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一身滑稽千重意：丑角藝術劇本集
這書為「絕世好丑、歌仔戲丑王」陳勝在入行超過40年來，首部編導的劇本作品。演而優則導，導而優則編的陳勝在，編導公演作品有《青陽大大爺》、《猩猩膽》、《鬼菩薩》、《張古董租妻》、《鬼偷神判毒蠍女》、《秦大條傳奇》、《天子翻江龍》、《陰陽界錯中錯》、《血柳悲秋》等膾炙人口的作品。本劇本集收錄的《鬼菩薩》、《女寇》、《青陽大大爺》、《七品青天》，更為極具代表性的作品，本書所收四個劇本，分別是〈青陽大大爺〉、〈鬼菩薩〉、〈女寇〉、〈七品青天〉，都是以丑角為核心的編創劇本，跳脫傳統以小生為主的作品，也是四種不同類型的丑角戲。正是陳勝在對丑角精神的體悟，融入戲劇結構的最佳見證，值得影迷細細品嘗、珍藏。
中華音樂美學史：結合歷史、哲學與音樂學的多重方法，呈現音樂審美意識的深層結構
儒家為何重視「以樂正心」？道家為何推崇「大音希聲」？魏晉名士為何以琴寄情？唐宋文人為何把音樂視為人格與修養的一部分？三千年的音樂思想精華，一次讀懂！▶從先秦到秦漢：音樂審美意識的源起與奠基從上古三代至春秋戰國的思想脈絡切入，梳理中國音樂審美意識的萌芽與早期形塑。夏、商、周時期的祭祀樂舞、巫儀活動與宮廷音樂構成音樂審美的最初圖景，展現人與天地、政治秩序與宗教情感之間的深層連結。隨後以先秦諸子為中心，探討儒家「以樂正心」的美善合一，道家「天樂」與「大音希聲」的超越審美，墨家「非樂」的功利批評，以及《呂氏春秋》將自然觀、社會觀融入音樂思考的宏觀視野。進入秦漢時代，儒道互補的美學思想逐漸成形，《淮南子》提出「有聲／無聲之樂」，《樂記》則集大成地論述音樂的本原、結構與社會功能，為中國古代音樂美學建立深厚基礎。▶魏晉隋唐：玄學思潮與音樂審美的新拓展魏晉以降，玄學興起使音樂美學呈現新的哲思高度。《樂論》關注「調適」、「平和」等心理─倫理層面的審美旨趣，《聲無哀樂論》則首度從本體論角度辯證聲音與情感之關係，開啟音樂本性探究的里程碑。同時，古琴成為士人精神世界的重要象徵，嵇康、陶淵明等人的琴樂思想，呈現出超然自適的生命美學。至隋唐，政治家與文學家對音樂的觀照愈加成熟，楊堅、李世民以禮樂治世之視角詮釋音樂的秩序性，白居易則從社會生活、時代風俗與雅俗問題切入，使音樂審美討論更貼近現實世界。此外，唐代文獻與佛教美學共同形塑出兼具世俗性與靈性指向的音樂文化景觀，使此時期成為音樂美學的重要轉折點。▶宋元明清：理學、文學與戲曲中的多視角音樂美學宋元明清四代呈現出「思想多元化」與「美學細緻化」的雙向發展。宋代文人如范仲淹、歐陽脩、蘇軾以宏闊視野討論音樂與情感、人格修養與文學創作之關係；理學家如周敦頤、朱熹，則以「性理之學」重新詮釋音樂之和諧與理性。古琴美學在此時也更為系統，從《夢溪筆談》到《琴史》、《琴論》，皆展現對音響、器物、心境三位一體的把握。進入明清，王陽明、王夫之以心學與氣論深化音樂與性情、生命體悟之連結，李贄則提出「童心」與「自然之美」，突破傳統禮教框架。《溪山琴況》將琴樂審美推至高峰，而戲曲家如李開先、張琦、李漁等，則把音樂審美帶入舞臺、劇作與表演之中，使美學思考更貼近大眾文化場域。▶近現代音樂美學：中西交匯下的再創造最後一章以近現代為視角，呈現音樂美學在中西文化碰撞下的深度轉型。二十世紀以來，中國音樂家與思想家試圖建立新的審美語言，一方面關注音樂的社會功用、民族精神建構，另一方面探尋中西音樂形式、和聲、結構之間的融合路徑。教育家與文學家推動音樂美育，使審美不再侷限於精英文化，而具有啟蒙與普及的價值。