &
台灣八○：跨領域靈光出現的時代
台灣八○年代的文化精神，奔流在每個人的血液裡 以各種拼裝式的自我啟蒙技術，一起想像台灣的「前衛」 & 從八○個關鍵詞出發，領略台灣狂飆八○年代風起雲湧的文化造型運動。 看創作者如何自我啟蒙，蓄積並傳遞新潮知識，以有限的資源，協力創造，不斷實驗，打造屬於台灣就地創生的美學靈光。 & 全書跨足思潮出版、視覺藝術、劇場、動態影像與文學五大領域： 18組關鍵詞群，用知識拼裝對世界的想像 80個特選關鍵詞，還原台灣文藝的生態環境 161張圖景照片，直擊前衛表達的作品現場 204位人名索引，追蹤跨域人獨步全書的足跡 364個基礎關鍵詞，打造台灣八○跨域的同心圓圖 & 本書是對於台灣八○年代感性意志的地誌學進行了初步描繪，示範性地標示出更多回溯到社會關係與歷史關聯性的節點，並嘗試凸顯出八○年代如何同時顯現出對於台灣整體發展和台灣特質匯集的重要性與不可取代性。而這個「前全球化」與「前資訊社會」並俱，並衍生出各種協作、實驗、融合和斷裂，以及激昂的個體能動性的不可取代性。 & 在台灣八○年代現當代藝術歷史、實踐與展演的特殊處境下，包含政治對於藝術文化的決定性影響、資源流動對於網絡的塑形、個體堅持的創造性工作，對於歷史變動的重要性、人與人的協作在未系統化狀態下展現的能動性、與後殖民狀態共生下衍生的潛殖倫理等等。 & 了解台灣八○年代文化狂潮的集錦之作！從跨領域關鍵詞池與關鍵詞群描述所添補之關鍵詞，區分人名、團隊、作品、展演計畫、事件、媒體，在364個關鍵詞的基礎上，進行書衣海報上的同心圓疊層圖繪製，並選取出交集度最高或具跨領域代表性之八○個關鍵詞，進行詞條書寫與研究開展。 & 由此，以人之間的協作和創新實驗，重新勾勒出台灣八○年代不同領域的樣貌，認識該時代社會與文化動力背後的「跨域人」。
藝術松No.3：關於Web3
《ARThon 藝術松 No.3: Web3》是以第三代網路（Web 3）為核心命題，延伸討論了各領域對於數位近未來 的想像與期待，一個分散式用戶和機器都皆能利用網絡、數據進行對等的互動協商，無需第三方中介的去中 心化數位世界；與此同時，本書也提出相反觀點，思考信任機制、加密技術與去中心化之政治意義。 & 《藝術松 ARThon》專刊自 2020 年創刊發行，探討「虛擬實境 VR」、「人工智慧 AI」，如今進入到第三期 所關注的「第三代網路 Web3」，透過不斷提取當代數位科技的關鍵字，精煉出美學理論與技術內涵兼具的 刊物，以期成為對相關領域關心者的知識養分，並體察到科技文化對於自身現實之間貼近且深刻的關係，擴 展出具啟發性的觀念與影響力。 & 《ARThon 藝術松 No.3: Web3》是以第三代網路（Web 3）為核心命題，延伸討論了各領域對於數位近未來 的想像與期待，一個分散式用戶和機器都皆能利用網絡、數據進行對等的互動協商，無需第三方中介的去中 心化數位世界；與此同時，本書也提出相反觀點，思考信任機制、加密技術與去中心化之政治意義。 & 希望能藉由本書的出版開展出「第三代網路」（Web3）之中尚未成形卻重要的對話空間，對於持續演變中 的數位脈動保持好奇與洞察，共同開發創見思維，深化數位美學視野。由衷感謝眾多專家朋友們的齊心參與， 不吝分享自身觀點與知識，提供豐富又獨特的研究觀察，共同累積台灣科技藝術前行的軌跡，反映出各個階 段的重要關懷，並樂見各方討論，形塑具有思辨性的「當代科技」、「人文」、「藝術」三方生態圈 & 得獎紀錄 & 獲國家文化藝術基金會2022年常態補助視覺藝術類出版項目補助。 &
澳門美術協會會員作品集2022
《澳門美術協會會員作品集 2022》展示182位澳門美術協會會員作品，作品種類多樣，題材豐富，中西兼備。水墨、書法及篆刻作品展現了中華傳統藝術氣韻，而水彩、油畫及素描等傳統西方美術作品及綜合媒材、雕塑和陶瓷作品，則呈現了當代多元藝術形式在澳門的融合發展，一覽本地藝術創作的新面貌。
漫畫的視覺文化景觀與空間生產
漫畫的視覺語言與符號是當代大眾文化的消費景觀之一，其空間的生產方式與文化景觀有互為依存的表徵與再現關係。 & 本書以「新文化地理學」的後現代文化轉向為觀點，藉由文獻理論分析以漫畫為主題的視覺文化景觀型態與空間生產方式，做為對大眾文化消費的理解媒介，這也是當代的文化消費縮影。透過比較東、西方主流漫畫在視覺空間的感知，探討不同文化所形成的視覺風格差異原因，最後提出視覺文化影響當代消費的反省作為結論。&& & 本書特色 & 以做為文化消費的漫畫為主題，藉由符號，系統性地分析其視覺文化景觀型態，與東、西方主流漫畫對空間的視覺感知差異與生產方式，為當代的視覺文化與文化消費提出了可資參考的研究途徑。& &
藝術史的一千零一夜【暢銷經典插畫版】
銷售萬冊，一本有美感、有感動的藝術史 STORY+ART+DESIGN 「那些年，我們沒上到的藝術史，都在這一本。」──美感細胞共同創辦人陳慕天 ●英國藝術說書人與水彩插畫家的完美結合● 穿越時空、身歷其境說故事 道出，4萬年藝術史的一千零一夜 一物一時代，從史前到當代，從亞洲、歐洲、中東到非洲的68件作品 小孩、大人都有感，親子共讀最佳讀本！ 以人性為軸，激發出「是誰或什麼賦予了藝術品價值？」的深刻思考。 這是一本相當有趣而出色，適合親子共讀的藝術史， 這趟行旅，不單是美感教育，更是人性的再教育。──親子共讀專家幸佳慧 這本藝術史，起始於四萬年前位於德國的一處洞穴內，結束於2014年北京的人行道上。跳脫藝術史角度，回到時代現場，一件作品反映一個時代，從史前走向文明，展開雄心壯志，引發革命，到用不同方式看待世界，用藝術故事娓娓道出人類四萬年歷史的一千零一夜。 書中沒有大量的風格分析，但有豐富的藝術家故事。為BBC製作藝術節目，英國知名藝術史學者麥可˙博德，比誰都知道故事的力量。這一篇篇既像是訴說著歷史長河，又描繪著藝術家創作心思，宛如一千零一夜，一個故事牽動著下一個故事…… ──傳說秦始皇製作真人大小兵馬俑的靈感是來自遙遠西域的旅者，這些人曾經看過一位家喻戶曉的希臘國王銅像，名叫亞歷山大大帝。即使秦始皇一心一意阻絕任何統治者再籌組一支地下軍團跟他對抗，因此下令將所有工匠與他們製作的兵馬俑一起陪葬。但他絕對不是相信雕像神祕力量的最後一位皇帝。 ──大約二千二百年前，當時秦始皇正帥領真實的大軍南征北討，在鄰國的土地上開闢出血跡斑斑的大道。遠在義大利的羅馬，也逐漸形成另一個帝國的中心。接下來的二百年裡，戰無不勝的羅馬軍團征服了歐洲廣大的幅員，還擴及北非和地中海東部的土地。羅馬已經變得比雅典、甚至任何希臘城邦都更加富裕，更遼闊，也更強大。 ──在伊本．巴瓦卜寫完最後一本可蘭經抄本不久，一位名叫范寬的中國畫家，浪跡在翠華山的山林間，尋找一條下山的路。 ──已經有很長一段時間，法國王室只顧著在宮廷中和貴族階級宴飲作樂，無視子民的生活困頓和挨餓。人民現在已經當家作主了，過去的日子裡，國王和貴族付錢給藝術家，僱用藝術家來為他們打理門面，讓他們看起來很強大，藝術家也只能聽命行事，那種日子也已經結束了。大衛想為革命服務，畫家必須說出真相！ ──誰說畫家就該手握畫筆，面對畫布或坐或站。帕洛克喜歡像美國納瓦荷原住民畫沙畫的方式，直接滴漏在畫布上。藝術家艾未未的作品在整個偌大的展場裡，鋪滿了葵花籽。它們其實不是真種子，卻是貨真價實的一億顆，用手工做出來的──每一顆，都是硬白瓷燒製、手工繪出的。全部葵花籽動用了一千六百名工匠，花了兩年半時間來完成，等於有四千年的時間在製作和繪畫這些種子，每顆種子都獨一無二。每粒小種子本身就是一件藝術品。 「歷史」一詞，聽起來像是一則完成的故事──彷彿過去發生了什麼事、它們究竟意謂著什麼，都已經白紙黑字寫得一清二楚了。但作者對藝術的感覺卻不是這樣，這是為什麼他想透過一系列故事來講藝術史的原因。用故事激發讀者的想像力，重回藝術現場。 有的藝術家在岩石和牆壁上作畫，有的畫在木板、帆布和紙上。他們用石塊、金屬、黏土、鐵絲，甚至麥片粥來做雕塑。他們耐心在灰泥上拼貼數千顆馬賽克顆粒，將彩色玻璃碎片或瓶蓋組合起來，撕碎報紙，拍照攝影。為什麼藝術家想要花費時間和力氣來做這些事？本書裡的每位藝術家，都會給你一個不一樣的答案。 他們的答案取決於他們生活的時代，以及居住在哪裡。歐洲冰河時期做雕刻和繪畫的人會怎麼回答這個問題？他們也許沒有「藝術」之類的字眼來形容自己的行為，但這並不礙事。這些早期人類已經能熟練製作一些在當時看起來必定具有魔力的東西。能夠將想法、夢想化成摸得到、看得見的物件和形象，變成生活裡的東西，向來就是一種魔法的展現。許多無法（或不容易）以語言表達的事情，藝術就成為我們的語言。只要有生命、有想像的所在，就有它綿延不絕的蹤跡。 得獎紀錄 ★2018年第75梯次「好書大家讀」優良讀物★ ★第41次中小學生讀物推介書單★ &
東西縱橫記藝：名畫真的很有事！：從最醜公爵夫人到維納斯，探索歐洲近代藝文軼事與眾生百態