王光祈、青主、黃自等現代音樂家，則以音樂科學、藝術創作與教育實踐，共同拓展中國音樂美學的現代意涵。本書以縱深的歷史視野梳理思想傳承，呈現中國音樂美學從古至今的多維發展軌跡，展現其厚實文化底蘊與持續活力。本書特色：從上古三代《九歌》與禮樂教化，到近現代中西音樂思潮的碰撞，本書以時間為經、名家名著為緯，完整勾勒中國音樂美學三千年發展脈絡。重點解析「樂」、「和」等核心美學範疇，串連孔孟荀、老莊、魏晉清談、宋明理學與近現代作曲家觀點，以扎實史料與清晰論證，展現音樂與政治、宗教、哲學、日常生活的深層關係。
夢想每一幀，從靈光一閃到電影製作
打破常規，激發想像，學會用鏡頭表達內心世界培養故事力與團隊力，影像教育成就全人發展想拍出自己的電影？就從第一個「假如」開始！⚑ 結合教育與實務本書是一本專為學生設計的電影製作入門教材，由長期深耕影視教育的專家所撰寫，內容源自多年教學實踐與課堂應用的成果。作者將電影製作的理論與實踐緊密結合，系統性介紹電影從構思、劇本撰寫、拍攝、剪輯到發表的完整流程，讓學生得以一步步掌握影像敘事的核心技巧。書中將艱澀的專業知識轉化為青少年能理解與操作的學習內容。⚑ 創意啟發與故事力養成本書核心理念在於培養學生的「故事力」，也就是將個人想法轉化為具體、可視化的影像敘事能力。書中運用了大量的「假如活動」與問題引導法，透過這類趣味性強的創意思考，激發學生的想像力與創造力。從故事框架、角色設定、戲劇衝突到高潮設計，學生不只學做電影，更學會講好一個故事。⚑ 結構清晰、步驟明確本書將電影製作分為六個基本步驟，每一步都搭配清楚的說明與範例。透過三幕式結構來說明電影敘事，幫助學生理解節奏與角色弧線的安排。此外，書中提供實作建議與練習題，讓學生能夠將概念應用於實際拍攝中，循序漸進地完成一部短片作品。⚑ 數位工具與時俱進因應現代學生常使用智慧型手機與數位設備進行創作，本書特別納入大量與數位影像相關的知識。書中鼓勵學生活用身邊的簡易器材來實現電影夢，並提供專業技術的簡介，幫助學生從入門邁向專業，降低學習門檻的同時提升品質意識。⚑ 建立團隊與媒體素養透過電影製作，學生可以展現自我、表達觀點，並學習與同儕合作完成共同目標。從角色分工、拍攝協調到後期討論，電影成為訓練領導力、溝通力與時間管理的絕佳平臺。此外，書中也潛移默化地培養學生的媒體素養，使其在影像世代中具備批判性觀看與創造能力。⚑ 一本啟發創造力與夢想的影像教育寶典本書不只是一本電影工具書，更是一部引導青少年認識自我、表達思想、實現夢想的創意指南。書中以生活化語言、豐富插圖與教學設計，讓學生在拍電影的過程中快樂學習、積極表達，真正感受到影像創作的樂趣與力量，是一本具有時代意義與教育價值的優質讀物。本書特色：本書以通俗易懂、圖文並茂的方式，全面介紹電影製作的各個環節，從電影歷史、類型、劇本撰寫到拍攝與後期剪輯。作者特別為青少年量身打造影視課程，鼓勵學生從「奇思妙想」出發，學會講故事、寫劇本、拍電影，並培養創造力與合作精神。書中強調「打破常規、寓教於樂」，是一部專為學生設計的電影創作指南。
電影符號學：從古典到數位時代，第三版