名畫不只有事，更有戲！ 4大主題，收錄近90幅經典名作，涉及超過百位當事人 打破年代、畫派，21堂不會打瞌睡的美學素養課 無所不談的藝術文化故事，等待我們探索！ 想要親近藝術，除了翻閱資料與書籍、關注市場行情之外，還有更有趣的入門方式嗎？ 名畫鑑賞除了畫派、構圖、技法之外，還有什麼不能錯過的細節？ 其實重點在於解開作品背後的時空背景、每個物件的象徵意義，從此就能真正看懂名畫、親近藝術！ 本書摒棄一般的編年史模式，在古典藝術與現代藝術之間舒展跳躍，並選擇以主題串聯、延伸的方式，結合藝術、歷史、文化、時尚等多元領域，將這些千絲萬縷牽扯交錯的人與事，結合成輕鬆易讀的文字。 透過將藝術生活化、趣味化的方式，引起興趣，讓你克服對藝術史的恐懼，並且誘發主動親近的因子，使藝術真正走進生活，澆灌心中那株美的種子無畏萌芽，進而內化形成獨特的美感經驗。從此踏進美術館再也不怕走馬看花！ 誰說談美學只能談藝術史、藝術鑑賞？ 名畫裡的這些人其實都大有玄機！ 藉由各式藝術表現，我們看見穿梭在王室的愛恨情仇、政權交替的風起雲湧，以及市井小民的生活百態。每幅畫都藏著豐富的故事和文化涵義，等待我們探索！ ╠ Cover Story 《醜陋的公爵夫人》╣ 英國國家美術館展品中回頭率最高的作品，竟然是一幅醜到驚天地泣鬼神的公爵夫人肖像畫！？ 公爵夫人怪異模樣和講究服飾所表現出的對照荒謬效應，是畫家試圖諷刺老年人過度迷戀青春肉體的可笑，同時也顛覆了我們觀者的審美價值觀！ ◉ 除了回頭率最高的公爵夫人，英國國家美術館還有一幅美得過火的畫，甚至因此引來殺機！ ◉ 想到雷諾瓦就想到印象派？一張畫帶你看見風格轉變的瞬間（還有大畫家的風流史～） ◉ 肖像畫不只是達官顯貴凸顯身份地位的工具，一幅國王情婦的肖像畫更要用盡心機，連服裝衣料都有講究！ ◉ 一位甜點師竟然也能成為印象派的收藏大戶？小氣金主怎麼當，這裡有撇步～ 【本書特色】 ★MIT台灣製造，最親民、最有哏的藝術文化故事 ★結合歷史、文化與時尚等多元領域，藝術饗宴不設限 ★集結羅浮宮、奧賽美術館、英國國家美術館、大都會藝術博物館等珍貴館藏，一次大飽眼福 ★解開作品背後的時空背景、每個物件的象徵意義，從此真正看懂名畫、親近藝術！
品藝術＋：你為何而收藏？關於收藏的多重意涵
&收藏美好、收藏感動、收藏回憶 & 有一種收藏，是源於信任自己獨到的眼光——從作品的風格獨特性、創作理念、創作技術中，看見作品的潛力，或是預見創作者未來發展的可能性，就在作品尚未被大眾關注前，先買下它收藏，並相信在多年後它會受到廣大市場的青睞，成為炙手可熱的作品，提高價值。 & 另一種收藏的原因則是很純粹的，單純是被眼前的東西所吸引，覺得美、有趣、新穎、奇特，你獲得的是一份簡單的美好與感動。收藏者透過作品與創作者的所思所想產生共鳴，彼此連結，在心中與之對話。因為懂得欣賞，所以珍藏。收藏成為收藏者精神之寄託，因為一個物件往往能重現一段場景，帶人走進回憶中。 & 收藏，是智慧之眼、是共感之情、是記憶之鑰，是這世間無可替代的美妙。 & 發行人的話〉以真為開始，善為歷程，美為最終目的 撰文◎伍穗華 & 這是一本關於藝術、收藏、與生活品味的雜誌，因為不限只聊藝術，所以定位在藝術與美的相關項目上。我們希望為注重生活美感、對收藏有興趣、喜歡藝術的朋友們提供知識與觀點，也希望擴展讀者視野，發掘世上更多美好的事物。 & 邁入收藏之路，一般人常常跌跌撞撞，擔心買的東西不對，擔心買貴了，這些在在都會抵消收藏的樂趣。在此建議有意進入收藏領域的朋友，應擁有知識與正確的心態，才能做個快樂的收藏家。 & 而辦這本雜誌的初衷，就是希望透過收藏家們的經驗分享、藝術界的專家分析，以深入淺出的角度，協助社會大眾培養品味，也幫助有意收藏者少走冤枉路，讓收藏成為一個美好的嗜好，進而讓我們的社會更美好。 & 收藏是非常需要知識的積累，有知識才能知道收藏的價值與收藏的意義，且過程中也會帶來莫大的樂趣。但人生在世難免遇到挫折，收藏也是；如何用正確的心態面對，才能讓收藏這條路走得好，走得遠，這本雜誌希望能陪伴讀者，也幫讀者解惑。 & 如同我對於事業的抱負和理想，以真為開始，善為歷程，美為最終目的。從二十多年前創立侏羅紀，就從天然寶石切入，深入礦區，引進國際級的寶石鑑定技術，為品質把關。之後成立藏逸拍賣，也是謹慎重視拍品的真假，後來更投資創辦為藝術品建立數位履歷的藝信股份有限公司。這一切嘗試，都是與我追求真善美的初衷息息相關，也期待讀者在這本雜誌中看到真善美。 & 一本雜誌的產出需要多人群策群力，感謝雜誌中各界專家為我們撰文，感謝同樣注重生活美學的企業之支持，另外還要感謝良亦、官儀、睿禎提供觀點，讓雜誌內容更加貼近讀者。截稿在即，若有遺漏沒提及者，請多包涵。 &
臺灣美術全集37：林惺嶽
林惺嶽出生於臺中，畢業自臺灣省立師範大學藝術系，1975年赴西班牙畫遊，1982年起在國立臺北藝術大學美術學系任教，直至2004年退休。這位年過八十的畫家，除了長期進行繪畫創作，更致力於本土文化的紮根，他曾投入大量心血書寫臺灣美術史，並將研究視野擴及臺灣美術以外的範疇，歷年來發表過許多論述與專著，包括《臺灣美術風雲四十年》、《渡越驚濤駭浪的臺灣美術》、《中國油畫百年史》等，是一位兼具畫家、藝術史家及文化評論家之多重身分的藝壇大老。 林惺嶽超越半世紀的繪畫生涯中，早年以超現實風格聞名，1980年代始描繪臺灣風景，特別鍾情山脈、河流、海景、樹木、田野等題材。他以精練的具象描寫功力，豐厚的筆觸與色彩，創作出許多波瀾壯闊、氣勢萬千的巨幅油畫，宛如史詩般詠讚所生所長的臺灣土地。 本書特色 《臺灣美術全集37．林惺嶽》收錄林惺嶽藝術生涯各時期經典作品彩色圖版，每件作品皆附作者詳實的文字解說，帶領讀者了解藝術家歷來創作風格的演進與變化。透過張瓊慧老師執筆的研究專文，為讀者詳細剖析藝術家的生命及創作歷程；同時附錄百餘幅的生活寫真、速寫等參考圖版，使讀者能更貼近藝術家的真實樣貌。全書結合專文研究、圖片欣賞、視覺分析、生活化記事，是近年資料最齊全的林惺嶽個人專集。 &
詩律．形變．玄機：陳庭詩百秩晉十紀念展
陳庭詩生於1913年，來自福建書香望族，童年時爬樹摔落而失聰，生命的轉折卻為他開啟了廣袤的藝術天地。已故故宮研究員楚戈稱他為藝術上的「國寶」。 & 他立基於傳統的詩書畫印，又受徐悲鴻影響，汲取西畫的素描經驗；青年時身處戰亂變動，以「耳氏」為名創作寫實木刻版畫；光復來臺後與藝文好友成立了「現代版畫會」、「五月畫會」、「現代眼」，為臺灣現代藝術發展之先驅；1957年開始以甘蔗板進行版畫創作，多次代表臺灣受邀參與國際雙年展。在抽象表達時期，他以天地、日月星辰、生生不息循環等概念孕育獨特的風格。 & 1960年代末期，陳庭詩受到畢卡索現成物雕塑《公牛頭》的啟發，初期使用破銅、廢鐵、漂流木等拼湊作品，展開複合雕塑時期的探索。1981年遷居臺中太平後，和臺中藝術界友人的互動情誼與地緣關係，間接影響了他的創作風格，期間也不斷蒐羅各種媒材進行現成物雕塑，呈現旺盛的生命力，廣受國際藝術史學的肯定與讚賞，攀登創作的另一座高峰。他晚年醉心於雅石的收集，獨居陋室過著清寂生活，終生創作不輟，秉持著對藝術的熱愛執著和世界對話。 & 2002年，陳庭詩病逝於臺中太平。這位大師離世後，其生前指定之藝術界友人、社會賢達人士組成了董事、監事，2003年於臺中市太平區陳庭詩故居成立「陳庭詩紀念館」，2005年「財團法人陳庭詩現代藝術基金會」正式立案成立。 & 本書特色 & 為了迎接臺中市立美術館的成立，且適逢陳庭詩逝世20週年及110歲誕辰，臺中市立美術館籌備處於2022年10月舉辦「詩律．形變．玄機：陳庭詩百秩晉十紀念展」，展出類型包含藝術大師陳庭詩的鐵雕、版畫、壓克力、水墨、彩墨及書法等97件經典之作。本書收錄該展的策展專文、展出作品及年表。 & &
文化超開展：共振臺灣公共領域
「文化」會隨機表徵價值、突顯傾向，並容納各方論述所帶來的形塑或改變。本書以「公共領域」為定位，從最開放的議題範疇出發，凝聚「文化公共領域」的特質，並開啟嶄新的論述切點，不僅有作者們在專業領域的長期投注和敏銳觀察，也包含對文化政策的評論和建言。 & 全書分三大主題： & 第一、記憶文化： 國家人權博物館在轉型正義和人權教育的實踐經驗；以及金馬地區的政治軍事重地轉化為戰地文資及觀光據點的決策和公共討論過程，讓公共領域持續具有辯證力。此外，文化資產觀念的落實和知識化，主要途徑在編整進知識體系，才足以形成保存及應用的政策永續性。使讀者對公共領域不同方向的聚斂或延展，產生更大的想像。 & 第二、街市動能： 公共領域的形成離不開消費場域。當傳統市場面臨市區重心轉移、歷史街區在都市開發與文資保存間拉距，以及現代化及城市資本化的速度遠不及其他地區時，必須找出文化公共領域發展的先決條件和挑戰，進而啟動具有消費性質的文化公共領域概念，始能啟動這些區域與產業的質變。 & 第三、策略工具： 文化的可現性和象徵性在不同時代的運用，以及在鄰接各專職領域時如何建立可測量的選項，企業社會責任無疑的正在發揮影響力。而文化公共領域的多角化和專業化，必然會拉開文化精英和文化弱勢間的差距，「共融設計」將是解方，善用適合工具才能創造出平等的公共領域。 (※此書為「藝術管理與文化政策」系列書) &
一幅畫看世界：與31位藝術史上的大師目光交會的瞬間
《螢火蟲之墓》在法國連續上映20年創舉 《兒時的點點滴滴》《平成狸合戰》皆寫下日本驚人票房紀錄 引領日本動畫史半世紀蓬勃輝煌 吉卜力工作室共同創辦人、天才動畫導演 第一本關於藝術的私心與偏見 & 從打動無數人心的藝術巨匠眼中，看見世界的故事 & 「許多人以為繪畫像照片一樣， 是畫家擷取瞬間的成果。 其實繪畫真正要說的是， 一連串時間的流逝。」──高畑勳 & 本書為高畑勳在吉卜力動畫發行月刊《熱風》上所連載的觀畫筆記。自二○○三年起，他以一篇一畫作的形式，從東西方繪畫、雕塑洋洋灑灑談到二十世紀當代藝術與動畫藝術，他的文字如毫不設限的流水，引領讀者徜徉在視覺的愉悅之中。 ／從維梅爾的視點轉移到小津安二郎經典的正面鏡頭 ／發現野獸馬蒂斯與宗達、光琳人物花草一致的魅力動感 ／雷諾瓦與朝鮮風俗畫中令人眼睛一亮、解放庶民心靈的鞦韆女孩 被譽為天才動畫大師的他以「門外漢的視角」自詡，推薦讀者不妨「了解畫家的人生與思想並投射在作品上」。他漫談畫家的顛沛流離與生平軼事，同時透過名家間作品概念與創作手法的比較、引述藝術史家見解，解析名作傳世的祕密，並且延伸介紹同風格傑出之作及其流轉與收藏軌跡。 ◎第一個發現南宋傑作《猿圖》中畫的是日本獼猴的人，竟是生物學家昭和天皇？ ◎日本從浮世繪到動漫文化，多虧明治時代之前與中國畫保持地政學上的絕佳距離才得以獨具風格？ ◎塞尚的畫居然充斥所有優秀動畫師無法忍受的缺點？ ◎為什麼當代流行的修復與清洗名畫，比不過原作剝落風化後飽含的時光魔力與深度？ ◎波提切利畫中的人物看起來為何如此神似散發世紀末頹廢氣息的翡冷翠市民？ ◎哪一幅濕壁畫能在瞬間打破虔誠的信徒和無神論者之間的藩籬？ ◎梵谷真正的絕筆作品不是《麥田群鴉》，而是另一幅神祕風景？ ◎不只印象派！連音樂大師德布西都深受浮世繪在歐洲掀起的日本主義運動影響？ ◎令人目眩的伊斯蘭宮廷藝術能夠打破常人眼中對穆斯林社會的偏見？ ◎享譽國際的吉卜力和迪士尼動畫藝術又是如何推向全世界？ & 高畑勳多年來飛向海外參加影展之際，亦行腳各地親炙藝術真跡，駐足驚嘆低迴之餘，同時透過當地民情文化感受畫作意涵。而他也在書中推薦讀者，無論是親自前往看展，或是再次從圖錄與複製畫細細品味，都可以像他一樣從門外漢的視角、從一幅畫出發，以最純粹的心情沉浸在藝術之樂、畫外之音，找出屬於自己鑑賞藝術的方式。 「賞畫就像看電影，不妨先從個人角度欣賞喜愛的作品。看完電影後，觀眾會以自己的想法和情感為優先，隨心所欲發表觀影心得。因此不會對自身的品味失去信心，也不會對藝術作品敬而遠之。或許這種心態一不小心會錯過了不起的傑作，卻能持續有所收穫，喜歡繪畫一輩子。」──高畑勳 ◈ ◈ ◈ ────維梅爾《眺望台夫特》 有些畫和莫札特的音樂一樣，再怎麼喜歡或是偕友人一同欣賞，都提不起勁來討論。這種畫無法以言語說明感受，或是難以完整表達，唯一能做的是放任眼球與心靈沉浸在畫作帶來的喜悅之中。對我而言，維梅爾正屬於畫了好幾幅這類型作品的畫家。維梅爾的光絕對不是把我們帶往不同宇宙、來自他方的光線，而是我們世界中無法言喻獨一無二的存在。 & ────梵谷《老葡萄園與農婦》 畫中充滿梵谷初抵異鄉時的興奮難耐，葡萄樹與綠草在地面彎曲、扭轉又直立湧起。他忍不住將自己戲劇化的生命力填滿眼前的田園風景，卻無一絲一毫引人不安的瘋狂氣息。構圖穩定，理想的農村景致散發沉穩開朗的喜悅。唯一平塗的只有淡藍色的青空，淺紺、帶紫的深紺以及屋頂的淡紅色盡是氣勢萬分的線條。右方一名農婦手臂上掛著竹籃，葡萄架下兩隻雞正躲在樹蔭下啄蟲。梵谷之前的作品從未出現過這類線條與顏色。我認為相較於其他作品，梵谷的風格在這幅畫當中最是散發透明之美。 ────莫迪利亞尼《綁辮子的少女》 莫迪利亞尼的妻子珍妮等人的肖像都是沒有瞳孔的藍色雙眸，無神的眼睛教人印象過於深刻，以致於一提到莫迪利亞尼就會想起這些畫作。但其實他畫了瞳孔的作品絕非少數，當中也包括大膽盯著觀眾瞧的裸婦；然而，我從未見過像這名綁辮子的少女般完整呈現如此迫切的眼神。 ────保羅・克利《蛾之舞》 這幅畫的英文標題是「Dance of Moth」，原文其實是「Nachtfalter Tanz」，也就是「夜晚的鱗翅目之舞」。夜晚的鱗翅目，換句話說是夜晚的蝴蝶。蛾是夜晚的蝴蝶，令人聯想到夜晚的花蝴蝶——那些須傅粉施朱來討生活的女性。夜鷹在日文的另一個意思是夜晚拉客的私娼，指的也是同一群人。夜晚的鱗翅目拚了命想逃離眼前的處境……但是這幅畫暗示的應是人類之所以為人的條件，也就是更普世的主題。看不出是飛蛾的線描也呈現了克利獨特的幽默感。 &
美術解剖學：人體繪圖專科，只要了解「骨格」與「肌肉」就能進步！
一切人體繪畫的基礎原理 連達文西都精通的解剖學 所有肌理紋路、骨骼走向 靜態、動態 讓你的人物活靈活現 【你可能感興趣】 ★美術系、雕塑系、動畫系學生必看！讓你作品更精進的寶典！ ★正在苦惱為什麼人物結構不對的人！ ★即將製作動畫，或進入動畫產業的人！ ～基礎篇～ 學習美術解剖學描繪人物時的最大特色，就是在實際繪畫中不會直接畫出骨骼和肌肉，只會利用所謂的「體表」來表現。在解剖學中，將知識與觀察經驗，全都加在顯現體表的陰影描寫上，這是被稱之為「體表解剖」的領域。 穿著衣服的時候，就連身體的表面有時也只會露出從脖子到頭、前臂到手掌、膝蓋到腳掌的部分。 然而，無論角色做出何種動作，只要注意全身的骨骼，就能表現出正確的屈曲、伸展和轉動。 ▲人體的基礎知識與特徵 詳細介紹人體的體表名稱，以及接近體表的肌肉名稱與骨骼部位， 還有全身關節結構，和男女在身材胖瘦或年齡層不同時有什麼變化， 了解過整體之後，才更好進入細節。 ▲全身的肌肉與動作 了解體表顯現的肌肉附著在何處， 並且，肌肉在體表帶來怎樣的凹凸。 此外，也會解說描繪人體的動作時應該了解的關節動作。 ～實踐篇～ 在實踐篇將依據基礎篇，實際描繪動作。 從動作小的姿勢到動作大的姿勢，可以學會寫實描繪的訣竅。 附上骨頭和肌肉的插畫，也能確認人體的構造。 ▲描繪人體的各種動作 分為「動作小的姿勢」及「動作大的姿勢」兩部分， 動作小的姿勢羅列了約四十種日常常見姿勢， 同一個姿勢透過「體表素描」及「骨骼結構」與「肌肉結構」三種模式， 讓人更好透視原理。 而動作大的姿勢則精選十三種運動詳細解說， ～專欄～ 透過理解古典名畫的人體架構， 來達到學以致用的效果， 詳細解釋名作的人物動態、骨骼曲線、肌肉紋理， 以及超出「解剖學寫實主義」的「變形」。 ★《青銅時代》奧古斯特．羅丹 ——（1）根據解剖學的觀點重新構成骨骼 《青銅時代》奧古斯特．羅丹 ——（2）根據解剖學的觀點重現肌肉與體表 ★《泉》多米尼克．安格爾 ——在人體顯現的曲線 ★《大宮女》多米尼克．安格爾 ——人體的變形
如何欣賞藝術：認識藝術作品的入門通識課，教你看懂、能聊，財富自由還懂收藏！
金石堂強力推薦書 ! & ◎你喜歡莫內哪幅畫？多數人愛《睡蓮》，其實莫內不管畫什麼，都在畫光線。 ◎孟克畫肖像一點也不像？《吶喊》的重點不是像不像，而是真的在吶喊！ ◎一定要原創才是經典？模仿本身就是致敬，提香就是仿朋友畫裸女而出名。 ◎怎麼欣賞雕塑品？看羅丹的《沉思者》時別沉思，你得不停走動。 作者卡洛琳是美國獲獎畫家、藝術家， 作品曾被非裔美國人歷史和文化國家博物館永久收藏。 她引用超過150張的作品照片，百位以上大師簡介， 讓你在參觀世界各大博物館時，從單純的走馬看花、拍照打卡， 學會怎麼欣賞素描、雕塑、繪畫，再也不會因為看到裸女或男體而尷尬。 本書不是充滿年代背景的枯燥藝術史， 而是一堂讓逛美術館變得極為有趣的藝術欣賞入門通識課！ ◎美術館裡這麼多經典作品，我該怎麼欣賞？ && & ‧莫內畫的不是《睡蓮》，而是光線，這是印象派畫家必備的專長。 ‧梵谷的《向日葵》美在哪裡？他明明畫的是靜物，你卻可以感受到人味。 ‧米開朗基羅的《大衛》雕像什麼都沒穿，為何大家都說美不說尷尬？ 因為他利用大尺寸和景觀陪襯，目的就是要讓你感到敬畏。 ◎如何看門道？這些是具體標準： ‧肖像畫，一定要很像嗎？孟克和林布蘭都很會畫肖像， 但真正讓他們成名的作品都不是太像，而是畫中的同理心和人情味最動人。 ‧風景畫，主題是氣氛，地點不是關鍵。 有陽光、生活、大自然當背景，才能讓你身歷其境。 而那些看起來很美的風景，祕密在於使用了「三分法」。 ‧抽象畫，你沒看到的，才是重點：達文西說畫是詩，畢卡索認為是日記， 作者說，不要用眼睛看，而要感受畫中的韻律、動態、質感，就像在聽音樂！ ‧靜物畫，好看、好懂、好裝飾：除了是藝術收藏家首選， 也最適合學生練習（因為靜物畫從擺設物件就開始構圖）。 看看現代藝術之父塞尚的《蘋果》，和你家餐桌上的哪裡不一樣？ 藝術未來會往哪裡去？虛擬實境、3D列印、NFT…… 創作的工具會不斷被打破，不變的是學習欣賞與體驗的過程。 這本書，是你認識藝術的入門通識課， 也是日後參觀所有博物館、畫展、經典作品來臺展的必備書，隨身帶著吧！ 本書特色 認識藝術作品的入門通識課， 教你看懂、能聊，財富自由還懂收藏！ 名人推薦 藝術開開門．高素寬的藝術生活／高素寬 國立臺灣藝術大學視覺傳達設計學系所專任教授、國立臺灣大學藝術設計學程兼任教授／傅銘傳 藝評家、策展人／謝佩霓 藝術家／倪瑞宏 &
美學原理
《美學》是克羅齊的第一部著作，討論的不僅是普通的美學問題，尤其是美學在整個哲學當中的地位，審美活動與其他心靈活動的分別與關係。 & 在Croce看來，直覺即一種感性，而直覺也即是表現，所以，感性就是表現。而且，直覺即一種抒情的表現，也即是藝術。是以，Croce的「感性理論」就是他的「美學」。 & 就美學而言，Croce認為最關鍵的洞察在於，所有的心智活動，亦即整個實在,都以感性、直覺為基礎，它本身並沒有任何目的，是以也沒有概念和判斷；而直覺加上存在判斷，則是Croce所謂的知覺(perception)，然而知覺自身也是無知的(innocent)。可以說，「感性的首要性∕優位性」是Croce抱持的重要理念。 & 朱光潛先生完整地轉譯了Croce《作為表現科學和普通語言學的感性》的〈感性理論〉部分，且定名為「美學原理」，並輔以註腳。 & 依據Croce原著中的完整標題指引、朱光潛先生的翻譯及解釋，以及Croce美學所具有的跨越時代的意義，我們在閱讀《美學原理》時當關注以下課題： & (1) 直覺即感性活動 (2) 直覺即抒情的表現 (3) 直覺即藝術 (4) 創造與鑑賞統一的突現詮釋(emergent interpretation)——感性論 (5) 美即成功表現的突現詮釋——表現論 (6) 語言即藝術 這些內容，朱光潛先生都譯得很清楚，讀者可以自行研讀，並深探其底蘊。 ----------蕭振邦(導讀節錄) &
生之慾：蕭耀的藝術歷程