作者長期研究電影理論，將成果集大成於《電影符號學：從古典到數位時代》，詳細耙梳並剖析符號學的發展源流與變革，以及索緒爾、李維史陀、羅蘭‧巴特、皮爾斯等學者的理論，並介紹電影理論的關鍵人物──克利斯蒂安‧梅茲──如何把符號學、語言學、結構主義、精神分析運用至電影分析，奠定電影符號學的重要地位。 二十一世紀後，電影科技日新月異，由膠卷轉為數位影像，因此在理論層面以外，書中也列舉許多影片為例，古典電影如《波坦金戰艦》、《月球之旅》，以及當代電影如《阿凡達》、《全面啟動》、《雨果的冒險》、《駭客任務》系列等，說明電影符號學如何能應用於嶄新的電影發展與研究。為了因應電腦科技環境變革而帶起的社會符號學，第三版新增專章探討電影的「多模態」（multimodal），期望能使看似古典的電影符號學更符合時代精神，展望未來趨勢，與時俱進。本書特色1. 詳盡說明符號學理論從古典到數位的發展與演變2. 介紹符號學理論大師，如皮爾斯、索緒爾、羅蘭‧巴特、李維史陀、艾柯及梅茲等3. 以符號學理論切入，細緻地解讀、分析影史上的偉大電影4. 適合電影研究者，數位傳播、電影系師生與影迷閱讀
垂景：葉陶軒空拍攝影集（隨書贈精美海報）
★資深法新社攝影記者葉陶軒首部攝影集。★隨書限量贈送42x54cm精美海報，採用日本竹尾紙業的新浪潮紙印刷。★資深平面設計師羅文岑操刀裝幀設計。★書末收錄三篇專家導讀＆拍攝地點目錄。駕馭飛行之眼，俯瞰垂直景框中的台灣之美。——資深新聞攝影師葉陶軒首部作品集☆☆名家共同推薦——何經泰（攝影家）、沈昭良（華梵大學攝影與VR設計學系教授）、張良一（自由攝影師）、黃世澤（《報導者》攝影部主任）、齊廷洹（看見・齊柏林基金會董事）、陳佳琦（攝影史研究者）、龔卓軍（臺南市美術館館長）☆☆☆☆「空拍為我的眼睛裝上翅膀，捕捉到的大地之美難以想像。」☆☆在法新社從事新聞攝影三十餘年的資深記者葉陶軒，在人生低谷時期接觸到空拍攝影，意外地為他開啟了一扇窗。之後，將長年在第一線新聞現場搶拍畫面的攝影之眼，往天際拔昇數十公尺，轉為從空中俯瞰大地。從空拍機的視角居高下望，人眼轉為鷹眼，地表的一切瞬間成了各式各樣的奧妙圖騰——幾何般的線條、迷幻的色塊和神奇的質地——這一切組合出的景象前所未見，讓人眼界大開。即使相片中拍攝到人類活動，也凝縮成如棋子或積木般的迷你元素，提供畫龍點睛的生動點綴。☆☆「空拍對我來說，就像是為我打開影像新視窗的按鈕，更是探尋生命意義的探測儀。⋯⋯專注於空拍讓我逐步克服內心的恐懼與不安，隨著一次次飛行練習，深深被遼闊而充滿生命力的地景所吸引，漸漸讓我感受到平靜與專注，並在心靈上得到了救贖。」☆☆而救贖了葉陶軒的空拍，也震撼了觀者。他攝影作品的特出之處，在於獨特的構圖美感和堅持的九十度垂直視角，跳脫一般空拍照片的全景式視野，畫面因而在記錄自然和文化地景之外，達到了更高層次的抽象視覺美感——純粹，且令人驚嘆。書中許多畫面第一眼就讓人驚嘆，升起的第一個疑問是：「這是台灣？在哪裡拍的？」你以為再熟悉不過的成長之地，轉換一個視角就成了認不出來的奇幻神祕抽象畫。再仔細端詳，彷彿看出一些端倪，卻又無法十分確定。影像的多層次趣味，在葉陶軒的攝影中表露無遺。書名「垂景」則是出自東漢辭賦家王延壽《魯靈光殿賦》中「中坐垂景，頫視流星」之句。字義為自高處俯視之景，既捕捉壯闊，也揭示視野所帶來的精神高度。這層意義恰好對應葉陶軒的空拍攝影美學——他操縱空拍機，以九十度垂直捕捉下方地景，這樣的視角，構圖上完全壓縮地貌垂直向度的高低起伏，將其轉為平面重疊的圖騰與符號，可說以全新的視覺語言描繪台灣風土。相片中拍攝到的人造物和經濟活動，更是細膩勾勒出人與土地間活潑而深刻的連結。本書每一幀空拍影像都猶如一幅抽象畫，編輯成書之後可說是一趟平飛在空中的視覺之旅。熟悉的地景因角度的轉換展現出萬千風貌，也讓觀者從中挖掘無窮的想像和故事。☆☆「空中探索的過程像尋寶般令人期待且愉悅，在不預期中總能尋得驚喜；大地之美遠超過想像，若非升上高空，無法真正感受到地景之宏偉與震撼。空拍就像為我的眼睛裝上翅膀，讓我遨遊天際，盡情記錄大地之美！」——葉陶軒☆☆☆☆「葉陶軒老師以垂直視角所呈現的台灣地貌，讓熟悉的風景轉化為帶有符號語言的圖騰，不僅具備高度的美學張力，也展現了攝影如何回應土地、回應內在的旅程。」——齊廷洹（看見・齊柏林基金會董事）☆☆
淑世．才女．張李德和（附DVD）
張李德和原名李德和，1893年出生於雲林西螺。從小學習漢學、詩文、書法與琴藝。1907年進入臺灣總督府國語學校第二附屬學校就讀，精進於繪畫與刺繡等功課。1912年，李德和與張錦燦醫師結婚，冠夫姓為「張李德和」，並在嘉義公學校任教。1914年，張錦燦開設「諸峰醫院」，建築的庭園叫做「逸園」，二樓則稱為「琳瑯山閣」，因此張李德和自稱為「逸園居士」、「琳瑯山閣主人」等，後來辭去教職，協助醫院的院務工作。 在忙碌於院務與子女教育之餘，張李德和以詩詞和作畫來消遣。1920年，加入西螺「菼社」，成為當時唯一的女性詩人成員，備受矚目。之後也積極參與詩社與聯吟活動，後世稱她為「詩媽」。1930年起，張李德和正式跟隨林玉山學習東洋畫的創作，題材上多取自逸園的花鳥，其畫風細膩而優雅。1933年，張李德和所作的〈庭前所見〉，首次入選第7回「臺展」，1936年再以作品〈木瓜〉入選第10回「臺展」。此外，自從1938年「府展」創辦以來，直到1943年的最後一回，每一年她都有作品獲得入選。尤其是第2、第3、第4回「府展」，連續三年榮獲「特選賞」，1940年更以作品〈扶桑花〉，榮獲特選「總督賞」，因而晉升為「推薦」資格之殊榮。 在夫婿張錦燦的支持下，「琳瑯山閣」成為日治時期，嘉義地區的詩文書畫、推廣交流之重要據點，畫家陳澄波曾畫過〈琳瑯山閣〉，以記錄當年的盛況。張李德和與夫婿均熱心公益，不僅贊助藝文活動、開辦講習所。從1950年起，張李德和更擔任博愛救濟院董事、臨時省議員等職務，辛勤問政、關懷民生的議題。1963年創辦「玄風館」，推動書法教育。1971年張李德和前往日本與長子同住，此時她的身體狀況已難投入創作，隔年在日本辭世，享年八十歲。身為女性藝術家的張李德和，在家庭與社會角色之間自律嚴謹，透過自身不斷努力，得以實現藝術的理想，並致力藝文教育與傳承，貢獻卓著。
跨界．蠟染．黃歌川（附DVD）
黃歌川，1919年出生於福建省福州市于山的山腳下，1941年進入福建師專藝術科，接受西方繪畫的系統教育。從對日抗戰到國共內戰的期間，他以藝術的創作與宣傳來救國，直到1949年跟隨撤退來臺灣之後，黃歌川依舊透過文化宣傳、採訪、美術編輯，發揮以藝術應對社會變動的價值。 來到臺灣的初期，黃歌川將水墨與水彩交相運用，走出一條獨特的藝術道路，1957年舉行首次個展。此外，他在報刊中大量發表水彩的創作，以及攝影作品，呈現出臺灣的城市、農村與山川之美。例如水彩作品〈臺北街景〉，圖中建築物的筆調快速流暢，而攝影作品〈總統府〉，則呈現重疊攝影的技術。 1960年代黃歌川開始研究蠟染，簡化工序、進行創作。他研發出冰裂紋技術，作品題材除了靜物、風景之外，還有抽象的大自然山川等，賦予蠟染新的生命，使得蠟染一躍成為藝術創作的嶄新領域。同時黃歌川在其開設的新藝畫廊，販售蠟染創作與其他藝術家的作品。 黃歌川積極推動國際交流，參與聖保羅國際藝術雙年展、前往韓國白松畫廊舉行蠟染個展等活動，並與同好創設聯合水彩畫會、中華民國畫學會等藝術性社團，不藏私地將研究心得，透過開班教學推廣開來。著名的德國行為藝術家波依斯強調「人人都是藝術家」，正好黃歌川的想法與其理念相通。黃歌川的作品十分多元，1987年前後開始創作達摩作品，後來也研發新媒材，為傳統水墨畫找出路，使用複合媒材創作，作品多為蓮花及山川。1990年代黃歌川的山川作品，進入一種夢幻多彩的追憶與創新，作品〈醉月掛樹下〉呈現抽象、深沉的感受。黃歌川的藝術能力養成，是從戰爭之中逐漸發展開來，而他一生為了追求藝術的融會、創新，以及藝術推廣而奮鬥不懈的精神，分外令人感佩。