蕭耀（1956-2019）是戰後台灣藝術產業界的傳奇人物，也是台灣藝術博覽會歷史上的一個標竿人物，在他擔任中華民國藝術畫廊協會理事長的2007到2008的兩年間，為畫廊協會奠定了許多影響深遠的基礎。 & 而蕭耀擅長溝通、協調的專長，也成功說服行政主管單位文建會的大力支持，將藝博會的主辦單位提升為文建會的層次，更闢設了「MIT：台灣製造、新人特區」的展示專區，協助藝術新秀的出頭與被看見，讓畫廊協會的工作，也成為文化行政單位具體的政績。 & 在忙碌的藝術經紀、推廣，和畫廊博覽會繁複的行政工作中，血液中流著「成為一位藝術家」夢想的蕭耀，始終未曾或忘創作的宏願，從設計、攝影，到水彩、油彩、壓克力彩，乃至雕塑的創作，蕭耀爆發性的展現他對生命及藝術的狂熱欲力；也自2006年起，多次展示他的創作成果，驚艷藝壇，也打破了一般人以為「藝術經紀與藝術創作，無法兼及並存」的迷思。總結蕭耀一生的創作，除設計、攝影、文創、雕塑之外，在繪畫方面，至少可歸納為：（一）文字系列、（二）臉書系列、（三）情慾系列、（四）童話系列、（五）風景系列等幾個面向，都展現他突出鮮明的人風貌，與敢於創新突破的創作勇氣。 & 2019年12月8日，這位因藝術而生、為藝術而活的藝術愛好者，結束了他65歲的藝術人生。2022年，在他逝世三週年的時刻，他的夫人和女兒，為他籌劃出版生命的傳記《生之慾──蕭耀的藝術人生》，為這位充滿活力與熱誠的藝術家，留下永恆的註記。 & 本書特色 & 本書為藝術史學家蕭瓊瑞描寫蕭耀一生的藝術歷程與作品脈絡的探究。 &
《膽小別看畫》系列：1-4集套書組【隨書附贈2023年質感木座西洋名畫桌曆】
—— 日本各大美術館推薦選書 —— ——蟬聯AMAZON藝術類暢銷書排行榜—— 以推理解謎的心態欣賞繪畫，發現令人細思恐極的暗黑人性。 日本藝術史暢銷書作家中野京子說：「你們都沒看到名畫中的恐怖！」 每一幅經典名畫，都有一個令人背脊發涼的故事。 到底是什麼故事，讓畫家與畫作都不得安寧，隱隱散發著恐怖氣息？ 當你發現從未覺得可怕的畫作背後，竟隱藏著意想不到的幽微黑暗、血腥殘酷時，會產生震驚和「長知識了！」的興奮感。 《膽小別看畫：藝術很殘酷——解謎西洋名畫中的恐怖心機與人性弱點。那些藝術史上不說，你不知道的繪畫黑歷史》 本書共收錄22幅（16至20世紀）西方經典名畫，無論是竇加〈謝幕〉、傑利柯〈梅杜薩之筏〉 、哥雅〈農神吞噬其子〉……，每一幅都有著意想不到的恐怖、貪婪、痛苦、暴戾、不安、失去……危險情節，可說是一部西洋繪畫「黑歷史」。 作者以推理精神層層剝繭，解謎隱藏各幅名畫——畫家或畫作內容——的恐怖心機與人性弱點，將看似高高在上的經典繪畫進行了精彩絕倫的解讀，甫出版就一舉躍上日本藝術類暢銷書榜榜首，更名列各大美術與博物館的推薦選書。 ◎拉圖‧爾〈持方塊A的騙子〉——為何使人深深感受人性冷漠的可怕？ ◎霍加斯〈葛蘭姆家的孩子們〉——看似幸福和樂如何暗藏死亡的隱喻？ ◎霍爾班〈亨利八世像〉———如何讓人感受「伴君如伴虎」的恐懼壓迫？ ◎竇加〈謝幕〉——揭示一個蔑視職業女性的貪婪拜金時代？ ◎大衛〈瑪麗‧安東妮最後的肖像〉——畫風隱含著畫家讓人難以忽略的惡意？ ◎哥雅〈農神吞噬其子〉——深沉壓迫感彷彿可聽見畫中傳來的咆哮聲？ 《膽小別看畫Ⅱ：西洋名畫中恐怖又迷人的秘密故事與闇黑歷史》 本書收錄22幅15至20世紀的西方經典名畫，在賞畫的同時除了深深著迷於畫家高超細膩的繪畫技法之外，或許你也被畫作背後暗藏的人性黑暗面所吸引而不自知。 德拉羅什〈處決珍．葛蕾〉、米勒〈晚鐘〉、波提切利〈發現荷羅芬尼斯的遺體〉、畢卡索〈哭泣的女人〉……等精彩畫作，在日本知名藝術史作家中野京子筆下，被解讀成一篇篇精彩絕倫的短篇小說。 隱藏在畫家或畫作背後不為人知的神祕故事與人性醜陋面，還有那些意想不到的憎恨、殘酷、嫉妒、妄想等驚人情節，顛覆你對名畫的優雅想像。 ◎德拉羅什〈處決珍．葛蕾〉——宮鬥的幕後推手竟是自己的父親與公公？ ◎米勒〈晚鐘〉——女人腳下籃子可能是裝有嬰兒屍體的棺材？ ◎波提切利〈發現荷羅芬尼斯的屍體〉——是某位有青年戀屍癖的人所訂製的畫作？ ◎魯本斯〈帕里斯的裁判〉——女神的選美爭奪戰最後竟導致一個國家的滅亡？ ◎霍加斯〈在瘋人院〉——有錢人會特別付錢去瘋人院觀賞病人發作的樣子？ ◎勃克林〈死亡之島〉——充滿死亡意象的畫作居然是家中必備裝飾品？ & 《膽小別看畫Ⅲ：藏在傳世名畫裡令人細思恐極的故事》 對於歷史與藝術具有淵博學術的作者，在本書中巧妙融入藝術、歷史、歌劇等深具歐洲濃厚文化的知識，解構畫作背景。那些隱藏在畫家或畫作背後不為人知的複雜隱喻與醜陋心機，原來蘊含出乎意料的憎恨、殘酷、嫉妒、妄想等驚悚情節，全然顛覆你對名畫的優雅想像。 恐怖名畫基本上乍看之下毫無恐怖之處，然而作者從畫中尋找蛛絲馬跡，層層剝繭，以極富魅力的語言，揭開作品背後的深藏黑暗，這才是真正的恐怖。諸如賽根提尼〈惡母〉、魯本斯〈美杜莎的頭顱〉、德拉克洛瓦〈憤怒的美狄亞〉、哥雅〈一八〇八年五月三日〉……等精彩西洋名畫，都在獨特的闡釋之下，如同手術刀鋒利地切開歷史的血肉，寫實地令人不忍直視。當你了解畫布背後的真相，察覺人性之惡的存在時，便會由衷地感到後背發涼，細思恐極。 ◎賽根提尼〈惡母〉——譴責墮胎的女性。唯有餵孩子母乳才能被原諒？ ◎雷尼〈貝雅特里切‧桑西〉——殺死家暴父親的背後主使者，其實是教皇克雷芒八世？ ◎維拉斯蓋茲〈菲利普‧普洛斯佩羅王子肖像〉——衣服底下的束胸衣，是王子夭折的主因？ ◎富凱〈聖母子〉————情色感爆棚的聖母，居然是參考查理七世寵妃的形象而畫？ ◎哥雅〈一八〇八年五月三日〉——聖母瑪利亞也出現在大屠殺現場，見證平民的死亡？ ◎席勒〈死神與少女〉————渣男表示自己才是分手後最傷心欲絕的證明？ 《膽小別看畫IV：看穿人性陰暗與畫作背後的複雜心機》 當我們佇立在傳世名作面前時，也許會驚嘆於畫家高超的技巧、高雅的色調和畫中人傳神的表情。但畫家用盡畢生功力凝固在畫布上的，除了人物、光影、色彩，還會反映那個時代特有的文化思潮，甚至包含畫家複雜的隱喻和心機，充滿刻意隱藏的符號及暗語。 在早稻田大學攻讀德國文學和西方文化史的中野京子，是位以獨特視角解讀西方繪畫的非典型作家，她看藝術的眼光總是帶著歷史的淵博、文學的素養以及從人性中所洞察的幽微暗黑。這一次，《膽小別看畫IV》增加了之前未曾出現過的畫家──芙烈達、弗里德里希、布格羅、布朗、夏卡爾、吉羅代等人，甚至收入了非專業畫家的作品，例如連環殺人魔蓋西，因為作品在美術市場上受到歡迎，也被選進了書中。 作者在梳理名作史料後，揭開隱匿在這些畫中的細節與背景，帶我們進入恐怖又有魅力的藝術世界。 ◎米勒〈拾穗〉──充滿田園風格的畫作，原來是對資產階級發出控訴？ ◎提香〈教皇保羅三世和他的孫子們〉──提香未完成的畫作，也是他與教皇之間的一場博弈？ ◎布朗《先生，請照顧自己的兒子》──乍看是聖母的意象，其實是母親從子宮裡直接取出嬰兒，交給孩子的父親？ ◎哥雅〈沙丁魚的葬禮〉──西班牙的狂歡節，是人們將吃不到肉的憤怒化為滑稽可笑的活動？ ★ 隨書附贈：2023年自然質感木座西洋名畫桌曆 每月一幅經典名畫，包括〈奧菲莉亞〉、〈鞦韆〉、〈謝幕〉……等，每幅皆標明畫家、畫名，並簡單解析畫作理念。 桌歷有國曆、農曆、國定假日與連續假日之標示，可隨時確認日期，安排行程。 就讓充滿魅力的傳世名畫，陪你規劃美好的一年！ （自然紋理原木座，尺寸：長8cm X 寬2.4cm X高1.5公分） （西洋名畫月曆，尺寸：寬15公分X高10.5公分）
真實的動：社會流現劇場
在U型理論當中進入U型旅程的第二個階段共同感知（co-sensing) 時，奧圖博士會帶入一個新的方法，英文稱為 Social Presencing Theater ，過去在簡體中文版的 U型理論書籍裡被翻譯為「社會大劇院」。但因為這個方法論的主要創作者之一 Arawana Hayashi （中文名：雅若宛那.林）在去年將她過去15年在Social Presencing Theater 的發展脈絡，行動研究和實踐整理成這本書，根據書中詳細的論述，我們決定將其繁體中文正式稱為『社會流現劇場』。 社會流現劇場（Social Presencing Theater) 是由奧圖.夏默博士命名。社會（Social) 既是指社會身（Social body) ，即一群人在空間中的物理排列，又指社會場域（Social Field)，即人與人之間關係的品質。自然流現（Presencing) 是關於覺察以及對於環境更廣的感知。劇場（Theater) 是指我們所做出可見的選擇（我們所做的）以及從這些選擇中創造的關係（我們所感知的）。這些選擇取決於我們集體覺知的層次，或社會的自然流現。 社會流現劇場是一種新興的社會藝術形式，透過融合社會行動研究、劇場、靜觀練習、刻意的靜默，生成式對話以及開放空間，來上演媒體所關注的事件，連結與不同的社群與他們的變革故事。並且讓系統看見並感知自身！ 《真實的動—社會流現劇場》是一個探索社會藝術的起源、原則和實踐的旅程，由雅若宛那・林和自然流現研究院的同事所共同創造。這是本易於理解的書，邀請讀者投身於深度反思並支持以覺知為基底的個人和社會系統轉型的體現實踐。 「雅若宛那・林是一位大師。她發展了一種讓個人或集體都可以學習運用自己的身體去探索我們人類所創造以至於讓我們卡住的複雜社會結構，這是永遠無法用智力來理解的，她創造了一種奇妙的工具來引領這趟旅程。」—彼得・聖吉，MIT麻省理工學院系統意識中心 「雅若宛那以清晰且輕快的故事讓我們以一種嶄新的方式同在——她帶領我們共同探索如何超越語言的合作，並且更加的臨在與覺察我們周遭的世界，感知正在湧現的未來。」- 艾琳・費雪，艾琳費雪公司創辦人 &
中國藝術史綱
從原始部落到「華夏」再到「中國」，九百六十萬平方公里土地上，幾千年文明如長江黃河般汪洋恣肆，跌宕起伏，連綿不斷。當全世界另外一些古老文明已經橫遭斷絕或是不幸湮沒的時候，華夏文明依然煥發出它強大的生命力。藝術史是各民族的心靈史，是各民族形象化了的傳記。各民族藝術遺存，凝聚著民族精神生活的歷程，記錄著民族文明進化的軌跡。讓我們沿著這一軌跡作一巡禮，對中國的古代藝術現象進行梳理排比，對古代藝術家進行歸類評價，對古代藝術作品進行精神的分析和審美的解讀，對古代藝術發生發展的動因進行歷史語境的還原分析，對古代藝術的審美流變進行綜合的歸納與理論的提升。 全書凡二十八萬言，彩圖四百餘幅，力求簡明概括，不漏典型。作者行萬里讀萬卷，憑藉長期積累的田野調查與文獻功夫，將中華大地上史前至清末建築、雕塑、工藝美術、民間藝術與繪畫、書法、戲劇、音樂、舞蹈等各門類藝術還原到當時歷史語境之中進行梳理，歸納其審美衍變，揭示其生成衍變時代的、民族的、地域的變動因素，建構起自身區別於門類藝術史、美學史、文化史的藝術史論構架