堅定．深刻．黃清埕（附DVD）
黃清埕，1912年出生於澎湖西嶼小池角社，五歲時就愛上畫圖。在就讀公學校期間，圖畫作品深得劉清榮老師的讚賞與指導，其後在高雄中學校唸三年級時，繪畫作業卻被日籍老師懷疑是他人的作品，因此憤而退學，返鄉進入漢學書房、勤讀四書。 黃清埕在十九歲時，專程到臺北欣賞黃土水的遺作展，也與堂兄前往廈門旅遊、參觀廈門藝專，導致他萌生了前往日本學習美術的想法。1933年，他先到日本補讀中學，又與赴日深造的劉清榮老師，一起寫生及參觀展覽。幾經考慮之後，他決定不畏生活拮据，違抗父親要他投考藥專的要求，最初考入日本中央大學，接著自行準備投考東京美術學校的術科考試。 1936年，黃清埕考上東京美術學校雕刻科，與陳德旺、藍運登合租畫室，唸書期間的寒暑假，他數次返臺替別人畫像，或是製作雕像來換取生活酬勞，例如為鍾紅樟先生雕塑的人像。1938年他加入由張萬傳、陳德旺、洪瑞麟、陳春德、許聲基所成立的「MOUVE洋畫集團」，並多次參加MOUVE展覽而屢獲好評。同年完成的〈貝多芬像〉，是黃清埕的雕塑創作之中，僅存刻有簽名和日期的作品。 在1940年到1941年之間，是黃清埕創作力及發表慾爆發的階段，作品包括展現印象派風格的〈頭像〉，以及〈少女頭像〉、畢業作品〈胴體〉、油畫〈路邊風景〉、〈小女孩〉等等。1943年正值二次大戰末期，黃清埕接受北平藝專教職，打算在任教之前先行返回臺灣一趟，不幸所搭乘的輪船，在抵達基隆港之前被魚雷擊沉，他與夫人李桂香同時罹難，年僅三十一歲的人生倏然而終。黃清埕原本是一顆耀眼的新星，卻因戰爭的波及而殞落，著實令人無限遺憾。
遺世．永恆．葉世強（附DVD）
葉世強1926年出生於廣東韶關，1948年進入廣州市立藝術專科學校西畫科就讀，隔年，受國共戰事影響，輾轉來到臺灣，進入臺灣省立師範學院藝術系就讀。在校期間，葉世強的繪畫表現優秀，也與學妹情投意合，惜遭女方家長反對，導致最後無心拿到畢業文憑，僅留下泥塑作品〈永恆的戀人〉作為紀念。 1963年，葉世強擔任私立復興美工班導師一年。隔年起，陸續於臺大美術社、醫學院綠野社擔任美術指導老師，深獲學生的愛戴。1970年再回復興商工擔任兼任老師，直至1992年辭職。 1971年，葉世強報名南懷瑾的靜坐禪修班，心境上達到安定自在。他積極面對生命的無常，用簡單的線條，便能構築無限擴大的宇宙，作品既輕柔又充滿力量。同時，他也跟隨孫毓芹學習古琴演奏及鑽研製琴的手藝。1976至1990年間，葉世強隱居新店灣潭，專心地投入古琴製作，2008年，在臺北紫藤廬舉行古琴藝術暨書畫展，展出十年來的藝術與古琴創作，製琴手藝深受老師肯定。 1990年代，葉世強搬到瑞芳水湳洞，在此五年期間重新提筆，創作簡筆人物畫、日常風景，以及重筆塗抹心境。1995年因病臥倒在床，幸得昔日學生的幫助緊急住院，康復之後遷往花蓮居住，不僅身體狀況改善，也實現了青年時代遊覽世界的願望，創作更是煥然一新，展現旺盛的生命力。2006年，八十一歲的葉世強首次結婚，成為藝壇佳話，從此離開花蓮、定居於新店。2007年在學生邱萬興的奔走下，於國立國父紀念館舉行生平首次回顧展，完成了葉世強多年的心願，從此頻繁地在各地公私畫廊展出。 2012年，葉世強完成最後一幅油畫〈日本櫻花〉，6月病逝於新店家中。他長年隱居山海之間，雖一生艱困，卻始終秉持著對藝術天賦的信心，將生命的坎坷奮力轉化成創作能量。其純真而獨特的藝術精神，使作品散發出動人的光輝。
逐光．淨美．江賢二（附DVD）
江賢二1942年出生於臺灣臺中，唸小學時受到美術老師張錦樹啟發，對繪畫產生興趣。1960年考進國立臺灣師範大學藝術系就讀，受到廖繼春與陳慧坤老師的影響，拓展他對西方藝術的視野，並結識未來的妻子范香蘭。1966年，於臺北省立博物館舉辦首次個展。隔年結婚，並赴巴黎深造。1968年，轉往紐約，自此長居美國三十年。 1995年江賢二返臺探親，受思鄉情懷和臺灣當代藝術活力的感染，創作能量爆發。1998年正式回臺定居，並發表「百年廟」等系列。2000年再展出1970至1990年代創作的作品，包括「巴黎聖母院」、「遠方之死」、「淨化之夜」、「聖巴爾斯島」等系列。 2008年移居臺東金樽，臺東豐富且開闊的自然與光激發江賢二突破過往的創作形態，迎來新的階段。他以鮮明的色彩展現「光」的元素，發展出「比西里岸之夢」系列作品。之後，他不再局限於畫筆、畫布等傳統媒材，並持續從古典樂汲取靈感，創作出〈乘著歌聲的翅膀〉與〈德布西--鍵盤〉等作品。 2018年，他將原本的畫室規劃為開放給大眾的「江賢二藝術園區」並正式動工。園區的施工廢料也開始成為他作品中的新媒材，例如「金樽」系列，或是回應時事的〈Covid-19〉、「火與冰」系列。而取自畫室的顏料擦拭紙團，則成為〈海的聲音21-00〉作品中的一片藍海。 不論形式或技巧如何轉變，江賢二始終秉持對藝術內容及精神性美感的追求。2025年「江賢二藝術園區」正式開放，成為結合自然、藝術與建築的場域，江賢二將之視為自己一生最完整的作品。江賢二畢生鑽研抽象藝術，透過澄淨優美的色彩，營造出「精神性的空間」，而「光」則是其中的靈魂。他相信藝術可以淨化人心，被譽為「美的傳教士」。
造境．殺墨．洪根深（附DVD）
洪根深1946年出生於澎湖縣鼎灣村，小學三年級時因繪製總統蔣中正伉儷肖像獲獎，被媒體報導，稱他為「繪畫神童」。1966年，洪根深進入臺灣省立師範大學藝術系，從此勤練素描，也經常到故宮博物院觀摩古代的書畫名家作品。同時，受到《文星》雜誌引介西方思潮的啟發，開始將拓、貼、印、染、噴、灑等新技法，融入到傳統的水墨創作當中。 1970年，洪根深以國畫第一名等多項優異成績畢業，之後與妻子遷居高雄執教，並成立「鐘鼎畫室」，持續進行水墨的實驗創作。1976年，他的首次個展於高雄臺灣新聞報畫廊舉辦，深獲各界好評，鼓舞了他日後持續藝術創作的道路。 洪根深的創作以「殺墨」為名，挑戰傳統水墨的框架。由於自幼體弱多病，他的作品蘊含強烈的憂患意識，並關照精神世界。他將有形的現實，轉化為抽象墨韻的意境，創造富含感性的畫面。從1970年代打破傳統結構的「枯山水」系列，到1980年代邁入成熟的「繃帶」、「黑色情節」系列等，洪根深接觸社會與人群，逐漸在作品中映現對人性的深刻反省，走出一條屬於自我的水墨道路。 創作之餘，洪根深長年投身高雄地區的藝術與公共事務，不僅與畫友共組「高雄市現代畫學會」、創辦《藝術界》月刊等，也整理高雄地區的藝文史料，出版《邊陲風雲》等多本專書，更積極推動高雄市立美術館的成立。2004年，獲頒高雄市文藝獎，肯定他一路走來的創作與文化貢獻。 洪根深認為藝術家不能缺少對創作、心靈、土地與文化的黏性。自澎湖生長茁壯的他，2019年捐贈大批作品給澎湖縣政府文化局，2020年由文化局成立「洪根深美術館」，，期許以藝術回饋鄉里，持續推動地方的文化發展。