表現主義先驅梵谷：〈星夜〉、〈麥田群鴉〉、〈向日葵〉以猙獰的垂死姿態，怒張著委靡凋零的花瓣，對抗這過度明亮的世界
明亮的色彩與炙熱的心，荷蘭後印象派大師 & 一生中只賣出一幅畫，生活全依靠弟弟接濟， 十年燃燒生命，血淚鑄就不朽名作！ & 「有些人的靈魂懷著火焰，卻沒有人藉此取暖，路人除了看見煙囪中冒出的一點煙之外渾然未覺，兀自前進，我們能做的只有讓火焰繼續在體內燃燒，然後等待……」──出自梵谷寫給弟弟西奧的信 & 身為傳教士，他的宗教熱誠反而招來教會反感；想做個戀人，卻又總是在求愛時碰壁。即使被戀人接納，也受到雙方家長的反對，他滿腔的愛無處可去，卻越來越炙熱，終於化為大火，將自己熊熊燃盡。 & ▎〈吃馬鈴薯的人〉（De Aardappeleters） & 陰暗、深綠的畫面色調中，油燈是唯一的光源，農夫一家人擠在狹小空間中，以憂愁嚴肅的表情分食著馬鈴薯，微微扭曲的肢體是費力支撐起生活的結果。 & 年輕時，梵谷曾懷著宗教熱誠走入礦區布道，礦工們艱苦、危險的生活觸動了梵谷的心靈，對中下階層的刻畫貫穿了他繪畫生涯中的大部分時光。也許因幾乎是自學成才，梵谷早期對人體結構的掌握並不夠精準，也可能，因為梵谷此時總是畫礦工、農夫、妓女，而這些人因為貧困與過度勞動的緣故，早已使得肌肉骨骼的生長變形。 & ▎〈唐吉老爹像〉（Portrait of Père Tanguy） & 老人從容和藹端坐畫面中央，身後數幅繪畫滿溢日本浮世繪風情，輕柔、粉嫩，豔麗的用色與從前的梵谷大不相同，他來到巴黎，發現人在創作的路上也需要同伴的友誼與刺激。 & 〈唐吉老爹像〉創作於梵谷受弟弟西奧邀請前往巴黎以後，唐吉老爹是當地深受藝術家喜愛的畫具店老闆。梵谷在巴黎結識了許多藝術家朋友，置身在當時正興起的印象派與新印象派潮流中，也因為愛上浮世繪的大膽設色，梵谷用色逐漸明豔，這樣的特徵便展現在他為唐吉老爹畫的肖像之中。 & ▎〈向日葵〉（Sunflowers） & 梵谷畫了一系列的向日葵，當中並非沒有飽滿盛開的輕盈花朵，但我們印象最深的卻總是另外幾張中焦黃、猙獰的垂死姿態，委靡、花瓣零落，卻充滿生命力地怒張著，對抗過度明亮的世界。 & 南法的陽光多麼刺眼。約從搬到亞爾左右開始，梵谷陷入對黃色的狂熱愛好之中，此後經常可以在他的作品中看見大片黃色，以及完美襯托黃色的深藍色。在巴黎時，好友高更向梵谷要了兩幅〈向日葵〉，他在亞爾再次描繪這個主題，也抱著能以此打動高更的念頭。 & ▎〈綁繃帶的自畫像〉（Self-Portrait with Bandaged Ear） & 邀請高更造訪亞爾並未迎來好結果，這對朋友並不適合「同居」，他們爭執不斷，甚至大打出手，梵谷在緊繃的氣氛中精神崩潰，第二天被警察送往醫院包紮割下的耳朵。 & 據說由於請不起模特兒的關係，梵谷的一生中畫了數量可觀的自畫像，其中最具故事張力的當數這張耳纏繃帶的梵谷。公認梵谷因為精神崩潰而自殘割耳，然而事件真相撲朔迷離，連梵谷本人都說自己記不清。街巷軼聞中梵谷這麼做是為了討妓女的歡心，又據說梵谷是爭執中被高更所傷。我們已難以得知事件詳情，卻能看出他的瘋狂，與他情感的熱烈。 & ▎〈麥田群鴉〉（Wheatfield with Crows） & 山雨欲來的陰翳天空看不出晨昏，一行烏鴉飛向天際，小路蜿蜒著，卻不通往任何地方，人們說這幅畫籠罩的不祥氣息，乃是在暗示著不久後即將到來的死亡。 & 梵谷在給弟弟的信中寫道：「我想用這幅畫來表達的，是極度的悲傷與極度的孤獨。」割耳事件之後，梵谷自願住進療養院中，後來又轉至西奧介紹的嘉舍醫生處看診，然而此時的梵谷生命已經進入尾聲，轉診後僅僅十週便舉槍自盡，〈麥田群鴉〉便是他在生命尾聲時創作的倒數幾幅畫。 & 本書特色 & 本書介紹藝術家梵谷的一生，包含其生平、重要作品以及與其他藝術家的交流。讀者能夠從梵谷出發，往前連結至林布蘭，往橫連結至塞尚、高更，從而更加詳細地了解那個藝術逐漸向現代轉變的年代。 &
物見：四十八位物件的閱讀者，與他們所見的世界
48位國際知名東亞藝術史與考古學者 &多位大師首次聯手撰述 一人一物 以親身經歷為讀者解讀 他們看見了甚麼？如何看見？ 解碼文物與藝術品中，蘊含的豐富語言與意義 當我們在博物館中看見文物，我們或許只看見它們最表面的模樣。 &換作是長年浸淫在文物、藝術品中的大師級研究者，他們怎麼看見？他們又從「物」中解讀出甚麼訊息？ &本書是一回史無前例的策畫。邀請48位國際上知名的東亞藝術史學者、考古學者，每人選擇一件物品，帶領我們進入這件物品的世界。 &48位學者，每一位都閱物無數。當只能選擇一件，他們如何選出最打動自己，最願意為之傾訴的文物？ 他們選擇的物，有書畫、織品、陶瓷器、石器、出土破片、青銅器、石刻、版畫、電影、相片、早期印刷品、甚至大型宮殿建築。 他們與物的關係，有個人獨到的學術見解，有令人顫抖的文物重現世間，有終身難忘的觀看經驗，人與物一期一會的相遇。 ◇牛津大學藝術史名譽教授柯律格，回憶起在文徵明《古柏圖》上看到的小墨點 ◇紐約大學美術史研究所講座教授喬迅，將紫禁城當作一件物來觀察 ◇美國芝加哥大學斯德本特殊貢獻教授巫鴻，從《洛神賦圖》看宋代人的眼光 ◇唐獎得主、牛津大學中國藝術與考古教授羅森，從青銅器看見北方畜牧民族對商代的影響 ◇國立臺灣大學藝術史研究所講座教授謝明良，看見一件北宋汝窯瓷器上的金繕修補痕跡 ◇東京大學東洋文化研究所教授板倉聖哲，參與了李公麟《五馬圖》再現世間的經過 ◇東京大學東洋文化研究所教授塚本麿充，在奈良的雪光中，看見適合觀賞宋畫的光線 ◇中研院史語所兼任研究員顏娟英，看見黃土水《甘露水》的佛教美術與現代美術密碼 ◇中研院史語所副研究員趙金勇，在下罟坑遺址遇見一名被歷史遺忘、但土地記得的火槍手 48位學者，不受限於傳統的分類框架，從一物出發，在個人深耕的研究關懷上，為我們暢言古今。從經典絕品到日常一物、從在地視角到世界觀點、從追索脈絡到置身歷史、從傳統收藏流傳到當代展示意識……，種種豐沛動人的物我情事，以48篇文章凝縮於此書中。 物件，與觀看物件的人，都處於變動的時空歷程之中。只要我們去觀看，物與人永遠都在建立新的關係。48位作者現身說法，以他們親身的經驗與學養，向我們展示，「觀看」中的創造性與深度，物與人之間那種種獨特又別具魅力的關係。 本書由青年設計師徐睿紳操刀設計，在概念上將乘載了48個物件的書籍本身，也當作第49個物件來設計。書本的裝幀，經歷有多道手工製作程序。 讀者所收到的成書保留了製作過程獨一無二的手工感，因此任一本可能從封面、封底、書背、書口，以至書腰，在外觀上都因手工製作而略有不同。
後印象派浪子高更：〈黃色的基督〉、〈經過海中〉、 〈布列塔尼的風景〉捨棄世俗與文明生活，逃向原始野性並充滿藝術和美的天堂
拋下世俗，追尋原始生活 流浪的異鄉人╳極具爭議的天才畫家 〈我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？〉 「我再也畫不出更好的，有同樣價值的畫了。」 若用一句話形容高更的藝術，那會是──「尋找心中的夢」。 身為與梵谷、塞尚並稱為後印象派三大巨匠，他追求的是帶著色彩和畫筆，遠離喧囂的人群，在藝術的天地中奮鬥，這幅畫是高更畢生創作的集大成者。 高更的藝術創作生涯充滿了冒險與傳奇。 藝術的獨特性展現在表現形式上，這種表現便是藝術家思想的呈現。 ▎〈布道後的幻象〉（Vision après le sermon） 藝術是一種抽象，人們是在面對自然而浮想聯翩時，從自然提取這種抽象的。 一群布列塔尼農婦在聽完布道之後，眼前出現了《聖經》中「雅各與天使摔跤」的幻象。西元一八八二年二月，高更踏上了阿旺橋的土地，高更及其追隨者們在阿旺橋的理念討論和繪畫實踐漸漸促成了 「綜合畫派」，他對主觀直覺和內心投射的強調，背景和對象中大量使用虛幻和神祕的元素，讓他披上了鮮明的 「象徵主義」特徵。 ▎〈畫向日葵的梵谷〉（Le Peintre de Tournesols） 兩顆巨星相撞──他是隨時可以爆發的火山，而我的內心也是翻騰的沸水。 高更在阿旺橋與他的追隨者們探討繪畫時，認識了梵谷，他們兩人都不追求空間的縱深感，在用色上也有某種程度上的相似之處，但當在藝術見解上出現糾紛，他們兩人便如同針尖對上了麥芒，互不妥協，在兩人的衝突中，甚至發生了「割耳事件」，自此兩人互無往來。 ▎〈死亡的幽靈在注視〉（Manao tupapau） 女孩俯臥在床上，勻稱健美的軀體長長地伸展著；她的臉向外側著，半露出一部分，表情驚恐，床腳邊，側坐著一個奇怪的人，形狀恐怖。 眼前的少女是如此純潔，如此天真，她眼神中的惶恐驚嚇卻又是多麼豐富！她彷彿看見了死者的靈魂，又好像是被靈魂所注視。這幅畫彷彿瞬間而永恆的電影鏡頭，兼具了劇本和音效：起伏的視平線和諧流淌，跳動的黃色和紫色以及微綠的閃光如同樂章中輕鬆的頓音。故事包含了黑夜與白晝，講述著活人靈魂與死人靈魂的銜接。 ▎〈你何時結婚〉（Quand te maries-tu） 高更彷彿一條涸澤之魚，在乾渴許久後被重新放歸大海，在大溪地的原始風情中盡情呼吸暢遊，屬於大溪地的他熱愛這裡原始淳樸的氣息。 西元一八九一年，經過近兩個月的航行，高更終於到達了天堂大溪地，旖旎的熱帶風光和純樸的生活讓高更在藝術上的靈感也迸發出來，在此地以當地女性為主題，繪製出了一系列名作。畫面背景以綠、黃和藍色構成，主角為分別穿上傳統服飾與西式服裝的大溪地當地女性。 ▎〈我們從何處來？我們是誰？我們往何處去？〉（D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?） 在臨終前，我已經把自己的全部精力都投入到這幅畫中了！ 整整一個月，高更一直處在難以形容的癲狂狀態之中，晝夜不停畫著這幅畫。人類一直在追尋關於自身的真相，卻永遠無法真正得到答案。高更，在經歷了一生的苦難和折磨，決心回歸天國時，再一次問出了這個振聾發聵的問題：「我們從何處來？ 我們是誰？我們往何處去？」 追尋對原始古樸生活的夢，高更的畫反映自己對這種生活的炙烈感情，而越來越多展現出明顯的象徵主義色彩，啟發了日後的「納比派」和「野獸派」。 本書特色 高更是一位在藝術領域獲得多方面成就的藝術家。他善於客觀的色調賦予主觀的感覺，用色彩明確傳達出畫家的感受。以色彩來表達在大溪地的體悟與內心的感受，不會僅憑視覺的刺激而流於膚淺。那些濃烈的色澤給人的印象並非拙劣的對比，而是舒適的協調。本書將詳細為讀者介紹印象派畫家高更的一生。 &
背向藝術：權力的新身分地位象徵
就在距離我們不遠的現代歷史當中，權力菁英從早先多以精緻昂貴的穿著打扮及配件，或者身處於高貴家具及裝飾的環境之中留下他／她們的身影，到後來明顯地轉變為以現代或當代藝術作品為背景來拍照，這種身分地位象徵的典範轉移是如何發生的？而藝術又是如何創造出它具有獨佔性的、無法被複製的，以及能與其他事物的意義嚴格區分開來的概念，並經由宣稱某種精神性的特質以及智識上的主權，以此成為一在權力場域裡佔有核心地位的角色，並且在歷史上幾乎是前所未有地於諸多層面上發揮其影響力？甚至是擴張延伸出如同品牌商品一般的價格與價值？ 這些由權力及其修辭、圖像與藝術相互纏繞出的文化樣貌，即在本書關於一個個大人物圖像的解析當中被細緻地剝開而逐漸明朗。 本書特色 本書主要是針對現代/當代藝術作為權力場域當中一種新的身分地位象徵所做的歷史演變與圖像意義的爬梳。 &
關於羅丹：熊秉明日記擇抄
這本環繞羅丹雕塑所投射出來的種種思考，文筆優美，思想精闢。 每一頁，都是熊秉明思想的雕塑。可以細水長流，逐頁慢讀，也可盍興乎來，隨意翻檢。享受他豐沛的文采與藝術的洞見！ 他既是思想的、藝術的、人文的，更是文學的、情感的。 雖然，日記書寫於二十六至三十歲間，是熊秉明的青春冊頁；然而，今日再看，依舊新意盎然，是一本穿越時空，屬於所有人的哲學散記。 & 《關於羅丹—熊秉明日記擇抄》這本新書，是熊秉明在雄獅圖書出版近40年經典好書《關於羅丹—日記擇抄》（1983）的新編版。熊秉明（1922-2002），這一位集哲學、文學、雕塑、繪畫、書法修養於一身的藝術家與教育家，2002年過世。2022年是熊秉明的百歲誕辰，雄獅圖書藉以新編此書，來紀念這一位卓越的智者。 & 1982年，熊秉明開始於《雄獅美術》月刊連載〈關於羅丹——日記擇抄〉。這是他將自己四、五十年代在法國學習雕刻的記錄，有關羅丹的部份擇抄出來，主要是以法國雕塑巨匠羅丹為中心，但也含蓋省思東西方的美學、哲思、神學等範疇，例如他說： & 「中國人很容易嘲笑西方人的宗教信仰，嘲笑他們給神賦予了人的形象，嘲笑他們的天使長著鳥翅，神長著大鬍子，其實應該說，西方人把人提昇到神的神聖層次去，正像我們給雲烟、林泉賦予崇高神秘的意義。」（〈艾瑪神父〉P43） & 就這一段話，他點出了西方肖像畫與中國山水畫的核心要義。西方肖像畫（或塑像）主要在於呈現人的神聖面容──「存在意志」的倔強：尊嚴、肅穆、光明、廣大，超越生死的永在與神性的面容。而中國山水畫旨在表現胸中之丘壑，追求的是理想的、反樸歸真的境界。 & 在本書中，他甚至也以原始哲學與神話，來觀看古今中外的雕塑藝術，在探究「生死」之「天問」上，有何精湛的呈現。他在〈梁代墓獸〉一文說： & 「梁代的獅具有一個沉重龐然的形體，長著短短的硬翅，四爪穩立在地，張開大口向天，挺圓了胸，勾卷了尾，凌然、巍然，渾淪浩瀚，變成一個迷離的玄學的符號。……此非獅子的金獅子立在古帝王的墓側，在生與死的邊界上，在茫茫的曠原上，欲明死生的究竟，流露神存神滅的困惑。這超獅子的獅子吼使山川震搖，日星欲墜，使一千五百年之後的我們歡喜、愀愴、憔悴、戰慄。在中國雕刻史上，這『天問』式的狂歌實在是奇異的一幟。這裏不溫柔敦厚，不虛寂澹泊，沒有低眉的大慈大悲，也沒有恐嚇信男善女的怒目，這透徹的叫喊是一種抗議，頑強而不安，健康而悲切，是原始的哲學與神話。」 & 熊秉明在1983年，榮獲法國教育部頒發學院棕櫚騎士勳章，可見他在法國教學領域的卓著貢獻。身為一位教育家的他，非常重視啟蒙年輕人的思想。他在序中說:「書中的一些想法和經驗，可能對於現在年輕的藝術朋友有一點用處，就算這用處是極微吧！也或許他們會覺得過時了，可笑了！」 & 這是熊秉明謙虛之詞，這本書不會過時，即使出版近四十年，其引人認識藝術真理與生命存在之本質的經典之言，是超越時空、歷久彌新的，永恆迴蕩於每位讀者的心海中。 &
膽小別看畫IV：看穿人性陰暗與畫作背後的複雜心機
欣賞一幅畫也需要勇氣？ 屬於中野京子風格的「恐怖解讀」， 層層剝繭，揭開畫作背後的絕望真相與人性弱點。 & 「完全不借助任何理論知識，心無旁騖地浸潤於繪畫之美也是一種鑒賞方式。但這本書並不是針對可以這樣做的觀賞者，而是寫給那些覺得美術館非常無聊的人士，在他們耳邊輕輕告訴他們，從另外的角度來看這些畫也是別有趣味的。」──中野京子 & 當我們佇立在傳世名作面前時，也許會驚嘆於畫家高超的技巧、高雅的色調和畫中人傳神的表情。但畫家用盡畢生功力凝固在畫布上的，除了人物、光影、色彩，還會反應那個時代特有的文化思潮，甚至包含畫家復雜的隱喻和心機，充滿刻意隱藏的符號及暗語。 & && 在早稻田大學攻讀德國文學和西方文化史的中野京子，是位以獨特視角解讀西方繪畫的非典型作家，她看藝術的眼光總是帶着歷史的淵博、文學的素養以及從人性中所洞察的幽微暗黑。這一次，《膽小別看畫IV》增加了之前未曾出現過的畫家──芙烈達、弗里德里希、布格羅、布朗、夏卡爾、吉羅代等人，甚至收入了非專業畫家的作品，例如連環殺人魔蓋西，因為作品在美術市場上受到歡迎，也被選進了書中。 & && 作者在梳理名作史料後，揭開隱匿在這些畫中的細節與背景，帶我們進入恐怖又有魅力的藝術世界。 & & & ◎米勒〈拾穗〉──充滿田園風格的畫作，原來是對資產階級發出控訴？ ◎提香〈教皇保羅三世和他的孫子們〉──提香未完成的畫作，也是他與教皇之間的一場博弈？ ◎布朗《先生，請照顧自己的兒子》──乍看是聖母的意象，其實是母親從子宮裡直接取出嬰兒，交給孩子的父親？ ◎哥雅〈沙丁魚的葬禮〉──西班牙的狂歡節，是人們將吃不到肉的憤怒化為滑稽可笑的活動？ & 本書特色 & ‧日本各大美術與博物館推薦選書，蟬聯AMAZON藝術類暢銷書排行榜。 ‧深度解密20幅西方繪畫，揭露畫作背後的陰謀、死亡、血腥、掙扎、鬥爭……殘酷事蹟。 &
世界是什麼顏色？橫跨千萬年的人類色彩文化史
結合藝術、文化、歷史、科學的感官鉅作 以七種色彩、七十餘幅插圖，訴說人類觀看世界、創造文明的迷人故事 ――――――――― 從陰翳之禮讚、血液之腥紅、帝王之明黃、白人之重擔、綠色之希望，到地球的無邊湛藍 我們認識的世界因為色彩而存在 顏色的歷史，就是人類的歷史 & 我們活在一個充滿色彩的世界裡，我們的視覺受體和大腦能分辨數百萬種色調，但每個人感知到的顏色都是獨一無二。色彩影響我們的情緒及生理反應，但我們也賦予色彩意義，甚至自己製造色彩。 千萬年來，人類用色彩來表達希望、崇敬、恐懼、愛與美，創建出形形色色的文明。 在本書中，藝術史家詹姆斯．福克斯以全新方式探索色彩在文化史上的重要里程碑。暗處的黑色，讓我們想起最深刻的恐懼；血一般帶著光澤的紅色，讓我們看到自身生命與身體的映影； 在炫目的黃色陽光中，我們瞥見了至尊至大的諸神；天空與海洋的蔚藍，讓我們想像地平線另一端的世界。我們把潔淨的白色奉為純淨的典範；把合成的紫色尊為科技進步的燈塔；自然界的綠色象徵天堂與新生，也體現了我們所面臨的環境危機。 在這趟色彩版的感官之旅中，讀者將跨越從遠古時代到人類世、從地球深處到宇宙，在視覺饗宴中遨遊人類獨一無二的色彩文明： ◆為何史前人類不約而同用紅色描繪自己？為何只有華人用紅色標示上漲的股票？ ◆黑色何以從邪惡與死亡，搖身變為時尚的代表色？ ◆為何各個文明花了最久的時間才發現藍色？ ◆在亞洲與歐洲，黃色與白色各自背負著什麼樣的政治意涵？又是如何表現在藝術之中？ ◆紫色為何象徵著科技對自然的征服？甚至掀起所謂的「紫色狂熱」？ ◆最能代表「人類世」的顏色，是哪一種顏色？ 透過美妙入勝的文字和70餘幅精美插圖，這部色彩之書訴說人類在宇宙中的故事，讓讀者了解色彩是繼語言之後，世界上最偉大的文化承載媒介。 &
臺灣美術全集43：侯翠杏
侯翠杏1949年出生於臺灣嘉義市，她是企業家、慈善家侯政廷（1924-1990）的長女。從小學習音樂、舞蹈，並表現出對造形與色彩的興趣，在圖畫上顯露才華與天分。1968年進入文化大學就讀時，開始創作。進入臺灣前輩畫家李石樵先生的畫室習素描、隨呂基正先生習水彩，並參加青雲畫會，成為該畫會最年輕會員。她跟著會員團體四處寫生，在大自然懷抱中享受繪畫的歡樂，也為繪畫打下根基。 & 她在藝壇上發揮了一道精彩的虹光，其情真意切、感人心肺的佳作，正如老子所提出的「道」理一般：「天長地久。天地所以能長且久者，以其自生，故能長生。是以聖人後其身而身先，外其身而身存。非以其無私耶？故能成其私。」（老子．七章） & 侯翠杏的藝術美學觀，當如是言，即是不言而言、不道而道的心境。更具體地說，侯翠杏的藝術創作過程，雖然以視覺藝術舖陳她的美學理念，但她的心靈所涉及的思維或寄寓，包括了「八大藝術」的形質。在微觀中，或許更可明白她在半世紀來的修為與表現。也是一項悟「道」的過程。 & 有了這項啟發，侯翠杏的藝術表現與創作，詮釋了多元性的美學主張，或可融合在文學上、美學上與社會意識的寄情，更能發現時代、環境給予她的創作養份，不全是後天的學養、也來自先天的情智舖陳。她並不排斥傳承的經驗，卻也不是攝影式的印染，而有更為斑燦的形質表達。在畫面上的構造、形式與彩光，儘管是一粒礦石（或寶石）的遺落或鑲嵌，也正是她美學的亮度。 & 有人說：她的繪畫有諸多不言的密碼，讓觀賞陷入一種迷茫的詩境，卻也可以了解她生命力的夢境、似真似幻中的真實，也是她美學中所追索的「道」理：「綿綿若存，用之不勤。」（老子．六章） & 《臺灣美術全集43．侯翠杏》收錄侯翠杏藝術生涯各時期經典作品彩色圖版，每件作品皆附作者詳實的文字解說，帶領讀者了解藝術家歷來創作風格的演進與變化；並透過黃光男老師執筆的研究專文，為讀者詳細剖析藝術家的生命及創作歷程。同時附錄百餘幅的生活寫真、速寫等參考圖版，使讀者能更貼近藝術家的真實樣貌。全書結合專文研究、圖片欣賞、視覺分析、生活化記事，是近年資料最齊全的侯翠杏個人專集。 & 本書特色 & 畫家侯翠杏個人專集。 &