悲心．反骨．陳來興（附DVD）
陳來興，1949年出生於臺中內埔后里，國小時完成記憶中的第一張畫，描繪農村的一隻大白鵝。就讀臺灣省立彰化商業職業學校期間，美術老師黃文德引導他進入繪畫的天地。畢業後考入國立藝術專科學校，但保守的教學讓他極其失望，之後走上現代藝術的自我探索之路。 陳來興服完兵役後擔任國中教師七年，卻不能適應學校的諸多要求，1979年舉辦首次個展，1981年便辭去教職，前往臺北成為專職藝術家，期間做過許多工作，體會到底層的生活。三年後陳來興返鄉，開始關懷底層社會的工人與農民，繪製單人肖像畫，例如作品〈老師〉、〈編草蓆的婦人〉，以及常民生活作品的〈漁市場〉、〈夜間的釣蝦場〉。從1988年「五二○農民請願事件」的系列創作之後，為了實踐對臺灣土地的深切之愛，他加入社運團體，以積極的行動來支持團體訴求，走向鮮明的藝術實踐道路。 陳來興的自畫像是偏向平面性的粗獷塗鴉，也有帶塊面分割與重組的立體派作風，這些多重風格的自畫像，是他師承早期現代主義繪畫的具體縮影。此外，陳來興的素描大多是速寫的形式，是由寫生所表現出來的快意之作。經常在外寫生的陳來興，依靠驚人的觀察力與繪畫熱情，畫出臺灣各地自然景觀和充滿生活氣息的作品。另一個重要的畫題，是畫出持續照顧兩個孩子、維持家計的妻子林秀免，量大質精的作品如〈室內的徬徨〉、〈賢妻良母〉、〈閱讀中的婦人〉等，呈現出他對妻子的依戀、自責與感謝。 2018年後，陳來興受到血管性失智症的影響，從此較難動筆作畫，在彰化的寓所過著恬淡而自適的生活。綜觀陳來興的藝術實踐，強大的直覺，濃烈的情感，敏感而細緻的觀察，又重又狠的筆觸表現，貫穿了他的素描與油畫作品。他的畫作經常在「完成與否」或「是否過度完成」之間游移探索，而這也是陳來興的魅力所在。
光影．心跡．卓有瑞（附DVD）
卓有瑞，1950年出生於屏東縣南州鄉，從小受到書香家庭的薰陶。就讀屏東縣南洲國小時，跟隨蔡水林老師習畫。從臺師大美術學系畢業之後，她以照相寫實的手法，發展「蕉作組畫」系列作品，並於1975年在臺北美國新聞處林肯中心舉行首次個展，獲得廣泛的討論及矚目。 1977年，卓有瑞與臺師大的同學司徒強結婚，婚後定居於美國紐約。為了支持夫婿的藝術創作，她承擔家計，擔任廣告照片的修飾師傅；其後卓有瑞與司徒強，均成為照相寫實主義畫派的成員。 1980年到1985年之間，卓有瑞完成了「影子」系列作品，畫面中關閉的門和大片的陰影，影射自己在異地求生的困境。1986年，她成為O.K.哈里斯畫廊的代理畫家，並前往歐洲取景，創作出以階梯為題的畫作。1989至1990年「穀倉」的系列作品之中，是以幾何造形表現出「極限主義」的特色；而1990年「峇里島」的系列作品，則以平面性展現抽象表現主義的影響。同一年「牆」的系列作品中，強調牆壁的色澤肌理和歷史的斑駁感。1996至1997年的「絲路」系列作品，則是以牆壁和藤蔓的影子為主，呈現光影虛實的交錯，傳達陌生、異域、抽離現實的感受。1998至1999年的「西藏」系列作品，是她為生命旅途尋求答案的歷程；而2000至2004年的「混雜與融合」系列作品，則是展現遊戲的趣味、裝飾性的元素和捉摸不定等特質。 2004年，卓有瑞位在紐約的住所，因受到隔壁大樓的施工影響而成為危樓，住戶必須搬遷，所幸隔年她接受香港的教職，前往香港開啟另一段新生活，其後逐漸發展出「樹影」系列作品，展現出速度和動感；2014年的「地影」系列作品，描寫投影在水泥地上的樹影，展現物我合一的思維。從2021至2024年的「蒼穹」系列作品，則是探討人與宇宙之間，穿越時空的深度交流。卓有瑞真誠的創作和生活，把人生的逆境變成順境。光影和心跡，刻畫了她節節奮進的人生旅程。