十八世紀後半葉英國美學研究：美學流變×學者論戰×全面解析，從美的定義範圍到美的文化建構，研究近代美學發展必讀之作
影響近代西方藝術的十八世紀英國美學 × 藝術、哲學、心理學……各家精華一把抓 「美的」不一定是「美麗的」？「美學」不等於「美」？ 關於日常生活中常說的「美」，竟然各有各的說法！ 到底我們常說的「美」是怎麼一回事？ 自沙夫茨伯里（Shaftesbury）正式將美學問題納入哲學領域以來，經過一系列重要美學家的一路開拓和發展，18世紀的英國形成了一套獨具特色的美學。 總體來看，18世紀英國美學主要是一種審美心理學，也就是以審美主體的心靈活動作為研究對象。 從這方面來看，英國美學真正確立了美學的主體性原則。 【英國美學一開始其實很「落伍」？】 17世紀的英國社會對藝術並不重視，甚至那個時代的英國人對藝術也不感興趣，而是傾向於從事能帶來實際利益的職業。 即使在18世紀，有很長一段時間，英國都缺乏與歐洲大陸抗衡的著名藝術家，人們所能欣賞到的幾乎都是來自法國、義大利的繪畫、音樂和戲劇。 也因此，我們有必要討論英國美學為何突然崛起，又如何影響近代西方美學的發展。 【「美」的核心在於「趣味」？】 布萊爾：趣味是人先天辨別美醜的能力，幼兒會被規則的形式、圖畫和雕塑所吸引，粗鄙的農民也能從民謠故事、天地萬象中得到樂趣。 艾利遜：趣味被看作人類獨有的一種能力，憑藉這種能力，我們察覺並欣賞自然或藝術中美的或崇高的東西。 艾迪生：好的趣味能夠分辨哪些作品是優秀或平庸的，美的作品自然會帶給人快樂，而低劣的作品則讓人不快。 【古希臘時代的「演講」是什麼樣子？】 古希臘諸城邦，先有暴君獨裁，而後被民主政府驅趕；然而民眾受自由精神的激勵，積極參與政治，相互競爭。如果不用武力，便要用語言來決出勝負，這就是雄辯之所以興盛的原因。 古羅馬人的雄辯藝術學自古希臘，但他們無論在活力上還是敏銳程度上都比不上古希臘人。古希臘人的雄辯藝術大多源自天才，而古羅馬則來自規範和技巧。這是因為在共和國時期，公共演說便成為古羅馬人獲取權力和名聲的工具，稱不上是真正的「雄辯」。 本書特色 本書探討18世紀後半葉英國美學的起源與發展。透過各個名家、不同流派對「美」的討論，不只能深刻理解近代西方美學的沿革與影響，更能從中理解到各式各樣的美感經驗，以及它們在日常生活中的應用。 &
如果島嶼會作夢
《如果島嶼會作夢》結合近代創傷研究中對夢的觀察解析及馬祖當地的祈夢傳統，大膽提出假說：藝術家是否能扮演代夢者，採集失落的夢境同時，也召喚關於未來的想像？本計畫以當代視覺藝術、聲音採集、舞踏表演及文字攝影工作坊等多重形式，挖掘潛伏的記憶與情感，投影疊合居民對於當下及未來的思考，也為馬祖建構出屬於地方的時空檔案。 & When Islands Dream extends analysis of dreams in recent trauma studies to the Dreaming Ceremony in Matsu, and boldly asks: can artists play the role of “dreamers”, collecting lost dreams while also evoking imaginations about the future? This project incorporates sound collection, dance performances, video installation and photo-cartography workshops to uncover latent memories and emotions, projecting and overlaying residents' thoughts on the present and future, and constructing a local spatial and temporal archive for Matsu.
佛羅倫斯的異鄉人達文西：文藝復興大師、偉大發明家、解剖學先驅⋯⋯還有什麼是他不會的？
最偉大的畫家╳最著名的藝術家╳最博學的天才 他不僅是義大利文藝復興三傑之一， 他還是整個歐洲文藝復興時期最完美的代表， 他是──李奧納多．達文西！ ◎〈蒙娜麗莎的微笑〉史上最負盛名且最常被模仿的藝術作品 ◎〈最後的晚餐〉所有時期中最多次被複製的宗教繪畫作品 ◎〈聖母像〉被列為「十大最珍貴失竊藝術品」之一 ▎〈維特魯威人〉完美比例的人體圖像 達文西只是從解剖學出發而已， 他想要研究的是人類，甚至於整個世界。 在達文西看來，解剖學是繪畫的基礎。在米蘭時，達文西對解剖的興趣最為強烈，甚至打算出一本解剖方面的書。為了附上真實而準確的圖示，達文西繪製了一系列的素描，其中有的展示了人類的肌腱和肌肉運動，有的展示了人體的比例，而最為著名的當屬〈維特魯威人〉。 •深受羅馬建築家和軍事工程師維特魯威的影響 〈維特魯威人〉是一幅鋼筆素描，描繪了一個男子。男子的頭部保持不動，但身體做出了兩個姿態。首先，男子身處一個正方形中，雙腳併攏、雙臂水平伸出，這時便驗證了「人伸開的手臂的寬度等於他的身高」。接下來，男子身處一個圓中，雙腿跨開，手臂微微高舉，此時便驗證了更為專業的「維特魯威定律」。 ▎〈岩間聖母〉瘟疫中的巨作 最終畫作上只出現了一個天使， 先知不見蹤影，反而憑空多出了小聖約翰。 在達文西到米蘭的第二年，黑死病開始在米蘭蔓延，並一直持續了三年。這個疾病蔓延的城市讓達文西困擾不堪，於是李奧納多幾乎終日待在工作室裡繪製著心中的天堂，這就是巨作〈岩間聖母〉的誕生。 與米蘭瘟疫肆虐的景象截然相反，〈岩間聖母〉完全是一派安寧迷人的景象，雖然也帶著些許荒涼。這幅畫作把人物置於場景之中：在與世隔絕的山洞裡，天使的手指向一處，小聖約翰的手作祝福狀，聖母安詳而富有力量，抬起左手為聖子遮光，荒涼的山洞瞬間變得溫暖而安全。除此之外，達文西將自然界的岩石和植物搬到畫布上，不僅真實而生動，重新組合後還帶有深思熟慮後的宗教象徵。 •瘟疫雖未侵擾達文西的肉體，卻在他的內心肆虐 達文西無法只生活在〈岩間聖母〉虛構的美好之中，現實讓他無處可逃，他在這一時期畫了眾多的寓言畫，最主要的是「享樂之後就是痛苦的必然性」和「妒忌對美德的攻擊」兩個主題的素描。 ▎〈抱銀貂的女子〉異鄉人的傑作 在局勢動盪不安的義大利，達文西是個身在米蘭的異鄉人， 無論走到哪裡，他都帶著被他拋棄的佛羅倫斯標記。 從一個佛羅倫斯的異鄉人到得到盧多維科的喜愛，達文西用了整整七年。除了要做畫謎、謎語和笑話來博得宮廷中人的喜歡外，達文西還為盧多維科的情婦切奇利婭・加萊拉尼畫了一幅著名的肖像畫〈抱銀貂的女子〉。 曾有一位詩人描述這幅畫： 美麗的切奇利婭，她那美麗的雙眼似乎令太陽都失去了光芒⋯⋯ 要感謝盧多維科，感謝李奧納多的才華和精巧的雙手。 他們都想讓她永垂不朽！ •畫作中的銀貂有3種令人驚喜的象徵意義 銀貂絕非溫順的動物，作畫時切奇利婭不可能懷抱著銀貂，那達文西為何會採用銀貂這個形象呢？銀貂是義大利北方的動物，牠的毛皮在冬季雪白無瑕，因此象徵著純潔和潔淨。除此之外，銀貂在希臘語中寫做「gale」，正好切合切奇利婭的姓氏──加萊拉尼（Galerani）。但是，很多人也許想不到，銀貂還象徵著盧多維科，因為盧多維科曾被授予「銀貂」的頭銜。 本書特色 本書詳細介紹全能天才達文西的一生及其作品，除了名作〈蒙娜麗莎〉、〈最後的晚餐〉外，他還留下大量影響後世的手稿。除了是畫家，他還是雕塑家、發明家、哲學家、生物學家、地理學家、建築和軍事工程師⋯⋯在各領域皆有不凡成就的他，究竟有著什麼樣的精彩人生？就讓本書帶你深入了解這位文藝復興時期的巨人。 &
拉丁電影驚艷：四大新浪潮
一九六七年，來自拉丁美洲各地的創作者同聚一堂，定下「新拉丁電影運動」這個名詞。在新思潮與古巴革命成功的影響下，拉丁各地影人應聲而起，新的藝術運動此起彼落，陸續展開。電影工作者的新思維是把電影當作社會變革的工具和政治解放的武器，無論是阿根廷新電影、智利的民粹團結電影、由學院派領導的古巴新電影，或是力度最大的巴西新浪潮，都以各自形式深入社會本質。 & 此外，拉美電影還出現一批新新浪潮，它們與美國關係密切，借重美國大公司的全球發行，並吸收英語世界的能量，在世界影壇大放光芒。透過布紐爾、阿莫多瓦、羅恰、巴班柯等才華洋溢創作者的鏡頭，向國際發聲，展現拉美深厚瑰麗的人文與精神底蘊。 & 知名電影人焦雄屏多年出任各大指標性國際電影節評審，曾親身走訪當地、和多位大導演與製片等影視工作者當面交流；從國際電影節評審的試片室、與主席、導演相聚的餐桌前，甚或布宜諾艾利斯的街頭抗議體驗，她總結各種經驗及評論，多層面地理解、賞析拉丁電影文化，帶領讀者一同認識複雜迷人的拉丁電影。 & 本書特色 & 「憤慨是革命的有力武器。」——布紐爾 & 親身走訪，當面訪談，多層面理解賞析 知名電影人焦雄屏 解析百年拉美電影浪潮 & 剖析22位導演、40部經典作品 中文世界最權威的拉丁美洲電影專著 & 安達魯之犬｜黃金時代｜無糧之地｜被遺忘的人們｜薇瑞狄安娜｜泯滅天使｜青樓怨婦｜中產階級拘謹的魅力｜朦朧的慾望｜修女夜難熬｜壞教慾｜我造了什麼孽？｜我的母親｜玩美女人｜沉默茱麗葉｜慾望的法則｜綁住我，捆住我｜顫抖的慾望｜破碎的擁抱｜痛苦與榮耀｜鬥牛士｜切膚慾謀｜飛常性奮！｜露西亞｜低度開發的回憶｜再見巴西｜無法無天｜燃燒的時刻｜蜘蛛女之吻｜愛是一條狗｜你他媽的也是｜羊男的迷宮｜可可夜總會｜革命前夕的摩托車日記｜情慾飛舞｜樂士浮生錄｜北方｜我是古巴｜古巴與攝影師｜墨西哥萬歲！ &
博物館的公共性與社會性：博物館與公共政策
本書為博物館系列叢書之一，以宏觀的論點討論博物館與公共政策。編纂的架構以政策循環模式為主，包含：議程設定、政策的形成、政策施行及政策評估。從政策的哲學、政策的形成開始探究；再來討論政策的制定與其產物；接續討論博物館的營運層面；最後討論政策的施行成果，是博物館界較少關注的。為使本書能豐富的呈現政策文本，邀請了長期關注博物館界的國內外學者撰寫，作者來自不同的學科背景與專長，富含理論論述；又深究來自不同國家實際施行之政策方案，具國際觀。盼透過此書的編纂帶給博物館界及對博物館有興趣的讀者新的視野與想像。 & 商品特色 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。
誰的博物館經驗？觀眾研究新趨勢
本書收錄了量化、質化與混合研究法等不同研究取徑的文章，針對 觀眾研究策略，提供讀者在進行研究時的參考。本書依序涵蓋量化的非觀眾研究，與參觀民眾的動機、 資訊搜尋、參觀前後評量、參觀行為、參觀後滿意程度、學習成效評量等文章；質化研究則討論訪談 法、焦點團體與觀眾留言分析等三種質化研究取徑，與從情緒參與探討觀眾的學習經驗；同時也收錄 近年來逐漸受到博物館界重視與應用的質量混合的觀眾研究策略。 & 商品特色 & 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。 &
意義創造的載體：探索博物館策展
本書集結關注博物館策展議題的實務工作者、專家，與學者，探索當代博物館策展的視角，試圖理解 策展中的意義創造，與策展意圖、機構定位與策略，和觀眾社群溝通之間的多方關聯。全書分成兩大 部分，第一部分聚焦「博物館機構」本身，做為展覽的發起者，如何定位自身，擬定展覽策劃與製作 策略，使展覽成為實踐城市外交、永續發展、創造新意義與關注當代文化議題的媒介；第二部分圍繞「策展與觀眾、社群的對話」，探索策展促進在地文化、科學知識的溝通、當代原民文化發展，與地方知識的梳理與傳承等層面，深度探討策展如何成為意義創造的載體。 & 商品特色 & 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。
當我們同在一起：博物館友善平權實踐心法
「何謂友善平權？」當我們提及博物館如何推動友善平權時，經常聯想到提供給身心障礙朋友們的各項服務。然而，本書從更寬廣的角度，以「多元文化與博物館」及「無障礙博物館」兩大主題，共十篇的主題論文，關懷各種處於弱勢與不利處境的朋友們所遭遇的歧視與不平等，包含：原住民社群、 新住民、矯正機關青少年，並關注多元性別議題及高齡課題；另外，除了邀請博物館分享如何藉由諮 詢身心障礙代表來貼近他們的需求，本書特別邀請聽障導覽員及社工人員，分享他們參與導覽與策展 的經歷，希望帶給讀者反思博物館友善平權實踐的不同角度與新視野。 & 商品特色 & 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。
博物館妙管家：當代博物館管理的新經緯
博物館管理歷經數十年發展成為博物館學的專業之一。當代博物館管理的經緯阡陌縱橫，從人力管理、 財務管理、藏品管理、資訊管理與行銷管理等基本面向出發，不但要反映時代的需求、也要兼顧組織的永續發展，進階到博物館使命宗旨的再釐清、溝通管理、績效管理與顧客管理等也都與每一位博物館人密不可分。本書廣邀國內外專家學者共襄盛舉，分享他們在管理理論與實務上的心得與成果，有 助於博物館人快速地認識與瞭解管理的意義與效果。透過本書的出版，能引起更多人探究博物館管理的議題，讓管理成為每位博物館人必備的智能，推動博物館永續經營。 & 商品特色 & 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。
博物館數位轉型與智慧創新
本專書邀請文化部及教育部轄下博物館專業人員及國內學者專家，共同探討博物館數位轉型到智慧創新議題，範圍廣納數位典藏與加值內容建構、數位資源全民近用與開放、融合線上與線下數位策展策略、新型態創新內容、服務與體驗、全方位智慧博物館發展模式，以及數位科技服務的觀眾研究與智慧行為探析等多元內容。希望本專書能提供國內外博物館、國內外大學相關系所師生、跨領域生態鏈產業及國內外博物館社群組織，在博物館數位轉型、數位博物館與智慧博物館創新發展議題，在實務建構及學術研究能有更多啟發與參考價值。 & 商品特色 & 我國博物館界泰斗——黃光男教授，集藝術家、教育家及博物館工作者於一身，曾任臺北市立美術館館長、國立歷史博物館館長及國立臺灣藝術大學校長，開創臺灣的博物館特展風潮並作育英才無數。為祝賀黃光男教授八十歲大壽，表達對教授深厚貢獻之敬意，由主編們邀請博物館領域的專家、學者，撰寫學術研究及個案實踐的精彩文章，並彙整成六個主題成冊出版，延續教授致力推廣藝術人文教育的理想與精神。
孟克的吶喊：〈病童〉、〈吸血鬼〉、〈分離〉、〈吻〉，帶來一首關於生命、愛情和死亡的詩篇
表現主義繪畫的先驅╳版畫複製大師 他筆下的人物猶如舞臺劇中的角色， 他是現代藝術大師──愛德華・孟克 & 「病魔、瘋狂與死亡是圍繞我搖籃的天使，並持續伴隨我一生。」 & 當提起「愛德華・孟克」這個名字的時候，人們或許會有短暫的猶疑； 如果加一句「〈吶喊〉的作者」，那麼大部分人會露出恍然大悟的神情； 如果將〈吶喊〉擺在人們眼前，那麼所有人都會說：「哦，是這幅畫！」 是的，這是任何一部合格的美術史一定會提到的作品。 & 不過，在欣賞這幅畫之前，我們或許該知道 ──它不是突然之間產生的靈感，而是個人經歷所累積的結果⋯⋯ & ▎〈死去的母親〉（The Dead Mother） 母親那骷髏一樣的頭深陷在枕頭裡，站在母親靈床前的孩子，睜著雙眼，孤獨地看著周圍的世界，那彷彿是他自己的寫照。 & 1868年聖誕節過後，5歲的孟克失去了母親。他正處在似懂非懂的年紀，親眼看著母親一天天衰弱，最終躺在床上不再應聲，看著親友往返忙碌於喪事，幾乎忽略了他們幾個孩子，他感到惶恐、無助。孟克在畫中無數次地反映過死亡的主題，這與童年留下的印象是分不開的。 & ▎〈病童〉（The sick child） & 紅髮少女坐在床上，絕望地望向身邊的母親。少女的母親握著少女的手，悲哀地低下頭去。他希望透過人物的動勢表達無法抑制的悲苦和絕望。 & 〈病童〉創作於1885年至1886年之間，第一次展出是在1886年的秋季畫展。這幅畫對孟克意義重大。在藝術上，它衝破了自然主義的範圍，帶著印象派的影響，開啟了他今後表現主義的創作；在生活上，它代表著孟克對母親、姐姐以及他的童年最深切、最完整的回憶。 & ▎〈分離〉（Separation） & 他表情痛苦，一隻手捂著胸口──心被奪走了，愛情卻無法挽回。女人的頭髮一直延伸到男人頭頂上方，象徵著雙方關係的糾結。 & 經歷了初次的愛情悲劇，孟克藝術人生的一條重要主題開始成型，那就是理解和表達男人、女人的存在，展示他們的愛、他們的痛苦、他們的絕望，他們被造物主詛咒，幾千年來結成的無盡的枷鎖。 & ▎〈吸血鬼〉（Vampire） & 男人埋頭靠在女人懷裡，似乎在尋求愛情的安慰。女人俯身吻著男人的脖頸，長長的紅髮垂下，覆蓋著男人的頭部和身體。這一幕，看似情侶在接吻，但又像是吸血鬼在吸食人血。 & 在孟克表現男女關係的作品中，絕少涉及愛情的甜蜜、浪漫，而往往是痛苦糾纏，無盡無休。而且，孟克筆下的男女關係中，往往女人是強大的一方，男人是弱小的一方，他們的形象蒼白、瘦弱、深陷在陰影裡，甚至面目模糊。 ▎〈亡故〉（Death in the Sickroom） & 真正的死亡面前，除了最悲痛的親人，世界一切都沒有變，就像這個冰冷的房間一樣，綠色的牆、橙色的地板、簡陋的床。當死者和家屬離開這裡後，世界照常運行，就像這生命從來沒有存在過一樣。 在孟克心目中，這次生死別離的瞬間一直都存在於所有人的心中，從未淡去，這個情景已經成為家人記憶中的永恆。孟克在創作這幅畫時受到了齊克果理論的影響，他曾在一本書中分析了瞬間和永恆會合的一剎那的哲學意義，因而他又將這幅畫命名為〈死亡瞬間〉。 & ▎〈吶喊〉（The Scream） & 他瘦骨嶙峋，兩隻手抱著毛髮全無的頭顱，雙眼形成兩個空洞，嘴巴張開到誇張的程度，似乎在發出某種絕望的嘶喊。他捂著耳朵，似乎聽不見那兩個遠去的行人的腳步聲，也看不見遠方的兩艘小船和教堂的尖塔。 & 畫中這完全與現實隔離了的孤獨者，已被內心深處極度的恐懼徹底征服。他就像一個尖叫的鬼魂，讓觀賞者恐懼，不自覺得也想要尖叫吶喊。他不是一個具體的人物，只是一個被抽象化了的代表恐懼的形象。在這幅畫血紅的天空上方，還有一行潦草的小字：「只有瘋子才畫得出。」 & 〈吶喊〉的創作離今天已經一百多年了， 自這幅畫誕生起，對它的解讀就從來沒有停止過── & 本書特色 & 孟克是一位在藝術領域獲得多方面成就的藝術家，終其一生，他都沒有停止對藝術的探索。他善於思索和總結，將自己的藝術見解和理論付諸筆下，加以文學性的表達，形成了大量學術性和文學性兼備的文化遺產。本書將詳細位讀者介紹挪威表現主義畫家孟克的一生。 &