仙才．卓絕．于彭（附DVD）
于彭本名巫坤任，1955年出生於臺北士林外雙溪，自小學起便嶄露了對美術的興趣，唸中壢高中階段，更受到陳亦耕老師的啟蒙，萌生以藝術創作為志業的念頭。1977年在臺北新公園當街頭畫家，三年期間，不僅磨練了速寫功力，也在此與未來的妻子何醇麗相遇。1981年，于彭結識收藏家沈尚賢以及張頌仁等人，他們也成為欣賞與推廣于彭作品的知交。同年于彭前往希臘、再赴中國遊歷一百零八天，文化上的震撼促使他確立水墨畫的創作道路。 1983年于彭結婚後，開始改建住所「桂蔭廬」，實踐他對於傳統文人精神的自我認同。此後，家居生活成為他藝術創作的豐富素材，兩個兒子也開始以仙童的形象，反覆出現於其作品之中。同時，于彭也與好友吳天灰共同製作版畫、開設雙溪閣藝術中心、經常舉辦展覽。 1988年，在張頌仁的引介下，于彭於紐約的「漢雅軒」舉辦個展，此後也多次在美國、香港與臺灣的漢雅軒舉辦個展，為他打開一扇通往國際藝壇的大門。1997年，于彭參與藝術史學者楊蕙如策畫於美國紐約素描中心的展覽，作品進入國際藝術研究的視野之中。同年，于彭前往中國定居三年，這段時期他的創作能量達到高峰，在水墨畫中完成了自我的確立。 于彭的水墨不囿於傳統，他經常將真實人物的速寫結合虛構的文學意象，展現奇幻的視野。其作品最精妙的筆墨氣魄，則來自他瀟灑不羈的真性情。于彭交遊廣闊，常與好友盡興地暢飲，喜歡流連在臺北永康街的「發記生活館」。2011年，于彭舉行最盛大的一次個展「遺民．移民．逸民」。2014年10月13日于彭病逝。他將藝術與生命融為一體，將豐富的生活感悟，呈現在作品之中，不僅創造了獨有的藝術世界，也為當代水墨擴延想像的邊界。
游牧．諧擬．蘇旺伸（附DVD）
蘇旺伸，1956年出生於嘉義朴子，就讀東石高中期間受到繪畫老師吳梅嶺的啟發，奠定下日後走向藝術創作之路。1979年，他從中國文化學院美術系畢業，其後曾經短暫擔任教職、並持續創作，1980年代的作品從具象寫實，開始轉向抽象的構成，以從上而下的俯瞰視角，發展出以「馬路」為主題，由點狀物、線條與色面，構成的抽象形式的作品。 1983年的蘇旺伸，開始以媒材加上編號為作品命名，例如「C」系列的作品，是指顏料繪製於畫布上。1985年他在臺北美國文化中心舉辦首次個展。1988年左右，畫作開始有狗貓形象出現，完全抽象的繪畫風格也進入尾聲。此後十年的展覽不斷，如1988年臺北市立美術館舉辦的個展，1993年的「蘇旺伸個展」，以及1997年的「滬尾．淡水--蘇旺伸個展」。 蘇旺伸在1999年離開熟悉的淡水，搬遷至高雄市左營，落腳於眷村「明德新村」，並開啟一條「以獸喻人」的創作道路，從可辨識的貓狗等明顯特徵，逐漸抽象化、精煉成「獸」形的四不像動物，藉此比喻臺灣政治所顯現的怪誕景象。蘇旺伸從遠距離觀察人間，使用堅定、溫柔且溫暖的色彩筆調，在畫作中呈現出奇幻的氛圍。 從2005年開始，他以雜耍遊戲，為筆下的動物提供表演的舞臺，藉著難以辨識的肢體動作，表現或模擬人類的情感和意識。在此所見的人類社會，則變成特技雜耍的俱樂部，表面上看似歡樂，實則荒謬。2017年蘇旺伸再遷居至臺南安平，隨著畫室的不斷搬遷，他側寫市鎮的變化，例如作品〈大遷移〉，就像是在抒發一生被迫遷徙的無奈與隨遇而安。 近年來蘇旺伸的作品，漸趨輕盈而明亮，畫中四不像的動物，看似特技雜耍的滑稽與歡樂，實際上卻仍處在戰戰兢兢的狀態，這是他以一個知識分子的「游牧」姿態，不固著於特定立場，以藝術的「諧擬」，呈現對臺灣現況的觀察和體悟。
